Esta figura importante en el arte oficial soviético fue uno de los pilares del realismo socialista, celebrando la buena salud, los deportes, el trabajo y el nuevo estilo de vida soviético. Pulió este estilo a la perfección: sus hombres y mujeres fuertes y animados, incansablemente, y con una sonrisa en sus rostros, defienden las ciudades, trabajan en fábricas y glorifican al partido.

Deyneka contemporáneos, ya sea idolatrado o lo odiaba: donde representa el heroísmo en el nombre del comunismo, otros vieron la privación y la falta de opciones. Después de todo, sus proyectos utópicos se crearon en un contexto de pobreza masiva y represalias.

Elena Elagina e Igor Makarevich

Este dúo de Moscú Conceptualistas, ya considerado como leyendas vivas del arte contemporáneo, experimentar con la creación de las utopías sociales, con la ayuda de personajes de ficción.

Uno de los más complejos, y el más largo de ellos, el ‘Homo Lignum» del proyecto, está todavía en curso. Cuenta la historia de un humilde contador, Nikolai Ivanovich Borisov, que tiene un deseo maníaco de convertirse en árbol.

Aleksandra Ekster

Ekster fue una de las «Amazonas de la vanguardia» y un soporte en todas las exposiciones más importantes de la nueva obra de arte de principios del siglo 20. En 1907, se fue a París por un tiempo, donde se hizo amiga de Pablo Picasso, Fernand Leger, Guillaume Apollinaire y muchos otros, después de lo cual comenzó a promocionar sus obras en casa, ayudando a los artistas de vanguardia rusos a adaptar sus técnicas a su trabajo.

Ekster era una seguidora del futurismo y, más específicamente, de su peculiar forma rusa, el cubo-futurismo. Ilustró revistas futuristas, diseñó decorados de teatro, disfraces, almohadas e incluso un uniforme para el Ejército Rojo. Pero en 1924, fue a la Bienal de Venecia y nunca regresó a Rusia.

el Semen Faibisovich

Un maestro de la foto-realismo, Faibisovich pinturas principalmente de Moscú. Además, como tema, elige las características menos atractivas de la ciudad: patios en mal estado, terrenos baldíos, quioscos, perros callejeros, trabajadores invitados, personas sin hogar, transeúntes comunes. Sin embargo, es exactamente por esta razón que se cree que las obras de Faibisovich capturan la naturaleza esquiva del tiempo. Y se venden por más de 4 400,000 en las principales casas de subastas del mundo.

20. Nicolai Fechin

de Haber rechazado la Revolución, Fechin emigraron a los estados UNIDOS en 1923, donde vivió feliz durante 30 años. Es por eso que hay tantas de sus obras en museos estadounidenses y colecciones privadas en el extranjero.

Sin embargo, antes de salir de Rusia, logró crear una de sus pinturas más significativas, el retrato de una joven Varya Adoratskaya, que a menudo se compara con la «Chica con melocotones» de Serov.

En estos días, Fechin es uno de los artistas rusos más caros: en 2010, su lienzo se vendió por 11 millones de dólares en una subasta de MacDougall.

Pavel Fedotov

En el Imperio ruso, el matrimonio era a menudo no por amor. La sociedad no veía favorablemente los matrimonios desiguales, pero muchas personas a mediados del siglo XIX todavía lo consideraban una gran manera de mejorar la situación financiera y el estatus social. De esto se trata una de las pinturas más famosas de un destacado artista de género, Fedotov.

En en su momento, la imagen causó un gran revuelo: un comerciante casa a una hija con un oficial en bancarrota; el novio recibirá una dote, mientras que el comerciante se relacionará con la nobleza.

Konstantin Flavitsky

Al igual que muchos artistas del siglo XIX, Flavitsky pasó un tiempo estudiando en Italia y es recordado por una sola obra maestra.

Su las pinturas anteriores fueron desestimadas por los críticos como «una imitación de Briullov», pero el artista logró dejar un rastro en la historia. La muerte real de la princesa Tarakanova (su nombre real sigue siendo desconocido), que afirmó ser la hija de la emperatriz Isabel, no fue exactamente como se describe: murió prisionera política, excepto no en una inundación, sino de tuberculosis. No es que importara particularmente: la princesa Tarakanova se convirtió en el triunfo de Flavitsky. Sin embargo, poco después de crear la pintura, murió de consumo, que había contraído en Italia.

Pavel Filonov

el artista de vanguardia Filonov considera a sí mismo un Comunista a través y a través y creía que la gente necesitaba de su arte. Usó el término «arte analítico» para describir sus imágenes multidimensionales y se negó a vender sus obras a nadie. Esto fue lo que lo mató al final: durante el Asedio de Leningrado, se sentó en un ático helado guardando sus pinturas y desarrolló neumonía, que lo mató.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. Sin embargo, estaba convencido de que esta era la manera de encontrar emociones y significados verdaderos en tramas conocidas.

Ge pintó su famoso «Gólgota» un año antes de su muerte. «Sí, este cuadro me atormentaba terriblemente», escribió a su amigo León Tolstói. «Ayer, encontré lo último que necesito, una forma que está bastante viva. Encontré una manera de representar a Cristo y a los dos ladrones juntos en el Gólgota, sin las cruces… En una palabra… tres almas vivas en el lienzo. Yo mismo estoy llorando cuando miro esta foto.»

Natalia Goncharova

Goncharova, junto con su marido Mikhail Larionov, fue uno de los pioneros de la vanguardia rusa. Desde 1914, trabajó en las temporadas rusas de Diaghilev en París, donde permaneció hasta su muerte en 1962.

Hoy en día, sus obras se pueden encontrar en las colecciones de arte más importantes del mundo, incluida la Tate Modern de Londres y el Centre Pompidou de París. En 2010, Christie’s vendió una pintura suya por 9 millones de dólares, convirtiéndola en la artista femenina más cara (en ese momento) de la historia.

Teófanes el griego

Un destacado pintor de la Antigua Rus, Teófanes el griego, es el creador de uno de los objetos más sagrados del cristianismo ortodoxo ruso. Su Icono de la Virgen con el niño Cristo en sus brazos se considera milagroso: según la leyenda, a menudo ayudaba en las batallas.

Esta imagen, al igual que la ‘Trinidad’ de Andrei Rublev, se ha convertido en parte del código cultural ruso.

