1960er Jahre in der Musik
Volksmusikbearbeiten
Das Kingston Trio, die Weber, Pete Seeger, Woody Guthrie, Odetta, Peter, Paul und Mary, Joan Baez, Bob Dylan, Die Byrds, Judy Collins, Leonard Cohen, Joni Mitchell, Carolyn Hester, Phil Ochs, Tom Paxton, Buffy Sainte-Marie, Dave Van Ronk, Tom Rush, Fred Neil, Gordon Lightfoot, Ian und Sylvia, Arlo Guthrie und mehrere andere Künstler waren maßgeblich an der Wiederbelebung der Volksmusik der 1950er und 1960er Jahre beteiligt.
RockEdit
Roy Orbison war einer der berühmtesten Rockkünstler, der Balladen über verlorene Liebe schrieb.
Zu Beginn des Jahrzehnts erzielte Elvis Presley weiterhin Hits. In den meisten 60er Jahren veröffentlichte Presley hauptsächlich Filme. Presley beschloss, 1969 von Filmen wegzukommen; Sein letzter # 1-Song in den Charts war Suspicious Minds, der 1969 veröffentlicht wurde.
In den 1960er Jahren war die Szene, die sich aus der Wiederbelebung der amerikanischen Volksmusik entwickelt hatte, zu einer großen Bewegung herangewachsen, die traditionelle Musik und neue Kompositionen in einem traditionellen Stil verwendete, meist auf akustischen Instrumenten. In Amerika wurde das Genre von Persönlichkeiten wie Woody Guthrie und Pete Seeger vorangetrieben und oft mit progressiver oder Labour-Politik identifiziert. In den frühen sechziger Jahren waren in dieser Bewegung Persönlichkeiten wie Bob Dylan und Joan Baez als Singer-Songwriter in den Vordergrund getreten. Dylan hatte begonnen, ein Mainstream-Publikum mit Hits wie „Blowin ‚in the Wind“ (1963) und „Masters of War“ (1963) zu erreichen, die „Protestlieder“ einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich machten, aber obwohl sie sich gegenseitig zu beeinflussen begannen, Rock und Volksmusik waren weitgehend getrennte Genres geblieben, oft mit sich gegenseitig ausschließendem Publikum.Frühe Versuche, Elemente von Folk und Rock zu kombinieren, beinhalteten das Lied „House of the Rising Sun“ (1964), das das erste kommerziell erfolgreiche Volkslied war, das mit Rock’n’Roll-Instrumentierung aufgenommen wurde. Es wird normalerweise angenommen, dass die Folk-Rock-Bewegung mit der Aufnahme von Dylans „Mr. Tambourine Man“ durch die Byrds begonnen hat, die 1965 die Charts anführte. Mit Mitgliedern, die Teil der Cafe-basierten Folk-Szene in Los Angeles gewesen waren, nahmen die Byrds Rockinstrumente an, darunter Schlagzeug und 12-saitige Rickenbacker-Gitarren, die zu einem wichtigen Element im Sound des Genres wurden. Mitte der 60er Jahre übernahm Bob Dylan die Führung bei der Verschmelzung von Folk und Rock, und im Juli ’65, veröffentlicht wie ein Rolling Stone, mit einem revolutionären Rocksound, durchdrungen von trockenen urbanen Bildern, Später in diesem Monat folgte eine elektrische Performance beim Newport Folk Festival. Dylan steckte eine ganze Generation in das Milieu des Singer-Songwriters, oft aus urbaner Sicht schreiben, mit Poesie, unterbrochen von Rockrhythmen und elektrischer Kraft. Mitte bis Ende der 60er Jahre begannen Bands und Singer-Songwriter, die New Yorker Underground-Kunst- / Musikszene zu vermehren.
