AES+F group

Považován za jeden z nejúspěšnějších a nejznámějších uměleckých skupin dnes, AES+F se výstav po celém světě. Multimediální zařízení a projektů Tatiana Arzamasova, Lev Yevzovich, Jevgenij Svyatsky a Vladimir Fridkes jsou věnovány především globální kultury a analýza moderních hodnot.

Jejich instalace filmu „Inverso Mundus“ (latina pro „převrácený svět“) byl uveden na Bienále v Benátkách a je stále na turné muzeích po celém světě.

Ivan Aivazovsky

barvy moře jako Ivan mohl! Malíř Aivazovský byl uctíván jako jeden z nejplodnějších umělců a vytvořil více než 6 000 mořských krajin. Historici umění a kritici umění považují umělecké dílo „Černé moře“ za jeho opus magnum, výsledek umělcova přehodnocení jeho života a kariéry.

Yuri Albert

Albert’s famous artworks with text often become Internet memes, while his retrospective exhibition, „What did the artist mean by that?“v Moskevském muzeu moderního umění, zůstal ve stavu trvalé změny po celou dobu jeho trvání. To je to, o čem je Yuri Albert. Ve věku 15 let, tento konceptuální umělec ocitl v dílně Komar a Melamid, pod jehož vlivem se začal vytvářet díla, která přehodnotit podstatu moderního umění.

Albert je oblíbený trik je, aby se dobře známé práce, změňte ji a přeměnit ji na jeho vlastní, zároveň zapojení v polemice s originálem. Vezměme si například jeho mezník série děl, ve kterých se umělec ironicky srovnává s mezinárodními uměleckými hvězdami.

Leon Bakst

Evropský úspěch Sergei Diaghilev slavných ruských Sezón v Paříži byl do značné míry v důsledku Bakst. Jeho sety a návrhů kostýmů pro Balet productions se stal senzací v jejich vlastní pravý: byly dokonce vystaveny v Louvru, zatímco Bakst je Orientalista styl nastavit módy v Paříži pro turbany, široké kalhoty a barevné paruky.

Andrey Bartenev

excentrické Bartenev udělal jméno pro sebe v roce 1990: jeho kostýmy z jakýchkoli dostupných materiálů, stejně jako představení a instalací, se stal symbolem doby.

Od té doby, on stal se známý jako „mistr pobuřující“, one-man veselí a pěší výkon: Bartenev vyčnívá z davu díky jeho světlé střelené kostýmy. Jsou i nadále jeho způsobem zkoumání světa nebo přehodnocení známých spiknutí.

Ely Bielutin

Avant-garde artist Bielutin měl pověst pro experimenty a mystifikace. Založil studio v Moskvě a jakousi školu nazvanou Nová realita, která spojila více než 3 000 umělců. V roce 1962 byla ve výstavní síni Manezh v Moskvě vystavena díla abstraktních umělců jeho ateliéru.

výstavu navštívilo Komunistické Strany Generální Tajemník Nikita Chruščov, který nenáviděl to, co viděl, popisovat to „bordel“. Poté byla nová realita prakticky zakázána, přičemž Bielutin se stal samotářem a jeho díla nezobrazovala téměř až do perestrojky.

Viktor Borisov-Musatov

Borisov-Musatov byl symbolista, který se specializuje na malování chátrající staré zámky, zahradní čajové dýchánky a členové ruské šlechty na přelomu minulého století. Říká se, že jako zástupce Stříbrného věku se pokusil zachytit „mizející svět“ a poslední ozvěny odcházející éry.

‚Bazénu‘ byla výchozím bodem jeho uznání jako symbolistní umělce: obraz zachycuje jeho sestra a nevěsta sedí u venkovského domu rybník. Obraz se stal jeho svatebním darem jeho ženě a jeho prvním významným úspěchem.

Karl Bryullov

Bryullov byl jeden z nejlepších portrétních malířů své doby. Maloval oficiální a soukromé portréty ruské aristokracie, navštěvoval císařské recepce a znal Alexandra Puškina.

Ale vše, co přišlo po 12 let žije v Itálii, šest z nich Bryullov strávil pracuje na jeho monumentální práci, Poslední Den Pompejí‘. Za to umělec získal Grand Prix na pařížské výstavě a uznání v Evropě a Rusku.

Vladimir Borovikovsky

maloval ruské aristokracie, včetně císaře, ale je lépe známý pro jeho portréty mladé dámy, které jsou zobrazeny nejen v Treťjakovské Galerii v Moskvě, ale také v Louvru v Paříži. Borovikovským úspěchem ochranné známky byla jeho schopnost vyjádřit výraznou smyslnost jeho modelů.

Grisha Bruskin

In the Soviet Union, his works were rejected, and he found recognition only with the start of perestroika. V roce 1988, u Sotheby je první a jediný aukce v SSSR, jeho „Základní Lexikon“ byla prodána do Západní kolektor pro (tehdy) rekordní $416,000 (po výslechu na KGB, předchůdce FSB). O pár týdnů později byl Bruskin v Americe a jeho práce byla od té doby vystavena v nejslavnějších muzeích světa.

Základní Lexikon‘ je řada pláten, v nichž četné sádrové figurky – průkopníci, sportovci, proletáři, Členové Komsomol – se nese znaky oficiální Sovětské kultury, vizuální kód Sovětské masové agitace a propagandy.

David Burliuk

Burliuk získal uznání jako „otec ruského futurismu“ a to jak v Rusku a v zahraničí, zejména v New Yorku, kde se usadil v roce 1922 a byl aktivní v pro-Sovětské kruhy. Burliuk propagoval futurismus a kubismus všemi dostupnými prostředky: publikoval časopis, tiskl brožury,psal básně a recenze a maloval.

Skutečný úspěch přišel k němu s jeho Portrét Mého Strýce, Burliuk to jen obraz, který se mu podařilo najít kupce pro téměř v každém městě. Stal se jeho manifestem Kubo-futurismu. „Umělec vytvořil rychle v hotelu, lepením novinové výstřižky do úhlu-roztrhaný obličej, který měl tři oči, dva nosy a tak dále,“ jeho přítel a kolega umělec Jevgenij Spassky připomenout.

Erik Bulatov

Bulatov byl jedním ze zakladatelů Soc-Artu, spolu s Komar a Melamid. Jeho samostatné výstavy se konají v předních muzeích a galeriích po celém světě.

„Prostor svobody,“ Bulatov říkával. Doslova „sláva CPSU“ je sovětský slogan na pozadí modré oblohy. Metaforicky je to právě svoboda, která prosakuje i přes mřížku komunistické ideologie.

Marc Chagall

Jeden z vůdců ruské avantgardy, Marc Chagall vytvořil svůj jedinečný, nenapodobitelný styl. Jeho nejslavnější dílo zobrazuje vše, co měl umělec v té chvíli svého života: sám, jeho manželka a věčná múza Bella a domy jeho rodného Vitebska.

složení zůstal s Chagall v emigraci ve Francii taky, kromě toho, že si sám vyměnil a jeho manželka s novomanželský pár, a Vitebsk s Paříží.

Olga.

. je jedním z nejvíce mezinárodně vyhledávaným ruských umělců dneška. Její obrazy, videa, grafiky a fotografie byly prezentovány na několika benátských bienále a jsou vystaveny v muzeích od Vídně po New York.