Dmitri Gutov

Gutov pertenece a la generación de artistas que vinieron en su propio en la década de 1990. Crea nuevas lecturas de objetos canónicos en la cultura, el idioma ruso, los iconos rusos y el arte clásico con la creencia de que su esencia se puede transmitir en cuestión de minutos. Sus objetos de arte más reconocibles son paneles de metal con una versión de Rembrandt e iconos rusos antiguos. Una vez que el espectador se mueve un poco hacia un lado, la imagen se distorsiona. La idea es que esta distorsión pase por todas las etapas del desarrollo del siglo XX, desde el cubismo hasta el expresionismo y la abstracción.

La lista de lugares de arte donde el artista ha expuesto es prácticamente interminable, desde la Bienal de Venecia y Sídney y la Documenta de Kassel hasta el Museo Guggenheim.

Alexander Ivanov

Ivanov fue un artista cercano al emperador. Fue particularmente conocido por sus pinturas inspiradas en tramas bíblicas y mitológicas. La Sociedad de Artistas incluso financió su viaje a Italia «para mejorar aún más».

Ivanov volvió de Italia, después de que él había terminado su principal opus acerca de la aparición del Mesías. Le tomó 20 años y 600 bocetos. El enorme lienzo fue comprado y llevado a San Petersburgo por el emperador Alejandro II. Para acomodar la pintura, se tuvo que construir un edificio dedicado.

Francisco Infante

Nacido en Rusia en el seno de la familia de un emigrante político español, Infante se convirtió en el representante más famoso del land art ruso y el arte cinético. El artista llama a sus instalaciones abstractas «artefactos»: coloca espejos y estructuras móviles en paisajes naturales, haciendo de la naturaleza una parte integral de una obra de arte.

Infante se considera un sucesor a la tradición de la vanguardia rusa, especialmente Malevich y Tatlin. Sus obras se pueden encontrar en más de 30 museos y colecciones privadas de todo el mundo.

Alexej von Jawlensky

expresionista artista, que nació y creció en Rusia, pero se hizo famoso en Alemania. Fanático de Van Gogh, Gauguin, Cézanne y Matisse, amigo cercano y aliado de Wassily Kandinsky, Jawlensky estaba cerca de la abstracción, pero permaneció en algún lugar en la frontera entre ésta y el arte figurativo. La colección más grande de sus obras se puede encontrar en Wiesbaden.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Junto con sus compañeros artistas, Malevich, Chagall, Goncharova, Larionov y otros, rompió despiadadamente con las tradiciones de la pintura realista.

Su Composición VII’ está considerado como el pináculo de su trabajo en el período anterior a la Primera Guerra Mundial. ¿Puedes distinguir la Resurrección, el Día del Juicio, el Diluvio y el Jardín del Edén en él? Esto es lo que Kandinsky describió en él, según sus notas.

Ilya y Emilia Kabakov

Los Kabakov son las principales estrellas del arte soviético no oficial y de la escena del arte moderno. Gracias a Ilya y Emilia, el conceptualismo de Moscú se ha convertido en el movimiento de arte ruso contemporáneo más famoso del mundo. La pareja ha vivido en Long Island, Nueva York, desde finales de la década de 1980, y tiene sus exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro Pompidou de París, la Galería Tate de Londres y el Museo Hermitage de San Petersburgo.

En En 2008, ‘The Beetle’ rompió un récord de precio: se vendió por £2,6 millones (casi 6 6 millones), y el trabajo de Kabakov se convirtió en el más caro de los artistas rusos vivos. Desde entonces, se han mantenido en la parte superior de esta lista.

Orest Kiprensky

Cuando Kiprensky terminado el retrato del gran poeta Alexander Pushkin, este último dedicado un poema a él, que dijo: «Así, a partir de ahora, mi mirada se conoce en Roma, Dresde y París.»

El poeta de la profecía resultó estar en lo cierto. El retratista Kiprensky, a quien en Occidente se comparaba, y a veces incluso se confundía, con Rembrandt y Rubens, creó lo que se ha convertido en la representación más famosa de Pushkin en la cultura popular: así es como se ve el gran poeta a la gente en Rusia y el resto del mundo.

Ivan Kramskoi

todavía no ha sido establecido que esta joven mujer, representado por el ideólogo de la «ruso Peredvizniki» los artistas, es. Kramskoi eligió guardar el secreto y no reveló su identidad, incluso en los diarios y notas encontrados después de su muerte. Hoy en día, uno de los retratos más emblemáticos del arte ruso se denomina «la Mona Lisa rusa».

Konstantin Korovin

Un destacado representante de «impresionismo ruso», Korovin fue inspirado por la ciudad de París y pintó muchos de sus mejores paisajes de allí. Por lo tanto, no es de extrañar que fuera un gran éxito en Francia: allí recibió la Legión de Honor y recibió medallas de oro y plata por sus obras.

Después de la Revolución Rusa, el artista decidió huir del país de los soviéticos: encontró opresivas las políticas del nuevo gobierno. En 1922, recibió permiso para marcharse, para recibir tratamiento médico y realizar una exposición personal, pero nunca regresó. Como era de esperar, se estableció en París.

Alexander Kosolapov

Coca-Cola se comprometió a destruir Kosolapov. Llamó la atención del FBI, sus exposiciones en Rusia fueron canceladas, y algunas de sus obras incluso fueron juzgadas. Su método consiste en combinar cosas que no se pueden combinar, como, por ejemplo, el perfil de Lenin con el logotipo de la famosa compañía.

De hecho, el arte de Kosolapov es provocativo y a menudo escandaloso, pero esto no le impide seguir siendo un respetado maestro del Arte Sots (la versión soviética del arte pop), cuyas obras se pueden encontrar en las colecciones de los mejores museos del mundo.

Irina Korina

Para Korina, participante en el proyecto principal de la Bienal de Venecia de 2017, incluso los detalles más aparentemente insignificantes de la vida cotidiana, desde la iluminación de la calle de Moscú hasta las coronas fúnebres y las redes de andamios, son un asunto para reflexionar. Se la describe como una maestra de la instalación total. Las últimas exposiciones individuales de Korina se llevaron a cabo en la fundación GRAD en Londres, la Academia de Música de Brooklyn en Nueva York y en el festival Steirischer Herbst en Graz, Austria.

