Música Folkeditar

The Kingston Trio, The Weavers, Pete Seeger, Woody Guthrie, Odetta, Peter, Paul and Mary, Joan Baez, Bob Dylan, The Byrds, Judy Collins, Leonard Cohen, Joni Mitchell, Carolyn Hester, Phil Ochs, Tom Paxton, Buffy Sainte-Marie, Dave Van Ronk, Tom Rush, Fred Neil, Gordon Lightfoot, Ian y Sylvia, Arlo Guthrie y varios otros artistas fueron instrumentales en el lanzamiento del renacimiento de la música folk de las décadas de 1950 y 1960.

RockEdit

Roy Orbison fue uno de los artistas famosos del rock que escribió baladas de amor perdido.

En la primera parte de la década, Elvis Presley continuó puntuación hits. Durante la mayor parte de los años 60, Presley lanzó principalmente películas. Presley decidió alejarse de las películas en 1969; su última canción #1 en las listas fue Suspicious Minds, que se lanzó en 1969.

En la década de 1960, la escena que se había desarrollado a partir del renacimiento de la música folk estadounidense había crecido hasta un movimiento importante, que utiliza música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, normalmente en instrumentos acústicos. En Estados Unidos, el género fue pionero por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y, a menudo, se identificó con la política progresista o laboral. A principios de los años sesenta, figuras como Bob Dylan y Joan Baez habían pasado a primer plano en este movimiento como cantautores. Dylan había comenzado a llegar a un público dominante con éxitos como «Blowin’ in the Wind» (1963) y «Masters of War» (1963), que llevaron «canciones de protesta» a un público más amplio, pero, aunque comenzaron a influenciarse entre sí, la música rock y folk se habían mantenido en gran medida como géneros separados, a menudo con audiencias mutuamente exclusivas.Los primeros intentos de combinar elementos de folk y rock incluyeron The Animals» House of the Rising Sun » (1964), que fue la primera canción folk comercialmente exitosa que se grabó con instrumentación de rock and roll. Se cree que el movimiento folk rock despegó con la grabación de The Byrds de «Mr. Tambourine Man» de Dylan, que encabezó las listas en 1965. Con miembros que habían formado parte de la escena folk basada en cafés en Los Ángeles, los Byrds adoptaron instrumentación de rock, incluyendo baterías y guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas, que se convirtieron en un elemento importante en el sonido del género. A mediados de los años 60, Bob Dylan tomó la iniciativa en la fusión del folk y el rock, y en julio del 65, lanzó Like a Rolling Stone, con un sonido de rock revolucionario, lleno de imágenes urbanas de mal gusto, seguido de una actuación eléctrica a finales de ese mes en el Festival de Folk de Newport. Dylan conectó a toda una generación en el entorno del cantautor, a menudo escribiendo desde un punto de vista urbano, con poesía salpicada de ritmos de rock y energía eléctrica. A mediados y finales de los años 60, bandas y cantautores comenzaron a proliferar en la escena de arte/música underground de Nueva York.

El lanzamiento de The Velvet Underground & Nico en 1967, con el cantautor Lou Reed y el cantante y colaborador alemán Nico fue descrito como «el álbum de rock más profético jamás hecho» por Rolling Stone en 2003. Otros cantautores residentes en Nueva York comenzaron a surgir, utilizando el paisaje urbano como su lienzo para letras en el estilo confesional de poetas como Anne Sexton y Sylvia Plath. En julio de 1969, la revista Newsweek publicó un artículo, «The Girls-Letting Go», describiendo la música innovadora de Joni Mitchell, Laura Nyro, Lotti Golden y Melanie, como una nueva raza de trovadora femenina: «Lo que es común a ellas son las canciones personalizadas que escriben, como viajes de autodescubrimiento, rebosantes de observación aguda y sorprendentes en el impacto de su poesía.»El trabajo de estas primeras cantautoras de Nueva York, desde New York Tendaberry de Laura Nyro (1969), hasta East Village diaries de Lotti Golden en su debut en 1969 en Atlantic Records, ha servido de inspiración a generaciones de cantautoras en las tradiciones de rock, folk y jazz. La adopción de instrumentos eléctricos por parte de Dylan, para gran indignación de muchos puristas folk, con su «Like a Rolling Stone» logró crear un nuevo género. El Folk rock despegó particularmente en California, donde llevó a artistas como the Mamas & the Papas y Crosby, Stills y Nash a pasar a la instrumentación eléctrica, y en Nueva York, donde engendró cantautores e intérpretes como The Lovin’ Spoonful y Simon and Garfunkel, con la acústica de este último «The Sounds of Silence» remezclada con instrumentos de rock para ser el primero de muchos éxitos.