Ona je cizí monumentalitu, a je inspirován malé artefakty života: všední událostí, jako píseň na metro, nebo lidí bez domova spí na lavičce. Používá tyto každodenní scény k vytvoření obrazu (a velmi intimního) moderního Ruska.

Ivan Chuikov

Další hrdina Sovětského uměleckého podzemí, Chuikov je fascinován myšlenkou, že kombinuje iluzi a realitě, různých stylů a jazyků. Takto vznikla jeho série “ Windows…“. Například v jeho“ římském “ profilu lze rozluštit slavný portrét Piera della Francescy Federica da Montefeltra. Ale pro Chuikova je to jen silueta a červená tečka. Co to vlastně je? Slunce? Nebo laserový zaměřovač s červenou tečkou směřující na chrám klasiky zesměšňované postmodernismem?

Chuikov to funguje, lze nalézt v Centre Pompidou, Zimmerli Art Museum, ruské Muzeum, a Treťjakovské Galerie.

Aleksandr Deyneka

Tento hlavní postava v oficiální Sovětské umění bylo jedním z pilířů socialistického realismu, oslavující dobré zdraví, sport, práce, a nové, Sovětské, způsob života. Tento styl vyleštil k dokonalosti: jeho silní, vyčerpaní muži a ženy neúnavně as úsměvem na tvářích bránili města, pracovali v továrnách a oslavovali stranu.

Deyneka současníci buď zbožňoval nebo nenáviděl ho:, kde líčil hrdinství ve jménu komunismu, jiní viděli deprivace a nedostatek volby. Koneckonců, jeho utopické projekty byly vytvořeny na pozadí masové chudoby a represí.

Elena Elagina a Igor Makarevich

Toto duo z Moskva Však již považován za žijící legendy současného umění, experiment s vytvořením sociální utopie s pomocí fiktivní postavy.

Jeden z nejvíce komplexní a nejdelší z nich, ‚Homo Lignum‘ projektu, je stále ještě probíhá. Vypráví příběh skromného účetního Nikolaje Ivanoviče Borisova, který má manickou touhu stát se stromem.

Aleksandra Ekster

Ekster byl jeden z „Amazonky avant-garde“ a stálicí na všech hlavních výstavách nového umění na počátku 20.století. V roce 1907, odešla do Paříže, kde ona se spřátelil s Pablo Picasso, Fernand Leger, Guillaume Apollinaire a mnoho dalších, po kterém ona začala podporovat jejich práce doma, pomoc ruských avantgardních umělců přizpůsobit své techniky k jejich práci.

Ekster sám byl následovníkem futurismus a, konkrétněji, jeho zvláštní ruské podobě, kubo-futurismus. Ilustrovala futuristické časopisy, navrhla divadelní sety, kostýmy, polštáře a dokonce i uniformu pro Rudou armádu. Ale v roce 1924 šla na Benátské bienále a nikdy se nevrátila do Ruska.

Sperma Faibisovich

mistr foto-realismu, Faibisovich barvy hlavně Moskvě. Kromě toho si jako svůj předmět vybírá méně atraktivní rysy města: ošuntělé nádvoří, Pustiny, kiosky, toulaví psi, hostující pracovníci, bezdomovci, obyčejní kolemjdoucí. Právě z tohoto důvodu se však předpokládá, že Faibisovičova díla zachycují nepolapitelnou povahu času. A prodávají je za více než 400 000 dolarů přední světové Aukční domy.

20. Nicolai Fechin

odmítl Revoluce, Fechin emigroval do USA v roce 1923, kde žil šťastně už 30 let. Proto je tolik jeho děl v amerických muzeích a soukromých sbírkách v zahraničí.

Nicméně, dříve, než on opustil Rusko, se mu podařilo vytvořit jednu z jeho nejdůležitějších maleb, portrét mladé Varya Adoratskaya, který je často ve srovnání s Serov je Holka s Peaches.

v těchto dnech patří Fechin mezi nejdražší ruské umělce: v roce 2010 bylo jeho plátno prodáno za 11 milionů dolarů na aukci Macdougalla.

Pavel Fedotov

V ruské Říše, bylo manželství často není pro lásku. Společnost nevypadal příznivě na nerovné manželství, ale mnoho lidí v polovině 19. století se stále považuje za skvělý způsob, jak zlepšit finanční situaci a sociální postavení. O tom je jeden z nejslavnějších obrazů předního žánrového umělce Fedotova.

V době, obraz způsobil docela rozruch: kupec si vezme dceru do konkurzu důstojník; ženich dostane věno, zatímco obchodník bude stát týkající se šlechty.

Konstantin Flavitsky

stejně Jako mnoho z 19. století, umělci, Flavitsky strávil nějaký čas studiem v Itálii a je připomínán pro jediné dílo.

Jeho dřívější obrazy byly zamítnuty kritiky jako „imitace Bryullov“, ale umělec se přesto podařilo zanechat stopu v historii. Skutečná smrt Princezna Tarakanova (její skutečné jméno zůstává neznámé), který tvrdil, že je dcerou Císařovny Alžběty, nebylo přesně tak, jak je znázorněno – zemřela jako politický vězeň, ale ne v povodeň, ale na tuberkulózu. Ne že by na tom záleželo zvlášť: „princezna Tarakanova“ se stala Flavitsky triumfem. Krátce po vytvoření obrazu však zemřel na spotřebu,kterou uzavřel v Itálii.

Pavel Filonov

Avant-garde artist Filonov považoval za Komunistické přes a přes, a věřil, že lidé potřebují jeho umění. Použil termín „analytické umění“ k popisu svých vícerozměrných obrazů a odmítl prodat svá díla komukoli. To ho nakonec zabilo: během obléhání Leningradu seděl v ledově chladném podkroví a střežil své obrazy a vyvinul pneumonii, která ho zabila.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. Byl však přesvědčen, že to je způsob, jak najít skutečné emoce a významy ve známých spiknutích.

Ge maloval jeho slavné ‚Golgotě‘ rok před jeho smrtí. „Ano, Tento obraz mě strašně trápil,“ napsal svému příteli Leovi Tolstému. „Včera jsem našel poslední věc, kterou potřebuji, formu, která je docela živá.“ Našel jsem způsob, jak znázornit Krista a dva zloděje společně na Golgotě, bez křížů… Jedním slovem… tři duše živé na plátně. Já sám pláču, když se podívám na tento obrázek.“

Natalia Goncharova

Goncharova, spolu s její manžel Michail Larionov, byl jedním z průkopníků ruské avantgardy. Od roku 1914 pracovala na Ďagilevových ruských sezónách v Paříži, kde zůstala až do své smrti v roce 1962.

Dnes, její díla lze nalézt ve světových uměleckých sbírek, včetně Tate Modern v Londýně a Centre Pompidou v Paříži. V roce 2010 Christie ‚ s prodala její obraz za 9 milionů dolarů, čímž se stala nejdražší (v té době) umělkyní v historii.

Theophanes řecké

vedoucí Staré Rusi malíř, Theophanes řecké, je tvůrcem jednoho z nejposvátnějších předmětů v ruské Pravoslavné Křesťanství. Jeho ikona Panny Marie s dítětem Kristem v náručí je považována za zázračnou: podle legendy často pomáhala v bitvách.