‘La cola mueve el Cometa’, una enorme torre de tres pisos, apareció en el museo del Garaje de Moscú y se ha convertido en una colección de citas de su carrera.

Pyotr Konchalovsky

Él es conocido como «el principal ruso Cézannist», el principal rusas «impresionista» y uno de los más «caros» artistas rusos en subastas internacionales. A pesar de haber tomado prestado mucho de los artistas franceses, Konchalovsky, sin embargo, logró encontrar su propio estilo, que los críticos occidentales a menudo describieron como «eslavo».

En casa, los contemporáneos de Konchalovsky rechazaron tanto su arte que incluso se negaron a exhibir sus obras junto a las suyas. Sin embargo, cuando en 1924 la URSS participó por primera vez en la Bienal de Venecia, esas fueron las pinturas de Konchalovsky, 13 de ellas, que se exhibieron en el pabellón soviético.

Vitaly Komar & Alexander Melamid

La principal «trolls» de oficial Soviética de arte han creado su propio género único de Sots Art, la unión Soviética equivalente del pop art. Hicieron chuletas de la boquilla soviética, el periódico Pravda, se representaron a sí mismos como Lenin y Stalin, firmaron los principales eslóganes soviéticos con sus nombres y colocaron a Lenin contra el logotipo de McDonalds.

Incluso después de haber abandonado la URSS, los artistas no paran sus cáustica trolling. La lista de sus objetivos incluía a Andy Warhol (a quien llaman «un idiota») y Gerhard Richter («así es como un animal pintaría si se le diera un pincel»).

Valery Koshlyakov

Las pinturas de Koshlyakov tienen una serie de características distintivas llamativas: casi siempre están pintadas en cartón corrugado texturizado y casi siempre sus paisajes urbanos están «fluyendo» por la superficie del lienzo. Imágenes del pasado, ruinas, mitología griega, recuerdos: estos son sus personajes de actualidad atemporales.

Koshlyakov vive actualmente en París y tiene una gran demanda: ha expuesto en el Louvre, el Museo Guggenheim, la Bienal de San Paolo y Venecia. Sin embargo, incluso en estos días, le gusta recordar con un sentido de ironía que su primera exposición se llevó a cabo en un baño público provincial.

Geliy Korzhev

Korzhev, en tono de broma, se llama a sí mismo «un viejo » realismo socialista». Los críticos de arte lo han etiquetado como»un representante del estilo austero». Sin embargo, el arte de Korzhev ha ido más allá de esos límites: a pesar de ocupar cargos bastante altos en la Unión de Artistas Soviéticos, logró escapar de las comisiones políticas hacia una esfera sensual, a veces surrealista. Es sobre todo un artista de fuerte emoción humana, para el que la guerra, la revolución y los «proyectos de construcción del siglo» soviéticos fueron solo un trasfondo.

Arkhip Kuindzhi

A menudo se le acusaba de emplear varias estratagemas, como el uso de dispositivos ocultos para iluminar sus pinturas. Por el contrario, sus simpatizantes lo llamaban «el Monet ruso» por su trabajo magistral con colores. Su «Noche iluminada por la luna with» con la luz de la luna reflejada en el río Dniéper se convirtió en una sensación. Tanto más cuanto que era la primera vez en la historia del arte ruso que una exposición consistía en una sola obra.

Su éxito fue tal que Kuindzhi entró en un exilio voluntario durante 30 años: los críticos no aceptación de las obras que siguieron ‘Noche de Luna…», y que el artista pasó mucho tiempo luchando con él.

Boris Kustodiev

El sabor nacional, desde samovares y ferias hasta comerciantes regordetas con vestidos coloridos, es lo que atrajo a Kustodiev y lo distinguió de otros artistas de su tiempo. Es el único artista ruso que ha ganado una medalla de oro en la Bienal de Venecia.

‘La Belleza’, una representación de un ruso del comerciante esposa, se convirtió en su manifiesto y el resultado de una búsqueda de un estilo único. «Las mujeres delgadas no inspiran a la creatividad», solía decir. El artista creó esta y otras obras famosas mientras ya estaba paralizado, ya que había tenido varias operaciones en su médula espinal.

Oleg Kulik

‘Perro Loco’ fue Oleg Kulik primera actuación: desnudo, él se metió en todos los fours y atacó a los transeúntes. Su personaje principal se convirtió en uno de los símbolos de la loca década de 1990, y Kulik, uno de los fundadores del arte de acción de Moscú.

más Tarde, el artista trató de sí mismo en una variedad de estilos y técnicas, de la escultura a la pintura, y continúa el experimento hasta el día de hoy. Sus obras se pueden encontrar en el Centro Pompidou de París y en la Tate Modern de Londres.

Mikhail Larionov

Una persona percibe no un objeto, sino un grupo de rayos que provienen de una fuente de luz y se reflejan en este objeto: así es como Larionov explicó el rayonismo, un movimiento de arte abstracto de vanguardia que había inventado.

Al mismo tiempo, el propio Lariónov equilibraba constantemente entre el arte representativo y abstracto, y dejaba un legado bastante diverso. Estuvo casado con» la Amazona de la vanguardia», Natalia Goncharova, pero, a diferencia de su esposa, mientras emigraba a Francia durante los últimos 30 años de su vida, no creó nada significativo.

Aristarj Lentulov

Lentulov hizo malabares audaces con diferentes estilos: sus obras estaban influenciadas ahora por simbolistas e impresionistas, ahora por cubistas y abstraccionistas. Pero fue uno de los primeros en construir su arte alrededor del color, en lugar de un objeto.

El estrépito de los colores de sus obras le valió el apodo de «un artista del sol». Para dar un ejemplo elocuente de la vida de Lentulov: en el aniversario de la Revolución de Octubre, pintó los árboles y el césped de la plaza Teatralnaya (al lado del Kremlin) de un violento color púrpura.

El Lissitzky

Esto es lo que un póster de propaganda se ve como si es creado por un feroz defensor de la supremacía. El triángulo rojo simboliza el Ejército Rojo Bolchevique, que aplasta las defensas del Ejército Blanco imperialista con una cuña.