El folk rock alcanzó su pico de popularidad comercial en el período 1967-68, antes de que muchos grupos se movieran en una variedad de direcciones, incluyendo a Dylan y the Byrds, que comenzaron a desarrollar el country rock. Sin embargo, se ha visto que la hibridación del folk y el rock tiene una gran influencia en el desarrollo de la música rock, trayendo elementos de psicodelia y, en particular, ayudando a desarrollar las ideas del cantautor, la canción de protesta y los conceptos de «autenticidad».

Rock psicodélicoeditar

El ambiente inspirado en el LSD de la música psicodélica comenzó en la escena folk, con los Holy Modal Rounders con sede en Nueva York utilizando term en su grabación de 1964 de «Hesitation Blues». El primer grupo en anunciarse como rock psicodélico fue the 13th Floor Elevators from Texas, a finales de 1965; produciendo un álbum que dejó clara su dirección, con Los Sonidos Psicodélicos de the 13th Floor Elevators al año siguiente.

El rock psicodélico despegó particularmente en la escena musical emergente de California, ya que los grupos siguieron a los Byrds de folk a folk rock a partir de 1965. El grupo con sede en Los Ángeles the Doors se formó en 1965 después de una reunión casual en Venice Beach. Aunque su carismático cantante Jim Morrison murió en 1971, la popularidad de la banda ha perdurado hasta nuestros días. El estilo de vida psicodélico ya se había desarrollado en San Francisco desde aproximadamente 1964, y productos particularmente destacados de la escena fueron the Grateful Dead, Country Joe and the Fish, the Great Society y Jefferson Airplane. Los Byrds progresaron rápidamente desde el folk rock puro en 1966 con su sencillo «Eight Miles High», ampliamente tomado como una referencia al uso de drogas.

el rock Psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. En Estados Unidos, el Verano del Amor fue precedido por el evento Human Be-In y alcanzó su apogeo en el Monterey Pop Festival, este último ayudando a hacer grandes estrellas estadounidenses de Jimi Hendrix y the Who, cuyo single «I Can See for Miles» profundizó en territorio psicodélico. Las grabaciones clave incluyeron la almohada surrealista de Jefferson Airplane y los extraños días de The Doors. Estas tendencias culminaron en el Festival de Woodstock de 1969, que vio actuaciones de la mayoría de los principales actos psicodélicos, pero a finales de la década el rock psicodélico estaba en retirada. La experiencia de Jimi Hendrix se rompió antes del final de la década y muchos de los artistas sobrevivientes se alejaron de la psicodelia hacia el «roots rock» más básico, la experimentación más amplia del rock progresivo o el heavy rock cargado de riffs.

Surf RockEdit

A principios de la década de 1960, una de las formas más populares de rock and roll era el Surf Rock, que se caracterizaba por ser casi y por el uso intensivo de reverberación en las guitarras. La reverberación de primavera que aparece en los amplificadores del día de Fender, con su volumen máximo, produjo un tono de guitarra brillante con sustain y evocando imágenes de surf y océano.

