AES+F-Gruppe

AES+F gilt heute als eine der erfolgreichsten und bekanntesten Kunstgruppen und zeigt Ausstellungen auf der ganzen Welt. Die multimedialen Installationen und Projekte von Tatyana Arzamasova, Lev Yevzovich, Yevgeny Svyatsky und Vladimir Fridkes widmen sich in erster Linie der globalen Kultur und einer Analyse moderner Werte.

Ihr Installationsfilm „Inverso Mundus“ (lateinisch für „umgekehrte Welt“) wurde auf der Biennale in Venedig gezeigt und tourt immer noch durch Museen auf der ganzen Welt.

Ivan Aivazovsky

man malt das Meer wie Ivan könnte! Der Maler Aivazovsky wurde als einer der produktivsten Künstler verehrt und schuf über 6.000 Seestücke. Kunsthistoriker und Kunstkritiker betrachten das Kunstwerk ‚Das Schwarze Meer‘ als sein Hauptwerk, das Ergebnis des Umdenkens des Künstlers über sein Leben und seine Karriere.

Yuri Albert

Albert’s famous artworks with text often become Internet memes, while his retrospective exhibition, „What did the artist mean by that?“ im Moskauer Museum für Moderne Kunst, blieb während seiner gesamten Dauer in einem Zustand permanenten Wandels. Darum geht es bei Yuri Albert. Im Alter von 15 Jahren befand sich dieser konzeptuelle Künstler in der Werkstatt von Komar und Melamid, unter deren Einfluss er begann, Werke zu schaffen, die das Wesen der modernen Kunst überdenken.

Alberts Lieblingstrick ist es, einen bekannten arbeit, ändern Sie es und machen Sie es zu seinem eigenen, gleichzeitig in einer Polemik mit dem Original. Nehmen wir zum Beispiel seine wegweisende Werkserie, in der sich der Künstler ironisch mit internationalen Kunststars vergleicht.

Leon Bakst

Der europäische Erfolg von Sergei Diaghilevs berühmten russischen Jahreszeiten in Paris war vor allem auf Bakst. Seine Bühnenbilder und Kostümskizzen für Ballets Russes-Produktionen wurden zu einer eigenen Sensation: Sie wurden sogar im Louvre ausgestellt, während Baksts orientalistischer Stil in Paris für Turbane, weite Hosen und farbige Perücken Mode war.

Andrey Bartenev

Der exzentrische Bartenev machte sich in den 1990er Jahren einen Namen: seine Kostüme aus allen verfügbaren Materialien sowie Performances und Installationen wurden zum Symbol der Zeit.

Seitdem ist er bekannt für seine als „Meister des Unverschämten“, Ein Ein-Mann-Fest und eine Walking-Performance: Bartenev sticht durch seine knalligen, ausgeflippten Kostüme in der Menge hervor. Sie sind weiterhin seine Art, die Welt zu erkunden oder vertraute Handlungen zu überdenken.

Ely Bielutin

Avantgarde-Künstler Bielutin hatte einen Ruf für Experimente und Mystifizierung. Er gründete ein Studio in Moskau und eine Art Schule namens New Reality, die mehr als 3.000 Künstler vereinte. 1962 wurden Werke der abstrakten Künstler seines Studios in der Manezh Exhibition Hall in Moskau ausgestellt.

Die Ausstellung wurde vom Sekretär der Kommunistischen Partei besucht – General Nikita Chruschtschow, der hasste, was er sah, beschreibt es als „Chaos“. Danach wurde New Reality praktisch verboten, wobei Bielutin ein Einsiedler wurde und seine Werke fast bis zur Perestroika nicht ausstellte.

Victor Borisov-Musatov

Borisov-Musatov wurde ein Symbolist, der sich um die Jahrhundertwende auf die Malerei verfallener alter Herrenhäuser, Gartenteepartys und Mitglieder des russischen Adels spezialisierte. Sie sagen, dass er als Vertreter des Silberzeitalters versuchte, „die verschwindende Welt“ und die letzten Echos einer ausgehenden Ära einzufangen.

‚Der Pool‘ wurde ausgangspunkt seiner Anerkennung als symbolistischer Künstler: Das Gemälde zeigt seine Schwester und seine Braut, die an einem Landhausteich sitzen. Das Bild wurde sein Hochzeitsgeschenk an seine Frau und sein erster bedeutender Erfolg.

Karl Bryullov

Bryullov war einer der besten Porträtmaler seiner Zeit. Er malte offizielle und private Porträts der russischen Aristokratie, besuchte kaiserliche Empfänge und kannte Alexander Puschkin.

nach 12 Jahren in Italien, von denen Bryullov sechs Jahre an seinem monumentalen Werk ‚Der letzte Tag von Pompeji‘ gearbeitet hatte. Dafür erhielt der Künstler den Grand Prix der Pariser Ausstellung und Anerkennung in Europa und Russland.

Vladimir Borovikovsky

Grisha Bruskin

In the Soviet Union, his works were rejected, and he found recognition only with the start of perestroika. 1988 wurde sein „Fundamentales Lexikon“ bei Sothebys erster und einziger Auktion in der UdSSR für (damals) rekordverdächtige 416.000 US-Dollar an einen westlichen Sammler verkauft (nach einem Verhör durch den KGB, den Vorgänger des FSB). Ein paar Wochen später war Bruskin in Amerika und seine Arbeiten wurden seitdem in den berühmtesten Museen der Welt ausgestellt.

‚Fundamental Lexicon‘ ist eine Serie von Leinwänden, auf denen zahlreiche Gipsfiguren – unter anderem pioniere, Sportler, Proletarier, Komsomol–Mitglieder – tragen die Embleme der offiziellen sowjetischen Kultur, den visuellen Code der sowjetischen Massenagitation und Propaganda.

David Burliuk

Burliuk wurde als „Vater des russischen Futurismus“ anerkannt “ sowohl in Russland als auch im Ausland, insbesondere in New York, wo er sich 1922 niederließ und in prosowjetischen Kreisen aktiv war. Burliuk förderte Futurismus und Kubismus mit allen ihm zur Verfügung stehenden Mitteln: Er veröffentlichte eine Zeitschrift, druckte Broschüren, schrieb Gedichte und Rezensionen und malte.

Ein echter Erfolg gelang ihm mit seinem „Porträt meines Onkels“, Burliuks einzigem Gemälde, für das er in fast jeder Stadt einen Käufer fand. Es wurde sein Manifest des Kubo-Futurismus. „Der Künstler schuf schnell in einem Hotel, indem er Zeitungsausschnitte in ein winkelgerissenes Gesicht klebte, das drei Augen, zwei Nasen usw. hatte“, erinnerte sich sein Freund und Künstlerkollege Jewgeni Spasski.

Erik Bulatov

Bulatov war einer der gründer von Sots Art, zusammen mit Komar und Melamid. Seine Einzelausstellungen finden in führenden Museen und Galerien auf der ganzen Welt statt.

„Raum ist Freiheit,“ Bulatov pflegte zu sagen. Wörtlich ist ‚Ruhm der KPdSU‘ ein sowjetischer Slogan vor dem Hintergrund eines blauen Himmels. Metaphorisch ist es die Freiheit, die sogar durch das Gitter der kommunistischen Ideologie sickert.

Marc Chagall

Einer der Führer der russischen Avantgarde , Marc Chagall schuf seinen einzigartigen, unnachahmlichen Stil. Sein berühmtestes Werk zeigt alles, was der Künstler in diesem Moment in seinem Leben hatte: sich selbst, seine Frau und seine ewige Muse Bella und die Häuser seiner Heimat Witebsk.

Diese Komposition blieb bei Chagall in der Emigration auch in Frankreich, außer dass er sich und seine Frau durch ein frisch verheiratetes Paar und Vitebsk durch Paris ersetzte.

Olga Chernysheva

Chernysheva ist eine der international gefragtesten nach russischen Künstlern von heute. Ihre Bilder, Videos, Grafiken und Fotografien wurden auf mehreren Biennalen in Venedig präsentiert und sind in Museen von Wien bis New York ausgestellt.

Sie ist der Monumentalität fremd und lässt sich von den kleinen Artefakten des Lebens inspirieren: weltlichen Ereignissen wie einem Lied in der U-Bahn oder Obdachlosen, die auf einer Bank schlafen. Sie verwendet diese alltäglichen Szenen, um ein Bild (und ein sehr intimes) des modernen Russland zu schaffen.