Die Veröffentlichung von Velvet Underground & Nico 1967 mit dem Singer-Songwriter Lou Reed und dem deutschen Sänger und Kollaborateur Nico wurde 2003 vom Rolling Stone als „prophetischstes Rockalbum aller Zeiten“ beschrieben. Andere in New York City ansässige Singer-Songwriter tauchten auf und nutzten die Stadtlandschaft als Leinwand für Texte im konfessionellen Stil von Dichtern wie Anne Sexton und Sylvia Plath. Im Juli 1969 veröffentlichte das Newsweek Magazine eine Reportage mit dem Titel „The Girls-Letting Go“, in der die bahnbrechende Musik von Joni Mitchell, Laura Nyro, Lotti Golden und Melanie als eine neue Generation weiblicher Troubadours beschrieben wurde: „Was ihnen gemeinsam ist, sind die personalisierten Songs, die sie schreiben, wie Reisen der Selbstfindung, voller scharfer Beobachtung und verblüffend in der Wirkung ihrer Poesie.“ Die Arbeit dieser frühen New Yorker Singer-Songwriterinnen, von Laura Nyros New York Tendaberry (1969) bis zu Lotti Goldens East Village Diaries on Motor-Cycle, ihrem Debüt 1969 bei Atlantic Records, diente Generationen von Singer-Songwriterinnen in der Rock-, Folk- und Jazztradition als Inspiration. Dylans Übernahme elektrischer Instrumente, sehr zur Empörung vieler Folk-Puristen, gelang es mit seinem „Like a Rolling Stone“, ein neues Genre zu schaffen. Folkrock startete besonders in Kalifornien, wo er Acts wie the Mamas & the Papas und Crosby, Stills und Nash dazu brachte, auf elektrische Instrumente umzusteigen, und in New York, wo er Singer-Songwriter und Performer hervorbrachte, darunter The Lovin’Spoonful und Simon and Garfunkel, wobei dessen akustisches „The Sounds of Silence“ mit Rockinstrumenten remixt wurde, um der erste von vielen Hits zu sein.Folk Rock erreichte seinen Höhepunkt der kommerziellen Popularität in der Zeit von 1967-68, bevor viele Acts in eine Vielzahl von Richtungen gingen, einschließlich Dylan und The Byrds, die begannen, Country Rock zu entwickeln. Die Hybridisierung von Folk und Rock hat jedoch einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Rockmusik gehabt, Elemente der Psychedelie eingebracht und insbesondere dazu beigetragen, die Ideen des Singer-Songwriters, des Protestsongs und der Konzepte von zu entwickeln „Authentizität“.
Psychedelischer Rockbearbeiten
Die LSD-inspirierte Stimmung der psychedelischen Musik begann in der Folk-Szene, als die in New York ansässigen Holy Rock Rounders den Begriff 1964 in ihrer Aufnahme von „Hesitation Blues“ verwendeten. Die erste Gruppe, die sich als Psychedelic Rock bewarb, waren die 13th Floor Elevators aus Texas Ende 1965; ein Album produzieren, das ihre Richtung klar machte, mit den psychedelischen Klängen der 13th Floor Elevators im folgenden Jahr.Psychedelic Rock nahm in der aufstrebenden kalifornischen Musikszene besonders Fahrt auf, als Gruppen den Byrds ab 1965 von Folk zu Folk Rock folgten. Die in Los Angeles ansässige Gruppe The Doors wurde 1965 nach einem zufälligen Treffen am Venice Beach gegründet. Obwohl ihr charismatischer Leadsänger Jim Morrison 1971 starb, hat die Popularität der Band bis heute Bestand. Der psychedelische Lebensstil hatte sich in San Francisco bereits seit etwa 1964 entwickelt, und besonders prominente Produkte der Szene waren The Grateful Dead, Country Joe and the Fish, the Great Society und Jefferson Airplane. Die Byrds entwickelten sich 1966 mit ihrer Single „Eight Miles High“, die weithin als Hinweis auf den Drogenkonsum angesehen wird, schnell vom reinen Folk-Rock.
Psychedelic Rock erreichte seinen Höhepunkt in den letzten Jahren des Jahrzehnts. In Amerika wurde dem Summer of Love das Human Be-In-Event vorangestellt und erreichte seinen Höhepunkt beim Monterey Pop Festival, Letzteres trug dazu bei, große amerikanische Stars wie Jimi Hendrix und The Who zu machen, deren Single „I Can See for Miles“ tauchte in psychedelisches Gebiet ein. Zu den wichtigsten Aufnahmen gehörten Jefferson Airplanes Surrealistic Pillow und The Doors ‚Strange Days. Diese Trends gipfelten 1969 im Woodstock Festival, bei dem die meisten großen psychedelischen Acts auftraten, aber am Ende des Jahrzehnts befand sich Psychedelic Rock auf dem Rückzug. Die Jimi Hendrix-Erfahrung löste sich vor dem Ende des Jahrzehnts auf und viele überlebende Acts entfernten sich von Psychedelia zu mehr Back-to-Basics „Roots Rock“, dem breiteren Experimentieren mit Progressive Rock oder Riff-beladenem Heavy Rock.