«Movin’ and Groovin» de Duane Eddy es considerado por muchos como el principal contendiente para sentar las bases como el primer disco de surf rock, mientras que otros afirman que el género fue inventado por Dick Dale en «Let’s Go Trippin'», que se convirtió en un éxito en toda California. La mayoría de las primeras bandas de surf se formaron durante esta década en el área del sur de California. A mediados de la década de 1960, los Beach Boys, que usaban armonías pop complejas sobre un ritmo básico de surf rock, se habían convertido en el grupo de surf dominante y ayudaron a popularizar el género. en éxitos como Surfin ‘ U. S. A.. Además, bandas como the Ventures, the Shadows, the Atlantics, the Surfaris y the Champs también se encontraban entre las bandas de Surf Rock más populares de la década.

Garage rockEdit

Garage rock era una forma cruda de música rock, particularmente prevalente en América del Norte a mediados de la década de 1960 y se llama así debido a la percepción de que muchas de las bandas ensayaban en un garaje familiar suburbano. Las canciones de Garage rock a menudo giraban en torno a los traumas de la vida de la escuela secundaria, con canciones sobre «chicas mentirosas» siendo particularmente comunes. Las letras y la entrega eran notablemente más agresivas de lo que era común en ese momento, a menudo con voces gruñidas o gritadas que se disolvían en gritos incoherentes, como la influyente banda con sede en Washington, The Sonics. Iban desde la música cruda de un solo acorde (como the Seeds) hasta la calidad de músico casi de estudio (incluidos the Knickerbockers, the Remains y the Fifth Estate). También hubo variaciones regionales en muchas partes del país con escenas florecientes, particularmente en California y Texas. Los estados del Noroeste del Pacífico de Washington y Oregón tenían quizás el sonido regional más definido.

El estilo había evolucionado a partir de escenas regionales ya en 1958. «Louie Louie» de the Kingsmen (1963) es un ejemplo del género en sus etapas formativas. En 1963, los singles de garage band entraron en las listas nacionales en mayor número, incluyendo Paul Revere and the Raiders (Boise), the Trashmen (Minneapolis) y the Rivieras (South Bend, Indiana). En este período inicial, muchas bandas estaban fuertemente influenciadas por el surf rock y había una polinización cruzada entre el rock de garaje y el rock de fraternidad, a veces visto como simplemente un subgénero del rock de garaje.

La Invasión Británica de 1964-66 influyó en gran medida en las bandas de garaje, proporcionándoles una audiencia nacional, lo que llevó a muchos (a menudo grupos de surf o hot rod) a adoptar un estilo de Invasión británica, y animó a muchos más grupos a formar. Miles de bandas de garaje existieron en los Estados Unidos y Canadá durante la época y cientos produjeron éxitos regionales. A pesar de que decenas de bandas firmaron con sellos regionales importantes o grandes, la mayoría fueron fracasos comerciales. En general, se acepta que garage rock alcanzó su punto máximo comercial y artístico alrededor de 1966. En 1968, el estilo desapareció en gran medida de las listas nacionales y a nivel local, ya que los músicos aficionados se enfrentaron a la universidad, el trabajo o el borrador. Nuevos estilos habían evolucionado para reemplazar el rock de garaje (incluyendo el blues-rock, el rock progresivo y el country rock). En el garaje de Detroit, el rock se mantuvo vivo hasta principios de los 70, con bandas como The MC5 y the Stooges, que empleaban un estilo mucho más agresivo. Estas bandas comenzaron a ser etiquetadas como punk rock y ahora son a menudo vistas como proto-punk o proto-hard rock.

