Everett Collection / Rex

Heute wäre Stanley Kubricks 89.Geburtstag gewesen. Der Regisseur starb 1999, als er im Alter von 70 Jahren seinen 13. und letzten Spielfilm „Eyes Wide Shut“ fertigstellte.Zu Ehren der Karriere des großen Regisseurs haben acht Mitglieder des IndieWire—Personals — William Earl, Kate Erbland, David Ehrlich, Eric Kohn, Michael Nordine, Zack Sharf, Anne Thompson und dieser Autor – die Filme des Regisseurs einzeln eingestuft, die zusammen gemittelt wurden, um die folgende Liste zu erhalten. Während Kubrick über einen Zeitraum von 46 Jahren nur 13 Filme drehte, machte er mehr als seinen gerechten Anteil an Meisterwerken. Als Zeichen dafür, wie tief die Qualität dieser Liste reicht, erhielten sechs verschiedene Titel den ersten Platz, während in der Endabrechnung der Unterschied zwischen # 1 und # 7 hauchdünn war.

Lesen Sie mehr Warum David Lynch der wichtigste Schauspieler auf ‚Twin Peaks‘ geworden ist

„Fear and Desire“ (1953)

„Fear and Desire“

Im Alter von 23 Jahren war Kubrick ein ziemlich erfolgreicher Fotograf und hatte zwei Kurzfilme gedreht, mit denen er das Geld für „Fear and Desire“ von einem Soldaten, der einen Flugzeugabsturz überlebt und hinter feindlichen Linien landet. Gedreht in fünf Wochen in den kalifornischen Bergen mit einer fünfköpfigen Crew, Kubrick dachte, er würde die Kosten niedrig halten, indem er den Film ohne Ton drehte und Musik und Effekte in der Post hinzufügte. Der Plan ging nach hinten los, da die Postproduktionskosten weit über sein Budget hinausgingen. Die Stärke des Films liegt in der ehrlichen, unerschütterlichen Darstellung des Todes und der tierischen Instinkte des Menschen, die von der Gesellschaft entfernt sind. Der Film hat einen Sinn für Realismus, da man die Fähigkeiten des jungen Dokumentarfotografen hinter der Linse spüren kann. Im Laufe der Jahre war Kubrick von seinem ersten Spielfilm in Verlegenheit gebracht und tat sein Bestes, um Drucke aus dem Verkehr zu ziehen.

„Spartacus“ (1960)

„Spartacus“

Star und Produzent Kirk Douglas feuerte den großen Anthony Mann eine Woche in die Produktion und brachte einen 33-jährigen Kubrick an Bord, von dem Douglas dachte, dass er ein guter Job mit „Paths of Glory.“ Das bedeutete nicht, dass das massive Studio-Epos ein Kubrick-Film werden sollte, aber das hinderte ihn nicht daran, es zu versuchen. Kubrick stieß mit dem Drehbuchautor Dalton Trumbo über den Mangel an Fehlern im Helden an (was humorvoll ist, wenn Sie andere Epen dieser Ära gesehen haben); er kämpfte mit Welles und Sirks großem DP Russell Metty über die Rahmen- und Objektivwahl; und er war gezwungen, die blutigen Kampfszenen zu schneiden, auf die er am stolzesten war, als sie sich als zu störend erwiesen. Letztendlich gilt „Spartacus“ als anständiges Hollywood-Epos, das Kubricks Handwerk enthält. Es war ein bedeutender Lebenslauf-Builder, und führte ihn in die großformatige Kinematografie ein, die die Detailtiefe erreichen konnte.