Surf RockEdit
In den frühen 1960er Jahren war Surf Rock eine der beliebtesten Formen des Rock and Roll, die sich durch fast ausschließlich instrumentale und starke Verwendung von Hall auf den Gitarren auszeichnete. Der Federhall, der in den Fender-Verstärkern des Tages verwendet wurde und auf seine maximale Lautstärke eingestellt war, erzeugte einen Gitarrenton, der mit Sustain schimmerte und an Surf- und Meeresbilder erinnerte.Duane Eddys „Movin’and Groovin“ wird von vielen als der Hauptanwärter für die Grundsteinlegung als erste Surf-Rock-Platte angesehen, während andere behaupten, das Genre sei von Dick Dale auf „Let’s Go Trippin“ erfunden worden, das in ganz Kalifornien ein Hit wurde. Die meisten frühen Surfbands wurden in diesem Jahrzehnt in Südkalifornien gegründet. Mitte der 1960er Jahre hatten sich die Beach Boys, die komplexe Pop-Harmonien über einen grundlegenden Surf-Rock-Rhythmus verwendeten, zur dominierenden Surfgruppe entwickelt und dazu beigetragen, das Genre bekannt zu machen. in Hits wie Surfin‘ U.S.A.. Darüber hinaus gehörten Bands wie The Ventures, the Shadows, the Atlantics, the Surfaris und the Champs auch zu den beliebtesten Surfrockbands des Jahrzehnts.
Garage rockEdit
Garage Rock war eine rohe Form der Rockmusik, die Mitte der 1960er Jahre in Nordamerika besonders verbreitet war und aufgrund der Wahrnehmung, dass viele der Bands in einer Vorstadt-Familiengarage probten, als solche bezeichnet wird. Garage-Rock-Songs drehten sich oft um die Traumata des Highschool-Lebens, wobei Lieder über „lügende Mädchen“ besonders häufig waren. Die Texte und die Lieferung waren deutlich aggressiver als zu der Zeit üblich, oft mit knurrendem oder geschreiem Gesang, der sich in inkohärentes Schreien auflöste, wie die einflussreiche Washingtoner Band, Die Sonics. Sie reichten von grober Ein-Akkord-Musik (wie The Seeds) bis hin zu studionaher Musikerqualität (einschließlich the Knickerbockers, The Remains und The Fifth Estate). Es gab auch regionale Unterschiede in vielen Teilen des Landes mit blühenden Szenen vor allem in Kalifornien und Texas. Die pazifischen Nordweststaaten Washington und Oregon hatten vielleicht den am besten definierten regionalen Klang.
Der Stil hatte sich bereits 1958 aus regionalen Szenen entwickelt. „Louie Louie“ von den Kingsmen (1963) ist ein Mainstream-Beispiel für das Genre in seinen prägenden Stadien. Bis 1963 schlichen sich Garagenband-Singles in größerer Zahl in die nationalen Charts ein, darunter Paul Revere und die Raiders (Boise), die Trashmen (Minneapolis) und die Rivieras (South Bend, Indiana). In dieser frühen Zeit waren viele Bands stark vom Surfrock beeinflusst und es gab eine Kreuzbestäubung zwischen Garage Rock und Frat Rock, manchmal nur als Subgenre des Garage Rock angesehen.Die britische Invasion von 1964-66 beeinflusste Garagenbands stark, versorgte sie mit einem nationalen Publikum, führte viele (oft Surf- oder Hot Rod-Gruppen) dazu, einen British Invasion-Lilt anzunehmen, und ermutigte viele weitere Gruppen, sich zu bilden. Tausende von Garagenbands waren in den USA und Kanada während der Ära vorhanden und Hunderte produzierten regionale Hits. Obwohl zahlreiche Bands bei großen oder großen regionalen Labels unter Vertrag standen, Die meisten waren kommerzielle Misserfolge. Es ist allgemein anerkannt, dass Garage Rock um 1966 sowohl kommerziell als auch künstlerisch seinen Höhepunkt erreichte. Bis 1968 verschwand der Stil weitgehend aus den nationalen Charts und auf lokaler Ebene, als Amateurmusiker vor dem College, der Arbeit oder dem Entwurf standen. Neue Stile hatten sich entwickelt, um den Garagenrock zu ersetzen (einschließlich Blues-Rock, Progressive Rock und Country Rock). In Detroit blieb Garage Rock bis in die frühen 70er Jahre am Leben, mit Bands wie the MC5 und The Stooges, die einen viel aggressiveren Stil verwendeten. Diese Bands wurden als Punkrock bezeichnet und werden heute oft als Proto-Punk oder Proto-Hardrock angesehen.