Blues-rockEdit

El blues-rock americano había sido pionero a principios de la década de 1960 por el guitarrista Lonnie Mack, pero el género comenzó a despegar a mediados de los años 60 a medida que los actos posteriores desarrollaron un sonido similar al de los músicos de blues británicos. Las actuaciones clave incluyeron a Paul Butterfield (cuya banda actuó como Mayall’s Bluesbreakers en Gran Bretaña como punto de partida para muchos músicos exitosos), Canned Heat, the early Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, the J. Geils Band y Jimi Hendrix con sus power tríos, the Jimi Hendrix Experience y Band of Gypsys, cuyo virtuosismo de guitarra y espectáculo estarían entre los más emulados de la década. Bandas de blues-rock como Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd y, finalmente, ZZ Top de los estados del sur, incorporaron elementos country en su estilo para producir rock sureño distintivo.

Roots Rockeditar

Roots rock es el término que ahora se usa para describir un alejamiento de los excesos de la escena psicodélica, a una forma más básica de rock and roll que incorporó sus influencias originales, particularmente la música country y folk, lo que llevó a la creación de country rock y southern rock. En 1966, Bob Dylan encabezó el movimiento cuando fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde. Este, y posteriores álbumes más claramente influenciados por el country, han sido vistos como la creación del género del country folk, una ruta seguida por un número de músicos folk, en gran parte acústicos. Otros grupos que siguieron la tendencia de regreso a lo básico fueron the Band y Creedence Clearwater Revival, con sede en California, que mezclaron rock and roll básico con folk, country y blues, para estar entre las bandas más exitosas e influyentes de finales de la década de 1960. El mismo movimiento vio el comienzo de las carreras de grabación de artistas solistas californianos como Ry Cooder, Bonnie Raitt y Lowell George, e influyó en el trabajo de artistas establecidos como Beggar’s Banquet (1968) de los Rolling Stones y Let It Be (1970) de los Beatles.

En 1968, Gram Parsons grabó Safe at Home con la International Submarine Band, posiblemente el primer álbum de rock country verdadero. Más tarde ese año se unió a los Byrds para Sweetheart of the Rodeo (1968), generalmente considerada una de las grabaciones más influyentes del género. The Byrds continuaron en la misma línea, pero Parsons se fue para unirse a otro ex miembro de Byrds, Chris Hillman, en la formación de the Flying Burrito Brothers, que ayudó a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de que Parsons partiera para seguir una carrera en solitario. El country rock fue particularmente popular en la escena musical californiana, donde fue adoptado por bandas como Hearts & Flowers, Poco y Riders of the Purple Sage, the Beau Brummels y the Nitty Gritty Dirt Band. Varios artistas también disfrutaron de un renacimiento al adoptar sonidos country, incluidos: the Everly Brothers; el ídolo adolescente Ricky Nelson, que se convirtió en el líder de la Stone Canyon Band; el ex Monkee Mike Nesmith, que formó la Primera Banda Nacional; y Neil Young. Los Dillards eran, inusualmente, un grupo de country, que se movió hacia la música rock. El mayor éxito comercial del country rock llegó en la década de 1970, con artistas como The Doobie Brothers, Emmylou Harris, Linda Ronstadt y the Eagles (compuestos por miembros de the Burritos, Poco y Stone Canyon Band), que emergieron como uno de los grupos de rock más exitosos de todos los tiempos, produciendo álbumes que incluyeron Hotel California (1976).

Los fundadores del Southern rock suelen ser la Allman Brothers Band, que desarrolló un sonido distintivo, en gran parte derivado del blues rock, pero incorporando elementos de boogie, soul y country a principios de la década de 1970. El acto más exitoso que los siguió fue Lynyrd Skynyrd, quien ayudó a establecer la imagen de «buen chico» del subgénero y la forma general del rock de guitarra de la década de 1970. Sus sucesores incluyeron a los instrumentistas de fusión/progresivos Dixie Dregs, los forajidos más influenciados por el country, Wet Willie con inclinación al jazz y (incorporando elementos de R& B y gospel) los Ozark Mountain Daredevils. Después de la pérdida de los miembros originales de The Allmans y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a desvanecerse en popularidad a finales de la década de 1970, pero se mantuvo en la década de 1980 con actos como .Especial 38, Molly Hatchet y la banda de Marshall Tucker.