„Killer’s Kiss“ (1955)

„Killer’s Kiss“

„Killers Kiss“

Mit 26 Jahren lieh sich Kubrick 40.000 Dollar für seinen zweiten Spielfilm, den er für 100.000 Dollar an United Artists verkaufte, mit dem Versprechen, weitere 100.000 Dollar für seinen dritten Spielfilm „The Killing.“ Die Stärke dieses Films kommt größtenteils von Kubrick-the-Hotshot-Look-magazine-photographer und nicht von Kubrick, dem angehenden Filmemacher. Der Film wurde vor Ort in New York gedreht und fängt die Stadt so ein, wie sie wirklich war, mit Bildern, die ihre Atmosphäre und ihren zwielichtigen Unterbauch hervorrufen. Insbesondere die Szene auf dem Dach am Wasser zeigt, wie Kubricks Wissen über die Stadt und das Licht New York zum perfekten Set machen konnte. Wenn man die Noir-Geschichte eines angespülten Boxers erzählt, der versucht, einem Mädchen zu helfen, das sich in einer chaotischen Situation befindet, spürt man, wie Kubrick versucht, seinen Sinn für Komposition an das Filmemachen anzupassen, mit dem Instinkt, eine Szene auf ihre grundlegendsten Elemente zu reduzieren.

Dieser Beitrag wird auf der nächsten Seite fortgesetzt.

„Lolita“

„Lolita“

Die Adaption von Nabokovs Roman in einen Film von 1962 war keine leichte Aufgabe. Kubrick musste das Drama am Laufen halten, während die Sexualität stillschweigend blieb. (Er bemerkte später, dass er den Film nie gemacht hätte, wenn er den verlorenen Kampf gewusst hätte, den er mit Zensoren führen würde.) Trotzdem implizierte Kubrick viel in den sorgfältig erzogenen Performances und geladenen Szenenübergängen des Films.Das grandiose Ende des Buches an den Anfang zu stellen, war ein Opfer, aber es erlaubte Kubrick auch, dem Film ein Gefühl von Fatalismus sowie einen dramatischen Start zu geben. Mehr als alles andere brachte Kubrick Humor in die Geschichte. Peter Sellers und James Mason sind ausgezeichnet, und Kubrick benutzte sie, um die Linie zu finden, an der er das Drama nicht unterbieten und trotzdem verspielt sein würde. Es ist ein Film, der sich für Kubrick zunächst etwas gewöhnlich anfühlen kann, aber bei jeder Betrachtung kann man den Regisseur über seine missliche Lage und Frömmigkeit grinsen sehen. Wäre Kubrick entfesselt worden, wäre dies wahrscheinlich eine ausgewachsene schwarze Komödie gewesen.

„Full Metal Jacket“ (1987)

„Full Metal Jacket“

Kubricks Kriegsfilm teilt sich in zwei verschiedene Teile, die sich auf eine Weise widerspiegeln, die nicht eklatant oder erfunden ist, sondern in Ihrem Kopf ein Gespräch darüber beginnt, was ein Soldat für Ihre Menschlichkeit bedeutet. Teil eins ist wie ein großes Einakter, in dem realen Drill Sergeant-turned-Schauspieler R. Lee Ermey versucht, einen schlaffen privaten Pyle (Vincent D’Onofrio) dazu zu bringen, Soldat zu werden. Ermeys Schnellfeuerdialog wird auf eine Weise geliefert, die Sie glauben lässt, dass er wahrscheinlich ein enormer Drill Sergeant war, gleichzeitig mit Sinn für Humor, der endlos zitierfähig und amüsant ist. Unter der Flut des Dialogs kommt der Bogen eines jungen Mannes, der eindeutig nicht das Zeug hat, es zu schneiden; Die Armee wird ihn der Schwäche bluten lassen, sogar auf Kosten seiner Menschlichkeit, um ihn in einen Mörder zu verwandeln.Für die zweite Hälfte des Films verwandelte Kubrick England in Vietnam, sprengte alte Gebäude in die Luft, importierte Bäume aus Hongkong (zusammen mit einem Plastikdschungel aus Kalifornien, den er sofort entließ) und erwarb genug alte Hubschrauber und Panzer, um seine eigene Armee zu gründen. Die Ergebnisse sind beeindruckend, wenn nicht zu 100 Prozent den unmöglichen Standards, die Kubrick sich gesetzt hat. Gleichzeitig fühlt sich das Schlachtfeld absichtlich fremd an, da Matthew Modines Charakter als sympathischer Beobachter im ersten Teil erfolglos versucht, an der Peripherie des Krieges zu bleiben.