Ivan Chuikov

Tschuikow, ein weiterer Held des sowjetischen künstlerischen Untergrunds, ist fasziniert von der idee, Illusion und Realität, verschiedene Stile und Sprachen zu kombinieren. So entstand seine ‚Windows…‘-Serie. Zum Beispiel kann man in seinem „römischen“ Profil Piero della Francescas berühmtes Porträt von Federico da Montefeltro entziffern. Aber für Chuikov ist es nur eine Silhouette und ein roter Punkt. Was ist es wirklich? Die Sonne? Oder ein Rotpunkt-Laservisier, das auf den Tempel eines Klassikers zeigt, der von der Postmoderne verspottet wird?

Tschuikows Werke befinden sich im Zentrum Pompidou, das Kunstmuseum Zimmerli, das Russische Museum und die Tretjakow-Galerie.

Aleksandr Deyneka

Diese wichtige Figur in der sowjetischen offiziellen kunst war eine der Säulen des sozialistischen Realismus und feierte Gesundheit, Sport, Arbeit und die neue sowjetische Lebensweise. Er hat diesen Stil perfekt poliert: Seine starken, aufgepumpten Männer und Frauen verteidigen unermüdlich und mit einem Lächeln im Gesicht Städte, arbeiten in Fabriken und verherrlichen die Partei.

Deynekas Zeitgenossen entweder vergötterte oder hasste ihn: Wo er Heldentum im Namen des Kommunismus darstellte, sahen andere Entbehrungen und mangelnde Wahlmöglichkeiten. Schließlich entstanden seine utopischen Projekte vor dem Hintergrund von Massenarmut und Repressalien.

Elena Elagina und Igor Makarevich

uo von Moskauer Konzeptualisten, die bereits als lebende Legenden der zeitgenössischen Kunst gelten, experimentieren mit der Schaffung sozialer Utopien mit Hilfe fiktiver Figuren.

Einer der komplexesten und längsten von ihnen, das Projekt ‚Homo Lignum‘ läuft noch. Es erzählt die Geschichte eines bescheidenen Buchhalters, Nikolai Ivanovich Borisov, der den manischen Wunsch hat, ein Baum zu werden.

Aleksandra Ekster

Ekster war eine der „Amazonen der Avantgarde “ und eine feste Größe auf allen großen Ausstellungen der neuen Kunst des frühen 20.Jahrhunderts. 1907 ging sie für eine Weile nach Paris, wo sie sich mit Pablo Picasso, Fernand Leger, Guillaume Apollinaire und vielen anderen anfreundete.

Ekster selbst war eine Anhängerin des Futurismus und insbesondere seiner eigenartigen russischen Form, des Kubo-Futurismus. Sie illustrierte futuristische Magazine, entwarf Theatersets, Kostüme, Kissen und sogar eine Uniform für die Rote Armee. Aber 1924 ging sie zur Biennale in Venedig und kehrte nie nach Russland zurück.

Semen Faibisovich

Ein Meister des Fotorealismus, Faibisovich malt hauptsächlich Moskau. Darüber hinaus wählt er als Thema die weniger attraktiven Merkmale der Stadt: schäbige Innenhöfe, Ödland, Kioske, streunende Hunde, Gastarbeiter, Obdachlose, gewöhnliche Passanten. Doch genau aus diesem Grund glaubt man, dass Faibisovichs Werke die schwer fassbare Natur der Zeit einfangen. Und sie werden von den weltweit führenden Auktionshäusern für über 400.000 US-Dollar verkauft.

20. Nicolai Fechin

Nachdem Fechin die Revolution abgelehnt hatte, emigrierte er 1923 in die USA, wo er er lebte 30 Jahre lang glücklich. Deshalb gibt es so viele seiner Werke in amerikanischen Museen und Privatsammlungen im Ausland.

Bevor er jedoch Russland gelang es ihm, eines seiner bedeutendsten Gemälde zu schaffen, das Porträt einer jungen Warja Adoratskaja, das oft mit Serows ‚Mädchen mit Pfirsichen‘ verglichen wird.

Heutzutage gehört Fechin zu den teuersten russischen Künstlern: im Jahr 2010 wurde seine Leinwand bei einer MacDougall-Auktion für 11 Millionen US-Dollar verkauft.

Pavel Fedotov

Im Russischen Reich war die Ehe oft nicht aus Liebe. Die Gesellschaft sah ungleiche Ehen nicht positiv, aber viele Menschen in der Mitte des 19.Jahrhunderts betrachteten sie immer noch als eine großartige Möglichkeit, die finanzielle Situation und den sozialen Status zu verbessern. Darum geht es in einem der berühmtesten Gemälde eines führenden Genrekünstlers, Fedotov.

Zu seiner Zeit sorgte das Bild für Aufsehen: Ein Kaufmann, der in der heiratet eine Tochter mit einem bankrotten Offizier; Der Bräutigam erhält eine Mitgift, während der Kaufmann mit dem Adel verwandt wird.

Konstantin Flavitsky

Wie viele Künstler des 19.

Seine früheren Gemälde wurden von Kritikern als „eine Nachahmung der Bryullov“, aber der Künstler hat es immer noch geschafft, eine Spur in der Geschichte zu hinterlassen. Der tatsächliche Tod von Prinzessin Tarakanova (ihr richtiger Name ist unbekannt), die behauptete, die Tochter von Kaiserin Elizabeth zu sein, war nicht genau so dargestellt – sie starb als politische Gefangene, außer nicht in einer Flut, sondern an Tuberkulose. Nicht, dass es besonders wichtig wäre: ‚Prinzessin Tarakanova‘ wurde Flavitskys Triumph. Kurz nach der Erstellung des Gemäldes starb er jedoch an Konsum, den er sich in Italien zugezogen hatte.

Pavel Filonov

Der Avantgarde-Künstler Filonov betrachtete sich durch und durch als Kommunist durch und glaubte, dass die Menschen seine Kunst brauchten. Er benutzte den Begriff „analytische Kunst“, um seine mehrdimensionalen Bilder zu beschreiben, und weigerte sich, seine Werke an dritte zu verkaufen. Dies war es, was ihn am Ende tötete: Während der Belagerung von Leningrad saß er auf einem eiskalten Dachboden, bewachte seine Bilder und entwickelte eine Lungenentzündung, die ihn tötete.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. Er war jedoch überzeugt, dass dies der Weg war, um wahre Emotionen und Bedeutungen in bekannten Handlungen zu finden.

Ge malte seinen berühmten ‚Golgatha‘ ein Jahr vor seinem Tod. „Ja, dieses Gemälde hat mich schrecklich gequält“, schrieb er an seinen Freund Leo Tolstoi. „Gestern habe ich das Letzte gefunden, was ich brauche, eine Form, die ziemlich lebendig ist. Ich fand einen Weg, Christus und die beiden Diebe zusammen auf Golgatha darzustellen, ohne die Kreuze… In einem Wort… drei Seelen lebendig auf der Leinwand. Ich selbst weine, wenn ich dieses Bild betrachte.“

Natalia Goncharova

Goncharova zusammen mit ihrem Ehemann Michail Larionov Er gehörte zu den Pionieren der russischen Avantgarde. Ab 1914 arbeitete sie an Diaghilevs Russischen Jahreszeiten in Paris, wo sie bis zu ihrem Tod 1962 blieb.

Heute können ihre Werke finden Sie in den weltweit führenden Kunstsammlungen, darunter die Tate Modern in London und das Centre Pompidou in Paris. Im Jahr 2010 verkaufte Christie’s ein Gemälde von ihr für 9 Millionen Dollar und war damit die teuerste Künstlerin der Geschichte.

Theophanes der Grieche

Ein führender Maler der Alten Rus, Theophanes der Grieche ist der Schöpfer eines der heiligsten Objekte im russisch-orthodoxen Christentum. Seine Ikone der Jungfrau mit dem Christuskind im Arm gilt als Wunder: Der Legende nach half sie oft in Schlachten.

Dieses Bild, wie Andrei Rublevs ‚Trinität‘ ist Teil des russischen Kulturkodex geworden.

Dmitri Gutov

Gutov gehört zur Generation der künstler, die in den frühen 1990er Jahren zu ihren eigenen kamen. Er schafft neue Lesarten kanonischer Objekte in Kultur, russischer Sprache, russischen Ikonen und klassischer Kunst in der Überzeugung, dass ihre Essenz in wenigen Minuten vermittelt werden kann. Seine bekanntesten Kunstobjekte sind Metallplatten mit einer Version von Rembrandt und alten russischen Ikonen. Sobald sich der Betrachter ein wenig zur Seite bewegt, wird das Bild verzerrt. Die Idee ist, dass diese Verzerrung alle Entwicklungsstufen des 20.Jahrhunderts durchläuft, vom Kubismus über den Expressionismus bis zur Abstraktion.