Rock Progresivoeditar

El rock progresivo, a veces usado indistintamente con el rock artístico, fue un intento de ir más allá de las fórmulas musicales establecidas experimentando con diferentes instrumentos, tipos de canciones y formas. Desde mediados de la década de 1960, The Left Banke, the Beatles, the Rolling Stones y the Beach Boys, habían sido pioneros en la inclusión de clavicordios, secciones de viento y cuerda en sus grabaciones para producir una forma de rock barroco y se puede escuchar en sencillos como «A Whiter Shade of Pale» de Procol Harum (1967), con su introducción inspirada en Bach. The Moody Blues utilizó una orquesta completa en su álbum Days of Future Passed (1967) y posteriormente creó sonidos orquestales con sintetizadores. Orquestación clásica, teclados y sintetizadores fueron una edición frecuente al formato de rock establecido de guitarras, bajo y batería en el rock progresivo posterior.

Los instrumentales eran comunes, mientras que las canciones con letras a veces eran conceptuales, abstractas o basadas en fantasía y ciencia ficción. Sorrow (1968) y The Who’s Tommy (1969) de The Pretty Things introdujeron el formato de óperas de rock y abrieron la puerta a «álbumes conceptuales, por lo general contando una historia épica o abordando un gran tema general». El álbum debut de King Crimson de 1969, In the Court of the Crimson King, que mezclaba poderosos riffs de guitarra y mellotron, con jazz y música sinfónica, a menudo se toma como la grabación clave en el rock progresivo, ayudando a la adopción generalizada del género a principios de la década de 1970 entre las bandas de blues-rock y psicodélicas existentes, así como los grupos recién formados.

PopEdit

Chubby Checker durante la década de 1960 populariza la constante manía de danza el Giro con su hit de la cubierta de Hank Ballard & los Midnighters’ R&B hit «El Twist».

Gerry Goffin y Carole King se convierten en un dúo muy influyente en la música pop, escribiendo numerosos éxitos número uno, incluida la primera canción en alcanzar el número uno por un grupo de chicas, The Shirelles «Will You Love Me Tomorrow» y el éxito número uno de 1962, «The Loco-Motion», que fue interpretado por Little Eva.

«Sugar Sugar» se convierte en un gran éxito para los Archies, definiendo el género pop bubblegum.

The Monkees fueron una banda de televisión, inspirada en las travesuras de los Beatles en A Hard Day’s Night. Por razones contractuales, al grupo no se le permitió tocar sus propios instrumentos, lo que llevó a muchas disputas entre los compañeros de banda y el supervisor de música, Don Kirshner.

R&B, Motown y música soul Edit

• El sello Motown con sede en Detroit se desarrolla como una respuesta influenciada por el pop a la música soul. La discográfica comienza una larga serie de sencillos de éxito No. 1 en Estados Unidos en 1961 con «Please Mr.Postman» de The Marvelettes. El sello tendría numerosos éxitos No. 1 en la Cartelera a lo largo de la década y en la década de 1990. Los actos notables de Motown incluyeron the Supremes, the Miracles, the Temptations, the Four Tops, Martha and the Vandellas, Marvin Gaye y the Jackson Five, que debutaron en 1969.
• La música soul desarrolla popularidad a lo largo de la década, liderada por Sam Cooke, James Brown y Otis Redding, entre muchos otros.
• A mediados de los 60 James Brown creó música funk y a principios de los 70 Sly & the Family Stone tuvo éxito funk «Thank You».
• En 1966, The Supremes obtuvo el gran éxito «You Can’t Hurry Love» con el innovador bajista James Jamerson.
• Las grabaciones de 1967 de Aretha Franklin, como «I Never Loved a Man (The Way I Love You)», «Respect» (originalmente cantada por Otis Redding) y «Do Right Woman-Do Right Man», se consideran el apogeo del género soul, y se encuentran entre sus producciones más exitosas comercialmente.