Blues-Rockbearbeiten
Der amerikanische Blues-Rock war in den frühen 1960er Jahren von Gitarrist Lonnie Mack Pionierarbeit geleistet worden, aber das Genre begann Mitte der 60er Jahre, als die folgenden Acts einen Sound entwickelten, der britischen Bluesmusikern ähnelte. Zu den wichtigsten Acts gehörten Paul Butterfield (dessen Band wie Mayalls Bluesbreakers in Großbritannien als Ausgangspunkt für viele erfolgreiche Musiker fungierte), Canned Heat, das frühe Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, die J. Geils Band und Jimi Hendrix mit seinen Power-Trios, die Jimi Hendrix Experience und Band of Gypsys, deren Gitarrenvirtuosität und Effekthascherei zu den am meisten nachgeahmten des Jahrzehnts gehören würden. Blues-Rock-Bands wie Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd und schließlich ZZ Top aus den Südstaaten, Country-Elemente in ihren Stil integriert unverwechselbaren Southern Rock zu produzieren.
Roots rockEdit
Roots Rock ist der Begriff, der heute verwendet wird, um eine Abkehr von den Exzessen der psychedelischen Szene zu einer grundlegenderen Form des Rock and Roll zu beschreiben, die ihre ursprünglichen Einflüsse, insbesondere Country- und Volksmusik, einbezog und zur Schaffung von Country Rock und Southern Rock führte. 1966 führte Bob Dylan die Bewegung an, als er nach Nashville ging, um das Album Blonde on Blonde aufzunehmen. Dies, und nachfolgende klar Country-beeinflusste Alben, wurden als Schaffung des Genres Country Folk angesehen, eine Route, die von einer Reihe von verfolgt wird, weitgehend akustisch, Volksmusiker. Andere Acts, die dem Back-to-Basics-Trend folgten, waren die Gruppe The Band und das in Kalifornien ansässige Creedence Clearwater Revival, die beide Basic Rock and Roll mit Folk, Country und Blues mischten, um zu den erfolgreichsten und einflussreichsten Bands der späten 1960er Jahre zu gehören. Die gleiche Bewegung sah den Beginn der Aufnahmekarrieren kalifornischer Solokünstler wie Ry Cooder, Bonnie Raitt und Lowell George und beeinflusste die Arbeit etablierter Künstler wie The Rolling Stones ‚Beggar’s Banquet (1968) und the Beatles ‚ Let It Be (1970).
1968 nahm Gram Parsons mit der International Submarine Band Safe at Home auf, wohl das erste echte Country-Rock-Album. Später in diesem Jahr schloss er sich den Byrds für Sweetheart of the Rodeo (1968) an, das allgemein als eine der einflussreichsten Aufnahmen des Genres gilt. Die Byrds weiterhin in die gleiche Richtung, aber Parsons links von einem anderen Ex-Byrds Mitglied Chris Hillman bei der Gründung der Flying Burrito Brothers, die die Seriosität und die Popularität des Genres zu etablieren geholfen beigetreten werden, bevor Parsons ging eine Solokarriere zu verfolgen. Country Rock war besonders beliebt in der kalifornischen Musikszene, wo er von Bands wie Hearts & Flowers, Poco und Riders of the Purple Sage, den Beau Brummels und der Nitty Gritty Dirt Band übernommen wurde. Eine Reihe von Künstlern genossen auch eine Renaissance, indem sie Country-Sounds annahmen, darunter: die Everly Brothers; das einstige Teenie-Idol Ricky Nelson, der Frontmann der Stone Canyon Band wurde; ehemaliger Monkee Mike Nesmith, der die First National Band gründete; und Neil Young. Die Dillards waren ungewöhnlich ein Country-Act, der sich der Rockmusik zuwandte. Der größte kommerzielle Erfolg für Country-Rock kam in den 1970er Jahren mit Künstlern wie The Doobie Brothers, Emmylou Harris, Linda Ronstadt und The Eagles (bestehend aus Mitgliedern der Burritos, Poco und Stone Canyon Band), die als einer der erfolgreichsten Rock-Acts aller Zeiten hervorgingen und Alben produzierten, darunter Hotel California (1976).Die Gründer des Southern Rock werden normalerweise als die Allman Brothers Band angesehen, die in den frühen 1970er Jahren einen unverwechselbaren Sound entwickelten, der weitgehend vom Bluesrock abgeleitet war, aber Elemente von Boogie, Soul und Country enthielt. Der erfolgreichste Act, der ihnen folgte, war Lynyrd Skynyrd, der dazu beitrug, das „Good ol’Boy“ -Image des Subgenres und die allgemeine Form des Gitarrenrocks der 1970er Jahre zu etablieren. Zu ihren Nachfolgern gehörten die Fusion- / Progressive-Instrumentalisten Dixie Dregs, die eher Country-beeinflussten Outlaws, der Jazz-orientierte Wet Willie und (mit Elementen von R&B und Gospel) die Ozark Mountain Daredevils. Nach dem Verlust der ursprünglichen Mitglieder von The Allmans und Lynyrd Skynyrd begann das Genre in den späten 1970er Jahren an Popularität zu verlieren, wurde aber in den 1980er Jahren mit Acts wie aufrechterhalten.38 Special, Molly Hatchet und die Marshall Tucker Band.