Lesen Sie mehr Die 25 besten Dokumentarfilme des 21.Jahrhunderts, von „Amy“ bis „The Act of Killing“

„The Killing“ (1956)

„The Killing“

Kubrick glaubte mit 28 Jahren, dies sei sein erster „reifer“ Spielfilm. Mit seinem Lieblingsautor Jim Thompson und einer Besetzung von Charakteren aus seinen Lieblingskrimifilmen ist Kubricks Spin auf Film Noir immens unterhaltsam. Als sie die Puzzleteile aufstellen, die benötigt werden, um die Rennstrecke auszurauben, und alles herrlich auseinander fällt, gibt es enorme Liebe zum Detail. Kubricks Coolness und Sinn für Humor machen diesen Film zu einem der frischeren und unterhaltsameren Raubfilme, die jemals gedreht wurden. Aus Kubricks Sicht kann man spüren, wie der Stil des Regisseurs auftaucht, aber man kann auch sehen (etwas, das Kubrick damals für sich entdeckt hat), dass seine Herangehensweise an das Filmemachen viel anders sein würde als seine Fotografie. Er würde viel mehr Kontrolle und Ressourcen (Geld!), um die Genauigkeit zu bringen, die seine Vision erforderte.

„Eyes Wide Shut“ (1999)

„Eyes Wide Shut“

Bros / Kobal /REX/

Es gibt ein Missverständnis, dass Kubrick ein kalter Filmemacher war. Es ist mehr, dass er während seiner gesamten Karriere nie in der Wahrnehmung schwankte, dass sich die Menschheit mit ihrer blinden Akzeptanz der Institutionen von Krieg, Recht und sozialen Hierarchien völlig selbst vermasselt hat. Die Institution der Ehe und das Konzept der Monogamie fallen für Kubrick in den gleichen Eimer, obwohl er sich mit dem Kampf seiner Protagonisten identifiziert — und diese intime Beziehung wird in diesem Film über ein Ehepaar (gespielt von Tom Cruise und Nicole Kidman) besonders deutlich. Da Kubrick ein langjähriger Bewunderer der walzerartigen Kamerabewegung von Max Ophüls war, spürt man die Freiheit, die sich ein älterer Kubrick gewährt hat, um die Kamera tanzen zu lassen. Gestützt auf das freudsche Ausgangsmaterial des Films neigt sich die Faszination des Filmemachers für die absurden Rituale des Menschen zu einer surrealen und traumhaften Erkundung. Doch das ist immer noch Kubrick, da er sich Privilegien und Patriarchat zum Ziel setzt — ganz zu schweigen davon, mit Cruises Persona auf und neben dem Bildschirm zu spielen — und der Film hat den ganzen Rand und Biss seiner vorherigen Arbeit.

„Paths of Glory“ (1957)

„Paths of Glory“

Dieses Meisterwerk vor den 1960er Jahren ist zwar ein Stanley Kubrick-Film, aber ein Fenster in einen alternativen Weg von Kubricks Karriere — hätte er nicht künstlerische Freiheit erlangt und praktisch seine eigene persönliche Marke und Art des Filmemachens erfunden. Kirk Douglas spielt einen Anwalt-turned-Colonel in der Französisch Armee, die, in der Mitte des Ersten Weltkriegs Grabenkrieg, muss drei seiner Männer mit Blick auf die Todesstrafe als Folge ihrer Regiment Rückzug verteidigen, einen sinnlosen Befehl verweigert zu bestimmten Schlachten zu laden. Kubrick hat die Aristokratie der militärischen Macht (wunderbar zum Leben erweckt von Adolphe Menjou) in seinem Fadenkreuz – aber es ist der Adel und die Stärke von Douglas ‚Charakter angesichts des sinnlosen Todes, wunderschön realisiert in den Schützengräben und im Gerichtssaal, die diesen Film verankern.

