10 Artistes Féminines Révolutionnaires Interrogées Par Des Galeries D’Art Appartenant À des Noirs

Par Shantay Robinson

Ces dernières années, les artistes féminines noires ont été plus acclamées que par le passé. Mais ils sont encore largement méconnus pour leurs contributions à l’art visuel qui stimulent les conversations sur la justice et l’équité. Cette année, Black Art in America a interrogé des galeries d’art appartenant à des Noirs pour savoir qui sont les 10 artistes noires révolutionnaires. Nous avons parlé à Stella Jones Gallery, N’Namdi Contemporary, Walton Gallery, Mariane Ibrahim, E&S Gallery, 10th Street Gallery, Richard Beavers, Zucot Gallery et Black Art in America. Cette liste, bien sûr, ne représente pas toutes les artistes noires talentueuses qui font de grandes choses, mais ce que cette liste fait, c’est mettre en évidence les artistes qui se sont avérés pionniers dans les collections dans lesquelles elles ont été acquises, les expositions où elles ont montré et l’ingéniosité de leur art.

Bisa Butler

La courtepointe d’art extraordinaire, Bisa Butler, n’applique pas de peinture sur ses toiles mais les images très contrastées qu’elle crée demandent à être examinées de plus près. Butler modernise des personnages historiques dans le but de les ramener à la vie. Des figures comme Josephine Baker, Frederick Douglas et Jackie Robinson ont tenu leur espace sur ses toiles implorant le spectateur de les revoir. Les couleurs qu’elle coud ensemble afin de créer des sujets de teinte colorée sont dérivées de photographies en noir et blanc qu’elle stylise. Le placement des sujets sur des décors sourds ou vibrants aide à éclairer la vivacité de ses sujets tout en illustrant leur signification. Sans peinture appliquée sur les toiles créées par Butler, elle crée minutieusement des ombres et de la lumière avec des tissus qui donnent de la dimension à ses sujets. La beauté de ses courtepointes ne réside pas uniquement dans l’importance du sujet dans les temps modernes, mais dans l’innovation et le sens de la bravade que Butler emploie pour peindre avec du tissu qui a été relégué au rang de travail féminin.

Delita Martin

Sous la peinture, les textiles et les collages, Delita Martin met en scène de vraies femmes noires dans des œuvres qui célèbrent leur beauté, leur force, leur douleur et leur résilience. Inspiré par des photographies d’époque et de famille, Martin utilise un langage visuel pour raconter des histoires orales. Les récits racontés dans ses peintures rendent des histoires sincères, intimes et honnêtes de femmes qui ne sont peut-être pas mentionnées dans les nouvelles ou les livres d’histoire contemporains, mais que nous connaissons tous. Ce sont des mères, des sœurs, des tantes et des cousines qui travaillent sans relâche pour maintenir la vie de famille et l’ordre, mais dont beaucoup ne reçoivent pas le crédit approprié pour leur travail. Utilisant des textiles africains traditionnels pour superposer ses images, Martin rappelle la patrie reliant la tradition des femmes noires comme épine dorsale de la communauté en Afrique ainsi que dans toute la Diaspora. Bien que les femmes représentées dans les œuvres de Martin ne soient pas ouvertement célébrées pour leurs contributions au monde, en les immortalisant sur toile, elle leur offre une reconnaissance.

Le noir est beau par Lavett Ballard, collage de techniques mixtes de 60 x 26 pouces sur panneau de bois, 2019. Collection privée

Lavette Ballard

Des clôtures ont été utilisées pour garder les gens à l’intérieur ou à l’extérieur, mais Lavette Ballard utilise des clôtures pour insérer les récits d’images historiques des Noirs, mais surtout des femmes noires, dans le canon historique de l’art. Prenant des photographies historiques en noir et blanc, elle les applique sur de grandes et petites clôtures en bois vieilli récupérées pour créer des œuvres d’art qui font renaître ces sujets à l’époque contemporaine. Travaillant avec du bois récupéré, Ballard donne esthétiquement une profondeur à ses collages qui n’accentuerait pas la combinaison des photographies en noir et blanc et de la peinture en couleur de la même manière sur une toile traditionnelle. La couleur est superposée sur les photographies en noir et blanc, à l’intérieur des formes de ses sujets, et à travers ses toiles en bois pour donner une seconde vie à ses sujets. Ces figures n’auraient peut-être pas été entrées dans le monde de l’art en leur temps, mais Ballard leur permet d’entrer dans la vie et les environs des temps modernes.