Tento obraz, stejně jako Andrej Rublev ‚Trinity‘, stala se součástí ruské kulturní kód.

Dmitrij Gutov

Gutov patří do generace umělců, kteří přišli do jejich vlastní v časných 1990. Vytváří nové čtení kanonických objektů v kultuře, ruském jazyce, ruských ikonách a klasickém umění ve víře, že jejich podstata může být přenesena během několika minut. Jeho nejznámějšími uměleckými předměty jsou kovové panely s verzí Rembrandta a starých ruských ikon. Jakmile se divák trochu přesune na stranu, obraz je zkreslený. Myšlenka je, že toto zkreslení prochází všech fázích vývoje 20. století, od kubismu k expresionismu k abstrakci.

seznam uměleckých míst, kde umělec má někdy vystavoval je prakticky nekonečný, z Benátek a Sydney Bienále a Documenta v Kasselu do Guggenheimova Muzea.

Alexander Ivanov

Ivanov byl umělec v blízkosti císaře. On byl zvláště známý pro jeho obrazy inspirované biblickými a mytologickými zápletkami. Společnost umělců dokonce financovala jeho cestu do Itálie „pro další zlepšení“.

Ivanov vrátil z Itálie pouze poté, co byl dokončen jeho hlavní opus o příchodu Mesiáše. Trvalo mu to 20 let a 600 skic. Obrovské plátno koupil a přinesl do Petrohradu tím, že Císař Alexandr II. Ubytovat obraz, specializované stavební musela být postavena.

Francisco Infante

Narodil se v Rusku do rodiny španělského politického emigranta, Infante se stal nejznámější představitel ruského land-art a kinetické umění. Umělec nazývá své abstraktní instalace „artefakty“ – umisťuje zrcadla a pohyblivé struktury do přírodních krajin, což činí přírodu nedílnou součástí uměleckého díla.

Infante je považován za nástupce tradice ruské avantgardy, zejména Malevič a Tatlin. Jeho díla lze nalézt ve více než 30 muzeích a soukromých sbírkách po celém světě.

Alexej von Jawlensky

expresionistický umělec, který se narodil a vyrůstal v Rusku, ale stal se slavný v Německu. Fanoušek Van Gogha, Gauguina, Cézanna a Matisse, blízký přítel a spojenec Wassily Kandinsky, Jawlensky byl blízko k abstrakci, ale zůstal někde na hranici mezi ní a figurativní umění. Největší sbírku jeho děl najdete ve Wiesbadenu.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Spolu s jeho kolegy umělci Malevič, Chagall, Goncharova, Larionov a další – on nemilosrdně vytrhl z tradice realistické malby.

Jeho Složení VII‘ je považována za vrchol jeho díla v období před První Světovou Válkou. Můžete rozeznat zmrtvýchvstání, Soudný den, potopu a zahradu Eden v něm? To je to, co Kandinsky líčil v něm, podle jeho poznámek.

Ilya a Emilia Kabakov

Kabakovs jsou hlavní hvězdy z neoficiálního Sovětského umění a moderní umění. Díky Ilyi a Emilii se moskevský konceptualismus stal nejslavnějším současným ruským uměleckým hnutím na světě. Pár žil na Long Islandu v New Yorku od konce roku 1980, a mají své výstavy v Muzeu Moderního Umění v New Yorku, Centre Pompidou v Paříži, Tate Gallery v Londýně a Hermitage Museum v Petrohradě.

V roce 2008, ‚Brouk‘ zlomil cena record: to byl prodán za £2,6 milionu eur (téměř 6 milionů dolarů)a Kabakovs práce se stala nejdražší živých ruských umělců. Od té doby zůstali na vrcholu tohoto seznamu.

Orest Kiprensky

Když Kiprensky dokončil portrét velkého básníka Alexandra Puškina, ten věnoval báseň k němu, který řekl: „Tak, od teď, můj pohled bude znám v Římě, Drážďanech a Paříži.“

básník proroctví se ukázalo být správné. Portrétní malíř Kiprensky, který byl na Západě srovnáván a někdy dokonce zaměňován s Rembrandtem a Rubensem, vytvořil to, co se stalo nejslavnějším zobrazením Puškina v populární kultuře: tak vypadá velký básník lidem v Rusku a ve zbytku světa.

Ivan Kramskoi

má stále nebyla stanovena, kteří tato mladá žena, líčil ideolog „ruské Peredvizniki“ umělci, je. Kramskoi se rozhodl zachovat tajemství a neodhalil její totožnost, a to ani v denících a poznámkách nalezených po jeho smrti. V těchto dnech se jeden z nejznámějších portrétů v ruském umění nazývá „ruská Mona Lisa“.

Konstantin Korovin

prominentní zástupce „ruského impresionismu“, Korovin byl inspirován město Paříž a maloval mnoho z jeho nejlepších krajiny. Není proto divu, že ve Francii měl obrovský úspěch: tam byl představen Légion d ‚ honneur a za své práce získal zlaté a stříbrné medaile.

Po ruské Revoluci, umělec se rozhodl uprchnout ze země Sovětů: našel nové vládní politiky represivní. V roce 1922 dostal povolení odejít – na lékařské ošetření a pořádání osobní výstavy – ale nikdy se nevrátil. Není divu, že se usadil v Paříži.

Alexander Kosolapov

Coca-Cola přísahal, že zničí Kosolapov. Upoutal pozornost FBI, jeho výstavy v Rusku byly zrušeny a některé jeho práce dokonce šly před soud. Jeho metoda spočívá v kombinaci věcí, které nelze kombinovat, jako například Leninův profil s logem slavné společnosti.

Opravdu, Kosolapov umění je provokativní a často skandální, ale to nebrání tomu, aby ho od zbývajících uznávaný mistr Soc-Artu (Sovětská verze pop-artu), jehož díla lze nalézt ve sbírkách z nejlepších muzeí na světě.

Irina Korina

Pro Korina, účastník v původním projektu v roce 2017. Bienále v Benátkách, dokonce i zdánlivě bezvýznamné detaily každodenního života, z Moskevské pouliční osvětlení, pohřební věnce na popravišti započtení, je otázkou k zamyšlení. Je popisována jako mistr celkové instalace. Poslední samostatné výstavy koriny se konaly v Nadaci GRAD v Londýně, Brooklynské Hudební akademii v New Yorku a na festivalu Steirischer Herbst v rakouském Grazu.

‚Ocas Vrtí ocasem Komety‘, obrovské třípatrové věže, se objevil na Moskevské Garáži a muzea se stala sbírka citací z její kariéry.

Petr Konchalovsky

On je známý jako „hlavní ruské Cézannist“, hlavní „ruské impresionistické“ a jedním z nejvíce „drahé“ ruských umělců na mezinárodních aukcích. Navzdory tomu, že si půjčil hodně z francouzských umělců, Konchalovsky, přesto se podařilo najít svůj vlastní styl, který Západní kritici často popisován jako „Slovanské“.

doma, Konchalovsky současníci odmítl jeho umění tak moc, že dokonce odmítl vystavovat svá díla vedle jeho. Přesto, když se v roce 1924 SSSR poprvé zúčastnil Benátského bienále, byly to Konchalovského obrazy-13 z nich -, které byly vystaveny v Sovětském pavilonu.