Progressive rockEdit
rogressive Rock, manchmal synonym mit Art Rock verwendet, war ein Versuch, über etablierte musikalische Formeln hinauszugehen, indem mit verschiedenen Instrumenten, Songtypen und -formen experimentiert wurde. Ab Mitte der 1960er Jahre hatten The Left Banke, die Beatles, die Rolling Stones und die Beach Boys Pionierarbeit bei der Aufnahme von Cembali, Bläsern und Streichern geleistet, um eine Form von Barockrock zu erzeugen, und sind in Singles wie Procol Harums „A Whiter Shade of Pale“ (1967) mit seiner Bach-inspirierten Einführung zu hören. Die Moody Blues verwendeten auf ihrem Album Days of Future Passed (1967) ein volles Orchester und schufen anschließend Orchesterklänge mit Synthesizern. Klassische Orchestrierung, Keyboards und Synthesizer waren eine häufige Alternative zum etablierten Rockformat von Gitarren, Bass und Schlagzeug im nachfolgenden Progressive Rock.Instrumentals waren üblich, während Songs mit Texten manchmal konzeptuell, abstrakt oder in Fantasy und Science Fiction basierten. The Pretty Things ‚S Sorrow (1968) und The Who’s Tommy (1969) führten das Format der Rockopern ein und öffneten die Tür zu „Konzeptalben, die normalerweise eine epische Geschichte erzählen oder ein großes übergeordnetes Thema angehen.“ King Crimson’s Début-Album von 1969, In the Court of the Crimson King, das kraftvolle Gitarrenriffs und Mellotron mit Jazz und symphonischer Musik mischte, wird oft als Schlüsselaufnahme im Progressive Rock angesehen und half bei der weit verbreiteten Übernahme des Genres in den frühen 1970er Jahren unter bestehenden Blues-Rock- und Psychedelic-Bands sowie neu gegründeten Acts.
PopEdit
Chubby Checker in den frühen 1960er Jahren popularisiert den anhaltenden Tanzwahn The Twist mit seinem Hit-Cover von Hank Ballard & the Midnighters‘ R&B drücken Sie „The Twist“.Gerry Goffin und Carole King wurden zu einem sehr einflussreichen Duo in der Popmusik und schrieben zahlreiche Nummer-Eins-Hits, darunter den ersten Song, der jemals die Nummer eins einer Girlgroup erreichte, die Shirelles „Will You Love Me Tomorrow“ und der Nummer-Eins-Hit von 1962, „The Loco-Motion“, der von Little Eva aufgeführt wurde.
„Sugar Sugar“ wird ein großer Hit für die Archies und definiert das Bubblegum Pop Genre.The Monkees waren eine Made for TV-Band, inspiriert von den Possen der Beatles in A Hard Day’s Night. Aus vertraglichen Gründen durfte die Gruppe keine eigenen Instrumente spielen, was zu vielen Fehden zwischen den Bandkollegen und dem Musikaufseher Don Kirshner führte.
R&B, Motown und Soul-MusikBearbeiten
- Das in Detroit ansässige Motown-Label entwickelt sich als pop-beeinflusste Antwort auf Soul-Musik. Das Label beginnt eine lange Reihe von Nr. 1 US-Hit-Singles im Jahr 1961 mit „Please Mr. Postman“ von den Marvelettes. Das Label hatte im Laufe des Jahrzehnts und bis in die 1990er Jahre zahlreiche Nr. 1 Billboard-Hits. Bemerkenswerte Motown-Acts waren die Supremes, die Wunder, die Versuchungen, die Vier Spitzen, Martha und die Vandellas, Marvin Gaye und die Jackson Five, die 1969 debütierten.Soul-Musik entwickelt Popularität im Laufe des Jahrzehnts, angeführt von Sam Cooke, James Brown und Otis Redding, unter vielen anderen.
- Mitte der 60er Jahre schuf James Brown Funkmusik und Anfang der 70er Jahre Schlau & the Family Stone hatte Funk Hit „Thank You“.
- 1966 erzielten die Supremes mit dem innovativen Bassisten James Jamerson den großen Hit „You Can’t Hurry Love“. Aretha Franklins Aufnahmen von 1967 wie „I Never Loved a Man (The Way I Love You)“, „Respect“ (ursprünglich von Otis Redding gesungen) und „Do Right Woman-Do Right Man“ gelten als Höhepunkt des Soul-Genres und gehörten zu den kommerziell erfolgreichsten Produktionen.