El Lissitzky fue asociado de Malevich y contribuyó al desarrollo de las ideas del arte de vanguardia. Por ejemplo, fue gracias a él que el suprematismo se abrió camino en la arquitectura.

Isaac Levitan

Levitan estaba en amor con el ruso campo y se convirtió en un maestro de los estados de ánimo «paisaje». Al final, eso fue lo que le aseguró ser miembro de la Academia de Artes. El artista judío tuvo que recorrer un largo camino para lograr este galardón: algunos de los maestros de Levitan creían que un judío no debía tocar el paisaje ruso, ya que solo los artistas rusos étnicos podían representar la naturaleza rusa. Además, Levitán fue expulsado de la capital, por decreto real, porque era judío.

Aún, el tiempo lo ha aclarado todo: hay una opinión generalizada de que «Por encima de la Paz Eterna» es «la más rusa» de todas las pinturas sobre el tema ruso.

Dmitry Levitzky

Aquí es de otro siglo 18, maestro del retrato oficial. Su talento se manifiesta en el ilustre círculo de sus modelos, desde la emperatriz Catalina la Grande y el filósofo francés Denis Diderot hasta Prokofiy Demidov, un magnate de la minería.

Demidov tenía la reputación de una educación tycoon y un excéntrico. Por ejemplo, una vez compró toda la fibra de cáñamo en San Petersburgo, generalmente reservada a los británicos para darles una lección, quienes durante su estancia en Inglaterra lo obligaron a pagar un precio exorbitante por una mercancía que necesitaba. Y para su retrato oficial, Demidov eligió vestirse no con su uniforme con todos sus premios, sino con una bata y una gorra de noche…

Kazimir Malevich

Malevich es el principal símbolo de la vanguardia rusa, mientras que su ‘Cuadrado Negro’ es un pictórica manifiesto del Suprematismo. Malévich creía que después del suprematismo no había arte, por lo que sugirió quemar todas las pinturas y mostrar sus cenizas en museos. Trágicamente, esto es lo que sucedió parcialmente en los primeros meses después de la Revolución Bolchevique de 1917.

Filipp Malyavin

«Un hueco!»Así es como la Academia de Artes de Petersburgo respondió a la obra de graduación del expresionista Malyavin ‘Laughter’. El graduado no se desesperó, y dos años más tarde se llevó a París a sus sonrientes campesinas. Allí, el lienzo causó sensación en la Feria Mundial: el artista recibió una medalla de oro y la pintura fue comprada por el gobierno italiano para una galería de arte moderno en Venecia.

no hace falta decir, Malyavin regresó a Rusia en una celebridad. Toda la crítica de la risa fue rápidamente olvidada y en 1906 se convirtió en miembro de la Academia.

Vladislav Mamyshev-Monroe

Un maestro de la reinvención, transformó su vida en un permanente rendimiento. Prácticamente el único representante del arte travesti en Rusia, Mamyshev-Monroe exploró las personalidades de figuras famosas de la historia mundial y la cultura pop, probándose sus imágenes.

Durante su corta vida (murió a la edad de 44 años), los artistas probaron a una multitud de personalidades famosas, desde Marilyn Monroe y Hitler hasta Jesucristo y Lenin, Andy Warhol y Vladimir Putin.

Konstantin Makovsky

En el siglo 19, Makovsky fue considerado una moda y caro retratista y autor de pinturas históricas. También tuvo una gran medalla de oro de la Feria Mundial de París a su nombre.

Aún, Makovsky también pintaba a menudo cuadros conmovedores y sentimentales sobre la dura vida rural. Su niña descalza corriendo con su hermano de una tormenta eléctrica es una escena real de la vida observada por el artista durante uno de sus viajes a las provincias rusas.

Vera Mukhina

One de los principales símbolos de la era soviética y de la propaganda monumental, la «Mujer Trabajadora y Koljós» de 24 metros de altura fue creada para la Feria Mundial de París de 1937. La autora, Vera Mukhina, quería representar a las dos figuras desnudas, sin embargo, el grupo exigió que estuvieran «vestidas». Sin embargo, ese detalle no restó valor al efecto que el monumento produjo: los franceses incluso querían comprarlo, pero la Unión Soviética se negó.

Vera Mukhina había estado cumpliendo órdenes estatales de monumentos desde 1920, pero a pesar de numerosos premios (solo tenía cuatro Premios Stalin), nunca se le encargó hacer esculturas de Lenin o Stalin. La razón era que Mukhina no se consideraba lo suficientemente confiable. A principios de la década de 1930, incluso fue expulsada de Moscú, y después de la exposición de París, se emitió una orden para nunca permitirle ir al extranjero.

Irina Nakhova

el artista Conceptual Nakhova es considerado el autor de la primera «total instalaciones» en ruso de arte contemporáneo. A mediados de la década de 1980, cambió una de las habitaciones de su apartamento, convirtiéndose así en la autora de su obra y en un personaje que vive dentro de ella. Por lo tanto, durante varios años su apartamento sirvió como campo de pruebas para sus experimentos. En 2015, Nakhova se convirtió en la primera artista femenina en exhibirse en el pabellón ruso de la Bienal de Venecia.

Ernst Neizvestny

Neizvestny creado monumentales obras que se pueden ver hoy en día en Rusia, Ucrania, EEUU, Egipto, Suecia y el Vaticano. Sin embargo, en la Unión Soviética, el escultor fue sometido a un severo ostracismo. Debido a desacuerdos con el estilo cultural oficial, el realismo socialista, fue atacado por los periódicos, golpeado en la calle y convocado para charlas con funcionarios del partido. El entonces jefe de Estado, Nikita Jrushchov, llamó a sus obras «arte degenerado». Irónicamente, cuando Jrushchov murió, su familia encargó la lápida a Ernst Neizvestny (y la hizo con dos bloques de mármol, blanco y negro, que simbolizaban las contradicciones internas de Jrushchov).

Quizás su más famoso la obra es «Máscara del dolor», un monumento de 15 metros de altura en Magadán, dedicado a la memoria de las víctimas de la represión política. Se encuentra en el sitio de un campo de tránsito de la era de Stalin, desde donde se enviaba a prisioneros a campos de trabajo de Kolima.

Vladimir Nemukhin

Nemukhin es uno de los más importantes representantes de la urss Inconformista Art. Fue expulsado del instituto de arte por su lenguaje radical y fue oficialmente prohibido, aunque gozó de popularidad entre el público durante el período del Deshielo de Jrushchov.