Vitaly Komar & Alexander Melamid

hlavní „trollové“ oficiálního Sovětského umění vytvořili svůj vlastní jedinečný žánr Soc-Artu, Sovětský ekvivalent pop art. Udělali řízky ze Sovětského náustek, Pravda noviny, líčil sebe jako Lenin a Stalin, podepsal hlavní Sovětské slogany s jejich jmény a umístěny Lenin proti McDonalds logo.

I, kteří opustili SSSR, umělci se nezastavil jejich žíravé trolling. Seznam jejich cílů zahrnoval Andyho Warhola (kterého nazývají „idiot“) a Gerharda Richtera („takto by zvíře malovalo, kdyby dostalo štětec“).

Valerij Košljakov

Košljakov obrazy mají celou řadu výrazných charakteristických rysů: oni jsou téměř vždy maloval na texturou vlnité lepenky a téměř vždy jeho městské krajiny jsou „streaming“ dolů plátno povrch. Obrazy minulosti, zříceniny, řecká mytologie, paměť – to jsou jeho nadčasové aktuální postavy.

Košljakov v současné době žije v Paříži a je velký zájem: vystavoval v Louvru, Guggenheim Museum, Bienále v San Paolo a Benátky. Přesto i v těchto dnech rád s pocitem ironie vzpomíná, že jeho první výstava se konala na provinčním veřejném záchodku.

Geliy Korzhev

Korzhev, žertem nazývá sám sebe za „starého socialistického realismu“. Kritici umění ho označili za „zástupce strohého stylu“. Přesto, Korzhev umění je pryč za hranice: navzdory drží poměrně vysoké posty v Sovětský Svaz Umělců, se mu podařilo uniknout z politické objednávky do smyslné, někdy surrealistické sféře. Je především umělcem silných lidských emocí, pro které byla válka, revoluce a sovětské „stavební projekty století“ jen pozadím.

Arkhip Kuindzhi

byl často obviněn ze zaměstnávání různé fígle, jako pomocí skryté zařízení na světlo jeho obrazy. Naopak, jeho příznivci mu říkali „Ruský Monet“ pro jeho mistrovskou práci s barvami. Jeho „měsíční noc…“ s měsíčním světlem odraženým v řece Dněpr se stala senzací. Tím spíše, že to bylo poprvé v historii ruského umění, kdy se výstava skládala z jediného díla.

Jeho úspěch byl takový, že Kuindzhi šel do dobrovolného exilu za 30 let: kritici nepřijali funguje, že za Měsíčné Noci…‘, a umělec strávil dlouhou dobu bojuje s tím.

Boris Kustodiev

národní chuť, z samovary a veletrhů k buclaté tradeswomen v barevné šaty, je to, co přitahuje Kustodiev a odlišit jej od jiných umělců své doby. Je jediným ruským umělcem, který kdy získal zlatou medaili na Benátském bienále.

‚Krása‘, vyobrazení ruského obchodníka manželka, stal se jeho manifest a výsledkem vyhledávání pro jedinečný styl. „Štíhlé ženy neinspirují člověka ke kreativitě,“ říkával. Umělec vytvořil toto a další slavná díla, zatímco byl již ochrnutý – měl několik operací na míše.

Oleg Kulik

„Šílený Pes“ byl Oleg Kulik první výkon: nahá, vylezl na všech čtyřech a zaútočil na kolemjdoucí. Jeho hlavní postava se stala jedním ze symbolů bláznivých 90. let a Kulik-jeden ze zakladatelů Moskevského akčního umění.

Později, umělec se snažil sám sebe v různých stylů a technik, od sochařství k malbě, a i nadále experimentovat až do současnosti. Jeho díla lze nalézt v Centre Pompidou v Paříži a Tate Modern v Londýně.

Michail Larionov

Člověk vnímá ne jako objekt, ale shluk záření, přicházející ze zdroje světla a odražené od tohoto objektu – to je to, jak Larionov vysvětlil Rayonism, avantgardní abstraktní umění pohybu vynalezl.

Ve stejné době, Larionov, že se neustále na hraně mezi reprezentační a abstraktní umění, a nechal docela rozmanité dědictví. Byl ženatý s „Amazon avant-garde“, Natalia Goncharova, ale, na rozdíl od jeho manželka, zatímco v emigraci ve Francii za posledních 30 let jeho života, on nevytvořil nic významného.

Aristarkh Lentulov

Lentulov směle žongloval různé styly: jeho práce byly ovlivněny teď po symbolismu a impresionismu, takže podle kubistů a abstractionists. Byl však jedním z prvních, kdo stavěl své umění spíše na barvě než na předmětu.

neukázněné barvy jeho různých prací si vysloužil přezdívku „umělec slunce“. Abych uvedl jen jeden příklad z lentulovova života: na výročí Říjnové revoluce namaloval stromy a trávník na náměstí Teatralnaya (vedle Kremlu) v násilné fialové barvě.

El Lissitzky

Toto je to, co propagandistický plakát vypadá to, že pokud je vytvořen vášnivým zastáncem suprematism. Červený trojúhelník symbolizuje Rudou bolševickou armádu, která klínem drtí obranu imperialistické Bílé armády.

El Lissitzky byl spolupracovník Malevič a přispěl k rozvoji idejí avantgardního umění. Například díky němu se suprematismus dostal do architektury.

Isaac Levitan

Levitan byl v lásce s ruskou krajinu a stal se mistrem „nálada krajiny“. To mu nakonec zajistilo členství v Akademii umění. Židovský umělec má za sebou dlouhou cestu k dosažení tohoto vyznamenání: některé z Levitan je učitelé věřili, že Žid nesmí dotýkat ruské krajiny, jako jediný etnický rus by umělci zachycují ruské přírody. Levitan byl navíc královským dekretem vyloučen z hlavního města, protože byl Žid.

Ještě má čas nastavit vše, co přímo: panuje široce rozšířený názor, že „Nahoře“ Věčný Mír‘ je „většina ruských“ ze všech obrazů na ruské téma.

Dmitry Levitzky

Zde je další 18. století mistr oficiální portrét. Jeho talent se projevuje tím, proslulý okruh jeho sedící, od Císařovny Kateřiny Veliké a francouzský filozof Denis Diderot k Prokofiy Demidov, důlní magnát.

Demidov měl pověst vzdělaného tycoon a výstřední. Například, jednou koupil všechny konopné vlákno v St. Petersburg obvykle vyhrazena pro Brity, aby jim lekci, který během svého pobytu v Anglii donutil ho platit přemrštěné ceny za zboží, které potřeboval. A pro svůj oficiální portrét se Demidov rozhodl oblékat se ve své uniformě se všemi svými cenami, ale v županu a noční čepici…

Kazimir Malevič

Malevich je hlavním symbolem ruské avantgardy, zatímco jeho Černý Čtverec‘ je obrazová manifest Suprematism. Malevič věřil, že po Suprematism nebylo žádné umění, a tak navrhl, pálení všechny obrazy a zobrazení jejich popel v muzeích. Tragicky se tak stalo v prvních měsících po bolševické revoluci v roce 1917.

Filipp Malyavin

„Duté!“Takto reagovala Petrohradská akademie umění na absolventskou práci expresionisty Malyavina „smích“. Absolvent nezoufal a o dva roky později vzal své smějící se rolnické ženy s sebou do Paříže. Tam plátno způsobilo senzaci na světovém veletrhu: umělec dostal zlatou medaili a obraz koupil italská vláda pro Galerii moderního umění v Benátkách.