Die Liste der Kunstorte wo der Künstler jemals ausgestellt hat, ist praktisch endlos, von der Biennale in Venedig und Sydney über die Documenta in Kassel bis zum Guggenheim Museum.

Alexander Ivanov

Ivanov war ein Künstler in der Nähe der kaiser. Er war besonders bekannt für seine Gemälde, die von biblischen und mythologischen Handlungen inspiriert waren. Die Society of Artists finanzierte sogar seine Reise nach Italien „zur weiteren Verbesserung“.

Ivanov kehrte erst aus Italien zurück, nachdem er sein Hauptwerk über das Erscheinen des Messias fertiggestellt hatte. Es dauerte 20 Jahre und 600 Skizzen. Die riesige Leinwand wurde von Kaiser Alexander II. gekauft und nach St. Petersburg gebracht.

Francisco Infante

Geboren in Russland in der Familie von Infante, ein spanischer politischer Émigré, wurde zum berühmtesten Vertreter der russischen Land Art und kinetischen Kunst. Der Künstler nennt seine abstrakten Installationen „Artefakte“ – er platziert Spiegel und bewegte Strukturen in Naturlandschaften und macht die Natur zu einem integralen Bestandteil eines Kunstwerks.

Infante gilt als Nachfolger der Traditionen der russischen avantgarde, vor allem Malewitsch und Tatlin. Seine Werke befinden sich in mehr als 30 Museen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt.

Alexej von Jawlensky

uchs in Russland auf, wurde aber in Deutschland berühmt. Jawlensky, ein Fan von Van Gogh, Gauguin, Cezanne und Matisse, ein enger Freund und Verbündeter von Wassily Kandinsky, stand der Abstraktion nahe, blieb aber irgendwo an der Grenze zwischen ihr und der figurativen Kunst. Die größte Sammlung seiner Werke befindet sich in Wiesbaden.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Zusammen mit seinen Künstlerkollegen – Malewitsch, Chagall, Goncharova, Larionov und anderen – löste er sich rücksichtslos von den Traditionen der realistischen Malerei.

Seine ‚Komposition VII‘ gilt als der Höhepunkt der seine Arbeit in der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg. Kannst du darin die Auferstehung, den Jüngsten Tag, die Sintflut und den Garten Eden erkennen? Dies ist, was Kandinsky nach seinen Notizen darin dargestellt hat.

Ilya und Emilia Kabakov

abakovs sind die Hauptstars der inoffiziellen sowjetischen Kunst und der modernen Kunstszene. Dank Ilya und Emilia ist der Moskauer Konzeptualismus zur berühmtesten zeitgenössischen russischen Kunstbewegung der Welt geworden. Das Paar lebt seit den späten 1980er Jahren auf Long Island in New York und hat Ausstellungen im Museum of Modern Art in New York, im Centre Pompidou in Paris, in der Tate Gallery in London und in der Eremitage in St. Petersburg.

2008 brach ‚The Beetle‘ einen Preisrekord: es wurde für £ 2,6 Millionen (fast $ 6 Millionen) verkauft, und Kabakovs Arbeit wurde die teuerste der lebenden russischen Künstler. Sie sind seitdem an der Spitze dieser Liste geblieben.

Orest Kiprensky

Wenn Kiprensky beendete das Porträt des großen Dichters Alexander Puschkin, letzterer widmete ihm ein Gedicht, in dem es hieß: „So wird mein Blick von nun an in Rom, Dresden und Paris bekannt sein.“

Die Prophezeiung des Dichters stellte sich als richtig heraus. Der Porträtmaler Kiprensky, der im Westen mit Rembrandt und Rubens verglichen und manchmal sogar verwechselt wurde, schuf die berühmteste Darstellung von Puschkin in der Populärkultur: So sieht der große Dichter für Menschen in Russland und dem Rest der Welt aus.

Ivan Kramskoi

Es wurde noch nicht stellen Sie fest, wer diese junge Frau ist, die vom Ideologen der „russischen Peredvizniki“ -Künstler dargestellt wird. Kramskoi entschied sich, das Geheimnis zu bewahren und enthüllte ihre Identität nicht einmal in den Tagebüchern und Notizen, die nach seinem Tod gefunden wurden. Heutzutage wird eines der emblematischsten Porträts der russischen Kunst „die russische Mona Lisa“ genannt.

Konstantin Korovin

Korovin, ein prominenter Vertreter des „russischen Impressionismus“, ließ sich von der Stadt Paris inspirieren und malte viele seine besten Landschaften dort. Es ist daher nicht verwunderlich, dass er in Frankreich ein großer Erfolg war: dort wurde er mit der Légion d’Honneur ausgezeichnet und erhielt für seine Arbeiten Gold- und Silbermedaillen.

Nach der Russischen Revolution beschloss der Künstler, aus dem Land der Sowjets zu fliehen: Er fand die Politik der neuen Regierung bedrückend. 1922 erhielt er die Erlaubnis zu gehen – zur medizinischen Behandlung und Durchführung einer persönlichen Ausstellung -, kehrte aber nie zurück. Es überrascht nicht, dass er sich in Paris niederließ.

Alexander Kosolapov

Koka- Cola schwor, Kosolapov zu zerstören. Er erregte die Aufmerksamkeit des FBI, seine Ausstellungen in Russland wurden abgesagt und einige seiner Werke wurden sogar vor Gericht gestellt. Seine Methode besteht darin, Dinge zu kombinieren, die nicht kombiniert werden können, wie zum Beispiel Lenins Profil mit dem berühmten Firmenlogo.

Tatsächlich, Kosolapovs Kunst ist provokativ und oft skandalös, aber das hindert ihn nicht daran, ein angesehener Meister der Sots-Kunst (die sowjetische Version der Pop-Art) zu bleiben, dessen Werke in den Sammlungen der besten Museen der Welt zu finden sind.

Irina Korina

Für Korina, eine Teilnehmerin des Hauptprojekts an der Biennale Venedig 2017, selbst die scheinbar unbedeutendsten Details des Alltags, von der Moskauer Straßenbeleuchtung über Trauerkränze bis hin zu Gerüstnetzen, sind eine Frage der Reflexion. Sie wird als Meisterin der totalen Installation beschrieben. Korinas jüngste Einzelausstellungen fanden in der GRAD Foundation in London, der Brooklyn Academy of Music in New York und beim Steirischen Herbst in Graz statt.

‚The Tail Wags the Comet‘, ein riesiger dreistöckiger Turm, erschien im Moskauer Garagenmuseum und ist zu einer Sammlung von Zitaten aus ihrer Karriere geworden.

Pjotr Konchalovsky

Er ist bekannt als „der wichtigste russische Cézannist“, der wichtigste „russische Impressionist“ und einer der „teuersten“ russischen Künstler auf internationalen Auktionen. Obwohl Konchalovsky viel von französischen Künstlern geliehen hatte, gelang es ihm dennoch, seinen eigenen Stil zu finden, den westliche Kritiker oft als „slawisch“ bezeichneten.

Zu Hause, Konchalovskys Zeitgenossen lehnten seine Kunst so sehr ab, dass sie sich sogar weigerten, ihre Werke neben seinen auszustellen. Als die UdSSR 1924 zum ersten Mal an der Biennale in Venedig teilnahm, waren dies Konchalovskys Gemälde – 13 davon –, die im sowjetischen Pavillon ausgestellt waren.

Vitaly Komar & Alexander Melamid

Die wichtigsten „Trolle“ der offiziellen sowjetischen Kunst haben ihr eigenes einzigartiges Genre der Sots-Kunst geschaffen, das sowjetische Äquivalent der Pop-Art. Sie machten Schnitzel aus dem sowjetischen Mundstück, der Prawda-Zeitung, stellten sich als Lenin und Stalin dar, unterzeichneten die wichtigsten sowjetischen Slogans mit ihren Namen und stellten Lenin gegen das McDonalds-Logo.

Selbst nachdem sie die UdSSR verlassen hatten, hörten die Künstler ihr ätzendes Trolling nicht auf. Auf der Liste ihrer Ziele standen Andy Warhol (den sie „einen Idioten“ nennen) und Gerhard Richter („So würde ein Tier malen, wenn man ihm einen Pinsel geben würde“).

