«Full Metal Jacket»

«The Killing»

«Eyes Wide Shut»

«Paths of Glory»

«Paths of Glory»

Si bien se trata de una película de Stanley Kubrick, esta obra maestra anterior a la década de 1960 es una ventana a un camino alternativo de la carrera de Kubrick, de no haber logrado la libertad artística y prácticamente inventado su propia marca personal y modo de hacer cine. Kirk Douglas interpreta a un abogado convertido en coronel del Ejército Francés que, en medio de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial, debe defender a tres de sus hombres que se enfrentan a la pena de muerte como resultado de la retirada de su regimiento, rechazando una orden sin sentido de cargar contra cierta matanza. Kubrick tiene en la mira a la aristocracia del poder militar (traído maravillosamente a la vida por Adolphe Menjou), pero es la nobleza y la fuerza del personaje de Douglas frente a una muerte sin sentido, bellamente realizada en las trincheras y en la sala de la corte, lo que ancla esta película.

Mientras el personaje de los hombres se desmorona bajo una presión extrema, Kubrick crea el héroe más tradicional en su narrativa más tradicional. La conclusión es que Kubrick era capaz de hacer un drama directo extremadamente bien, si era necesario. El final de la película, donde Christiane Harlan canta «The Faithful Hussar» en la abarrotada cervecería, es uno de los finales más emotivos y efectivos de la historia del cine, ya que el momento de humanidad compartida trae una lágrima de reflexión a la tragedia que acaba de desarrollarse. El hecho de que la actriz alemana se convirtiera más tarde en la esposa de Kubrick y gran compañera en el cine hasta su propia muerte 42 años después añade un significado extra a sus fans.

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» A Clockwork Orange»(1971)

«A Clockwork Orange «

La sátira social de» A Clockwork Orange » se ha convertido en una parte aceptada de la cultura popular, que enmascara su estatus como una de las obras más embriagadoras y arriesgadas de Kubrick. Adaptado del libro de Anthony Burgess de 1962, cuenta la historia de Alex (Malcolm McDowell, en uno de esos papeles que se pegan al actor durante décadas) y grupos de «droogs», un grupo de delincuentes juveniles violentos en una futura distopía. En una película que explora los peligros potenciales de cómo la psicología conductual podría ser utilizada por un gobierno totalitario, Kubrick fue inusualmente abierto al anunciar los temas de la película que estaba explorando. Escribió: «Es una historia de la dudosa redención de un delincuente adolescente mediante terapia de reflejos condicionales. Es, al mismo tiempo, una conferencia continua sobre el libre albedrío.

La brillantez subversiva de la película es cómo Kubrick utiliza el cine no solo para hacer que Alex y sus «droogs» sean agradables, sino también incómodamente entretenidos. Kubrick constantemente, pero de manera experta, se tambalea en la línea de identificación y sátira de sus personajes nihilistas que golpean, violan y roban. En una combinación única de música y vestuario, porque lo que matón no usa maillots blancos, un derby negro y le encanta relajarse con un poco de Beethoven, Kubrick creó una versión caricaturesca de cool. El uso del lenguaje y la voz en off también se ejecutaron con precisión. La decisión de Kubrick de usar el modo de hablar adolescente inventado por el lingüista convertido en autor Burgess (Nadsat, una forma de jerga inglesa de influencia rusa) fue particularmente importante; proporcionó una herramienta de distanciamiento necesaria para que la audiencia se entreteniera con la narración alegremente indiferente e ingeniosamente inhumana de Alex. Cuando se yuxtapone con el doble discurso político de los funcionarios del gobierno, mientras Kubrick ensarza simultáneamente a la izquierda y a la derecha, la película cambia dramáticamente de marcha, ya que el público se enfrenta a nuestras propias actitudes morales sobre las limitaciones de la sociedad, el gobierno y el concepto de libre albedrío.

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«Barry Lyndon» (1975)

«Barry Lyndon»

Deliberadamente lento en su ritmo y físicamente distante con un narrador omnisciente que nos empuja más lejos, esta película de alguna manera te cautiva hasta el punto de que cada pequeño gesto está lleno de significado y emoción. Basada en una novela victoriana (considerada la primera sin un héroe tradicional), «Barry Lyndon» es la historia de un irlandés calculador y amoral (Ryan O’Neil) que sube la escalera de la sociedad. Kubrick cuenta la historia con lo que parece un desapego fresco, pero seduce al público para que se preocupe. «Barry Lyndon» es también una película increíblemente hermosa y una maravilla técnica. La distancia de gran angular del director se combina con algunos de sus encuadres más profundos y el elegante diseño de producción, con trajes que cuentan una historia rica y en capas. Con la ayuda de la fotografía de John Alcott, que utilizó un objetivo especial f0.7 hecho por la NASA para capturar imágenes de 70 mm iluminadas por velas, se encuentra entre las mejores de todos los tiempos.

» The Shining»(1980)

«The Shining «

Warner Bros.