Netřeba dodávat, že Malyavin se vrátil do Ruska celebrity. Veškerá kritika „smíchu“ byla okamžitě zapomenuta a v roce 1906 se stal členem Akademie.

Vladislav Mamyshev-Monroe

mistr znovuobjevení, obrátil svůj život do celoživotní výkon. Prakticky jediným zástupcem parodie umění v Rusku, Mamyshev-Monroe prozkoumal osobností, slavných osobností v historii světa a pop kultury, se snaží o jejich obrazy pro sebe.

Během svého krátkého života (zemřel ve věku 44), umělci se pokusil na velké množství slavných osobností od Marilyn Monroe a Hitler na Ježíše Krista a Lenina, aby Andy Warhol a Vladimir Putin.

Konstantin Makovský

V pozdní 19. století, Makovský byl považován za módní a drahé portrétista a autor historických obrazů. Ke svému jménu měl také velkou zlatou medaili z pařížské světové výstavy.

Přesto, Makovského často maloval dojemné a sentimentální obrázky o těžké život na venkově. Jeho bosá dívka, která běží se svým bratrem z bouřky, je skutečnou scénou ze života, kterou umělec pozoroval během jedné z jeho cest do ruských provincií.

Vera Mukhina

Jedním z hlavních symbolů Sovětské éry a monumentální propagandy, 24 metrů vysoký ‚Dělník a kolchoznice‘ byl vytvořen pro 1937 na Světové výstavě v Paříži. Autorka Vera Mukhina chtěla vylíčit obě postavy nahé, strana však požadovala, aby byly „oblečeny“. Tento detail, nicméně, nezhoršil účinek, který památník vytvořil: Francouzi ji dokonce chtěli koupit, ale Sovětský svaz to odmítl.

Vera Mukhina bylo plnění státní zakázky pro památky od roku 1920, ale i přes řadu ocenění (měla čtyři Stalinovy Ceny sám), ona byla nikdy pověřil, aby se sochy buď Lenin nebo Stalin. Důvodem bylo, že Mukhina nebyla považována za dostatečně spolehlivou. V časných 1930, byla dokonce vyloučen z Moskvy, a po Pařížské výstavě byl vydán rozkaz nikdy jí nedovolí jít do zahraničí.

Irina Nakhova

Konceptuální umělec Nakhova je považován za autora první „totální instalace“ v ruština současného umění. V polovině-1980, změnila se jeden z pokojů v jejím bytě k nepoznání, čímž se stává současně autorem její práci a postavu, žijící uvnitř. Několik let tak její byt sloužil jako zkušební plocha pro její experimenty. V roce 2015 se Nakhova stala první umělkyní, která byla vystavena v ruském pavilonu na Benátském bienále.

Ernst Neizvestny

Neizvestny vytvořili monumentální díla, který může být viděn dnes v Rusku, Ukrajině, USA, Egypt, Švédsko a Vatikán. V Sovětském svazu však byl sochař vystaven tvrdému ostrakismu. Kvůli neshodám s oficiální kulturní styl – socialistický realismus – byl surově napaden noviny; zbit na ulici, a zavolal pro rozhovory s strany úředníků. Tehdejší hlava státu Nikita Chruščov nazval své dílo „degenerovaným uměním“. Je ironií, že když Chruščov zemřel, jeho rodina pověřila náhrobek od Ernsta Neizvestného (a vyrobil ho ze dvou mramorových bloků-bílé a černé-symbolizujících Chruščovovy vnitřní rozpory).

Možná, že jeho nejslavnější dílo je Maska Smutku‘, 15-m památník v Magadanu, věnováno památce obětí politických represí. Stojí na místě tranzitního tábora Stalinovy éry, odkud byli vězni posláni do pracovních táborů Kolyma.

Vladimir Nemukhin

Nemukhin je jedním z nejvýznamnějších představitelů Sovětského Nekonformní Umění. On byl vyloučen z uměleckého institutu pro jeho radikální jazyk a byl oficiálně zakázán, ačkoli on se těšil popularitě mezi veřejností během období Chruščov tání.

‚plechovky. Hrací karty na pláži‘, 1989
kolekce Victora Mincina

v roce 1956 se setkal s Oscarem Rabinem a připojil se ke skupině Lianozovo. Po mnoho let byl jeho oblíbený trik, jeho „podpis“ a předmět mnoha jeho děl hrací karty. Byly vždy přítomen v jeho dílech – jako jedinou kartu, ve dvojicích nebo v solitaire – stává symbolem nejistoty z budoucnosti.

Michail Nesterov

Náboženské umělec Nesterov vytvořil obraz „ruský Kristus“ přes obraz sergej radoněžský, ruská Pravoslavná Církev svatá a asketický. Nesterov mu věnoval obrovský cyklus obrazů ,ale považoval “ vizi mládí… jeho nejlepší práce vůbec.

A přesto, Nesterov (který byl málokdy spokojen s jeho prací a často je zničil), poškozené plátno, také: padl na fotku, když mu bylo malování mládeže tvář po sté.

Timur Novikov

Novikov je zakladatel a vůdce jedné z hlavních uměleckých sdružení v ruské současné umění 1980 tzv. Nových Umělců. Jednou vystavil překližkový štít s otvorem v něm a nazval dílo „nulovým objektem“. Novikov je nejlépe známý pro své textilní aplikace.

On byl připočítán s pokračující práci ruské avantgardy v nové realitě a s novými materiály. V pozdní 1990, vystavoval v Tate v Liverpoolu, v Stedelijk v Amsterodamu, v muzeích a galeriích v Berlíně, Hamburku, Paříži, New Yorku, Moskvy a Petrohradu.

Boris Orlov

klasický Soc-Artu, v jeho pracích Orlov zkoumá imperiální styl a fenomén říše v nejširším slova smyslu. Jeho díla mohou zobrazovat různé historické éry v různých kulturách, ale všechny se točí kolem jednoho tématu – patriarchálního systému založeného na myšlence nadvlády.

Jeden z jeho oblíbených metod je použití militaristické příslušenství: „Protože impérium má obvykle vojenské tvář. A dokonce i nevojenský si obléká uniformu.“

Anatolij Osmolovskij

Osmolovskij je Rusko hlavní aktivista, umělec, jehož akce, poezie, přednášky a dokonce bojuje činil vzrušující politické prohlášení v roce 1990. Nesl lednička s Lenin poprsí uvnitř Rudé Náměstí; stanovenými sprosté slovo na stejném náměstí s těla jeho kamarádů; uzené na rameno Majakovského socha, a za mnoho dalších akcí a happeningů.

V roce 1998, on a dalších 300 aktivistů pro zabarikádoval Bolshaya Nikitskaya Street, která vede do Kremlu, tři hodiny, věnuje jejich působení do roku 1968 francouzské Revoluce. Sedm vůdců tohoto průvodu bylo následně odsouzeno a odsouzeno k pokutám.

Vasilij Perov

Mnoho z Perov obrazy vyvolal vášnivé debaty mezi jeho současníků. Umělec maloval scény z drsného života obyčejných lidí. „Trojka…“, zobrazující děti, které byly přivezeny z vesnice do města jako najatá práce, je možná jeho nejlepší prací na tomto tématu.