Valery Koshlyakov

Koshlyakovs Gemälde weisen eine Reihe auffälliger Merkmale auf: Sie sind fast immer auf strukturierte Wellpappe gemalt und fast immer „strömen“ seine Stadtlandschaften über die Leinwandoberfläche. Bilder der Vergangenheit, Ruinen, griechische Mythologie, Erinnerung – das sind seine zeitlosen aktuellen Charaktere.

Koshlyakov lebt derzeit in Paris und ist sehr gefragt: Er hat im Louvre, im Guggenheim Museum, auf der Biennale in San Paolo und in Venedig ausgestellt. Doch auch in diesen Tagen erinnert er sich gerne ironisch daran, dass seine erste Ausstellung in einer öffentlichen Provinztoilette stattfand.

Gelij Korschew

Korschew, scherzhaft nannte er sich einen „alten sozialistischen Realisten“. Kunstkritiker bezeichnen ihn als „Vertreter des strengen Stils“. Doch Korschews Kunst hat diese Grenzen überschritten: Trotz hoher Ämter in der Sowjetischen Künstlervereinigung gelang es ihm, politischen Aufträgen in eine sinnliche, manchmal surrealistische Sphäre zu entkommen. Er ist vor allem ein Künstler mit starken menschlichen Emotionen, für den der Krieg, die Revolution und die sowjetischen „Jahrhundertbauprojekte“ nur ein Hintergrund waren.

Arkhip Kuindzhi

Er wurde oft beschuldigt, verschiedene Tricks angewendet zu haben, wie zum Beispiel versteckte Geräte, um seine Bilder anzuzünden. Umgekehrt nannten ihn seine Gratulanten „den russischen Monet“ für seine meisterhafte Arbeit mit Farben. Seine ‚Mondnacht …‘ mit dem im Dnjepr reflektierten Mondlicht wurde zur Sensation. Umso mehr, als es das erste Mal in der Geschichte der russischen Kunst war, dass eine Ausstellung aus einem einzigen Werk bestand.

Sein Erfolg war so groß, dass Kuindzhi 30 Jahre lang freiwillig ins Exil ging: Die Kritiker akzeptierten keine Werke, die auf ‚Moonlit Night …‘ folgten, und der Künstler kämpfte lange damit.

Boris Kustodiev

Der nationale Geschmack, von Samowaren und Messen bis zu prallen Händlerinnen in bunten Kleidern, hat Kustodiev angezogen und ihn von anderen Künstlern seiner Zeit unterschieden. Er ist der einzige russische Künstler, der jemals eine Goldmedaille bei der Biennale in Venedig gewonnen hat.

‚Die Schönheit‘, eine Darstellung Frau eines russischen Kaufmanns, wurde sein Manifest und das Ergebnis einer Suche nach einem einzigartigen Stil. „Schlanke Frauen inspirieren nicht zur Kreativität“, pflegte er zu sagen. Der Künstler schuf dieses und andere berühmte Werke, während er bereits gelähmt war – er hatte mehrere Operationen am Rückenmark gehabt.

Oleg Kulik

‚Mad Dog‘ war Oleg Kuliks uraufführung: Nackt kroch er auf allen Vieren und griff Passanten an. Seine Hauptfigur wurde zu einem der Symbole der verrückten 1990er Jahre und Kulik – einer der Begründer der Moskauer Aktionskunst.

Später versuchte sich der Künstler in einer Vielzahl von Stilen und Techniken, von zur Malerei und experimentiert bis heute. Seine Werke befinden sich im Centre Pompidou in Paris und in der Tate Modern in London.

Mikhail Larionov

Eine Person nimmt kein Objekt wahr, sondern eine Ansammlung von Strahlen von einer Lichtquelle kommend und von diesem Objekt reflektiert – so erklärte Larionov den Rayonismus, eine avantgardistische abstrakte Kunstbewegung, die er erfunden hatte.

Gleichzeitig balancierte Larionov selbst ständig zwischen gegenständlicher und abstrakter Kunst und hinterließ ein vielfältiges Erbe. Er war mit „der Amazone der Avantgarde“, Natalia Goncharova, verheiratet, aber im Gegensatz zu seiner Frau, während er in den letzten 30 Jahren seines Lebens in Frankreich auswanderte, schuf er nichts Bedeutendes.

Aristarkh Lentulov

Lentulov jonglierte mutig mit verschiedenen Stilen: Seine Werke wurden jetzt von Symbolisten und Impressionisten, jetzt von Kubisten und Abstraktionisten beeinflusst. Aber er war einer der ersten, der seine Kunst eher um Farbe als um ein Objekt baute.

Die aufrührerischen Farben seiner verschiedenen Werke brachten ihm die spitzname „ein Künstler der Sonne“. Um nur ein anschauliches Beispiel aus Lentulovs Leben zu nennen: Am Jahrestag der Oktoberrevolution malte er die Bäume und den Rasen auf dem Teatralnaya-Platz (neben dem Kreml) in einer heftigen violetten Farbe.

El Lissitzky

So sieht ein Propagandaplakat aus, wenn es erstellt wird von einem erbitterten Anhänger des Suprematismus. Das rote Dreieck symbolisiert die Rote bolschewistische Armee, die die Verteidigung der imperialistischen Weißen Armee mit einem Keil zermalmt.

El Lissitzky war ein Mitarbeiter von Malewitsch und trug zur Entwicklung der Ideen der Avantgarde-Kunst bei. Zum Beispiel war es ihm zu verdanken, dass der Suprematismus seinen Weg in die Architektur fand.

Isaac Levitan

Levitan war in die russische Landschaft verliebt und wurde ein Meister der der „Stimmungslandschaft“. Am Ende war es das, was ihm die Mitgliedschaft in der Akademie der Künste sicherte. Der jüdische Künstler musste einen langen Weg zurücklegen, um diese Auszeichnung zu erhalten: Einige von Levitans Lehrern glaubten, dass ein Jude die russische Landschaft nicht berühren sollte, da nur ethnische russische Künstler die russische Natur darstellen konnten. Darüber hinaus wurde Levitan durch ein königliches Dekret aus der Hauptstadt vertrieben, weil er Jude war.

Doch die Zeit hat alles klargestellt: Es gibt eine weit verbreitete Meinung, dass meinung, dass „Über dem ewigen Frieden“ „das russischste“ aller Gemälde zum russischen Thema ist.

Dmitry Levitzky

Hier ist ein weiterer Meister des offiziellen Porträts aus dem 18.Jahrhundert. Sein Talent zeigt sich im illustren Kreis seiner Sitter, von Kaiserin Katharina der Großen und dem französischen Philosophen Denis Diderot bis zum Bergbaumagnaten Prokofiy Demidov.

Demidov hatte den Ruf ein gebildeter Tycoon und ein Exzentriker. Zum Beispiel kaufte er einmal alle Hanffasern in St. Petersburg, die normalerweise den Briten vorbehalten waren, um ihnen eine Lektion zu erteilen, die ihn während seines Aufenthalts in England gezwungen hatten, einen exorbitanten Preis für eine Ware zu zahlen, die er brauchte. Und für sein offizielles Porträt wählte Demidov, sich nicht in seiner Uniform mit all seinen Auszeichnungen zu kleiden, sondern in einem Morgenmantel und einer Nachtmütze…

Kasimir Malewitsch

Malewitsch ist das Hauptsymbol der russischen Avantgarde, während sein ‚Schwarzes Quadrat‘ ein bildliches Manifest des Suprematismus ist. Malewitsch glaubte, dass es nach dem Suprematismus keine Kunst mehr gab, und schlug daher vor, alle Gemälde zu verbrennen und ihre Asche in Museen auszustellen. Tragischerweise geschah dies teilweise in den ersten Monaten nach der bolschewistischen Revolution von 1917.

Filipp Malyavin

„Hohl!“ So reagierte die Petersburger Akademie der Künste auf die Abschlussarbeit „Lachen“ des Expressionisten Malyavin. Der Absolvent verzweifelte nicht und nahm zwei Jahre später seine lachenden Bäuerinnen mit nach Paris. Dort sorgte die Leinwand auf der Weltausstellung für Furore: Der Künstler erhielt eine Goldmedaille und das Gemälde wurde von der italienischen Regierung für eine Galerie für moderne Kunst in Venedig gekauft.

