10 Breakthrough Women Artists As Polled By Black-Owned Art Galleries

Von Shantay Robinson 

Schwarze Künstlerinnen haben in den letzten Jahren mehr Anerkennung erhalten als in der Vergangenheit. Aber sie sind immer noch weitgehend unerkannt für ihre Beiträge zur bildenden Kunst, die Gespräche über Gerechtigkeit und Gerechtigkeit anregen. In diesem Jahr befragte Black Art in America Kunstgalerien in Schwarzbesitz, um herauszufinden, wer die 10 bahnbrechenden schwarzen Künstlerinnen sind. Wir sprachen mit Stella Jones Gallery, N’Namdi Contemporary, Walton Gallery, Mariane Ibrahim, E&S Gallery, 10th Street Gallery, Richard Beavers, Zucot Gallery und Black Art in America. Diese Liste repräsentiert natürlich nicht alle talentierten schwarzen Künstlerinnen, die großartige Dinge tun, aber diese Liste hebt die Künstler hervor, die sich in den Sammlungen, in denen sie erworben wurden, als wegweisend erwiesen haben, die Ausstellungen, in denen sie gezeigt haben, und der Einfallsreichtum ihrer Kunst.

Bisa Butler

Die Kunstquilterin der Extraklasse, Bisa Butler, trägt keine Farbe auf ihre Leinwände auf, aber die kontrastreichen Bilder, die sie schafft, betteln um nähere Betrachtung. Butler modernisiert historische Figuren, um sie wieder zum Leben zu erwecken. Figuren wie Josephine Baker, Frederick Douglas und Jackie Robinson haben ihren Raum auf ihren Leinwänden gehalten und den Betrachter angefleht, sie neu zu sehen. Die Farben, die sie zusammennäht, um Motive mit buntem Farbton zu schaffen, stammen von Schwarz-Weiß-Fotografien, die sie stilisiert. Die Platzierung der Motive auf gedämpften oder lebendigen Hintergründen hilft, die Lebendigkeit ihrer Motive zu beleuchten und gleichzeitig ihre Bedeutung zu veranschaulichen. Ohne Farbe auf die Leinwände, die Butler kreiert, macht sie sorgfältig Schatten und Licht mit Stoff, die ihren Motiven Dimension verleihen. Die Schönheit ihrer Quilts liegt nicht nur in der Bedeutung des Themas in der Neuzeit, sondern auch in der Innovation und dem Sinn für Tapferkeit, die Butler einsetzt, um mit Stoff zu malen, der als Frauenarbeit verbannt wurde.

Delita Martin

Unter den Farben, Textilien und Collagen zeigt Delita Martin echte schwarze Frauen in Kunstwerken, die ihre Schönheit, Stärke, Schmerzen und Widerstandsfähigkeit feiern. Inspiriert von Vintage- und Familienfotos verwendet Martin visuelle Sprache, um mündliche Geschichten zu erzählen. Die in ihren Gemälden erzählten Erzählungen erzählen aufrichtige, intime und ehrliche Geschichten von Frauen, die in zeitgenössischen Nachrichten oder Geschichtsbüchern vielleicht nicht erwähnt werden, die wir aber alle kennen. Sie sind Mütter, Schwestern, Tanten und Cousins, die unermüdlich daran arbeiten, das Familienleben und die Ordnung aufrechtzuerhalten, aber für ihre Arbeit oft keine angemessene Anerkennung erhalten. Mit traditionellen afrikanischen Textilien, um ihre Bilder zu überlagern, ruft Martin zurück ins Mutterland und verbindet die Tradition der schwarzen Frauen als Rückgrat der Gemeinschaft in Afrika sowie in der gesamten Diaspora. Während die Frauen, die in Martins Kunstwerken abgebildet sind, vielleicht nicht offen für ihre Beiträge zur Welt gefeiert werden, indem sie sie auf Leinwand verewigen, bietet sie ihnen Anerkennung.

Black Is Beautiful von Lavett Ballard, 60 x 26 Zoll Mixed Media Collage auf Holzplatte, 2019. Privatsammlung

Lavette Ballard

Zäune wurden verwendet, um Menschen drinnen oder draußen zu halten, aber Lavette Ballard verwendet Zäune, um die Erzählungen historischer Bilder schwarzer Menschen, insbesondere aber schwarzer Frauen, in den kunsthistorischen Kanon einzufügen. Sie nimmt historische Schwarz-Weiß-Fotografien auf und bringt sie auf große und kleine alte Holzzäune auf, um Kunstwerke zu schaffen, die diese Themen in die Gegenwart zurückbringen. Ballard arbeitet mit Altholz und verleiht ihren Collagen ästhetisch eine Tiefe, die die Kombination von Schwarzweißfotografien und Farbmalerei auf traditionelle Weise nicht betonen würde. Auf den Schwarz-Weiß-Fotografien, in den Formen ihrer Motive und auf ihren hölzernen Leinwänden wird Farbe überlagert, um ihren Motiven ein zweites Leben zu geben. Diese Figuren mögen zu ihrer Zeit kein Entrée in die Kunstwelt erhalten haben, aber Ballard bietet ihnen Zugang zum Leben und zur Umgebung der Moderne.