‚ Troika. Učni Dělníci Nesoucí Vodu‘, 1866
Treťjakovské galerie

Jurij Pimenov

Pimenov byl věrný stoupenec umění politiky Komunistické Strany. V nejtemnějších dobách Stalinových čistek maloval idylické scény každodenního života sovětského lidu a oslavoval tovární a rostlinné dělníky.

Jeho Nová Moskva je jedním z nejlepších příkladů socialistického realismu: žena, jako symbol nové éry, je jízda přes kvetoucí Moskvě. Jeden předpokládá, že její cíl není o nic méně jasná a krásná budoucnost.

Pavel Pepperstein

Pepperstein se narodil a vyrůstal v kruhu Moskvě konceptualisty (jeho otec je slavný umělec Viktor Pivovarov). Možná proto byl jeho tvůrčí impuls živen od samého začátku. Dnes je Pepperstein jedním z nejplodnějších ruských umělců a slavného spisovatele.

V jeho pracích, on vytváří celý fikčních světů a jeho vlastní mytologie. Což ho činí obzvláště populárním mezi intelektuály.

Kuzma Petrov-Vodkin

On byl syn ševce, kteří chtěli malovat ikony. Ačkoli se nestal malířem ikon, umělec byl světově proslulý svým obrazem Mesiáše zobrazeným jako mladý muž na červeném koni. Vytvořeno několik let před ruskou revolucí, tento obraz je považován za prorocký a má četné interpretace. Podle jedné teorie je koněm Rusko, které ve 20. století čekalo na „červený“ osud.

Dmitrij Prigov

Podle vzdělání, Prigov byl sochařem a to je, jak on živil se během Sovětských časů, přestože všechny jeho práce tvůrčí činnost byla zaměřena na stává „památka“ sám. V 70. letech se také stal známým jako básník, který změnil své recitály na skutečná představení. Jeho takzvané „plechovky“, údajně obsahující jednotlivá slova a celé básně, připomínají plechovky Piera Manzoniho s nápisem „umělecké hovno“. Prigov tedy přirovnal básně ke všem ostatním sekrecím těla.

S příchodem perestrojky, Prigov přesunuta pryč z poetické vystoupení ke konceptuální umění: vytvořil grafiku, instalace, koláže, křížení myšlenek, slov a myšlenek, „dešifrování kulturního genomu“ a nové symboly.

Vasilij Polenov

Jedním z předních náboženských umělců, Polenov chtěl vytvořit něco, co je stejně ambiciózní jako Ivanov je Vzhled Krista před Lidmi‘. Za tímto účelem vydal se na rok dlouhou cestu přes Cařihradu, Palestiny, Sýrie a Egypta, odkud přivezl první skici na Krista a cizoložnici‘, jeho hlavní práce. Cesta od myšlenky k dokončení plátna na základě scény z Janova evangelia mu trvala až 15 let.

Lyubov Popova

Navzdory tomu, že zemřel velmi mladý (spálu ve věku 35 spolu s jejím synem), v jejím životě umělce podařilo být futurista, student Malevič, adept na kubismus a, konečně, konstruktivistické. Právě v této konečné funkci Popova navrhla pracovní oděvy pro „revoluční“ profese.

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the „secret life of the human soul“. Podle slov umělcova syna Pavla Peppersteina „Pivovarov celý svůj život maloval místnost duše“, kde se všechny vnější atributy, jako je pohled z okna, stávají jeho součástí.

Pivovarů je hlavní „vynález“ byl žánr koncepční album. To je v tomto žánru, který vytvořil jeden z jeho nejslavnějších cyklů, Projektů pro Osamělý Muž‘, malování každodenní rutiny, sny, interiér, a dokonce i nebe hrdina, který zažívá extrémní osamělost. Mimochodem, mnoho diváků se uznává v každodenní rutině hrdiny. „V zásadě se to příliš nezměnilo,“ říká umělec.

Vasilij Pukirev

„Mezi jeho kolegy umělci a studenti, opustil teplé a trvalé paměti, a v dějinách ruského umění – brilantní, byť krátké stopy,“ umělcových současníků řekl, v jeho úmrtní oznámení. Pukirev, stejně jako řada jeho kolegů, se stal autorem jednoho mistrovského díla.

‚Nerovné Manželství‘ ho vyneslo do řad předních žánrových malířů z poloviny 19. století, ale zůstal Pukirev je jen mistrovské dílo.

Recyklovat skupiny

Umění skupiny Andrey Blokhin a Georgy Kuznetsov z Krasnodar byl zřízen v roce 2008 a již vystavoval třikrát na Bienále v Benátkách s celkovou instalací a multimediálních projektů o augmented reality. Všechny jejich práce jsou tak či onak o životě moderního člověka v době internetu a různých gadgetů.

„Přeměny“ je obrovské stavby, sochy a reliéfy zobrazující „neo-apoštolů“, dopravci nové náboženství zvané „global network“.

Oskar Rabin

Rabin je lídrem nonconformism, neoficiálního Sovětského umění v letech 1960-1970. Jeho obrazy jsou plné vše, co bylo zakázáno oficiální Sovětské umění — kasárna, skládky odpadků, lahví vodky, a zmačkané noviny. Zobrazují druhou a větší stranu lesklé sovětské reality.

umělec řekl, že všechny odpadky z předměstí byl on sám: „Byl jsem malovat obraz celý můj život – můj portrét na pozadí země.“

Nicholas Roerich

filozof, cestovatel a orientalista umělec s naprosto unikátní styl, Roerich zanechal dědictví skládající se z více než 7000 obrazů a skic, z nichž mnohé jsou nyní uchovávány v nejlepších světových muzeí. Celý život strávil cestováním , ze kterého čerpal své poddané – od expedice v Himalájích a Indii až po Střední Asii.

‚Hosté ze Zámoří byl maloval v Paříži a vypráví o cestách v starověkém Rusku.

Ilya Repin

Repin byl velmi dobrý líčit utrpení lidí v 19.století. Drsné životy barge dempry a revolucionáři, každodenní scény ze života nižších tříd, lidové procesí – všechny tyto subjekty z něj klíčovou postavu v ruském realismu a umělec, sociální historie. Dosud, jeho nejkontroverznější obraz zobrazuje epizodu z jiné éry.

příběh o Ivan Hrozný zabíjí svého syna je tak kontroverzní (historici se stále dohadují, zda se to opravdu stalo, nebo ne), že Repin je mistrovské dílo byl několikrát napaden, a to i během umělcova života. Poslední útok se odehrál v roce 2018, kdy opilý vandal postříkal plátno barvou.

Fjodor Rokotov

Rokotov byl jedním z nejvyhledávanějších portrétních malířů mezi St. Petersburg šlechty 18. století, zatímco Alexandra Struyskaya líčil ho byl považován za jednu z nejkrásnějších žen století.

umělec byl tak populární, že by mohl mít až 50 nedokončené portréty v jeho bytě v jednom okamžiku. V roce 1763 namaloval korunovační portrét Kateřiny II.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the „father“ of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

Jeho plakát pro Lengiz, hlavní a jediný oficiální Sovětské nakladatelství, je pozoruhodným příkladem avantgardní reklamy, se všemi jeho oblíbené techniky v podobě geometrické vzory a světlé skvrny. V jeho středu je fotografie Lilya Brik, „múza ruské avantgardy“.