Unnötig zu erwähnen, dass Malyavin als Berühmtheit nach Russland zurückgekehrt ist. Alle Kritik am Lachen war schnell vergessen und 1906 wurde er Mitglied der Akademie.

Vladislav Mamyshev-Monroe

Ein Meister der Neuerfindung, er hat sein Leben zu einer lebenslangen Performance gemacht. Mamyshev-Monroe, praktisch der einzige Vertreter der Travestie-Kunst in Russland, erforschte die Persönlichkeiten berühmter Persönlichkeiten der Weltgeschichte und Popkultur und probierte ihre Bilder für sich selbst an.

Während seines kurzen Lebens (er starb bei im Alter von 44 Jahren probierten die Künstler eine Vielzahl berühmter Persönlichkeiten an, von Marilyn Monroe und Hitler über Jesus Christus und Lenin bis hin zu Andy Warhol und Wladimir Putin.

Konstantin Makovsky

Im späten 19.Jahrhundert wurde Makovsky gilt als modischer und teurer Porträtmaler und Autor historischer Gemälde. Er hatte auch eine große Goldmedaille der Pariser Weltausstellung zu seinem Namen.

Dennoch malte Makovsky oft berührende und sentimentale Bilder über das harte Landleben auch. Sein barfußes Mädchen, das mit ihrem Bruder vor einem Gewitter rennt, ist eine echte Szene aus dem Leben, die der Künstler während einer seiner Reisen in die russischen Provinzen beobachtet hat.

Vera Mukhina

Eines der Hauptsymbole der Sowjetzeit und monumentale Propaganda die 24 Meter hohe ‚Arbeiterin und Kolchosfrau‘ wurde für die Weltausstellung 1937 in Paris geschaffen. Die Autorin Vera Mukhina wollte die beiden Figuren nackt darstellen, die Partei forderte jedoch, sie „anzuziehen“. Dieses Detail hat jedoch die Wirkung des Denkmals nicht beeinträchtigt: die Franzosen wollten es sogar kaufen, aber die Sowjetunion lehnte ab.

Vera Mukhina erfüllte seit jahren staatliche Aufträge denkmäler seit 1920, aber trotz zahlreicher Auszeichnungen (sie hatte allein vier Stalin-Preise) wurde sie nie beauftragt, Skulpturen von Lenin oder Stalin herzustellen. Der Grund war, dass Mukhina nicht als zuverlässig genug angesehen wurde. In den frühen 1930er Jahren wurde sie sogar aus Moskau vertrieben, und nach der Pariser Ausstellung wurde angeordnet, sie niemals ins Ausland zu lassen.

Irina Nakhova

Die Konzeptkünstlerin Nakhova gilt als Autorin des ersten „total installationen“ in der russischen zeitgenössischen Kunst. Mitte der 1980er Jahre veränderte sie eines der Zimmer in ihrer Wohnung bis zur Unkenntlichkeit und wurde so gleichzeitig Autorin ihrer Arbeit und einer darin lebenden Figur. So diente ihre Wohnung mehrere Jahre lang als Testgelände für ihre Experimente. 2015 war Nakhova die erste Künstlerin, die im russischen Pavillon der Biennale in Venedig ausgestellt wurde.

Ernst Neizvestny

Neizvestny schuf monumentale Werke, die heute in Russland, der Ukraine, den USA, Ägypten, Schweden und dem Vatikan zu sehen sind. In der Sowjetunion wurde der Bildhauer jedoch hart geächtet. Wegen Meinungsverschiedenheiten mit dem offiziellen Kulturstil – dem sozialistischen Realismus – wurde er von Zeitungen verwüstet; auf der Straße geschlagen und zu Gesprächen mit Parteibeamten gerufen. Der damalige Staatschef Nikita Chruschtschow nannte seine Werke „entartete Kunst“. Ironischerweise, als Chruschtschow starb, beauftragte seine Familie den Grabstein von Ernst Neizvestny (und er machte es aus zwei Marmorblöcken — weiß und schwarz — als Symbol für Chruschtschows innere Widersprüche).

Sein vielleicht berühmtestes Werk ist „Mask of Sorrow“, ein 15-minütiges -ein Denkmal in Magadan, das der Erinnerung an die Opfer politischer Repression gewidmet ist. Es steht an der Stelle eines Transitlagers aus der Stalin-Ära, von wo aus Gefangene in die Arbeitslager von Kolyma geschickt wurden.

Vladimir Nemukhin

Nemukhin ist ein einer der wichtigsten Vertreter der sowjetischen nonkonformistischen Kunst. Er wurde wegen seiner radikalen Sprache aus dem Kunstinstitut ausgeschlossen und offiziell verboten, obwohl er sich während des Chruschtschow-Tauwetters in der Öffentlichkeit großer Beliebtheit erfreute.

1956 lernte er Oscar Rabin kennen und schloss sich der Lianozovo-Gruppe an. Sein Lieblingstrick, seine „Unterschrift“ und das Thema vieler seiner Werke waren viele Jahre lang Spielkarten. Sie waren in seinen Werken immer präsent – als einzelne Karte, paarweise oder im Solitär – und wurden zum Symbol für die Ungewissheit der Zukunft.

Mikhail Nesterov

Religiöse Künstler Nesterov schuf das Bild von “ der russische Christus“ durch das Bild von Sergius von Radonesch, einem Heiligen und Asketen der russisch-orthodoxen Kirche. Nesterov widmete ihm einen riesigen Zyklus von Gemälden, betrachtete aber die Vision der Jugend…‘ seine beste Arbeit aller Zeiten.

Und doch, Nesterov (wer war selten mit seinen Werken zufrieden und zerstörte sie oft) beschädigte auch diese Leinwand: Er fiel auf das Bild, als er das Gesicht des Jugendlichen zum hundertsten Mal neu malte.

Timur Novikov

Novikov ist Gründer und Leiter einer der wichtigsten Kunstvereinigungen in der russischen Gegenwartskunst der 1980er Jahre namens New Artists. Einmal stellte er ein Sperrholzschild mit einem Loch darin aus und nannte die Arbeit ‚Zero Object‘. Novikov ist vor allem für seine Stoffapplikationen bekannt.

Ihm wurde zugeschrieben, die Arbeit der russischen Avantgarde in neuen Realitäten fortzusetzen und mit neuen Materialien. In den späten 1990er Jahren stellte er in der Tate in Liverpool, im Stedelijk in Amsterdam, in Museen und Galerien in Berlin, Hamburg, Paris, New York, Moskau und St. Petersburg aus.

Boris Orlow

Ein Klassiker der Sots-Kunst, in in seinen Werken erforscht Orlow den imperialen Stil und das Phänomen eines Imperiums im weitesten Sinne. Seine Werke können verschiedene historische Epochen in verschiedenen Kulturen darstellen, aber sie alle drehen sich um ein Thema – das patriarchalische System, das auf der Idee der Herrschaft basiert.

Eine seiner Lieblingsmethoden ist die Verwendung von militaristisches Zubehör: „Weil ein Imperium normalerweise ein militärisches Gesicht hat. Und sogar ein nichtmilitärischer zieht eine Uniform an.“

Anatoly Osmolovsky

Osmolovsky ist Russlands Hauptaktivist künstler, dessen Aktionen, Gedichte, Vorträge und sogar Kämpfe in den 1990er Jahren zu einem aufregenden politischen Statement wurden. Er trug einen Kühlschrank mit einer Lenin-Büste zum Roten Platz; legte ein obszönes Wort auf demselben Platz mit den Körpern seiner Kameraden aus; rauchte auf der Schulter der Mayakovsky-Statue und stand hinter vielen anderen Aktionen und Ereignissen.

Im Jahr 1998, er und 300 andere aktivisten verbarrikadierten drei Stunden lang die Bolshaya Nikitskaya Street, die zum Kreml führt, und widmeten ihre Aktion der Französischen Revolution von 1968. Sieben Führer dieser Prozession wurden anschließend verurteilt und zu Geldstrafen verurteilt.

Wassili Perow

Viele von Perows Gemälden provozierten hitzige Debatten unter seinen zeitgenossen. Der Künstler malte Szenen aus dem harten Leben gewöhnlicher Menschen. ‚Troika…‘, das Kinder zeigt, die als Lohnarbeiter vom Dorf in die Stadt gebracht wurden, ist vielleicht seine beste Arbeit zu diesem Thema.

Yuri Pimenov

Pimenov war ein treuer Anhänger der Kunstpolitik der Kommunistischen Partei. In den dunkelsten Zeiten von Stalins Säuberungen malte er idyllische Szenen aus dem Alltag des Sowjetvolkes und verherrlichte Fabrik- und Werksarbeiter.