Country musicEdit
Triumph und große Tragödie kennzeichneten die 1960er Jahre in der Country-Musik. Das Genre gewann durch das Netzwerkfernsehen weiterhin nationale Bekanntheit, mit wöchentlichen Serien- und Preisverleihungsprogrammen, die an Popularität gewinnen. Der Verkauf von Schallplatten stieg weiter an, als neue Künstler und Trends in den Vordergrund traten. Mehrere Topstars starben jedoch unter tragischen Umständen, darunter mehrere, die bei Flugzeugabstürzen ums Leben kamen.
Der vorherrschende Musikstil während des Jahrzehnts war der Nashville-Sound, ein Stil, der Streicherabschnitte, Hintergrundgesang, Crooning-Lead-Gesang und Produktionsstile in der Country-Musik hervorhob. Der Stil war zum ersten Mal in den späten 1950er Jahren populär geworden, als Reaktion auf das wachsende Eindringen von Rock and Roll in das Country-Genre, sah aber seinen größten Erfolg in den 1960er Jahren. Künstler wie Jim Reeves, Eddy Arnold, Ray Price, Patsy Cline, Floyd Cramer, Roger Miller und viele andere erzielten große Erfolge durch Songs wie „He’ll Have to Go“, „Danny Boy“, „Make the World Go Away“, „King of the Road“ und „I Fall to Pieces.“ Der Country-Pop-Stil zeigte sich auch auf dem Album Modern Sounds in Country und Western Music von 1962, aufgenommen vom Rhythm and Blues- und Soul-Sänger Ray Charles. Charles nahm Coverversionen traditioneller Country-, Folk- und klassischer Musikstandards im Pop-, R&B- und Jazzstil auf. Das Album wurde als kritischer und kommerzieller Erfolg gefeiert und hatte großen Einfluss auf spätere Country-Musikstile. Songs aus dem Album, die für kommerzielles Airplay und Plattenverkäufe veröffentlicht wurden, enthielten „I Can’t Stop Loving You“, „Born to Lose“ und „You Don’t Know Me.“
Am Ende des Jahrzehnts wurde der Nashville-Sound polierter und stromlinienförmiger und wurde als „Countrypolitan“bekannt.“ Tammy Wynette, Glen Campbell, Dottie West und Charley Pride gehörten zu den Top-Künstlern, die diesen Stil annahmen. Während George Jones – in den frühen 1960er Jahren einer der beständigsten Hitmacher der Country—Musik – auch Musik im Countrypolitan-Stil aufnahm, blieb sein Hintergrund reiner Honky Tonk und sang in vielen seiner Songs von Herzschmerz und Einsamkeit. Marty Robbins erwies sich auch als einer der vielfältigsten Sänger des Genres und sang alles von geradlinigem Country über Western bis hin zu Pop und Blues … und sogar hawaiianisch.Johnny Cash — der als „The Man in Black“ bekannt wurde – wurde zu einem der einflussreichsten Musiker der 1960er Jahre (und schließlich des 20.Jahrhunderts). Obwohl er hauptsächlich Country aufnahm, umfassten seine Songs und sein Sound viele andere Genres, darunter Rockabilly, Blues, Folk und Gospel. Seine Musik zeigte großes Mitgefühl für Minderheiten und andere, die von der Gesellschaft gemieden wurden, einschließlich Gefängnisinsassen. Zwei der erfolgreichsten Alben von Cash wurden live im Gefängnis aufgenommen: Im Folsom Prison und in San Quentin.In der zweiten Hälfte der 1960er Jahre wurde Pride — gebürtig aus Sledge, Mississippi — der erste afroamerikanische Superstar in der Country-Musik, einem Genre, das praktisch von weißen Künstlern dominiert wurde. Einige seiner frühen Hits, gesungen mit einer glatten Baritonstimme und in einem Stil, der Honky-Tonk und Countrypolitan verbindet, beinhalteten „Just Between You and Me“, „The Easy Part’s Over“, „All I Have to Offer You (Is Me)“ und eine Coverversion von Hank Williams ‚ „Kaw-Liga.“ Pride war mehr als 20 Jahre lang erfolgreich und sammelte schließlich 29 Nr. 1-Hits in den Billboard Hot Country Singles Charts.Ein neu entstehender Stil, der seine Wurzeln in den 1950er Jahren hatte, aber in den 1960er Jahren im Mainstream explodierte, war der „Bakersfield Sound.“ Anstatt einen Sound zu kreieren, der der Mainstream-Popmusik ähnelt, verwendete der Bakersfield Sound Honky Tonk als Basis und fügte elektrische Instrumente und einen Backbeat sowie Stilelemente hinzu, die dem Rock’n’Roll entlehnt waren. Buck Owens, Merle Haggard und Wynn Stewart waren einige der Top-Künstler, die diesen Sound annahmen, und in den späten 1960er Jahren gehörten sie zu den meistverkauften Künstlern der Country-Musik.