Se podría argumentar que la película más influyente en este momento en el cine es » The Shining.»Desde su enfoque psicológico más abierto al género, el uso de la ubicación y el movimiento de cámara innovador, el clásico de terror de Kubrick es una piedra de toque vital para esta generación de cineastas. Curiosamente, no fue ampliamente aceptado por los críticos, que tuvieron dificultades para conectarse con el escritor en lucha de Jack Nicholson, que desciende lentamente a la locura mientras lleva a su familia al Hotel Overlook. Kubrick se sintió atraído por hacer una película de terror para explorar su profunda desconfianza en los defectos de la personalidad del hombre. Que los sustos increíblemente efectivos de la película y la sensación de malestar provienen de esta exploración, y el increíble descenso de Nicholson a la locura, no está destinado a ser acogedor. Sin embargo, en ese momento, la película fue vista como tan exagerada que se convirtió en la primera película de Kubrick en recibir nominaciones de los Razzies en lugar de la Academia.

El logro culminante y duradero de la película, sin embargo, es la forma en que Kubrick combinó su preciso sentido de la composición y el ritmo con una cámara en movimiento que dio vida a la parte inferior psicológica de la película. Al experimentar con el inventor y operador de Steadicam Garrett Brown, Kubrick puso en práctica la nueva herramienta y, en el proceso de hacer 50 tomas repetidas, ayudó a Brown a perfeccionar su invención.

» Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb» (1964)

«Dr. Strangelove»

FilmStruck / Criterion Collection

Una de las claves para comprender la brillantez de esta obra maestra de comedia negra es que Kubrick se propuso inicialmente hacer un thriller más directo sobre una crisis de armas nucleares. En el proceso de hacer una extensa investigación, Kubrick no pudo superar lo absurdo de la teoría de la «destrucción mutua asegurada» que justificaba que ambos lados de la Guerra Fría almacenaran bombas nucleares sin fin mientras jugaban escenarios del juicio final. Pensando en nuestro momento político actual (que comprensiblemente tiene a los artistas confundidos sobre cómo manejarlo), la idea de que Kubrick hizo esta obra maestra cómica a raíz de la crisis de los Misiles cubanos y en vísperas de la Guerra de Vietnam es verdaderamente notable. Lo que es aún más sorprendente es que, casi 30 años después del final de la Guerra Fría, la película todavía se siente igual de fresca y perspicaz.

Mientras Kubrick se deleita en pinchar realidades y figuras políticas de la vida real, la clave es su hábil toque con la comedia. Aceptando a regañadientes la insistencia de Columbia Pictures de que Peter Sellers interpretara cuatro papeles diferentes (en última instancia, solo interpretó tres) después del éxito financiero del comediante que interpretó varios papeles en «El ratón que Rugió», Kubrick aprovechó el mandato del estudio para que Sellers proporcionara el tiempo cómico de combustión lenta exacto necesario para dibujar actuaciones perfectas de actores dramáticos como George C. Scott y Sterling Hayden. Sin embargo, todo el juego de roles y el humor loco fueron un dispositivo de entrega para Kubrick para sostener un espejo a un mundo a punto de destruirse a sí mismo.

» 2001: Una Odisea del Espacio»(1968)

«2001: Una Odisea del espacio»

Mirando hacia atrás ahora, con la retrospectiva de casi 50 años, todavía es difícil apreciar por completo cuán visionario fue Kubrick como cineasta, técnico y pensador. Con poca precedencia, Kubrick dio vida a un uso artístico de los efectos visuales de ciencia ficción (en gran colaboración con Douglas Trumbull) y una visión de la inteligencia artificial (en gran colaboración con Arthur C. Clarke) que no solo se siente fresco, sino que avergüenza (o al menos debería) a los cineastas en 2017.Decidido a hacer un tipo diferente de película de ciencia ficción, Kubrick reclutó a Clarke para ayudarlo a desarrollar una historia que explorara la relación del hombre con el universo. Simultáneamente, los dos trabajaron en una novela y un guion, utilizando un trabajo temprano de Clarke como punto de partida, para dar cuerpo al guion que alteraba el género. Para todas sus diferentes versiones (y elementos abandonados) mientras luchaban por resolver las complejidades, y para toda la ingeniería técnica de vanguardia que requería la película, la visión existencial de Kubrick de «2001» es brillantemente simple y cinematográficamente exacta. Es tan trascendente, audaz y destilado como cualquier película jamás hecha.

Uno de los aspectos más importantes de la película que rara vez se discute es lo importante que fue para la carrera de Kubrick. No fue una película que tardara años en ser apreciada. Si bien la reacción inicial fue mixta, lentamente se fue abriendo camino a lo largo del año (no hace mucho, las películas no se definían por su taquilla del fin de semana de apertura) para convertirse en la película más taquillera de 1968. Sin embargo, es fácil imaginar cómo una película embriagadora de este alcance podría haberse convertido en un fracaso de película artística extremadamente caro. Una de las claves de Kubrick, intencional o no, era que estaba al menos un poco en sintonía con el espíritu de la época. Si bien eso no es de ninguna manera un requisito previo del gran arte, el hecho de que esta película fuera una sensación revolucionaria y capturara la imaginación del público, un año antes de que pusiéramos a un hombre en la luna, solidificó su reputación como visionario.

En 1972, «2001» ya estaba apareciendo en la encuesta de una vez por década de the Sight and Sound de las mejores películas jamás hechas. La libertad artística y financiera que obtuvo de Warner Bros.como resultado definió su carrera posterior, y le permitió hacer sus últimas cinco películas de una manera poco ortodoxa, obsesiva y sin obstáculos. Si bien es divertido debatir qué película es la mejor de Kubrick, esta fue la que lo definió.

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