Sein „Neues Moskau“ ist eines der besten Beispiele des sozialistischen Realismus: eine Frau fährt als Symbol einer neuen Ära durch das blühende Moskau. Man geht davon aus, dass ihr Ziel nicht weniger hell und schöne Zukunft.

Pavel Pepperstein

Pepperstein wurde in der kreis der Moskauer Konzeptualisten (sein Vater ist der berühmte Künstler Viktor Pivovarov). Vielleicht wurde deshalb sein kreativer Impuls von Anfang an genährt. Heute ist Pepperstein einer der produktivsten russischen Künstler und ein berühmter Schriftsteller.

In seinen Werken schafft er ganze fiktive Welten und seine eigene Mythologie. Das macht ihn besonders beliebt bei Intellektuellen.

Kuzma Petrov-Vodkin

Er war der Sohn eines Schuhmachers wer wollte Ikonen malen. Obwohl er kein Ikonenmaler wurde, wurde der Künstler durch sein Bild des Messias als junger Mann auf einem roten Pferd weltberühmt. Dieses Gemälde, das einige Jahre vor der Russischen Revolution entstanden ist, gilt als prophetisch und hat zahlreiche Interpretationen. Nach einer Theorie ist das Pferd Russland, das im 20.

Dmitri Prigov

Durch seine Ausbildung war Prigov Bildhauer und so verdiente er seinen Lebensunterhalt zu Sowjetzeiten, obwohl alle seine seine kreative Tätigkeit zielte darauf ab, selbst ein „Denkmal“ zu werden. In den 1970er Jahren wurde er auch als Dichter bekannt, der seine Rezitale in echte Performances verwandelte. Seine sogenannten „Dosen“, die angeblich einzelne Wörter und ganze Gedichte enthalten, ähneln Piero Manzonis Blechdosen mit der Aufschrift „Künstlerscheiße“. So setzte Prigov Gedichte mit allen anderen Sekreten des Körpers gleich.

Mit der Ankunft der Perestroika zog Prigov von poetischen Performances zur Konzeptkunst: er schuf Grafik, Installationen, Collagen, kreuzte Ideen, Worte und Gedanken, „entschlüsselte das Kulturgenom“ und neue Symbole.

Vasily Polenov

Einer der führenden religiösen Künstler, Polenov wollte etwas so Ehrgeiziges wie Ivanovs ‚Die Erscheinung Christi vor dem Volk‘ schaffen. Zu diesem Zweck begab er sich auf eine einjährige Reise durch Konstantinopel, Palästina, Syrien und Ägypten, von wo aus er die ersten Skizzen zu seinem Hauptwerk ‚Christus und die Frau, die beim Ehebruch genommen wurde‘ mitbrachte. Der Weg von der Idee bis zur Fertigstellung der Leinwand nach einer Szene aus dem Johannesevangelium dauerte bis zu 15 Jahre.

Lyubov Popova

Obwohl die Künstlerin sehr jung gestorben ist (zusammen mit ihrem Sohn im Alter von 35 Jahren an Scharlach), gelang es ihr zu Lebzeiten, eine futurist, ein Schüler von Malewitsch, ein Kenner des Kubismus und schließlich ein Konstruktivist. In dieser letzten Funktion entwarf Popova Arbeitskleidung für „revolutionäre“ Berufe.

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the „secret life of the human soul“. Mit den Worten des Sohnes des Künstlers, Pavel Pepperstein, „hat Pivovarov sein ganzes Leben lang den Raum der Seele gemalt“, wo alle äußeren Attribute, wie der Blick aus dem Fenster, Teil davon werden.

Pivovarovs wichtigste „Erfindung“ war das Genre ein Konzeptalbum. In diesem Genre schuf er einen seiner berühmtesten Zyklen, ‚Projects for a Lonely Man‘, in dem er den Alltag, die Träume, das Innere und sogar den Himmel eines Helden malte, der extreme Einsamkeit erlebt. Übrigens erkennen sich viele Zuschauer im Heldenalltag wieder. „Im Prinzip hat es sich nicht viel verändert“, sagt der Künstler.

Vasili Pukirev

„Unter seinen Künstlerkollegen und Studenten verließ er die eine warme und bleibende Erinnerung und in der Geschichte der russischen Kunst – eine brillante, wenn auch kurze Spur“, sagten die Zeitgenossen des Künstlers in seinem Nachruf. In der Tat wurde Pukirev, wie eine Reihe seiner Kollegen, der Autor eines Meisterwerks.

‚Die ungleiche Ehe‘ trieb ihn in die Reihen der die führenden Genremaler der Mitte des 19.Jahrhunderts, blieb aber Pukirevs einziges Meisterwerk.

Kunstgruppe

Die Kunstgruppe von Andrey Blokhin und Georgy Kuznetsov aus Krasnodar wurde 2008 gegründet und hat bereits dreimal auf der Biennale in Venedig mit Gesamtinstallationen und Multimedia-Projekten zum Thema Augmented Reality ausgestellt. Alle ihre Werke handeln auf die eine oder andere Weise vom Leben eines modernen Menschen im Zeitalter des Internets und verschiedener Geräte.

‚Conversion‘ ist eine riesige Konstruktion mit Skulpturen und Reliefs, die „Neo-Apostel“, die Träger einer neuen Religion namens „Global Network“.

Oscar Rabin

Rabin ist der Anführer der nonkonformismus, die inoffizielle sowjetische Kunst der 1960-1970er Jahre. Seine Bilder sind voll von allem, was von der offiziellen sowjetischen Kunst verboten wurde — Kasernen, Müllhalden, Wodkaflaschen und zerknitterte Zeitungen. Sie zeigen die andere und größere Seite der glänzenden sowjetischen Realität.

Der Künstler sagte, dass der ganze Müll aus den Vororten er selbst: „Ich habe mein ganzes Leben lang ein Bild gemalt – mein Porträt vor dem Hintergrund des Landes.“

Nicholas Roerich

Ein Philosoph, Reisender und orientalistischer Künstler mit absolut einzigartiger Stil, Roerich hinterließ ein Erbe von mehr als 7.000 Gemälden und Skizzen, von denen viele heute in den besten Museen der Welt aufbewahrt werden. Er verbrachte sein ganzes Leben auf Reisen, von denen er seine Untertanen zog – von einer Expedition im Himalaya und Indien nach Zentralasien.

„Gäste aus Übersee“ wurde in Paris gemalt und erzählt von Reisen im alten Russland.

Ilja Repin

Repin war sehr gut darin, das Leiden der Menschen darzustellen im 19.Jahrhundert. Das harte Leben von Lastkahnfahrern und Revolutionären, Alltagsszenen aus dem Leben der Unterschicht, Volksprozessionen – all diese Themen machten ihn zu einer Schlüsselfigur des russischen Realismus und zu einem Künstler der Sozialgeschichte. Sein umstrittenstes Gemälde zeigt jedoch eine Episode aus einer anderen Zeit.

Die Geschichte von Iwan dem Schrecklichen, der seinen eigenen Sohn tötete, ist so umstritten (Historiker streiten sich immer noch, ob es wirklich passiert ist oder nicht), dass Repins Meisterwerk wiederholt angegriffen wurde, sogar zu Lebzeiten des Künstlers. Der letzte Angriff fand 2018 statt, als ein betrunkener Vandale die Leinwand mit Farbe bespritzte.

Fjodor Rokotow

Rokotow St. Petersburg Adel des 18.Jahrhunderts, während Alexandra Struyskaya von ihm dargestellt wurde als eine der schönsten Frauen des Jahrhunderts.

Der Künstler war so beliebt, dass er sich bis zu 50 unvollendete Porträts gleichzeitig in seiner Wohnung. 1763 malte er das Krönungsporträt von Katharina II.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the „father“ of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

Sein Plakat für Lengiz, den wichtigsten und einzigen offiziellen sowjetischen Verlag, ist ein markantes Beispiel für avantgardistische Werbung mit all ihren Lieblingstechniken in Form von geometrischen Mustern und hellen Flecken. In der Mitte befindet sich ein Foto von Lilya Brik, „der Muse der russischen Avantgarde“.

Olga Rozanova

In der Geschichte der russischen Stripe‘ ist nicht weniger bedeutsam als Malewitschs ‚Schwarzes Quadrat‘. Die Künstlerin und ihr bestes Werk blieben jedoch zunächst im Schatten des Hauptsuprematisten und wurden später bis zu ihrer Wiederentdeckung in den 1970er Jahren fast völlig vergessen.