Monica J. Beasley

À l’insu de ses spectateurs, l’œuvre de Monica J. Beasley ne se limite pas aux jolies couleurs et aux textures délicates. La féminité inhérente aux pastels qu’elle utilise est censée évoquer les sentiments de féminité et de délicatesse, mais il y a une histoire derrière l’évidence que les femmes sont censées être délicates et délicates. De manière générale, quand les femmes noires ont-elles eu ce luxe? L’histoire américaine n’a pas permis aux femmes noires de luxe d’assister à ses caprices dans la dentelle et les satins qui sont offerts à d’autres de son sexe. Les collages floraux créés par Beasley pourraient rappeler au reste de la société que les femmes noires ne sont pas simplement les mules de ce monde. Comme les femmes de toute autre croyance, elles méritent d’être traitées comme des femmes. Il n’a jamais été son choix de trouver ou non un emploi comme ses homologues blancs, la majorité des femmes noires aux États-Unis ont toujours travaillé. Parfois, elle mérite de beaux et délicats rappels de sa féminité. Et Beasley offre, ne serait-ce qu’esthétiquement, ce rappel.

Genesis Tramaine

Genesis Tramaine manipule le visage noir pour évoquer les émotions et les rencontres des noirs. La peintre expressionniste urbaine utilise des coups de pinceau bruts pour illustrer la psyché afin de comprendre le fonctionnement interne de ses sujets noirs. Inspirées des graffitis des années 1980 et des hymnes gospels, les récits qu’elle induit dans ses portraits imaginés de la vie intérieure noire parlent de la complexité de l’existence noire. Visiblement encouragé par Jean Michel Basquiat, Tramaine reprend les marques maniaques mises en évidence dans les orifices du visage et insère des histoires que l’on n’aura peut-être jamais le courage de parler. Les allées et venues du subconscient sont évidentes dans les portraits qu’elle peint avouant la complexité et les conflits de l’animation noire. Les histoires qu’elle raconte ne sont peut-être pas cohérentes pour tous, mais ceux qui vivent la vie comprennent la difficulté d’articuler non seulement la double conscience, mais le triple danger qu’est le sort des femmes noires.

Ruby Onyinyechi Amanze

Les œuvres sur papier de Ruby Onyienyechi Amanze laissent place à l’imagination pour explorer à l’infini. Les figures créées par Amanze semblent fracturées et, par nature, ne prennent pas beaucoup de place sur le papier. Fragmentaires, elles flottent dans un espace blanc malléable attendant d’être discernées par le spectateur. En y regardant de près, les détails et la texture peuvent témoigner de la complexité de la vie, peut-être de la complexité de l’existence féminine noire. Les figures qu’elle évoque dans des étreintes parfois intimes rendent la sensualité des expériences de vie mais invoquent une déconnexion à un autre niveau. D’une part, les œuvres d’art tentent de prendre de l’espace et, en même temps, n’en ont pas la capacité. Les figures décousues abstraitement placées dans les paramètres de la toile demandent une certaine harmonie. Mais peut-être que cela ne devrait pas être attendu. Des préoccupations plus élevées de sécurité et de confort sont révélées dans le travail, demandant des conjectures et du réconfort dans des temps toujours agressifs.

Ann ”Sole Sister » Johnson

Inspirée par ses rêves, Ann Johnson dépeint le chagrin des Noirs qui ne sont pas reconnus par la culture populaire pour leur souffrance. Comme Sandra Bland, de nombreuses femmes noires sont victimisées mais ne sont pas reconnues comme des victimes par des croyances de longue date selon lesquelles elles peuvent intrinsèquement endurer plus de douleur que leurs homologues. Johnson explore ces questions au sein de la communauté noire à travers une gravure expérimentale. En utilisant des techniques mixtes, elle attire l’attention sur les traumatismes des femmes noires tout en explorant les récits de cette sous-classe noire. Faisant des supports inattendus comme le coton, les plumes ou les légumes ses toiles, Johnson utilise la gravure pour y appliquer des images suggérant la fragilité des sujets qu’elle dépeint. La ténacité des toiles avec lesquelles elle travaille parle de l’endurance d’un peuple, suffisamment tolérable pour être emmené au bord de l’autodestruction mais incapable de résister à une oppression constante. La fragilité de ses toiles témoigne du fondement sur lequel reposent ses sujets.