En 1956, conoció a Oscar Rabin y se unió al Grupo Lianozovo. Durante muchos años, su truco favorito, su «firma» y el tema de muchas de sus obras fueron los naipes. Siempre estuvieron presentes en sus obras – como una sola carta, en parejas o en solitario-convirtiéndose en un símbolo de la incertidumbre del futuro.

Mikhail Nesterov

El artista religioso Nesterov creó la imagen de «el Cristo ruso» a través de la imagen de Sergio de Radonezh, un santo y asceta de la Iglesia Ortodoxa Rusa. Nesterov le dedicó un gran ciclo de pinturas, pero consideró «La Visión de la Juventud»… su mejor trabajo.

Y, sin embargo, Nesterov (que rara vez estaba satisfecho con sus obras y a menudo las destruía) también dañó este lienzo: cayó sobre el cuadro cuando estaba repintando el rostro del joven por centésima vez.

Timur Novikov

Novikov es el fundador y líder de una de las principales asociaciones de arte en el arte contemporáneo ruso de la década de 1980 llamada Nuevos Artistas. Una vez exhibió un escudo de madera contrachapada con un agujero en él, llamando a la obra ‘Objeto Cero’. Novikov es mejor conocido por sus apliques de tela.

fue reconocido con el de continuar el trabajo de la vanguardia rusa en las nuevas realidades y los nuevos materiales. A finales de la década de 1990, expuso en la Tate de Liverpool, en el Stedelijk de Ámsterdam, en museos y galerías de Berlín, Hamburgo, París, Nueva York, Moscú y San Petersburgo.

Boris Orlov

Un clásico de Sots Art, en sus obras Orlov explora el estilo imperial y el fenómeno de un imperio en el sentido más amplio. Sus obras pueden representar diferentes épocas históricas en diferentes culturas, pero todas giran en torno a un tema: el sistema patriarcal basado en la idea de dominación.

Uno de sus métodos favoritos es el uso de accesorios militaristas: «Porque un imperio generalmente tiene una cara militar. E incluso uno no militar se pone un uniforme.»

Anatoly Osmolovsky

Osmolovsky es el principal artista activista de Rusia, cuyas acciones, poesía, conferencias e incluso peleas representaron una emocionante declaración política en la década de 1990. Llevó un refrigerador con un busto de Lenin dentro a la Plaza Roja; colocó una palabra obscena en la misma plaza con los cuerpos de sus camaradas; fumó en el hombro de la estatua de Mayakovsky, y estuvo detrás de muchas otras acciones y acontecimientos.

En en 1998, él y otros 300 activistas de la barricada calle Bolshaya Nikitskaya, que conduce al Kremlin, durante tres horas, dedicaron su acción a la Revolución Francesa de 1968. Siete líderes de esa procesión fueron posteriormente declarados culpables y condenados a multas.

Vasily Perov

Muchos de Perov pinturas provocado acalorados debates entre sus contemporáneos. El artista pintó escenas de la dura vida de la gente común. «Troika Troika», que representa a los niños que fueron traídos de la aldea a la ciudad como mano de obra contratada, es quizás su mejor trabajo sobre este tema.

Yuri Pimenov

Pimenov fue un fiel seguidor de el arte de la política del Partido Comunista. En los tiempos más oscuros de las purgas de Stalin, pintó escenas idílicas de la vida cotidiana del pueblo soviético y glorificó a los trabajadores de fábricas y plantas.

Moscú es uno de los mejores ejemplos del realismo socialista: una mujer, como símbolo de una nueva era, está conduciendo por la floreciente Moscú. Uno asume que su destino no es menos brillante y hermoso futuro.

Pavel Pepperstein

Pepperstein nació y creció en el círculo de Moscú conceptualistas (su padre es el famoso artista Viktor Pivovarov). Tal vez por eso su impulso creativo se nutrió desde el principio. Hoy en día, Pepperstein es uno de los artistas rusos más prolíficos y un escritor famoso.

En sus obras, él crea todo el mundos de ficción y su propia mitología. Lo que lo hace particularmente popular entre los intelectuales.

Kuzma Petrov-Vodkin

Él era el hijo de un zapatero que quería a la pintura de iconos. Aunque no se convirtió en pintor de iconos, el artista se hizo mundialmente famoso por su imagen del Mesías representado como un joven en un caballo rojo. Creada unos años antes de la Revolución Rusa, esta pintura se considera profética y tiene numerosas interpretaciones. Según una teoría, el caballo es Rusia, que esperaba un destino «rojo» en el siglo XX.

Dmitri Prigov

or educación, Prigov era escultor y así se ganaba la vida durante la época soviética, aunque toda su actividad creativa estaba dirigida a convertirse en un «monumento». En la década de 1970, también se hizo conocido como un poeta que convirtió sus recitales en actuaciones reales. Sus llamadas ‘Latas’, que supuestamente contienen palabras individuales y poemas enteros, se asemejan a las latas de Piero Manzoni con «Mierda de artista» escrita en ellas. Así, Prigov equiparaba los poemas a todas las demás secreciones del cuerpo.

Con la llegada de la perestroika, Prigov alejado de poéticas, presentaciones de arte conceptual: creó arte gráfico, instalaciones, collages, cruce de ideas, palabras y pensamientos, «descifrando el genoma de la cultura» y nuevos símbolos.

Vasily Polenov

Uno de los líderes religiosos, artistas, Polenov quería crear algo tan ambicioso como el de Ivanov «La Aparición de Cristo ante el Pueblo». Con este fin, emprendió un viaje de un año a través de Constantinopla, Palestina, Siria y Egipto, desde donde trajo los primeros bocetos de «Cristo y la mujer sorprendida en Adulterio», su obra principal. El viaje desde la idea hasta la finalización del lienzo basado en una escena del Evangelio de Juan le llevó hasta 15 años.

Lyubov Popova

A pesar de haber fallecido muy joven (de la fiebre escarlata en los 35 años de edad, junto con su hijo), en su vida, el artista ha conseguido ser un futurista, un estudiante de Malevich, un adepto del cubismo y, finalmente, un constructivista. Fue en esa capacidad final que Popova diseñó ropa de trabajo para profesiones «revolucionarias».