Rozanova hat noch mehr erreicht als Malewitsch: Sie hat nicht nur setzen Sie die Farbe über das Formular, sie löste auch erfolgreich das Dilemma des Hintergrunds. Ihr Streifen sieht eher wie eine Projektion als wie eine Figur auf der Leinwand aus, es scheint, dass er sich über den Rahmen hinaus fortsetzt. Das war das erste Mal in der Geschichte der abstrakten Malerei, dass dieser Effekt erreicht wurde.

Andrei Rublev

Der berühmteste religiöse Künstler der russischen Geschichte, Andrei Rublev schuf einen Standard der orthodoxen Ikonenmalerei. Im 16.Jahrhundert wurden seine Werke als Vorbild anerkannt, nach dem alle Ikonenmaler streben sollten, während seine „Dreifaltigkeit“ zum spirituellen Symbol der gesamten russischen Kunst wurde.

Über Rublev selbst ist wenig bekannt. Er war Mönch und widmete sein ganzes Leben Gott und der Malerei. 1988 sprach ihn die russisch-orthodoxe Kirche als Heiligen heilig.

Aidan Salakhova

Viele beschreiben Salakhova bezeichnet Kunst als „feministisch“ und „politisch“, weil sie den Osten und den Westen, das Männliche und das Weibliche, in einer auffälligen Kombination von Sex und Islam erforscht. Marmorne phallische Minarette und schwarze Kaaba-Vaginas haben sie auf der ganzen Welt berühmt und erkennbar gemacht.

Auf der Biennale in Venedig 2011 präsentierte ihre ‚Fürbitte‘, eine Skulptur einer Frau in einem Niqab, musste mit einem weißen Laken bedeckt werden, nachdem der Präsident Aserbaidschans (‚Fürbitte‘ wurde im aserbaidschanischen Pavillon ausgestellt) versucht hatte, sie zu zensieren. Viele sahen darin eine große Ironie: Die Skulptur war mit einem Schleier bedeckt, weil es dem Präsidenten nicht gefiel, dass sie eine Frau in einem Schleier darstellte.

Zinaida Serebriakova

Angesichts seines Status in der Populärkultur , dieses Porträt ist vielleicht das Hauptwerk von Serebriakova geworden. Für viele ist seine spontane und offene Art ein Inbegriff von Weiblichkeit.

Als das Porträt erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt wurde, sagte der Künstler Valentin Serov darüber: „Eine sehr schöne und frische Sache.“ Das Bild wurde sofort von der Tretjakow-Galerie gekauft.

Valentin Serov

Für die russische Elite, sitzt für ein Porträt von Serov galt als Ehre. Der russische Impressionist Valentin Serov, ein Meister der psychologischen Porträts, malte berühmte Komponisten, Schriftsteller, Mitglieder der kaiserlichen Familie und russische Fürsten.

Und doch ist eine seiner bedeutendsten und berühmtesten Leinwände das Porträt eines 12-jährigen Mädchens, Vera Mamontova. Sie war die Tochter eines großen Unternehmers und Philanthropen, Savva Mamontov, aber Serov entfernte später ihren Namen aus dem Bildtitel. Dem Künstler zufolge malte er nicht die Tochter einer berühmten Person, sondern die Jugend selbst.

Henryk Siemiradzki

Seit fast 30 Jahren, Siemiradzki lebte in Rom. Er erwarb sich den Ruf eines der prominentesten Vertreter des späteuropäischen Akademismus, aber nicht sofort und nicht unter allen. Der Künstler interessierte sich nur für die antike Welt mit ihren Mythen, Festen und Orgien, für die er viel Flak nach Hause bekam, wo Peredvizhniki mit ihrer Darstellung von Bauern, verarmten Waisen und anderen Elementen der „Wahrheit des Lebens“ bereits in Mode waren.

Zum Beispiel, der einflussreichste Kunstkritiker der die Zeit, Vladimir Stasov, hielt Siemiradzki für einen hoffnungslosen Klassizisten, der „allem Italienischen zum Opfer gefallen war“. Ilya Repin seinerseits nannte ihn einen Scharlatan, während der berühmte Sammler Tretjakow sich weigerte, seine Werke zu kaufen. Russische Zaren waren jedoch schon immer Fans des Akademismus: zum Beispiel wurde ‚Phryne‘ von Alexander III direkt aus der Ausstellung gekauft.

Alexei Savrasov

Ein Künstler lyrischer Landschaften, Savrasov erlangte schnell Ruhm und Anerkennung: Im zarten Alter von 24 Jahren war er bereits Mitglied der Akademie der Künste geworden. Im Laufe der Generationen wird dieser realistische Künstler jedoch als „One-Hit-Wunder“ in Erinnerung bleiben: keine seiner zahlreichen Landschaften kann an Popularität mit ‚The Rooks…‘ mithalten. Jedes Schulkind in Russland kennt dieses Lehrbuchbild, weil es höchstwahrscheinlich einen Aufsatz darüber schreiben musste.

Iwan Schischkin

Wenn Sie ein Gemälde eines erstaunlichen russischen Waldes oder von Feldern mit Kiefern am Straßenrand sehen, sie können sicher sein, dass es ein Shishkin ist. Laut einer Umfrage des Allrussischen Meinungsforschungszentrums ist er der bekannteste Künstler in Russland.

Was vor allem auf die Mischka Kosolapy (clumsy bear) Bonbons, deren Hülle ein Fragment dieses Bildes enthält. Und doch malte niemand abgelegene Dickichte, Wiesen und Felder so wie er, weder quantitativ noch qualitativ. Der Wald war alles, woran Shishkin jemals interessiert war.

Sylvester Shchedrin

Viele russische Künstler des 19.Jahrhunderts besuchten das europäische künstlerische Mekka Italien, aber nur wenige haben es zu ihrer kreativen Heimat gemacht. Der Landschaftsmaler Shchedrin verbrachte praktisch sein ganzes Leben damit, die Schönheit Italiens und insbesondere Neapels darzustellen. Hier starb er auch, bevor er 40 Jahre alt wurde. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

Als Vertreter der Sots-Kunst und, wie er selbst es nannte, „Folk Pop Art“ arbeitete Sokov mehr als 30 Jahre lang mit den Mythen, Bildern und Symbolen der russischen Kultur und stellte sie der westlichen Zivilisation gegenüber.

Der Künstler und Bildhauer verließ die UdSSR die USA, um unter dem Druck des totalitären Systems der Staatsordnung, das dem Künstler alles bis ins kleinste Detail diktierte, „nicht zu brechen“: „In welcher Hand Lenin seine Mütze halten sollte, wie lange die Hose des Pioniers sein sollte und was Marx‘ Drehfuß war“, witzelte Sokov.

Vasily Surikov

Surikov machte sich einen Namen, indem er verschiedene tragische Momente in der russischen Geschichte. Zum Beispiel erzählt ‚Boyarina Morozova‘ die Geschichte des erbitterten Kampfes gegen Altgläubige: Morozova wird zur Zeit der Kirchenspaltung in ein Nonnenkloster (das einem Gefängnis entsprach) gebracht.

Wladimir Tatlin

Obwohl das Denkmal für die Dritte Internationale oder Tatlins Turm nie gebaut wurde, wurde es zum emblematischsten Denkmal des Künstlers brainchild und das Markenzeichen des Konstruktivismus auf der ganzen Welt. Tatlin entwarf seinen Turm als Symbol der Revolution von 1917 in Leningrad (heute St. Petersburg).

In den späten 1920er Jahren wurde die sowjetische Führung jedoch verlor das Interesse an Avantgarde-Künstlern und hörte auf, sich mit ihnen zu beschäftigen, so dass der Turm nie gebaut wurde.

Oleg Tselkov

Im Laufe seines Lebens hat dieser nonkonformistische Künstler hat praktisch ein und denselben Charakter gemalt – ein deformiertes menschliches Bild, eine Mutante. „Dies ist kein Porträt eines bestimmten Darstellers, sondern ein universelles Porträt… und ein schrecklich vertrauter dazu „, erklärte Tselkov. „Ich habe es versehentlich geschafft, die Maske der Menschheit abzureißen.“

Die sowjetische Führung mochte diese „Kehrseite einer menschlichen Persönlichkeit“ nicht besonders. 1977 wurde Tselkov gebeten, das Land zu verlassen, und er ging nach Frankreich. Erst 2015 wurde er wieder russischer Staatsbürger.