Olga Rozanova

V historii ruské avantgardy, její ‚Zelený Pruh‘ není o nic méně významný, než Malevič Černý Čtverec‘. Nicméně, na první, umělec a její nejlepší práce zůstala ve stínu hlavní suprematist, a později byly téměř zcela zapomenuty až do jejich znovuobjevení v roce 1970.

Rozanova dosáhnout i více než Malevič udělala: ona nejen dát barvy nad formou, ona také úspěšně vyřešit dilema pozadí. Její pruh vypadá spíše jako projekce než postava na plátně, zdá se, že pokračuje za rámem. To bylo poprvé v historii abstraktního malířství, kdy byl tento efekt dosažen.

Andrej Rublev

nejslavnější náboženský umělec v ruské historii, Andrej Rublev vytvořil standardní Pravoslavného ikonopisectví. V 16. století byla jeho díla uznána jako model, na který by se měli všichni malíři ikon snažit, zatímco jeho „Trojice“ se stala duchovním symbolem celého ruského umění.

jen Málo je známo o Rublev sám. Byl mnichem a celý svůj život věnoval Bohu a malbě. V roce 1988 ho Ruská pravoslavná církev kanonizovala jako svatého.

Aidan Salakhova

Mnozí popisují Salakhova umění jako „feministka“ a „politický“ protože to zkoumá Východ a Západ, mužského a ženského, v pozoruhodné kombinace sexu a Islámu. Mramorové falické minarety a černé vagíny Kaaba ji proslavily a rozpoznaly po celém světě.

V roce 2011 Bienále v Benátkách, její Přímluva‘, socha ženy v nikábu, musela být pokrytá bílým prostěradlem poté, co prezident Ázerbájdžánu (‚Přímluvu‘ byla zobrazena v Ázerbájdžánu pavilonu) se snažil ovládnout. Mnozí v tom viděli obrovskou ironii: socha byla pokryta rouškou, protože se prezidentovi nelíbilo, že zobrazuje ženu v roušce.

Zinaida Serebriakova

Vzhledem k jeho postavení v populární kultuře, tento portrét má snad stát Serebriakova hlavní práce. Pro mnohé je jeho spontánní a upřímná povaha ztělesněním ženskosti.

Kdy portrét byl poprvé představen veřejnosti, umělce Valentin Serov řekl: „velmi pěkné a čerstvé věci.“Obraz byl okamžitě zakoupen galerií Tretyakov.

Valentin Serov

Pro ruské elity, sedí pro portrét Serov bylo považováno za čest. Mistr psychologických portrétů, Ruský impresionista Valentin Serov, maloval slavné skladatele, spisovatele, členy císařské rodiny a ruské knížata.

A přesto, jeden z jeho nejvýznamnějších a nejznámějších pláten je na výšku 12-rok-stará dívka, Vera Mamontova. Byla dcerou významného podnikatel a filantrop, Savva Mamontov, ale Serov později odstranil její jméno z titulní obrázek. Podle umělce nemaloval dceru slavné osoby, ale samotnou Mládež.

Henryk Siemiradzki

Pro téměř 30 let, Siemiradzki žil v Římě. Získal si pověst jednoho z nejvýznamnějších představitelů pozdního Evropského akademismu, ale ne hned a ne mezi všemi. Umělec byl zájem pouze antického světa s jeho mýty, slavnosti, orgie, pro které má hodně neprůstřelných zpět domů, kde Peredvizhniki již byly v módě s jejich vyobrazení rolníky, chudé sirotky a další prvky „pravdu o životě“.

například, nejvlivnější kritik umění času, Vladimir Stasov, za Siemiradzki beznadějný klasicistní, kdo „spadl kořist na všechno italské“. Ilya Repin ho nazval šarlatánem, zatímco slavný sběratel Tretyakov odmítl koupit jeho díla. Nicméně, ruští carové byli vždy fanoušci akademismu: například „Phryne“ koupil Alexander III přímo z výstavy.

Alexej Savrasov

umělec lyrické krajiny, Savrasov rychle získal slávu a uznání: v útlém věku 24, on už se stal členem Akademie Umění. Po generace je však tento realistický umělec připomínán jako „zázrak jednoho zásahu“: žádná z jeho četných krajin se nemůže v popularitě srovnávat s “ The Rooks…“. Každý školák v Rusku zná tento učebnicový obrázek, protože s největší pravděpodobností musel napsat esej.

Ivan Shishkin

Pokud vidíte obraz úžasný ruský les nebo pole s borovicemi na straně silnice, můžete si být jisti, že je to Shishkin. Podle průzkumu provedeného All-Russian Public Opinion Research Center je nejznámějším umělcem v Rusku.

Což může být do značné míry způsobeno Miška Kosolapy (nemotorný medvěd) bonbóny, jehož obal má fragment tento obrázek. A přesto nikdo nemaloval vzdálené houštiny, louky a pole úplně jako On, ať už z hlediska kvantity nebo kvality. Les byl všechno, o co se Shishkin kdy zajímal.

Sylvester Shchedrin

Mnoho ruských umělců 19. století navštívil Evropské umělecké mekky, Itálie, ale pár rozhodl, že je jejich tvůrčí domů. Krajinář Shchedrin strávil prakticky celý svůj život zobrazováním krásy Itálie, zejména Neapole. Zde také zemřel, než dosáhl 40. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

zástupce Soc-Art, a, jak on sám nazval, „folk pop art“, pro více než 30 let, Sokov pracoval s mýty, obrazy a symboly ruské kultury, spojení s nimi Západní civilizace.

umělec a sochař opustil SSSR pro USA, v zájmu „se rozbít“ pod tlakem totalitního systému státní zakázky, které diktoval všechno na umělce, do nejmenších detailů: „V které ruce Lenin by měl držet čepici, jak dlouho pioneer kalhoty by měly být a který byl Marx pivot nohu,“ Sokov zavtipkoval.

Vasilij Surikov

Surikov udělal jméno pro sebe tím, zobrazující různé tragické momenty v ruské historii. Například, ‚Boyarina Morozova‘ vypráví příběh nelítostné boje proti starověrci: Morozova je poslán do kláštera (což byl ekvivalent k vězení), v době církevního rozkolu.

Vladimir Tatlin

I když Pomníku Třetí internacionály, nebo Tatlin Věž, nebyla nikdy postavena, se stal umělec je nejvíce reprezentativních nápadem a charakteristickým znakem konstruktivismu celého světa. Tatlin navrhl svou věž jako symbol revoluce z roku 1917, která měla být postavena v Leningradu(nyní Petrohrad).

Nicméně, do konce roku 1920 Sovětské vedení ztratil zájem v avant-garde umělci a přestal jednat s nimi, takže věž nebyla nikdy postavena.

Oleg Tselkov

v Průběhu jeho života, tento nekonformní umělec byl obraz prakticky jeden a ten samý znak – deformovaný člověk, obraz, mutant. „Nejedná se o portrét konkrétního sittera, ale o univerzální portrét… a na to strašně povědomý, “ vysvětlil Tselkov. „Náhodou se mi podařilo odtrhnout masku od lidstva.“

Sovětské vedení nebylo v oblibě tuto „odvrácenou stranu lidské osobnosti“. V roce 1977 byl Tselkov požádán, aby opustil zemi a odešel do Francie. Teprve v roce 2015 se znovu stal ruským občanem.