Unter den weiblichen Acts waren Loretta Lynn, Tammy Wynette und Dolly Parton die erfolgreichsten. Lynn, gebürtig aus Butcher Hollow, Kentucky, und in der Tat die Tochter eines Bergmanns, würde — mit Hilfe ihres Mannes Oliver „Doolittle“ Lynn — 1960 einen Plattenvertrag bei Zero Records erhalten, und während nur ihre erste Single („Honky Tonk Girl“) ihrer frühen 1960er-Jahre veröffentlicht wurde, waren ihre frühen Aufnahmen das Sprungbrett für viel größere und bessere Dinge. In der zweiten Hälfte des Jahrzehnts und bis in die 1970er Jahre hinein nahm sie Songs auf, die sich dem Stereotyp der Frau widersetzten, die sich mit Männern, ihrem harten Trinken, Philandering und anderen negativen Eigenschaften abfinden musste — zum Beispiel „Don’t Come Home A-Drinkin‘ (With Lovin‘ on Your Mind)“ — sowie Songs, die die konservativen Grenzen des Genres sprengten („Dear Uncle Sam“, ein Lied über den Vietnamkrieg) und ihre Bereitschaft, sich gegen andere Frauen zu stellen („You Ain’t Woman Enough (To Take My Man)“).Parton, gebürtig aus der Stadt Locust Ridge in den Smoky Mountains, Tennessee, erlangte nationale Bekanntheit in der national syndizierten Sendung The Porter Wagoner Show, in der sie 1967 auftrat. Zwei Jahre zuvor hatte sie einen Plattenvertrag bei Monument Records unterschrieben und wurde als Bubblegum–Popsängerin bekannt, hatte aber nur geringen Erfolg, bevor eine ihrer Kompositionen – „Put It Off Until Tomorrow“ – 1966 ein großer Hit für Bill Phillips wurde (ein Track, den Parton zur Verfügung stellte) Backing Vocals). Schließlich, ihr Berg-beeinflusst, biographische Marke des Landes und ihre down-home-Persönlichkeit gewann viele Fans, und ihre Star-Power würde nur beginnen zu steigen. Ihre ersten großen Hits waren hauptsächlich Duette mit Wagoner, obwohl sie mehrere Solo—Hits hatte — einschließlich ihres Durchbruchs, „Dumb Blonde“ – auch.Wynette erlangte Anerkennung mit einzigartigen Perspektiven auf die klassischen Themen Einsamkeit, Scheidung und die Schwierigkeiten des Lebens und der Beziehungen, illustriert durch Songs wie „I Don’t Wanna Play House“ und „D-I-V-O-R-C-E.“ Es war jedoch „Stand By Your Man“, ein Lied, das unnachgiebige Treue versprach und Männern trotz ihrer Mängel zur Seite stand, was Wynette ihren Karriere-Hit bescherte. In den späten 1960er Jahren war sie mit dem Country-Sänger George Jones verheiratet.Unter anderen weiblichen Newcomern gehörte Connie Smith zu den erfolgreichsten, da ihr Durchbruch-Hit „Once a Day“ Ende 1964 und Anfang 1965 acht Wochen lang auf Platz 1 der Billboard Hot Country Singles Charts stand, der am längsten laufende Chart-Topper seit fast 50 Jahren. Während einer über 50-jährigen Karriere beschäftigten sich Smiths Songs oft mit Themen wie Einsamkeit und Verletzlichkeit.Neben der syndizierten The Porter Wagoner Show wurden mehrere andere Fernsehprogramme produziert, um Country-Musik ein breiteres Publikum zu erreichen, wie die Jimmy Dean Show Mitte des Jahrzehnts. Am Ende des Jahrzehnts begann Hee Haw einen 23-jährigen Lauf, zuerst auf CBS und später in Syndication; Hee Haw, moderiert von Owens und Roy Clark, basierte lose auf der Comedy-Serie Rowan & Martin’s Laugh In und integrierte Comedy zusammen mit Auftritten der Besetzung der Show oder Gastdarstellern aus dem Bereich der Country-Musik. Die Academy of Country Music und Country Music Association Awards Programme wurden zum ersten Mal in den späten 1960er Jahren im Fernsehen übertragen.