Monica J. Beasley

Unbemerkt von ihren Zuschauern geht es bei Monica J. Beasleys Kunstwerken nicht nur um hübsche Farben und zarte Texturen. Die Weiblichkeit, die den Pastellen innewohnt, die sie verwendet, soll die Gefühle von Weiblichkeit und Zierlichkeit hervorrufen, aber es gibt eine Geschichte hinter dem Offensichtlichen, dass Frauen zierlich und zart sein sollen. Wann hatten schwarze Frauen diesen Luxus? Die amerikanische Geschichte hat schwarzen Frauen nicht erlaubt, sich um ihre Launen in der Spitze und im Satin zu kümmern, die anderen ihres Geschlechts gewährt werden. Die Blumencollagen, die Beasley kreiert, könnten den Rest der Gesellschaft daran erinnern, dass schwarze Frauen nicht nur die Maultiere dieser Welt sind. Wie Frauen anderer Glaubensrichtungen verdienen sie es, als Damen behandelt zu werden. Es war nie ihre Wahl, ob sie eine Anstellung finden sollte oder nicht, wie ihre weißen Kollegen, Die Mehrheit der schwarzen Frauen in den Vereinigten Staaten hat immer gearbeitet. Manchmal verdient sie schöne und zarte Erinnerungen an ihre Weiblichkeit. Und Beasley bietet, wenn auch nur ästhetisch, diese Erinnerung.

Genesis Tramaine

Genesis Tramaine manipuliert das schwarze Gesicht, um die Emotionen und Begegnungen schwarzer Menschen hervorzurufen. Die urbane Expressionistin illustriert mit groben Pinselstrichen die Psyche, um das Innenleben ihrer schwarzen Motive zu verstehen. Inspiriert von Graffiti der 1980er Jahre und Gospelhymnen sprechen die Erzählungen, die sie in ihren imaginierten Porträts des schwarzen Innenlebens hervorruft, von der Komplexität der schwarzen Existenz. Offensichtlich von Jean Michel Basquiat ermutigt, nimmt Tramaine die manischen Markierungen in den Gesichtsöffnungen und fügt Geschichten ein, zu denen man vielleicht nie den Mut hat zu sprechen. Das Treiben des Unterbewusstseins zeigt sich in den Porträts, die sie malt und die die Komplexität und den Streit der schwarzen Animation bekennen. Die Geschichten, die sie vermittelt, sind vielleicht nicht für alle kohärent, aber diejenigen, die das Leben leben, verstehen die Schwierigkeit, nicht nur das doppelte Bewusstsein, sondern auch die dreifache Gefahr zu artikulieren, die die Notlage der schwarzen Frauen darstellt.

Ruby Onyinyechi Amanze

Die Arbeiten auf Papier von Ruby Onyinyechi Amanze lassen der Fantasie Raum, unendlich viel zu erforschen. Die Figuren, die Amanze kreiert, wirken gebrochen und nehmen von Natur aus nicht viel Platz auf dem Papier ein. Fragmentarisch schweben sie im formbaren Weißraum und warten darauf, vom Betrachter wahrgenommen zu werden. Bei näherer Betrachtung können die Details und die Textur ein Beweis für die Komplexität des Lebens sein, vielleicht die Komplexität der Existenz schwarzer Frauen. Die Figuren, die sie in manchmal intimen Umarmungen hervorruft, geben die Sinnlichkeit von Lebenserfahrungen wieder, rufen aber eine Trennung auf einer anderen Ebene hervor. Auf der einen Seite versuchen die Kunstwerke, Raum zu beanspruchen, und gleichzeitig fehlt es ihnen an der Fähigkeit, dies zu tun. Die unzusammenhängenden Figuren, die abstrakt in den Parametern der Leinwand platziert sind, betteln um Harmonie. Aber vielleicht sollte das nicht erwartet werden. Höhere Bedenken hinsichtlich Sicherheit und Komfort zeigen sich in der Arbeit und betteln um Vermutungen und Trost in immer aggressiven Zeiten.

Ann „Sole Sister“ Johnson

Inspiriert von ihren Träumen zeigt Ann Johnson die Trauer schwarzer Menschen, die von der Populärkultur für ihr Leiden nicht anerkannt werden. Wie Sandra Bland, Viele schwarze Frauen sind Opfer, werden aber nicht als Opfer anerkannt, da sie seit langem glauben, dass sie von Natur aus mehr Schmerzen ertragen können als ihre Kollegen. Johnson erforscht diese Probleme innerhalb der schwarzen Gemeinschaft durch experimentelle Druckgrafik. Mit gemischten Medien macht sie auf die Traumata schwarzer Frauen aufmerksam und erforscht Erzählungen dieser schwarzen Unterschicht. Indem sie unerwartete Medien wie Baumwolle, Federn oder Gemüse auf ihre Leinwände bringt, verwendet Johnson Druckgrafik, um Bilder auf sie anzuwenden, die auf die Zerbrechlichkeit der von ihr porträtierten Motive hindeuten. Die Zähigkeit der Leinwände, mit denen sie arbeitet, spricht für die Ausdauer eines Volkes, das erträglich genug ist, um an den Rand der Selbstzerstörung gebracht zu werden, aber nicht in der Lage ist, ständiger Unterdrückung standzuhalten. Die Zerbrechlichkeit ihrer Leinwände zeugt von der Grundlage, auf der ihre Motive stehen.