Pavel Tchelitchew

Tento patriarcha mystické surrealismu narodil v Rusku, ale strávil většinu svého života v Evropě a Americe, kde on vyvinul techniku z jeho slavných antropomorfní krajiny. Vzhledem k podobnosti ve stylu, že je často popisován jako „ruské Dali“, kromě toho, že Tchelitchew byl první zobrazovací prvky mystické surrealismu v jeho pracích: říká se, že před devíti lety udělal Salvador Dalí totéž.

v Těchto dnech, jeho práce lze nalézt ve velkých Evropských muzeí a sbírek, vzhledem k tomu, že v Rusku, pouze Treťjakovské Galerie má jeden Tchelitchew. „Phenomena“ tajně přivezl do Ruska přítel Tchelitchew, choreograf Lincoln Kirstein. Předal ji Tretyakovské galerii, ale až do poloviny 90.let zůstala ve skladech muzea.

Simon Ushakov

Romanovců usedl na trůn v roce 1613. Dynastie vládla zemi po staletí, ale na samém začátku potřebovala něco, co potvrdilo její legitimitu. Hlavní roli v tom hrál obraz linie královské rodiny vytvořený malířem ikon Ushakovem. Kritici umění to nazývají prvním a nejlepším zdůvodněním tvrzení, že Romanovci dostali svou moc shora.

Romanovci musí souhlasili s tím, že posouzení: udělali Ushakov hlavní ikona malíř říše a zasypali ho laskavosti až do své smrti.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov se snažil sám sebe v různých stylů a typů práce, z malování kostela freskami (jako v Kostele Spasitele na Rozlité Krve v Petrohradu) k vytvoření zakřivení secesní zdobení. Pro většinu Rusů je však spojován výhradně s postavami z ruských pohádek. V populární představivosti tyto postavy vypadají velmi tak, jak je Vasnetsov zobrazoval.

malování ‚Bogatyrs‘, které líčí populární Slovanské superhrdinové Dobrynya Nikitich, Ilja Muromec a Alyosha Popovich, trvalo mu téměř 20 let.

Alexey Venetsianov

Venetsianov byl jedním z prvních umělců, zobrazují výjevy ze života obyčejných lidí, takže jméno pro sebe v „selského žánru“. Současně se nezajímal o praktičnost každodenního života rolníků.

Jeho obrazy byly více o prostornost, svoboda a nekonečnost. Mnozí věří, že jeho ‚Sklízí‘ obraz ztělesňuje pravou ruskou krajinu.

Vasilij Vereščagin

malíř bitevních scén, Vereshchagin obvykle maloval to, co viděl na vlastní oči. Byl v mnoha válkách a cestoval po světě z Indie do Sýrie. Sám organizoval své výstavy v New Yorku a Londýně, často vystavoval nejen své obrazy, ale i trofeje z bojiště.

Nicméně, jeho Zbožnění Válka je výjimka, v tom, že on maloval to není ze života, ale z nápadu v hlavě. Na jeho rámu umělec napsal: „Věnováno všem velkým dobyvatelům-minulosti, současnosti i budoucnosti.“

Michail Vrubel

Vrubel je primárně spojena s obrazem démona, koho on maloval opakovaně a nutkavě. Obraz padlého anděla trpícího jeho démonickou povahou byl inspirován stejnojmennou básní Michaila Lermontova. Vrubel pro tento obraz vytvořil asi 30 skic.

Vrubel přiznal, že viděl, démon v jeho noční můry. Akutní psychózy, které umělec vyvinul v jeho pozdějším životě, v kombinaci s jeho posedlost jeden obraz vyzváni jeho současníků k závěru, že Vrubel byl řízen k šílenství jeho závislost na démony.

Vladimir Weisberg

Weisberg vyniká v kontextu ruského umění: že nepatří ani do oficiálního umění, ani nekonformní. „Bílá malba“, obrázky, které se zdají být natřeny bílou barvou na bílém pozadí. Podle samotného Weisberga se pokusil dosáhnout „neviditelného umění“.

Ve skutečnosti, že téměř nikdy použit bílý pigment. Jeho obrazy jsou složitou kombinací malých vícebarevných částic. „Obrázek by měl být bílý, pokud do něj zapadnou všechny, doslova všechny jeho barvy,“ říkával.

Vladimir Yankilevsky

průkopníkem v Moskvě „neoficiální umění“ a vytrvalá samotář, Yankilevsky se nehodí do žádné umělecké asociace a byl vždycky na okraji, jak to bylo. Mnozí prostě nerozuměli jeho existenciálním dílům: celý svůj život maloval metafyzického „člověka proti věčnosti“.

myšlenka lidí v krabicích k němu přišel pod vlivem existencialismu. Tyto „existenciální krabice“ se staly metaforou pro osobu, jejíž touhy a sny vždy přicházejí proti stěnám sociálního prostředí. Je třeba říci, že život v SSSR velmi přispěl k tomuto vnímání reality.

Vadim Zacharov

V roce 1970, Zacharov se připojil k okruhu Moskvy Konceptualisty, počínaje nesmyslné akce a vedoucí k malování. „V letech 1985 a 1989, vytvořil jsem spoustu obrovské obrazy, po které jsem se malovat jeden, s výjimkou jen pár vyrobeny v uhlí, a teď se vrátit na plátno a olej je pro mě mučení,“ řekl. V roce 1989 se přestěhoval do Kolína nad Rýnem , kde začala nová etapa jeho umělecké kariéry-instalace.

Jeho projekt „Danae“ se stal senzací na Bienále v Benátkách. V první hodině po otevření, fronty se seřadili na ruském pavilonu se podívat na jedinečný proces slavného Starověkého řeckého mýtu se zhmotňuje prostřednictvím zlatá sprcha mincí se slovy, důvěru, svobodu, lásku a jednotu napsané na ně stéká z místnosti, kde pouze mužských diváků bylo dovoleno, aby „lůna“, kde pouze žena diváků bylo dovoleno.

Konstantin Zvezdochetov

On je ruský král kýče, bez nichž žádné velké výstavy současného umění. Zvezdochetov patří ke generaci sovětských umělců, kteří jako první vstoupili na mezinárodní uměleckou scénu a stali se známými jako „současné ruské umění“.

bývaly doby, kdy byl uražen být nazýván „umělec“. Řekl: „jsem člověk, který nabízí interpretace… Jediné, co dělám, jsou citace a kompilace.“

Anatoly Zverev

On je často označován jako „ruský Van Gogh“. Robert Falk o něm řekl: „každý dotek jeho štětce je k nezaplacení“, zatímco Picasso sám ho opakoval. Zverev, dekoratér obchodu, vstoupil na uměleckou scénu koncem padesátých let a v roce 1965 se jeho první mezinárodní výstava konala v Motte v Paříži, i když sám nikdy nešel do zahraničí.

Sovětský systém, ani jako Zverev. Policie po něm, aby ho zatkli za „parazitismus“ (což byl trestný čin v SSSR), zatímco on žil výhradně pro své umění a pro svou jedinou lásku a múzu, vdova básníka Nikolai Aseev, Ksenia Aseeva, který byl 39 let starší.