Pavel Tchelitchew

Dieser Patriarch des mystischen Surrealismus wurde in Russland geboren, verbrachte aber den größten Teil seines Lebens in Europa und Amerika, wo er die Technik seiner berühmten anthropomorphen Landschaften entwickelte. Wegen der Ähnlichkeit im Stil wird er oft als „der russische Dali“ beschrieben, außer dass Tchelitchew der erste war, der Elemente des mystischen Surrealismus in seinen Werken zeigte: sie sagen, neun Jahre zuvor hat Salvador Dali dasselbe getan.

Heutzutage sind seine Werke in den wichtigsten europäischen Museen zu finden museen und Sammlungen, während in Russland nur die Tretjakow-Galerie einen einzigen Tchelitchew hat. ‚Phenomena‘ wurde heimlich von einem Freund von Tchelitchew, dem Choreografen Lincoln Kirstein, nach Russland gebracht. Er übergab es der Tretjakow-Galerie, blieb aber bis Mitte der 1990er Jahre in den Lagerräumen des Museums.

Simon Ushakov

Die Romanows bestiegen 1613 den Thron. Die Dynastie regierte das Land jahrhundertelang, aber ganz am Anfang brauchte sie etwas, um ihre Legitimität zu bestätigen. Eine wichtige Rolle spielte dabei das vom Ikonenmaler Uschakow geschaffene Bild der königlichen Familienlinie. Kunstkritiker nennen es die erste und beste Rechtfertigung für die Behauptung, dass die Romanows ihre Macht von oben erhalten hätten.

Die Romanows müssen mit den diese Einschätzung: Sie machten Uschakow zum wichtigsten Ikonenmaler des Reiches und überschütteten ihn bis zu seinem Tod mit Gefälligkeiten.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov versuchte sich in verschiedenen Stilen und Arten von von der Bemalung von Kirchenfresken (wie in der Erlöserkirche auf dem vergossenen Blut in St. Petersburg) bis hin zu geschwungenen Jugendstil-Verzierungen. Für die meisten Russen ist er jedoch ausschließlich mit Figuren aus russischen Märchen verbunden. In der populären Vorstellung sehen diese Charaktere sehr ähnlich aus, wie Vasnetsov sie dargestellt hat.

Das Gemälde ‚Bogatyrs‘, das die beliebten slawischen Superhelden Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets und Aljoscha Popowitsch darstellt, dauerte fast 20 Jahre.

Alexey Venetsianov

Venetsianov war einer der ersten Künstler, der Szenen aus dem Leben gewöhnlicher Menschen darstellte und sich im „Bauerngenre“ einen Namen machte. Gleichzeitig interessierte er sich nicht besonders für die praktischen Aspekte des Alltags der Bauern.

In seinen Gemälden ging es mehr um Geräumigkeit, Freiheit und Unermesslichkeit. Viele glauben, dass sein ‚erntendes‘ Gemälde die wahre russische Landschaft verkörpert.

Vasily Vereshchagin

Ein Maler von Kampfszenen , Vereshchagin malte normalerweise, was er mit seinen eigenen Augen sah. Er war in vielen Kriegen gewesen und hatte die Welt von Indien nach Syrien bereist. Er organisierte seine Ausstellungen in New York und London selbst und zeigte oft nicht nur seine Gemälde, sondern auch Trophäen vom Schlachtfeld.

Sein Die Apotheose des Krieges ist insofern eine Ausnahme, als er sie nicht aus dem Leben, sondern aus einer Idee in seinem Kopf malt. Auf seinem Rahmen schrieb der Künstler: „Gewidmet allen großen Eroberern – Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.“

Mikhail Vrubel

Vrubel ist in erster Linie mit dem Bild eines dämon, den er wiederholt und obsessiv malte. Das Bild eines gefallenen Engels, der unter seiner dämonischen Natur litt, war von Michail Lermontows gleichnamigem Gedicht inspiriert worden. Vrubel machte etwa 30 Skizzen für dieses Gemälde.

Vrubel gab zu, dass er einen dämon in seinen Albträumen auch. Eine akute Psychose, die der Künstler in seinem späteren Leben entwickelte, in Verbindung mit seiner Besessenheit von einem einzigen Bild veranlasste seine Zeitgenossen zu dem Schluss, dass Vrubel durch seine Sucht nach Dämonismus verrückt geworden war.

Vladimir Weisberg

Weisberg zeichnet sich der Kontext der russischen Kunst: Er gehört weder zur offiziellen Kunst noch zu Nonkonformisten. Sein Markenzeichen ist die sogenannte „weiße Malerei“, Bilder, die mit weißer Farbe auf weißem Grund gemalt zu sein scheinen. Laut Weisberg selbst versuchte er, „unsichtbare Kunst“ zu erreichen.

In der Tat , er verwendete kaum jemals weißes Pigment. Seine Bilder sind eine komplizierte Kombination kleiner mehrfarbiger Partikel. „Ein Bild sollte weiß werden, wenn alle, buchstäblich alle, seine Farben hineinpassen“, pflegte er zu sagen.

Vladimir Yankilevsky

Ein Pionier der Moskauer „inoffiziellen Kunst“ und eine als Einzelgänger passte Yankilevsky in keine künstlerische Vereinigung und stand sozusagen immer am Rande. Viele verstanden seine existenziellen Werke einfach nicht: Sein ganzes Leben lang malte er einen metaphysischen „Mann gegen die Ewigkeit“.

Die Idee von Menschen in Kisten kam ihm unter dem Einfluss des Existentialismus. Diese „existenziellen Kisten“ wurden zu einer Metapher für eine Person, deren Bestrebungen und Träume immer gegen die Wände eines sozialen Umfelds stoßen. Es muss gesagt werden, dass das Leben in der UdSSR dieser Wahrnehmung der Realität sehr förderlich war.

Vadim Zakharov

In den 1970er Jahren trat Zakharov der kreis der Moskauer Konzeptualisten, angefangen mit absurden Handlungen bis hin zur Malerei. „Zwischen 1985 und 1989 habe ich viele riesige Gemälde geschaffen, danach habe ich kein einziges gemalt, mit Ausnahme einiger weniger in Holzkohle, und jetzt ist es eine Qual für mich, zu Leinwand und Öl zurückzukehren“, sagte er. 1989 zog er nach Köln, wo eine neue Etappe seiner künstlerischen Karriere begann – Installationen.

Sein Projekt „Danae“ wurde auf der Biennale in Venedig zur Sensation. In der ersten Stunde nach der Eröffnung stand eine Schlange vor dem russischen Pavillon, um den einzigartigen Prozess eines berühmten antiken griechischen Mythos zu betrachten, der sich durch einen goldenen Regen von Münzen mit den Worten „Vertrauen“ materialisierte, Freiheit, Liebe und Einheit, die darauf geschrieben waren, strömten aus einem Raum, in dem nur männliche Zuschauer zugelassen waren, in den „Mutterleib“, in dem nur weibliche Zuschauer zugelassen waren.

Konstantin Zvezdochetov

Er ist der russische König von kitsch, ohne den keine große Ausstellung zeitgenössischer Kunst auskommt. Zvezdochetov gehört zu der Generation sowjetischer Künstler, die als erste in die internationale Kunstszene eintraten und als „zeitgenössische russische Kunst“ bekannt wurden.

Es gab eine Zeit, in der er beleidigt war, als „Künstler“ bezeichnet zu werden. Er sagte: „Ich bin eine Person, die Interpretationen anbietet… Alles, was ich tue, sind Zitate und Zusammenstellungen.“

Anatoly Zverev

Er wird oft als „der russische Van Gogh“ bezeichnet. Robert Falk sagte über ihn: „Jede Berührung seines Pinsels ist unbezahlbar“, während Picasso selbst ihn wiederholte. Als Dekorateur trat Zverev Ende der 1950er Jahre in die Kunstszene ein, und 1965 fand seine erste internationale Ausstellung in Motte in Paris statt, obwohl er selbst nie ins Ausland ging.

Das sowjetische System mochte Zverev. Die Polizei war hinter ihm her, um ihn wegen „Parasitismus“ (der in der UdSSR eine Straftat war) zu verhaften, während er nur für seine Kunst und für seine einzige Liebe und Muse lebte, die Witwe des Dichters Nikolai Aseev, Ksenia Aseeva, die 39 Jahre älter war als er.