País musicEdit

El triunfo y la gran tragedia marcaron la década de 1960 en la música country. El género continuó ganando exposición nacional a través de la televisión, con series semanales y programas de premios ganando popularidad. Las ventas de discos continuaron aumentando a medida que los nuevos artistas y tendencias salían a la vanguardia. Sin embargo, varias estrellas murieron en circunstancias trágicas, incluidas varias que murieron en accidentes aéreos.

El estilo musical predominante durante la década fue el Sonido de Nashville, un estilo que enfatizaba las secciones de cuerda, coros, coros principales y estilos de producción vistos en la música country. El estilo se hizo popular por primera vez a finales de la década de 1950, en respuesta a la creciente invasión del rock and roll en el género country, pero vio su mayor éxito en la década de 1960. Artistas como Jim Reeves, Eddy Arnold, Ray Price, Patsy Cline, Floyd Cramer, Roger Miller y muchos otros lograron un gran éxito a través de canciones como «He’ll Have to Go», «Danny Boy», «Make the World Go Away», «King of the Road» y «I Fall to Pieces». El estilo country-pop también fue evidente en el álbum de 1962 Modern Sounds in Country and Western Music, grabado por el cantante de rhythm and blues y soul Ray Charles. Charles grabó covers de música tradicional country, folk y clásica en estilos pop, R& B y jazz. El álbum fue aclamado como un éxito de crítica y comercial, y sería muy influyente en los estilos de música country posteriores. Las canciones del álbum que fueron lanzadas para difusión comercial y ventas de discos incluyeron «I Can’t Stop Loving You», «Born to Lose» y «You Don’t Know Me».

A finales de la década, el sonido de Nashville se volvió más pulido y aerodinámico, y se hizo conocido como «countrypolitan».»Tammy Wynette, Glen Campbell, Dottie West y Charley Pride estuvieron entre los mejores artistas que adoptaron este estilo. Mientras que George Jones, a principios de la década de 1960, uno de los creadores de éxitos más consistentes de la música country, también grabó música de estilo country, su fondo permaneció puro honky tonk, cantando angustia y soledad en muchas de sus canciones. Además, Marty Robbins demostró ser uno de los cantantes más diversos del género, cantando de todo, desde country directo hasta western, pop y blues … e incluso hawaiano.

Johnny Cash, conocido como «El Hombre de Negro», se convirtió en uno de los músicos más influyentes de la década de 1960 (y, finalmente, del siglo XX). Aunque principalmente grababa country, sus canciones y sonido abarcaron muchos otros géneros, incluyendo rockabilly, blues, folk y gospel. Su música mostró una gran compasión por las minorías y otros que eran rechazados por la sociedad, incluidos los reclusos. Dos de los álbumes más exitosos de Cash fueron grabados en vivo en prisión: At Folsom Prison y At San Quintín.

Durante la segunda mitad de la década de 1960, Pride, un nativo de Sledge, Mississippi, se convirtió en la primera superestrella afroamericana en la música country, un género prácticamente dominado por artistas blancos. Algunos de sus primeros éxitos, cantados con una suave voz de barítono y en un estilo de malla honky-tonk y paisano, incluyeron «Just Between You and Me», «The Easy Part’s Over», «All I Have to Offer You (Is Me)» y una versión de «Kaw-Liga» de Hank Williams. Pride continuó siendo exitoso por más de 20 años, acumulando un eventual 29 hits No.1 en el Billboard Hot Country Singles chart.

Un nuevo estilo emergente, que tuvo sus raíces en la década de 1950 pero explotó en la corriente principal durante la década de 1960, fue el «sonido Bakersfield».»En lugar de crear un sonido similar a la música pop convencional, el sonido Bakersfield usó honky tonk como base y agregó instrumentos eléctricos y un backbeat, además de elementos estilísticos tomados del rock and roll. Buck Owens, Merle Haggard y Wynn Stewart fueron algunos de los mejores artistas que adoptaron este sonido, y a finales de la década de 1960 se encontraban entre los artistas más vendidos de la música country.