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the «secret life of the human soul». En palabras del hijo del artista, Pavel Pepperstein, «toda su vida, Pivovarov ha estado pintando la habitación del alma», donde todos los atributos externos, como la vista desde la ventana, se convierten en parte de ella.

Pivovarov principal de «invención» fue el género de un álbum conceptual. Es en este género que creó uno de sus ciclos más famosos, ‘Proyectos para un hombre solitario’, pintando la rutina diaria, los sueños, el interior e incluso el cielo de un héroe, que está experimentando una soledad extrema. Por cierto, muchos espectadores se reconocen en la rutina diaria del héroe. «En principio, no ha cambiado mucho», dice el artista.

Vasili Pukirev

«Entre sus compañeros artistas y estudiantes, dejó un recuerdo cálido y duradero, y en la historia del arte ruso, un rastro brillante, aunque corto», dijeron los contemporáneos del artista en su obituario. De hecho, Pukirev, como varios de sus colegas, se convirtió en el autor de una obra maestra.

‘El Matrimonio desigual lo impulsó a las filas de los principales pintores de género de mediados del siglo XIX, pero siguió siendo la única obra maestra de Pukirev.

Grupo de reciclaje

El grupo de arte de Andrey Blokhin y Georgy Kuznetsov de Krasnodar se creó en 2008 y ya ha expuesto tres veces en la Bienal de Venecia con instalaciones totales y proyectos multimedia sobre realidad aumentada. Todas sus obras, de una manera u otra, tratan sobre la vida de una persona moderna en la era de Internet y varios dispositivos.

‘Conversión’ es una construcción enorme, con esculturas y bajorrelieves que representan «neo-apóstoles», los portadores de una nueva religión llamada «red global».

Oscar Rabin

Rabin es el líder del inconformismo, el arte soviético no oficial de la década de 1960-1970. Sus pinturas están llenas de todo lo que fue prohibido por el arte soviético oficial: barracones, vertederos de basura, botellas de vodka y periódicos arrugados. Representan el otro lado, y más grande, de la brillante realidad soviética.

El artista dijo que toda esa basura de los suburbios era él mismo: «He estado pintando una imagen de toda mi vida – mi retrato sobre el telón de fondo del país.»

Nicholas Roerich

Filósofo, viajero y artista orientalista con un estilo absolutamente único, Roerich dejó un legado que consta de más de 7.000 pinturas y bocetos, muchos de los cuales se conservan en los mejores museos del mundo. Pasó toda su vida viajando, de donde sacó a sus súbditos, desde una expedición en el Himalaya y la India hasta Asia Central.

‘Invitados de Ultramar’ fue pintado en París y habla de viajes en la antigua Rusia.

Ilya Repin

Repin era muy buena en la que representa el sufrimiento de las personas en el siglo 19. Las duras vidas de los transportistas de barcazas y los revolucionarios, las escenas cotidianas de la vida de las clases bajas, las procesiones populares, todos estos temas lo convirtieron en una figura clave en el realismo ruso y en un artista de la historia social. Sin embargo, su pintura más controvertida representa un episodio de otra época.

La historia de Iván el Terrible matando a su propio hijo es tan controvertida (los historiadores siguen discutiendo si realmente sucedió o no) que la obra maestra de Repin fue atacada repetidamente, incluso durante la vida del artista. El último ataque tuvo lugar en 2018, cuando un vándalo borracho salpicó el lienzo con pintura.

Fyodor Rokotov

Rokotov fue uno de los más buscados después de los retratistas entre San Petersburgo de la nobleza del siglo 18, mientras que Alexandra Struyskaya representado por él fue considerada una de las mujeres más bellas del siglo.

El artista era tan popular que podía tener hasta 50 retratos inacabados en su apartamento a la vez. En 1763, pintó el retrato de coronación de Catalina II.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the «father» of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

Su cartel para Lengiz, la principal y única editorial oficial soviética, es un ejemplo llamativo de publicidad de vanguardia, con todas sus técnicas favoritas en forma de diseños geométricos y puntos brillantes. En el centro hay una fotografía de Lilya Brik, «la musa de la vanguardia rusa».

Olga Rozanova

En la historia de la vanguardia rusa, su «Franja Verde’ no es menos significativo que el de Malevich ‘Cuadrado Negro’. Sin embargo, al principio, la artista y su mejor trabajo permanecieron a la sombra del suprematista principal, y más tarde fueron casi totalmente olvidados hasta su redescubrimiento en la década de 1970.

Rozanova logró incluso más que Malevich: no solo puso el color por encima de la forma, sino que también resolvió con éxito el dilema del fondo. Su franja parece una proyección en lugar de una figura en el lienzo, parece que continúa más allá del marco. Fue la primera vez en la historia de la pintura abstracta que se logró este efecto.

Andrei Rublev

famoso artista religioso en la historia rusa, Andrei Rublev creó un estándar de pintura de iconos ortodoxos. En el siglo XVI, sus obras fueron reconocidas como un modelo al que todos los pintores de iconos deberían aspirar, mientras que su «Trinidad» se convirtió en el símbolo espiritual de todo el arte ruso.

Poco se sabe acerca de Rublev a sí mismo. Era monje y dedicó toda su vida a Dios y a la pintura. En 1988, la Iglesia Ortodoxa Rusa lo canonizó como santo.

Aidan Salakhova

Muchas describir Salakhova del arte como «feminista» y «político» porque explora el Este y el Oeste, el macho y la hembra, en una sorprendente combinación de sexo y el Islam. Minaretes fálicos de mármol y vaginas de Kaaba negras la han hecho famosa y reconocible en todo el mundo.

At la Bienal de Venecia de 2011, su ‘Intercesión’, una escultura de una mujer en un niqab, tuvo que ser cubierta con una sábana blanca después de que el presidente de Azerbaiyán (‘Intercesión’ se exhibió en el pabellón de Azerbaiyán) intentó censurarla. Muchos vieron una gran ironía en ella: la escultura estaba cubierta con un velo porque al presidente no le gustaba que representara a una mujer con un velo.

Zinaida Serebriakova

Dada su condición en la cultura popular, este retrato quizás ha convertido en Serebriakova principal de trabajo. Para muchos, su naturaleza espontánea y franca lo convierten en un epítome de la feminidad.