Während der Charakter der Menschen unter extremem Druck zerbröckelt, schafft Kubrick den traditionellsten Helden in seiner traditionellsten Erzählung. Das Mitnehmen ist, dass Kubrick in der Lage war, ein einfaches Drama extrem gut zu machen, wenn nötig. Das Ende des Films, in dem Christiane Harlan in der voll besetzten Bierhalle „The Faithful Hussar“ singt, ist eines der emotionalsten und effektivsten Enden der Filmgeschichte, da der Moment der gemeinsamen Menschlichkeit eine Träne der Reflexion in die Tragödie bringt, die sich gerade entfaltet hat. Dass die deutsche Schauspielerin später Kubricks Frau und großartige Partnerin im Filmemachen werden würde, bis zu seinem eigenen Tod 42 Jahre später fügt seinen Fans eine zusätzliche Bedeutung hinzu.

Dieser Beitrag wird auf der nächsten Seite fortgesetzt.

„A Clockwork Orange“ (1971)

„A Clockwork Orange“

Die soziale Satire von „A Clockwork Orange“ ist zu einem akzeptierten Teil der Populärkultur geworden, der seinen Status als eines der berauschendsten und riskantesten Werke Kubricks etwas verschleiert. Adaptiert aus Anthony Burgess ‚Buch von 1962, erzählt es die Geschichte von Alex (Malcolm McDowell, in einer jener Rollen, die seit Jahrzehnten Schauspieler bleiben) und Crews von „Droogs“, einer Gruppe gewalttätiger jugendlicher Delinquenten in einer zukünftigen Dystopie. In einem Film, der die potenziellen Gefahren untersucht, wie Verhaltenspsychologie von einer totalitären Regierung eingesetzt werden könnte, Kubrick war ungewöhnlich offen bei der Ankündigung der Themen des Films, die er untersuchte. Er schrieb: „Es ist eine Geschichte der zweifelhaften Erlösung eines jugendlichen Delinquenten durch Konditionsreflextherapie. Es ist gleichzeitig ein laufender Vortrag über den freien Willen.“

Die subversive Brillanz des Films ist, wie Kubrick das Kino nutzt, um Alex und seine „Droogs“ nicht nur schmackhaft, sondern auch unangenehm unterhaltsam zu machen. Kubrick schwankt ständig, aber fachmännisch, auf der Linie der Identifikation und Satire seiner nihilistischen Charaktere, die schlagen, vergewaltigen und stehlen. In einer einzigartigen Kombination aus Musik und Kostümierung — denn welcher Schläger trägt keine weißen Trikots, ein schwarzes Derby, und Liebe es, sich zu einem Beethoven zurückzulehnen — Kubrick schuf eine cartoonartige Version von cool. Die Verwendung von Sprache und Voice-Over wurden ebenfalls präzise ausgeführt. Kubricks Entscheidung, die vom Linguisten und Autor Burgess erfundene Teenagersprache (Nadsat, eine Form des russisch beeinflussten englischen Slangs) zu verwenden, war besonders wichtig; Es lieferte ein notwendiges Distanzierungswerkzeug für das Publikum, um von Alex ‚fröhlich gleichgültiger und witzig unmenschlicher Erzählung unterhalten zu werden. Wenn er der politischen Doppelzüngigkeit von Regierungsbeamten gegenübergestellt wird, während Kubrick gleichzeitig links und rechts aufspießt, wechselt der Film dramatisch den Gang, da das Publikum mit unseren eigenen moralischen Einstellungen zu den Zwängen der Gesellschaft konfrontiert wird, Regierung, und das Konzept des freien Willens.

Weiterlesen Die 20 besten HBO-Serien aller Zeiten, bewertet

„Barry Lyndon“ (1975)

