«Le Moulin de la Galette» de Renoir a través de Wikimedia Commons

Rara vez en la historia del arte ha habido un grupo de artistas que hayan tenido tanta influencia en el arte como los impresionistas. Revolucionaron la forma de pintar y abrieron el camino al desarrollo del arte moderno.

A pesar de que cada artista impresionista desarrolló su propio estilo y pudo haber tenido un estilo diferente, así como diferentes preocupaciones y temas favoritos, hay ideas y técnicas básicas comunes que se aplican a este tipo de pintura.

Echemos un vistazo a las diversas técnicas impresionistas y cómo puedes incorporarlas a tu propio trabajo.

Jugar con la luz y el color

Los pintores impresionistas trataban de sentir la esencia de una escena que estaban pintando. Querían pintarlo de la forma en que veían en términos de color, prestando mucha atención a los efectos de la luz, pero no necesariamente registrando todos los pequeños detalles. Vea más arriba cómo Renoir pintó el efecto de la luz parpadeante en una escena cotidiana con parisinos de clase trabajadora bailando en el barrio de Montmartre.

Una forma de reproducir una impresión general de un paisaje sin perderse en los detalles es entrecerrar los ojos mientras pintas. Al hacerlo, verá solo las formas y colores principales de la escena.

Prestar gran atención a la luz tuvo un efecto en los colores utilizados para pintar sombras, antes de los impresionistas, las sombras se pintaban con tonos neutros de gris o sepia añadidos al color local. Los impresionistas pintaban sombras mucho más coloreadas, sin rehuir el uso de colores brillantes. Al pintar en un estilo impresionista, preste atención a la sutileza de los colores que puede ver, especialmente en las áreas de sombra.

Pintura al aire libre y temas de la vida cotidiana

«Meules, Milieu du Jour» de Monet a través de Wikimedia commons

Muchas pinturas impresionistas eran paisajes pintados al aire libre, lo que fue posible gracias a la invención de la pintura en tubos. Esta pintura al aire libre era una forma de grabar una impresión rápida y precisa de un momento fugaz, por lo que pintar afuera lo suficientemente rápido para que las condiciones de iluminación no cambien demasiado es una forma de acercarse a un estilo impresionista de pintura. A veces, una pintura tardaba más de una sesión en pintarse y los artistas regresaban al mismo lugar a la misma hora del día para tratar de reproducir las mismas condiciones.

Claude Monet pintó 25 versiones de pajares en diferentes momentos del día mientras trabajaba en su pieza Meules, Milieu du Jour. Observe cómo el tono del pajar está pintado con una mezcla de colores, que incluyen amarillo, verde, morado y naranja. Los colores no están pintados de forma plana y uniforme, sino como una sucesión de pequeños toques de colores brillantes.

A pesar de que el paisaje es, con mucho, el tema elegido más comúnmente de las pinturas impresionistas, algunos artistas impresionistas también pintaron retratos, tratando de obtener la misma impresión de espontaneidad y frescura en los retratos que en los paisajes.

Los impresionistas se preocupaban por temas de la vida cotidiana en lugar de versiones idealizadas de lo que veían.

Áreas de pintura de color roto

El «Desfile de Seurat» a través de Wikimedia commons

El hecho de que los colores no se pinten de manera uniforme es uno de los principales características de las pinturas impresionistas. Antes de los impresionistas, los colores se pintaban planos con sutiles variaciones, la mayoría de las veces obtenidas mediante técnicas de acristalamiento. Los impresionistas introdujeron la técnica del color roto, lo que significa que un marrón puede tener trazos de rojo, azul y amarillo, pero aparecerá marrón desde la distancia.

De alguna manera, está mezclando colores en el lienzo en lugar de mezclar pinturas en su paleta, pintando trazos de colores puros sin mezclar. Llevada al extremo, esa técnica llevó a algunos artistas impresionistas al puntillismo, el ejemplo más famoso de eso sería Seurat. Vea el primer plano del detalle de su Desfile de Los Ángeles arriba. Todos los pequeños puntos de colores se leen como un solo color a medida que se fusionan desde la distancia.

Experimentar con la composición y el recorte

El «Rennpferde» de Degas a través de Wikimedia Commons

Antes del impresionismo, la composición era muy tradicional con varios elementos de una pintura que conducen al ojo al punto focal. Los impresionistas experimentaron mucho más con la composición, colocando puntos focales en posiciones más inusuales, y tal vez porque eran contemporáneos al desarrollo de la fotografía, hicieron un gran uso de elementos de recorte en los lados de una pintura, como hizo Degas en el Rennpferde anterior.

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