Entre los actos femeninos, los más exitosos de todos fueron Loretta Lynn, Tammy Wynette y Dolly Parton. Lynn, nativa de Butcher Hollow, Kentucky, y de hecho, la hija de un minero de carbón, con la ayuda de su esposo, Oliver «Doolittle» Lynn, ganaría un contrato de grabación con Zero Records en 1960, y aunque solo su primer sencillo («Honky Tonk Girl») de sus lanzamientos de principios de la década de 1960, sus primeras grabaciones fueron el trampolín para cosas mucho más grandes y mejores por venir. En la segunda mitad de la década, y continuando en la década de 1970, estaba grabando canciones que desafiaban el estereotipo de la mujer que tenía que soportar a los hombres, su consumo de alcohol, sus relaciones sexuales y otros rasgos negativos, por ejemplo, «Don’t Come Home A—Drinkin’ (With Lovin’ on Your Mind)», así como canciones que empujaban los límites conservadores del género («Dear Uncle Sam», una canción sobre la guerra de Vietnam) y su voluntad de enfrentarse a otras mujeres («You Ain’t Woman Enough (To Take My Man)»).

Parton, nativa de la ciudad de las Montañas Humeantes de Locust Ridge, Tennessee, obtuvo exposición nacional en el programa sindicado a nivel nacional The Porter Wagoner Show, en el que comenzó a aparecer en 1967. Dos años antes, había firmado un contrato de grabación con Monument Records y fue empujada como cantante de pop bubblegum, pero solo tuvo un éxito menor antes de que una de sus composiciones, «Put It Off Until Tomorrow», se convirtiera en un gran éxito para Bill Phillips (una canción en la que Parton proporcionó coros) en 1966. Con el tiempo, su marca de país biográfica influenciada por la montaña y su personalidad de hogar ganaron muchos fans, y su poder estelar solo comenzaría a aumentar. Sus primeros grandes éxitos fueron principalmente duetos con Wagoner, aunque también tuvo varios éxitos en solitario, incluyendo su gran avance, «Dumb Blonde».

Wynette ganó reconocimiento con perspectivas únicas sobre los temas clásicos de la soledad, el divorcio y las dificultades de la vida y las relaciones, ilustradas por canciones como «I Don’t Wanna Play House» y «D-I-V-O-R-C-E. Sin embargo, fue «Stand By Your Man», una canción que promete fidelidad inquebrantable y apoyo a los hombres a pesar de sus deficiencias, lo que le dio a Wynette su éxito profesional. A finales de la década de 1960, se casó con el cantante de música country George Jones.

Entre otras mujeres recién llegadas, Connie Smith fue una de las más exitosas, ya que su gran éxito, «Once a Day», pasó ocho semanas en el número 1 en la lista Billboard Hot Country Singles a finales de 1964 y principios de 1965, la lista más larga en casi 50 años. Durante una carrera que ha abarcado más de 50 años, las canciones de Smith a menudo exploraron temas de soledad y vulnerabilidad.

Además del programa sindicado The Porter Wagoner, se produjeron varios otros programas de televisión para permitir que la música country llegara a un público más amplio, como The Jimmy Dean Show a mediados de la década. Al final de la década, Hee Haw comenzó una carrera de 23 años, primero en CBS y más tarde en sindicación; Hee Haw, presentado por Owens y Roy Clark, se basó libremente en la serie de comedia Rowan & Martin’s Laugh In, e incorporó comedia junto con actuaciones del elenco de la serie o artistas invitados del campo de la música country. Los programas de premios de la Academia de Música Country y la Asociación de Música Country se transmitieron por primera vez a finales de la década de 1960.