„Barry Lyndon“

Absichtlich langsam in seinem Tempo und physisch distanziert mit einem allwissenden Erzähler, der uns nur noch weiter wegschiebt, begeistert dieser Film Sie irgendwie bis zu dem Punkt, dass jede kleine Geste vollgepackt mit Sinn und Emotion. „Barry Lyndon“ basiert auf einem viktorianischen Roman (der als erster ohne traditionellen Helden gilt) und ist die Geschichte eines berechnenden und amoralischen Iren (Ryan O’Neil), der die Leiter der Gesellschaft erklimmt. Kubrick erzählt die Geschichte mit einer scheinbar kühlen Distanz, verführt aber das Publikum zur Fürsorge. „Barry Lyndon“ ist auch ein unglaublich schöner Film und ein technisches Wunderwerk. Die Weitwinkelentfernung des Regisseurs wird mit einigen seiner tiefgründigsten Rahmen und eleganten Produktionsdesigns kombiniert, mit Kostümen, die eine reiche und vielschichtige Geschichte erzählen. Unterstützt von John Alcotts Kinematographie, die ein spezielles f0,7-Objektiv der NASA verwendete, um 70-mm-Bilder bei Kerzenlicht aufzunehmen, gehört es zu den größten aller Zeiten.

„The Shining“ (1980)

„The Shining“

Warner Bros.

Man könnte argumentieren, dass der einflussreichste Film zu diesem aktuellen Zeitpunkt des Filmemachens „The Shining.“ Von seiner offeneren psychologischen Herangehensweise an das Genre, der Verwendung des Ortes und der bahnbrechenden Kamerabewegung ist Kubricks Horrorklassiker ein wichtiger Prüfstein für diese Generation von Filmemachern. Interessanterweise wurde es von Kritikern nicht allgemein akzeptiert, denen es schwer fiel, sich mit Jack Nicholsons kämpfendem Schriftsteller zu verbinden, der langsam in den Wahnsinn absteigt, als er seine Familie ins Overlook Hotel bringt. Kubrick zog es vor, einen Horrorfilm zu drehen, um sein tiefes Misstrauen gegenüber den Fehlern der menschlichen Persönlichkeit zu erforschen. Dass die unglaublich effektiven Ängste und das Gefühl des Unbehagens des Films von dieser Erkundung und Nicholsons erstaunlichem Abstieg in den Wahnsinn herrühren, soll nicht einladend sein. Zu dieser Zeit wurde der Film jedoch als so übertrieben angesehen, dass er Kubricks erster Film wurde, der eher von den Razzies als von der Academy nominiert wurde.Die Krönung und dauerhafte Errungenschaft des Films ist jedoch die Art und Weise, wie Kubrick seinen präzisen Sinn für Komposition und Tempo mit einer sich bewegenden Kamera verband, die den psychologischen Unterbauch des Films zum Leben erweckte. Kubrick experimentierte mit dem Steadicam-Erfinder und -Operator Garrett Brown, setzte das neue Werkzeug ein und half Brown dabei, seine Erfindung zu perfektionieren, indem er 50 Wiederholungen durchführte.

„Dr. Strangelove oder: Wie ich lernte, mir keine Sorgen mehr zu machen und die Bombe zu lieben“ (1964)

„Dr. Strangelove“

FilmStruck / Criterion Collection

Einer der Schlüssel zum Verständnis der Brillanz dieses Meisterwerks der schwarzen Komödie ist Kubrick, der ursprünglich einen einfacheren Thriller über eine Atomwaffenkrise drehen wollte. Im Zuge umfangreicher Recherchen kam Kubrick nicht an der Absurdität der Theorie der „gegenseitig zugesicherten Zerstörung“ vorbei, die beide Seiten des Kalten Krieges rechtfertigte, endlos Atombomben zu lagern, während sie Weltuntergangsszenarien durchspielten. Wenn man an unseren gegenwärtigen politischen Moment denkt (der verständlicherweise Künstler verwirrt hat, wie man damit umgeht), ist die Idee, dass Kubrick dieses komödiantische Meisterwerk nach der Kubakrise und am Vorabend des Vietnamkrieges geschaffen hat, wirklich bemerkenswert. Was noch erstaunlicher ist, ist, dass sich der Film fast 30 Jahre nach dem Ende des Kalten Krieges immer noch genauso frisch und aufschlussreich anfühlt.