Tracy Murrell

Célébrant la beauté et la grâce, Tracy Murrell prend des silhouettes de femmes et les applique sur du papier à motifs afin de créer une harmonie essentielle pour exister dans ce monde en tant que femme de couleur. Inspirée par l’équilibre et l’élégance des femmes, Murrell répète des poses pour familiariser le spectateur avec ses sujets, puis les surprend avec les motifs qu’elle combine pour créer une cohérence. Le manque de traits sur ses sujets permet aux silhouettes d’être accessibles à n’importe quelle femme, se prêtant à une multitude. En réponse, ces silhouettes inspirent la méditation, permettant au spectateur de réfléchir. Modestes dans leur posture, les œuvres offrent une alternative aux vues stéréotypées des femmes de couleur comme bruyantes et hypersexuées. Les silhouettes au-dessus des décors décoratifs perturbent les positions contemplatives de ses sujets mais les harmonisent avec l’agitation. Murrell offre une alternative aux interprétations typiques qui dépeignent les femmes de couleur comme autre chose que contemplative, sûre et belle.

Uruba F. Slaughter

Quand les chiffres ne suffisent pas et qu’il n’y a pas de mots pour guérir la souffrance, l’abstraction est utilisée à sa place. Le massacre d’Uruba a dépassé un anévrisme grâce à la peinture abstraite. Ses textures personnalisées dépeignent la souffrance de celui qui souffre mais qui est prêt à surmonter la souffrance de l’humanité pour voir la beauté. Les toiles colorées et contrastées qu’elle crée représentent l’obscurité pour éclairer l’artiste a enduré. Et la texture raconte la lutte qu’il a fallu pour y arriver. Ses toiles crient au soulagement des douleurs de la vie ordinaire comme de celles des circonstances extrêmes. La simplicité et la complexité des toiles qu’elle crée parlent de la vie comme de la mort. Le morbide et la lumière. La douleur et la beauté. Lorsque les chiffres ne suffisent pas à décrire les circonstances de la vie, les couleurs placées avec de la texture sur une toile peuvent être la seule chose qui reste pour raconter le courage qu’il faut surmonter. Les toiles de Slaughter convainquent du soin minutieux que l’artiste peut apporter à délivrer ce message.

Sherry Shine

Artiste de courtepointe, Sherry Shine invoque les traditions des créations textiles africaines pour parler des expériences particulières des femmes afro-américaines. Les couleurs vives qu’elle utilise pour transmettre les récits des femmes noires racontent les relations intimes que les femmes noires créent dans un système de domination oppressant. Ses sujets peuvent être imaginés, mais les histoires de sororité et d’amour représentées dans ses courtepointes témoignent de la vie réelle de femmes qui, outre des conflits durables, prennent des moments à vivre. Shine construit des images qui lient platoniquement et dans l’amour romantique. Même lorsque les femmes noires ne sont pas présentes dans son travail, leurs traces sont laissées dans les vêtements d’une corde à linge ou les palettes de couleurs rythmées qu’elles inspirent. Sans utiliser de peinture pour représenter les intérieurs colorés des femmes noires, Shine utilise la tradition de la courtepointe pour représenter l’humanité de la vie et de l’amour noirs. Les courtepointes de Shine témoignent de la beauté et de la puissance de la mystique féminine noire.

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Shantay Robinson, boursière résidente de BAIA a participé au Programme de mentorat des écrivains d’art de Burnaway, à la Bourse Éditoriale New New South de l’Université Duke et au Programme de mentorat des Critiques d’art de la Fondation CUE Art. Elle a écrit pour Burnaway, ArtsATL, ARTS.NOIR, AFROPUNK, Nombre, Inc. et le journal de la ville de Washington. Tout en recevant une maîtrise en écriture du Savannah College of Art and Design, elle a été doctorante au High Museum of Art. Elle travaille actuellement sur un doctorat en écriture et rhétorique à l’Université George Mason.

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