Cuando el retrato se presentó por primera vez al público, el artista Valentin Serov dijo: «Una cosa muy agradable y fresca.»La imagen fue comprada inmediatamente por la Galería Tretyakov.

Valentin Serov

Para la élite rusa, estar sentado por un retrato Serov fue considerada un honor. Un maestro de retratos psicológicos, el impresionista ruso Valentin Serov, pintó famosos compositores, escritores, miembros de la familia imperial y príncipes rusos.

Y sin embargo, uno de sus lienzos más significativos y famosos es el retrato de una niña de 12 años, Vera Mamontova. Era hija de un importante empresario y filántropo, Savva Mamontov, pero Serov más tarde eliminó su nombre del título de la película. Según el artista, no estaba pintando a la hija de una persona famosa, sino a la Juventud misma.

Henryk Siemiradzki

Durante casi 30 años, Siemiradzki vivió en Roma. Se ganó la reputación de uno de los representantes más prominentes del academicismo europeo tardío, pero no de inmediato y no entre todos. El artista solo se interesó por el mundo antiguo con sus mitos, festividades y orgías, por lo que recibió muchos reproches en casa, donde Peredvizhniki ya estaba de moda con su representación de campesinos, huérfanos empobrecidos y otros elementos de «la verdad de la vida».

Por ejemplo, el crítico de arte más influyente de la época, Vladimir Stasov, consideraba a Siemiradzki un clasicista desesperado, que «había caído presa de todo lo italiano». Por su parte, Ilya Repin lo llamó charlatán, mientras que el famoso coleccionista Tretiakov se negó a comprar sus obras. Sin embargo, los zares rusos siempre han sido fanáticos del academicismo: por ejemplo,’ Phryne ‘ fue comprada por Alejandro III directamente de la exposición.

Alexei Savrasov

Artista de paisajes líricos, Savrasov se ganó rápidamente fama y reconocimiento: a la tierna edad de 24 años, ya se había convertido en miembro de la Academia de Artes. Sin embargo, a lo largo de las generaciones, este artista realista es recordado como una «maravilla de un solo golpe»: ninguno de sus numerosos paisajes puede compararse en popularidad con ‘The Rooks…’. Todos los escolares en Rusia conocen esta foto de libro de texto, porque lo más probable es que hayan tenido que escribir un ensayo sobre ella.

Ivan Shishkin

Si usted ve una pintura de un increíble bosque ruso o campos con árboles de pino en el lado de la carretera, usted puede estar seguro de que es un Shishkin. Según una encuesta realizada por el Centro de Investigación de Opinión Pública de toda Rusia, es el artista más reconocido de Rusia.

Lo que puede deberse en gran parte a los caramelos Mishka Kosolapy (oso torpe), cuya envoltura presenta un fragmento de esta imagen. Y, sin embargo, nadie pintó matorrales remotos, prados y campos como él, ya sea en términos de cantidad o calidad. El bosque era todo lo que a Shishkin le interesaba.

Sylvester Shchedrin

Muchos artistas rusos del siglo 19 visitado la artística Europea de la meca, Italia, pero pocos se han hecho creativo de la casa. El pintor paisajista Shchedrin pasó prácticamente toda su vida representando la belleza de Italia, y en particular de Nápoles. Aquí es donde murió también, antes de llegar a los 40. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

Representante del Arte Sots y, como él mismo lo denominó, «arte popular pop», durante más de 30 años, Sokov trabajó con los mitos, imágenes y símbolos de la cultura rusa, yuxtaponiéndolos con la civilización occidental.

El artista y escultor dejó la URSS para ir a Estados Unidos, con el fin de «no romperse» bajo la presión del sistema totalitario del orden estatal, que dictaba todo al artista, hasta el más mínimo detalle: «En qué mano debía sujetar Lenin su gorra, cuánto tiempo debían tener los pantalones del pionero y cuál era el pie pivotante de Marx», bromeó Sokov.

Vasily Surikov

Surikov hecho un nombre por sí mismo al describir los diferentes momentos trágicos en la historia de rusia. Por ejemplo,’ Boyarina Morozova ‘ cuenta la historia de la feroz lucha contra los Viejos creyentes: Morozova está siendo transportada a un convento de monjas (que equivalía a prisión) en el momento del cisma de la iglesia.

Vladimir Tatlin

Aunque el Monumento a la Tercera Internacional, o de la Torre de Tatlin, nunca fue construido, se convirtió en el artista más emblemáticos de la creación y el sello del constructivismo en todo el mundo. Tatlin diseñó su torre como símbolo de la revolución de 1917 que se erigiría en Leningrado (ahora San Petersburgo).

a finales de la década de 1920, el liderazgo soviético perdió interés en los artistas de vanguardia y dejó de interactuar con ellos, por lo que la torre nunca se construyó.

Oleg Tselkov

A lo largo de su vida, este artista inconformista ha estado pintando prácticamente el mismo personaje: una imagen humana deformada, un mutante. «Este no es un retrato de un modelo específico, sino un retrato universal… y uno terriblemente familiar», explicó Tselkov. «Accidentalmente logré arrancarle la máscara a la humanidad.»

La dirección Soviética no era particularmente aficionado a este «lado oscuro de la personalidad humana». En 1977, se le pidió a Tselkov que abandonara el país, y se fue a Francia. No fue hasta 2015 que volvió a ser ciudadano ruso.

Pavel Tchelitchew

Este patriarca del surrealismo místico nació en Rusia, pero pasó la mayor parte de su vida en Europa y América, donde desarrolló la técnica de sus famosos paisajes antropomórficos. Debido a la similitud de estilo, a menudo se le describe como «el Dalí ruso», excepto que Tchelitchew fue el primero en mostrar elementos de surrealismo místico en sus obras: dicen que, nueve años antes, Salvador Dalí hizo lo mismo.

en Estos días, sus obras pueden encontrarse en las principales Europea de museos y colecciones, mientras que en Rusia, sólo la Galería Tretiakov tiene una sola Tchelitchew. «Phenomena» fue traído en secreto a Rusia por un amigo de Tchelitchew, el coreógrafo Lincoln Kirstein. Lo entregó a la Galería Tretyakov, pero hasta mediados de la década de 1990 permaneció en los almacenes del museo.

