10 Mujeres Artistas Revolucionarias Encuestadas Por Galerías de Arte de Propiedad negra

 Por Shantay Robinson 

Las artistas negras, en los últimos años, han recibido más elogios que en el pasado. Pero todavía no son reconocidos por sus contribuciones al arte visual que estimulan las conversaciones sobre justicia y equidad. Este año Black Art in America encuestó a galerías de arte de propiedad de negros para averiguar quiénes son las 10 Mujeres Artistas Negras Revolucionarias. Hablamos con Stella Jones Gallery, N’Namdi Contemporary, Walton Gallery, Mariane Ibrahim, E&S Gallery, 10th Street Gallery, Richard Beavers, Zucot Gallery y Black Art in America. Esta lista, por supuesto, no representa a todas las talentosas artistas negras que hacen grandes cosas, pero lo que hace esta lista es resaltar a los artistas que han demostrado ser pioneros en las colecciones a las que han sido adquiridas, las exposiciones donde han mostrado y el ingenio de su arte.

Bisa Butler

La extraordinaria acolchadora de arte, Bisa Butler, no aplica pintura a sus lienzos, pero las imágenes altamente contrastadas que crea piden una inspección más cercana. Butler moderniza las figuras históricas en un esfuerzo por devolverlas a la vida. Figuras como Josephine Baker, Frederick Douglas y Jackie Robinson han mantenido su espacio en sus lienzos implorando al espectador que los vea de nuevo. Los colores que cose para crear temas de tonalidad colorida se derivan de fotografías en blanco y negro que estiliza. La colocación de los sujetos en fondos apagados o vibrantes ayuda a iluminar la vivacidad de los sujetos y, al mismo tiempo, ilustra su significado. Sin aplicar pintura a los lienzos que Butler crea, crea minuciosamente sombras y luces con telas que dan dimensión a sus sujetos. La belleza de sus edredones no radica únicamente en la importancia del tema en los tiempos modernos, sino en la innovación y el sentido de la bravuconería que Butler emplea para pintar con telas que han sido relegadas como trabajo de mujer.

Delita Martin

Debajo de la pintura, los textiles y el collage, Delita Martin presenta a mujeres negras reales en obras de arte que celebran su belleza, fuerza, dolor y resistencia. Inspirado en fotografías vintage y familiares, Martin utiliza el lenguaje visual para contar historias orales. Las narraciones narradas en sus pinturas representan historias sinceras, íntimas y honestas de mujeres que tal vez no se mencionen en las noticias contemporáneas o en los libros de historia, pero a quienes todos conocemos. Son madres, hermanas, tías y primas que trabajan incansablemente para mantener la vida familiar y el orden, pero que muchas no reciben crédito adecuado por su trabajo. Utilizando textiles africanos tradicionales para superponer sus imágenes, Martin vuelve a llamar a la patria conectando la tradición de las mujeres negras como la columna vertebral de la comunidad en África, así como en toda la Diáspora. Si bien las mujeres representadas en las obras de arte de Martin pueden no ser abiertamente celebradas por sus contribuciones al mundo, al inmortalizarlas en lienzo, ella les ofrece elogios.

Black Is Beautiful de Lavett Ballard, collage de técnica mixta de 60 x 26 pulgadas sobre panel de madera, 2019. Colección privada

Lavette Ballard

Las vallas se han utilizado para mantener a la gente dentro o fuera, pero Lavette Ballard utiliza vallas para insertar las narrativas de imágenes históricas de personas negras, pero especialmente mujeres negras, en el canon histórico del arte. Tomando fotografías históricas en blanco y negro, las aplica sobre vallas de madera antiguas grandes y pequeñas recuperadas para crear obras de arte que renacen a estos temas en los tiempos contemporáneos. Trabajando con madera recuperada, Ballard le da estéticamente una profundidad a sus collages que no acentuaría la combinación de fotografías en blanco y negro y pintura en color de la misma manera en lienzos tradicionales. El color se superpone en las fotografías en blanco y negro, dentro de las formas de sus sujetos y a lo largo de sus lienzos de madera para dar a sus sujetos una segunda vida. Es posible que a estas figuras no se les haya dado entrada al mundo del arte en su tiempo, pero Ballard les permite entrar en las vidas y los alrededores de la época moderna.