Die 1960er Jahre waren von Tragödien geprägt. Johnny Horton, der im Saga-Song-Stil sang, wurde 1960 bei einem Autounfall getötet. Ein Flugzeugabsturz am 5. März 1963 forderte das Leben von Patsy Cline, Cowboy Copas und Hawkshaw Hawkins. Tage später wurde Jack Anglin bei einem Autounfall getötet, während Texas Ruby bei einem Wohnwagenbrand in Texas starb. Im Juli 1964 verlor Jim Reeves sein Leben, als er ein Flugzeug in der Nähe von Brentwood, Tennessee, steuerte. Ira Louvin (eine Hälfte der Louvin-Brüder) wurde 1965 bei einem Autounfall getötet. Der Erfolg überwand mehrere dieser tragischen Todesfälle, da sowohl Cline als auch Reeves viele posthume Hits hatten (mit zuvor aufgenommenen Songs, die nach ihrem Tod veröffentlicht wurden) und viele Jahre lang eine starke Anhängerschaft hatten, während Louvins Bruder Charlie mehr als 40 Jahre lang als erfolgreicher Solokünstler tätig war. Andere Pionierstars, die in den 1960er Jahren starben, waren A.P. Carter, Gid Tanner, Moon Mullican, Ernest „Pop“ Stoneman, Red Foley, Leon Payne und Spade Cooley.
In den 1960er Jahren begann ein Trend zur Verbreitung von No. 1 treffer in den Billboard Hot Country Singles Charts, dank sich ständig ändernder Datenerfassungsmethoden. Als das Jahrzehnt der 1960er Jahre begann, gab es nur vier Nr. 1-Songs, die die Charts anführten (fünf, wenn man Marty Robbins ‚“El Paso“ zählt), aber Mitte der 1960er Jahre gab es immer mindestens ein Dutzend Songs, die jährlich die Charts anführten. Im Jahr 1967 gab es mehr als 20 Songs, die zum ersten Mal in einem einzigen Kalenderjahr den ersten Platz erreichten … und diese Zahl würde in den nächsten 20 Jahren nur weiter steigen.
Als sich das Jahrzehnt dem Ende zuneigte, begannen die Modetrends der 60er Jahre ihren Weg in die Kreise der Country-Musik zu finden. Dies wurde speziell von einem Lied des Singer / Songwriters Tom T. Hall über eine Minirock tragende verwitwete Mutter eines Teenagers inspiriert, die von örtlichen Schulbeamten kritisiert wurde, weil sie angeblich ein schlechtes Beispiel für ihre Tochter gegeben hatte. Riley, der im Zusammenhang mit dem Song eine Mod-Persönlichkeit entwickelte, indem er in kurzen Röcken und Go-Go-Stiefeln auf der Bühne auftrat. Andere weibliche Country-Künstlerinnen folgten in den folgenden Jahren und traten auch in Miniröcken und Minikleidern auf der Bühne auf. Das Lied erreichte 1968 sowohl die Country- als auch die Pop-Charts; und bis heute ist „Harper Valley PTA“ das am meisten nachgefragte Lied in Rileys Konzerten.
Andere Trends und musikalische Ereignissebearbeiten
- Ende des Jahrzehnts würden das Monterey Pop Festival und das Woodstock Music Festival die amerikanische Gegenkultur verkörpern.
- Aktuelle Ereignisse haben einen großen Einfluss auf die populäre Musik. Viele Lieder sind aus Protest gegen den Vietnamkrieg geschrieben. Das Lied „Ohio“ wurde über das Kent State Massacre geschrieben und wurde ein Hit für Crosby, Stills, Nash und Young.
- Die Popularität der Weltmusik nimmt enorm zu, da viele Interesse an anderen Kulturen suchen. Ravi Shankar tritt auf den Festivals von Monterey und Woodstock auf. Latin-Rock-Künstler Carlos Santana sieht Popularität im Laufe des Jahrzehnts. George Harrison entwickelt ein Interesse an der Hare-Krishna-Kultur und fügt der Musik der Beatles indischen Einfluss hinzu, einschließlich der Verwendung einer Sitar. Reggae beginnt zu dieser Zeit populär zu werden.
- 1969 organisierten die Rolling Stones das unglückselige Altamont Free Concert.Songs wie „Summertime Blues“ und „Eve of Destruction“ thematisieren das Wahlalter, das damals 21 Jahre betrug. Das Problem war, dass Soldaten mit 18 eingezogen wurden, aber nicht wählen konnten. Das Wahlalter wurde schließlich auf achtzehn gesenkt.
- Einige Songs wie Bob Dylans „Blowin‘ in the Wind“ thematisieren die Bürgerrechtsbewegung.
Leave a Reply