Simón Ushakov

Los Romanov, asumió el trono en 1613. La dinastía gobernó el país durante siglos, pero al principio, necesitaba algo para confirmar su legitimidad. Un papel importante en esto fue desempeñado por la imagen del linaje de la familia real creada por el pintor de iconos Ushakov. Los críticos de arte lo llaman la primera y mejor justificación de la afirmación de que los Romanov recibieron su poder desde arriba.

Los Romanov debe tener de acuerdo con la evaluación: hicieron Ushakov el principal pintor del imperio y regado de él con favores hasta su muerte.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov se probó a sí mismo en diferentes estilos y tipos de trabajo, desde pintar frescos de iglesia (como en la Iglesia del Salvador sobre la Sangre Derramada en San Petersburgo) hasta crear adornos curvilíneos de estilo art nouveau. Sin embargo, para la mayoría de los rusos, está asociado exclusivamente con personajes de cuentos de hadas rusos. En la imaginación popular, estos personajes se ven en gran medida de la manera en que Vasnetsov los describió.

La pintura ‘Bogatyrs’, que representa popular Eslava superhéroes Dobrynya Níkitich, Ilya Muromets y Alyosha Popovich, le tomó casi 20 años para completar.

Alexey Venetsianov

Venetsianov fue uno de los primeros artistas que representan escenas de la vida de la gente común, de hacer un nombre por sí mismo en «el campesino de género». Al mismo tiempo, no estaba particularmente interesado en los aspectos prácticos de la vida cotidiana de los campesinos.

Sus pinturas eran más sobre amplitud, libertad e inmensidad. Muchos creen que su pintura de «Cosecha» personifica el verdadero paisaje ruso.

Vasily Vereshchagin

Un pintor de escenas de batalla, Vereshchagin generalmente pintados de lo que él vio con sus propios ojos. Había estado en muchas guerras y había viajado por el mundo desde la India hasta Siria. Organizó sus exposiciones en Nueva York y Londres, a menudo mostrando no solo sus pinturas, sino también trofeos del campo de batalla.

Sin embargo, su «Apoteosis de la guerra» es una excepción, ya que no la pintó de la vida, sino de una idea en su cabeza. En su marco, el artista escribió: «Dedicado a todos los grandes conquistadores-pasados, presentes y futuros.»

Mikhail Vrubel

Vrubel se asocia principalmente con la imagen de un demonio, a quien pintó en repetidas ocasiones y de manera obsesiva. La imagen de un ángel caído que sufría de su naturaleza demoníaca había sido inspirada por el poema del mismo nombre de Mikhail Lermontov. Vrubel hizo unos 30 bocetos para esta pintura.

Vrubel admitió que él había visto a un demonio en sus pesadillas también. Una psicosis aguda, que el artista desarrolló en su vida posterior, combinada con su obsesión por una sola imagen, llevó a sus contemporáneos a concluir que Vrubel se había vuelto loco por su adicción al demonismo.

Vladimir Weisberg

Weisberg que se distingue en el contexto del arte ruso: él pertenece ni al arte oficial, ni a los no conformistas. Su estilo característico es la llamada «pintura blanca», imágenes que parecen haber sido pintadas con pintura blanca sobre un fondo blanco. Según el propio Weisberg, trató de lograr el «arte invisible».

En realidad, él casi nunca se utilizan pigmento blanco. Sus pinturas son una intrincada combinación de pequeñas partículas multicolores. «Una imagen debe volverse blanca si todos, literalmente todos, sus colores, encajan», solía decir.

Vladimir Yankilevsky

Un pionero de Moscú «no oficiales arte» y una perenne solitario, Yankilevsky no encajan en ninguna asociación artística y siempre estaba en el banquillo, ya que fueron. Muchos simplemente no entendieron sus obras existenciales: toda su vida pintó un «Hombre metafísico opuesto a la Eternidad».

La idea de las personas en cajas llegó a él bajo la influencia del existencialismo. Estas «cajas existenciales» se convirtieron en una metáfora de una persona cuyas aspiraciones y sueños siempre chocan con las paredes de un entorno social. Hay que decir que la vida en la URSS era muy propicia para esta percepción de la realidad.

Vadim Zakharov

En la década de 1970, Zakharov se unió al círculo de Moscú Conceptualistas, comenzando con la absurda y acciones que lleva a la pintura. «Entre 1985 y 1989, creé muchas pinturas enormes, después de las cuales no pinté ninguna, con la excepción de unas pocas hechas en carbón, y ahora volver al lienzo y al óleo es una tortura para mí», dijo. En 1989, se trasladó a Colonia, donde comenzó una nueva etapa en su carrera artística: las instalaciones.

Su proyecto «Danae» se convirtió en una sensación en la Bienal de Venecia. En la primera hora después de su apertura, una cola se alineó hacia el pabellón ruso para observar el proceso único de un famoso mito griego Antiguo que se materializaba a través de una lluvia dorada de monedas con las palabras confianza, libertad, amor y unidad escritas en ellas que bajaban de una habitación donde solo se permitía a los espectadores masculinos, a «the womb», donde solo se permitía a las espectadores femeninas.

Konstantin Zvezdochetov

Él es el ruso rey del kitsch, sin los cuales no hay gran exposición de arte contemporáneo que se puede hacer. Zvezdochetov pertenece a la generación de artistas soviéticos que fueron los primeros en entrar en la escena artística internacional y se conocieron como «arte ruso contemporáneo».

Hubo un tiempo en que se sintió ofendido al ser llamado «artista». Él dijo: «Soy una persona que ofrece interpretaciones… Todo lo que hago son citas y compilaciones.»

Anatoly Zverev

Él se refiere a menudo como «el ruso de Van Gogh». Robert Falk dijo de él: «Cada toque de su pincel no tiene precio», mientras que el propio Picasso se hizo eco de él. Decorador de profesión, Zverev entró en la escena artística a finales de la década de 1950, y en 1965, su primera exposición internacional se celebró en Motte, en París, aunque él mismo nunca viajó al extranjero.

El sistema Soviético no como Zverev. La policía estaba tras él para arrestarlo por «parasitismo» (que era un delito penal en la URSS), mientras vivía únicamente por su arte y por su único amor y musa, la viuda del poeta Nikolai Aseev, Ksenia Aseeva, que era 39 años mayor que él.