Monica J. Beasley

Sin el conocimiento de sus espectadores, el arte de Monica J. Beasley no se trata únicamente de colores bonitos y texturas delicadas. Se supone que la feminidad inherente a los pasteles que utiliza evoca los sentimientos de feminidad y delicadeza, pero hay una historia detrás de lo obvio de que las mujeres deben ser delicadas y delicadas. En términos generales, ¿cuándo han tenido las mujeres negras ese lujo? La historia estadounidense no ha permitido que el lujo de las mujeres negras atienda sus caprichos en los encajes y satenes que se les ofrecen a otros de su género. Los collages florales que crea Beasley pueden ser un recordatorio para el resto de la sociedad de que las mujeres negras no son simplemente las mulas de este mundo. Como las mujeres de cualquier otro credo, merecen ser tratadas como damas. Nunca fue su elección si encontrar o no empleo como sus contrapartes blancas, la mayoría de las mujeres negras en los Estados Unidos siempre han trabajado. A veces se merece hermosos y delicados recuerdos de su condición de mujer. Y Beasley ofrece, aunque solo sea estéticamente, ese recordatorio.

Genesis Tramaine

Genesis Tramaine manipula la cara negra para evocar las emociones y los encuentros de las personas negras. La pintora expresionista urbana utiliza pinceladas crudas para ilustrar la psique con el fin de comprender el funcionamiento interno de sus sujetos negros. Inspirada en el graffiti de la década de 1980 y los himnos evangélicos, las narrativas que induce en sus retratos imaginarios de la vida interior negra hablan de la complejidad de la existencia negra. Obviamente animado por Jean Michel Basquiat, Tramaine toma las marcas maníacas que se evidencian en los orificios de la cara e inserta historias que uno nunca puede tener el valor de hablar. El venidas del subconsciente son evidentes en los retratos que pinta confesando la complejidad y los conflictos de negro de animación. Las historias que transmite pueden no ser coherentes para todos, pero aquellos que viven la vida entienden la dificultad de articular no solo la doble conciencia, sino el triple peligro que es la difícil situación de las mujeres negras.

Ruby Onyinyechi Amanze

Las obras en papel de Ruby Onyienyechi Amanze dejan espacio para que la imaginación explore infinitamente. Las figuras que crea Amanze parecen fracturadas e inherentemente no ocupan mucho espacio en el papel. Fragmentarios, flotan en un espacio en blanco maleable a la espera de ser discernidos por el espectador. En una inspección cercana, los detalles y la textura pueden ser evidencia de la complejidad de la vida, tal vez la complejidad de la existencia de la mujer negra. Las figuras que evoca en abrazos a veces íntimos representan la sensualidad de las experiencias de la vida, pero evocan una desconexión a otro nivel. Por un lado, las obras de arte intentan ocupar espacio y, al mismo tiempo, carecen de la capacidad para hacerlo. Las figuras inconexas colocadas abstractamente en los parámetros del lienzo piden cierta armonía. Pero tal vez eso no debería esperarse. Las mayores preocupaciones de seguridad y comodidad se revelan en el trabajo, pidiendo conjeturas y consuelo en tiempos siempre agresivos.

Ann» Sole Sister » Johnson

Inspirada en sus sueños, Ann Johnson representa el dolor de las personas negras que no son reconocidas por la cultura popular por su sufrimiento. Al igual que Sandra Bland, muchas mujeres negras son víctimas, pero no son reconocidas como víctimas por creencias arraigadas de que inherentemente pueden soportar más dolor que sus contrapartes. Johnson explora estos problemas dentro de la comunidad negra a través del grabado experimental. Usando técnicas mixtas, llama la atención sobre los traumas de las mujeres negras mientras explora las narrativas de esta clase negra inferior. Haciendo de los medios inesperados como algodón, plumas o verduras sus lienzos, Johnson utiliza el grabado para aplicarles imágenes que sugieren la fragilidad de los temas que retrata. La tenacidad de los lienzos con los que trabaja habla de la resistencia de un pueblo, lo suficientemente tolerable como para ser llevado al borde de la autodestrucción, pero incapaz de soportar la opresión constante. La fragilidad de sus lienzos es evidencia de la base sobre la que se asientan sus sujetos.