Tracy Murrell

Tracy Murrell feiert Schönheit und Anmut und nimmt Silhouetten von Frauen und wendet sie auf gemustertes Papier an, um Harmonie zu schaffen, die für die Existenz in dieser Welt als farbige Frau unerlässlich ist. Inspiriert von der Haltung und Eleganz von Frauen wiederholt Murrell Posen, um den Betrachter mit ihren Motiven vertraut zu machen, und überrascht sie dann mit den Mustern, die sie kombiniert, um Kohärenz zu schaffen. Das Fehlen von Merkmalen zu ihren Themen ermöglicht es den Silhouetten, jeder Frau zur Verfügung zu stehen und sich für eine Vielzahl zu eignen. Als Reaktion darauf inspirieren diese Silhouetten zur Meditation und ermöglichen dem Betrachter Reflexion. Bescheiden in der Haltung bieten die Kunstwerke eine Alternative zu den stereotypen Ansichten von farbigen Frauen als laut und hypersexuell. Die Silhouetten auf den dekorativen Kulissen stören die kontemplativen Positionen ihrer Motive, harmonieren aber mit der Geschäftigkeit. Murrell bietet eine Alternative zu typischen Interpretationen, die farbige Frauen als etwas anderes als kontemplativ darstellen, sichern, und schön.

Uruba F. Slaughter

Wenn Zahlen nicht ausreichen und es keine Worte gibt, um das Leiden zu heilen, wird Abstraktion an ihrer Stelle verwendet. Uruba hat durch abstrakte Malerei ein Aneurysma überwunden. Ihre benutzerdefinierten Texturen zeigen das Leiden eines Menschen, der Schmerzen hat, aber bereit ist, das Leiden der Menschheit zu überwinden, um Schönheit zu sehen. Die farbenfrohen und kontrastreichen Leinwände, die sie schafft, zeigen die Dunkelheit, die die Künstlerin ertragen hat. Und die Textur erzählt von dem Kampf, den es brauchte, um dorthin zu gelangen. Ihre Leinwände schreien nach Erleichterung von den Schmerzen des gewöhnlichen Lebens als auch von denen der extremen Umstände. Die Einfachheit und Komplexität der von ihr geschaffenen Leinwände sprechen sowohl vom Leben als auch vom Tod. Das Morbide und das Licht. Schmerz und Schönheit. Wenn Zahlen nicht ausreichen, um die Lebensumstände darzustellen, können Farben, die mit Textur auf einer Leinwand platziert werden, das einzige sein, was noch von der Stärke erzählt, die es braucht, um überwunden zu werden. Die Leinwände von Slaughter überzeugen von der Sorgfalt, mit der der Künstler diese Botschaft vermitteln kann.

Sherry Shine

Als Quiltkünstlerin beruft sich Sherry Shine auf die Traditionen afrikanischer Textilkreationen, um mit den Erfahrungen bestimmter afroamerikanischer Frauen zu sprechen. Die leuchtenden Farben, mit denen sie die Erzählungen schwarzer Frauen vermittelt, erzählen von den intimen Beziehungen, die schwarze Frauen in einem unterdrückenden Herrschaftssystem aufbauen. Ihre Themen können vorgestellt werden, Aber die Geschichten von Schwesternschaft und Liebe, die in ihren Quilts dargestellt sind, tragen das wirkliche Leben von Frauen, die abgesehen von dauerhaftem Streit Momente brauchen, um zu leben. Shine konstruiert Bilder, die sich platonisch und in romantischer Liebe verbinden. Auch wenn schwarze Frauen in ihrer Arbeit nicht präsent sind, hinterlassen ihre Spuren in den Kleidungsstücken einer Wäscheleine oder den rhythmischen Farbpaletten, die sie inspirieren. Ohne Farbe zu verwenden, um die farbenfrohen Innenräume schwarzer Frauen darzustellen, Shine nutzt die Quilttradition, um die Menschlichkeit des schwarzen Lebens und der schwarzen Liebe darzustellen. Die Steppdecken von Shine zeugen von der Schönheit und Kraft der schwarzen weiblichen Mystik.

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Shantay Robinson, BAIA Resident Scholar, hat am Burnaway’s Art Writers Mentorship Program, am Duke University’s The New New South Editorial Fellowship und am CUE Art Foundation’s Art Critic Mentoring Program teilgenommen. Sie hat für Burnaway, ArtsATL, ARTS geschrieben.SCHWARZ, AFROPUNK, Anzahl, Inc. und Washington City Papier. Während sie einen MFA schriftlich vom Savannah College of Art and Design erhielt, war sie Dozentin am High Museum of Art. Derzeit promoviert sie in Schreiben und Rhetorik an der George Mason University.

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