La década de 1960 se vio empañada por la tragedia. Johnny Horton, que cantaba al estilo de la saga, murió en un accidente de coche en 1960. Un accidente de avión del 5 de marzo de 1963 se cobró la vida de Patsy Cline, Cowboy Copas y Hawkshaw Hawkins. Días después, Jack Anglin murió en un accidente automovilístico, mientras que Texas Ruby murió en un incendio en un remolque en Texas. En julio de 1964, Jim Reeves perdió la vida mientras pilotaba un avión cerca de Brentwood, Tennessee. Ira Louvin (la mitad de los Hermanos Louvin) murió en un accidente automovilístico en 1965. El éxito superó varias de esas trágicas muertes, ya que tanto Cline como Reeves tuvieron muchos éxitos póstumos (con canciones grabadas previamente emitidas después de sus muertes) y disfrutaron de fuertes seguidores durante muchos años, mientras que el hermano de Louvin, Charlie, continuó como un exitoso intérprete en solitario durante más de 40 años. Otras estrellas pioneras que murieron durante la década de 1960 fueron A. P. Carter, Gid Tanner, Moon Mullican, Ernest «Pop» Stoneman, Red Foley, Leon Payne y Spade Cooley.

La década de 1960 comenzó una tendencia hacia la proliferación del No. 1 hits en el Billboard Hot Country Singles chart, gracias a los métodos de recopilación de datos en constante cambio. Cuando se inauguró la década de 1960, solo había cuatro canciones No.1 encabezando la lista (cinco, si se cuenta «El Paso» de Marty Robbins), pero a mediados de la década de 1960, siempre había al menos una docena de canciones encabezando la lista anualmente. En 1967, había más de 20 canciones alcanzando el primer lugar por primera vez en un solo año calendario … y ese número seguirá aumentando durante los próximos 20 años.

A medida que la década llegaba a su fin, las tendencias de la moda de los años 60 comenzaron a abrirse camino en los círculos de la música country. Esto se inspiró específicamente en una canción escrita por el cantante y compositor Tom T. Hall sobre una madre viuda con minifalda de una adolescente que fue criticada por funcionarios escolares locales por supuestamente dar un mal ejemplo a su hija. La canción fue grabada por una joven secretaria llamada Jeannie C. Riley, quien desarrolló un personaje de mod en relación con la canción al actuar en el escenario con faldas cortas y botas go-go. Otras artistas country comenzaron a hacer lo mismo en los años siguientes, apareciendo también en el escenario con minifaldas y minifaldas. La canción llegó a las listas de éxitos country y pop en 1968; y hasta el día de hoy, «Harper Valley PTA» sigue siendo la canción más solicitada en los conciertos de Riley.

Otras tendencias musicales y eventsEdit

• a Finales de la década, el Monterey Pop Festival y el Festival de Woodstock sería el epítome de la contracultura Americana.
• Los eventos actuales se convierten en una gran influencia en la música popular. Muchas canciones se escriben en protesta por la Guerra de Vietnam. La canción «Ohio» fue escrita sobre la masacre de Kent State, y se convirtió en un éxito para Crosby, Stills, Nash y Young.
• La música del mundo ve un gran aumento de popularidad, ya que muchos buscan interés en otras culturas. Ravi Shankar actúa en los festivales de Monterrey y Woodstock. El artista de rock latino Carlos Santana ve popularidad a lo largo de la década. George Harrison desarrolla un interés en la cultura Hare Krishna, añadiendo influencia india a la música de los Beatles, incluyendo el uso de un sitar. El reggae comienza a popularizarse en este momento.
• En 1969, los Rolling Stones organizaron el malogrado Concierto Gratuito de Altamont.
• Canciones como» Summertime Blues «y» Eve of Destruction » abordan el tema de la edad para votar, que en ese momento era de 21 años. La cuestión era que los soldados eran reclutados a los 18 años, pero no podían votar. La edad para votar se redujo finalmente a dieciocho años.
• Algunas canciones como «Blowin’ in the Wind» de Bob Dylan se dirigen al Movimiento por los Derechos Civiles.