Während Kubrick es genießt, reale politische Realitäten und Figuren aufzuspießen, ist der Schlüssel sein geschickter Umgang mit Comedy. Widerwillig akzeptierte Columbia Pictures ‚Beharren darauf, dass Peter Sellers nach dem finanziellen Erfolg des Komikers, der mehrere Rollen in „The Mouse That Roared“ spielte, vier verschiedene Rollen spielte (er spielte letztendlich nur drei), und Kubrick drehte das Studiomandat zu seinem Vorteil, da Sellers das genaue langsame komödiantische Timing lieferte, das erforderlich war, um perfekte Darbietungen von dramatischen Schauspielern wie George C. Scott und Sterling Hayden zu erzielen. Doch all das Rollenspiel und der verrückte Humor waren für Kubrick ein Hilfsmittel, um einer Welt, die kurz davor stand, sich selbst zu zerstören, einen Spiegel vorzuhalten.

„2001: A Space Odyssey“ (1968)

„2001: A Space Odyssey“

Rückblickend auf fast 50 Jahre ist es immer noch schwer zu verstehen, wie visionär Kubrick als Filmemacher, Techniker und Denker war. Mit wenig Vorrang erweckte Kubrick eine künstlerische Verwendung von visuellen Science-Fiction-Effekten (in großartiger Zusammenarbeit mit Douglas Trumbull) und eine Vision künstlicher Intelligenz (in großartiger Zusammenarbeit mit Arthur C. Clarke), die sich nicht nur noch frisch anfühlt, sondern Filmemacher im Jahr 2017 in Verlegenheit bringt (oder zumindest sollte).Entschlossen, eine andere Art von Science-Fiction-Film zu machen, rekrutierte Kubrick Clarke, um ihm zu helfen, eine Geschichte zu entwickeln, die die Beziehung des Menschen zum Universum erforschte. Gleichzeitig arbeiteten die beiden an einem Roman und Drehbuch, wobei sie ein frühes Werk von Clarke als Ausgangspunkt verwendeten, um das genreverändernde Drehbuch zu konkretisieren. Für all ihre verschiedenen Versionen (und verlassenen Elemente), als sie darum kämpften, die Komplexität herauszufinden, und für all die hochmoderne technische Technik, die der Film benötigte, ist Kubricks existenzielle Vision von „2001“ brillant einfach und filmisch genau. Es ist so transzendent, mutig und destilliert wie jeder Film, der jemals gedreht wurde.

Einer der wichtigsten Aspekte des Films, der selten diskutiert wird, ist, wie wichtig er für Kubricks Karriere war. Dies war kein Film, der Jahre brauchte, um geschätzt zu werden. Während die anfängliche Reaktion gemischt war, rollte es sich langsam durch das ganze Jahr (vor nicht allzu langer Zeit wurden Filme nicht durch ihre Eröffnungswochenende-Abendkasse definiert), um der umsatzstärkste Film von 1968 zu werden. Dennoch ist es leicht vorstellbar, wie ein berauschender Film dieses Umfangs zu einem extrem teuren Kunstfilm-Flop hätte werden können. Einer der Schlüssel zu Kubrick, absichtlich oder nicht, war, dass er zumindest etwas im Einklang mit dem Zeitgeist war. Das ist zwar keineswegs eine Voraussetzung für große Kunst, aber die Tatsache, dass dieser Film eine bahnbrechende Sensation war und die Fantasie der Öffentlichkeit anregte, ein Jahr bevor wir einen Mann auf den Mond brachten, festigte seinen Ruf als Visionär.

1972 erschien „2001“ bereits in der „Once-a-decade“-Umfrage von Sight and Sound zu den besten Filmen aller Zeiten. Die künstlerische und finanzielle Freiheit, die er dadurch von Warner Bros. erhielt, bestimmte seine spätere Karriere und ermöglichte es ihm, seine letzten fünf Filme auf seine eigene unorthodoxe, obsessive und ungehinderte Weise zu drehen. Während es Spaß macht zu diskutieren, welcher Film Kubricks bester ist, war dies derjenige, der ihn definierte.

Bleiben Sie über die neuesten Film- und TV-Nachrichten auf dem Laufenden! Melden Sie sich hier für unseren Film- und TV-E-Mail-Newsletter an.