Tracy Murrell

Celebrando la belleza y la gracia, Tracy Murrell toma siluetas de mujeres y las aplica al papel estampado para crear la armonía esencial para existir en este mundo como una mujer de color. Inspirada en el aplomo y la elegancia de las mujeres, Murrell repite poses para familiarizar al espectador con sus sujetos y luego los sorprende con los patrones que combina para crear coherencia. La falta de rasgos en sus temas permite que las siluetas estén disponibles para cualquier mujer, prestándose a una multitud. En respuesta, estas siluetas inspiran meditación, permitiendo la reflexión del espectador. Modestas en su postura, las obras de arte ofrecen una alternativa a las visiones estereotipadas de las mujeres de color como ruidosas e hipersexuales. Las siluetas sobre los fondos decorativos interrumpen las posturas contemplativas de sus sujetos, pero las hacen armoniosas con el ajetreo. Murrell ofrece una alternativa a las interpretaciones típicas que representan a las mujeres de color como cualquier otra cosa que no sea contemplativa, segura y hermosa.

Uruba F. Slaughter

Cuando las figuras no son suficientes y no hay palabras para curar el sufrimiento, se usa la abstracción en su lugar. Masacre de Uruba superó un aneurisma a través de la pintura abstracta. Sus texturas personalizadas representan el sufrimiento de alguien que sufre pero que está dispuesto a superar el sufrimiento de la humanidad para ver la belleza. Los lienzos coloridos y contrastados que crea representan la oscuridad a la luz que la artista ha soportado. Y la textura habla de la lucha que se necesitó para llegar allí. Sus lienzos gritan por alivio de los dolores de la vida ordinaria, así como de los de circunstancias extremas. La simplicidad y complejidad de los lienzos que crea hablan tanto de la vida como de la muerte. El morbo y la luz. El dolor y la belleza. Cuando las figuras no son suficientes para representar las circunstancias de la vida, los colores colocados con textura en un lienzo pueden ser lo único que quede para contar la fortaleza que se necesita para superar. Los lienzos de Slaughter convencen del cuidado minucioso que el artista puede tener para entregar ese mensaje.

Sherry Shine

Artista de edredones, Sherry Shine invoca las tradiciones de las creaciones textiles africanas para hablar de las experiencias particulares de las mujeres afroamericanas. Los colores brillantes que utiliza para transmitir las narrativas de las mujeres negras hablan de las relaciones íntimas que las mujeres negras crean en un sistema opresivo de dominación. Sus temas pueden ser imaginados, pero las historias de hermandad y amor representadas en sus edredones llevan la vida real de mujeres que, aparte de soportar conflictos, toman momentos para vivir. Shine construye imágenes que se unen platónicamente y en el amor romántico. Incluso cuando las mujeres negras no están presentes en su trabajo, sus huellas se dejan en las prendas de un tendedero o en las paletas de colores rítmicos que inspiran. Sin usar pintura para representar los coloridos interiores de las mujeres negras, Shine utiliza la tradición del acolchado para retratar la humanidad de la vida y el amor negros. Los edredones de Shine son un testimonio de la belleza y el poder de la mística femenina negra.

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Shantay Robinson, becario residente de BAIA ha participado en el Programa de Mentoría de Escritores de Arte de Burnaway, la Beca Editorial The New New South de la Universidad de Duke y el Programa de Mentoría de Críticos de Arte de CUE Art Foundation. Ha escrito para Burnaway, ArtsATL, ARTS.BLACK, AFROPUNK, Number, Inc. y el periódico de Washington City. Mientras recibía un MFA en Escritura de Savannah College of Art and Design, se desempeñó como docente en el High Museum of Art. Actualmente está trabajando en un doctorado en Escritura y Retórica en la Universidad George Mason.

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