Groupe AES+F

Considéré comme l’un des groupes d’art les plus réussis et les plus célèbres aujourd’hui, AES +F a des expositions partout dans le monde. Les installations et projets multimédias de Tatyana Arzamasova, Lev Yevzovich, Evgeny Svyatsky et Vladimir Fridkes sont principalement consacrés à la culture mondiale et à l’analyse des valeurs modernes.

Leur film d’installation « Inverso Mundus” (« monde inversé” en latin) a été présenté à la Biennale de Venise et fait toujours le tour des musées du monde entier.

Ivan Aivazovsky

Personne ne peint la mer comme Ivan le pourrait ! Le peintre Aivazovsky était vénéré comme l’un des artistes les plus prolifiques, créant plus de 6 000 paysages marins. Les historiens de l’art et les critiques d’art considèrent l’œuvre « La mer Noire » comme son grand opus, le résultat de la réflexion de l’artiste sur sa vie et sa carrière.

Yuri Albert

Albert’s famous artworks with text often become Internet memes, while his retrospective exhibition, « What did the artist mean by that? »au Musée d’Art moderne de Moscou, est resté dans un état de changement permanent tout au long de sa durée. C’est ce qu’est Yuri Albert. À l’âge de 15 ans, cet artiste conceptualiste s’est retrouvé dans l’atelier de Komar et Melamid, sous l’influence desquels il a commencé à créer des œuvres qui repensent l’essence de l’art moderne.

L’astuce préférée d’Albert est de prendre une œuvre bien connue, de la changer et de la transformer en la sienne, tout en s’engageant dans une polémique avec l’original. Prenons, par exemple, sa série d’œuvres marquantes dans lesquelles l’artiste se compare ironiquement à des stars de l’art internationales.

Leon Bakst

Le domaine public le succès des célèbres saisons russes de Sergei Diaghilev à Paris était en grande partie dû à Bakst. Ses décors et ses esquisses de costumes pour les productions des Ballets russes devinrent une sensation à part entière : ils furent même exposés au Louvre, tandis que le style orientaliste de Bakst mit à la mode à Paris les turbans, les pantalons larges et les perruques colorées.

Andrey Bartenev

L’excentrique Bartenev s’est fait un nom dans les années 1990: ses costumes faits de tous les matériaux disponibles, ainsi que ses performances et installations, sont devenus un symbole de l’époque.

Depuis, il est devenu connu comme « un maître de l’outrancier », une fête individuelle et une performance ambulante: Bartenev se distingue dans la foule grâce à ses costumes bizarres et brillants. Ils continuent d’être sa façon d’explorer le monde ou de repenser des intrigues familières.

Ely Bielutin

L’artiste d’avant-garde Bielutin avait une réputation d’expérimentation et de mystification. Il a créé un studio à Moscou et une sorte d’école appelée New Reality, qui a réuni plus de 3 000 artistes. En 1962, des œuvres des artistes abstraits de son atelier ont été exposées au hall d’exposition Manezh à Moscou.

L’exposition a été visitée par le Secrétaire général du Parti communiste Nikita Khrouchtchev, qui détestait ce qu’il voyait, le décrivant comme « un gâchis ». Après cela, la nouvelle réalité a été pratiquement interdite, Bielutin devenant un reclus et n’affichant ses œuvres presque qu’après la perestroïka.

Victor Borisov-Musatov

Borisov-Musatov était un symboliste, qui s’est spécialisé dans la peinture de vieux manoirs délabrés, de salons de thé dans les jardins et de membres de la noblesse russe au tournant du siècle dernier. Ils disent qu’en tant que représentant de l’âge d’argent, il a essayé de capturer « le monde en voie de disparition » et les derniers échos d’une époque sortante.

« La piscine » a été le point de départ de sa reconnaissance en tant qu’artiste symboliste: le tableau représente sa sœur et sa mariée assises près d’un étang de maison de campagne. La photo est devenue son cadeau de mariage à sa femme et son premier succès significatif.

Karl Bryullov

Bryullov était l’un des meilleurs portraitistes de son temps. Il a peint des portraits officiels et privés de l’aristocratie russe, a assisté à des réceptions impériales et a connu Alexandre Pouchkine.

Mais tout cela est venu après 12 ans de vie en Italie, dont six années passées par Bryullov à travailler sur son œuvre monumentale « Le Dernier Jour de Pompéi ». Pour cela, l’artiste a reçu le Grand Prix à l’Exposition de Paris et une reconnaissance en Europe et en Russie.

Vladimir Borovikovsky

Il a peint l’aristocratie russe, y compris l’empereur, mais est plus connu pour ses portraits de jeunes filles, qui sont exposés non seulement à la Galerie Tretiakov à Moscou, mais aussi au Louvre à Paris. La marque de fabrique de Borovikovsky était sa capacité à exprimer la sensualité distincte de ses modèles.

Grisha Bruskin

In the Soviet Union, his works were rejected, and he found recognition only with the start of perestroika. En 1988, lors de la première et unique vente aux enchères de Sotheby’s en URSS, son « Lexique fondamental » a été vendu à un collectionneur occidental pour un montant record (alors) de 416 000 dollars (à la suite d’un interrogatoire par le KGB, prédécesseur du FSB). Quelques semaines plus tard, Bruskin était en Amérique et son travail a depuis été exposé dans les musées les plus célèbres du monde.

‘Le Lexique fondamental’ est une série de toiles dans lesquelles de nombreuses figurines en plâtre – pionniers, athlètes, prolétaires, membres du Komsomol – portent les emblèmes de la culture soviétique officielle, le code visuel de l’agitation et de la propagande de masse soviétiques.

David Burliuk

Burliuk a été reconnu comme « le père du futurisme russe » en Russie et à l’étranger, en particulier à New York, où il s’est installé en 1922 et a été actif dans les cercles pro-soviétiques. Burliuk promeut le futurisme et le cubisme par tous les moyens à sa disposition : il publie un magazine, imprime des brochures, écrit des poèmes et des critiques et peint.

Un véritable succès lui est venu avec son « Portrait de Mon oncle », le seul tableau de Burliuk pour lequel il a réussi à trouver un acheteur dans presque toutes les villes. C’est devenu son manifeste du cubo-futurisme. « L’artiste a créé rapidement dans un hôtel, en collant des coupures de journaux sur un visage déchiré par un angle, qui avait trois yeux, deux nez, etc. », se souvient son ami et collègue artiste Evgeny Spassky.

Erik Bulatov

Bulatov a été l’un des fondateurs de Sots Art, avec Komar et Melamid. Ses expositions personnelles ont lieu dans les principaux musées et galeries du monde entier.

 » L’espace est la liberté « , disait Bulatov. Littéralement, « Gloire au PCUS » est un slogan soviétique sur fond de ciel bleu. Métaphoriquement, c’est la liberté qui s’infiltre même à travers la grille de l’idéologie communiste.

Marc Chagall

L’un des leaders de l’avant-garde russe, Marc Chagall a créé son style unique et inimitable. Son œuvre la plus célèbre représente tout ce que l’artiste avait à ce moment de sa vie: lui-même, sa femme et muse éternelle Bella et les maisons de son Vitebsk natal.

Cette composition resté avec Chagall en émigration en France aussi, sauf qu’il s’est remplacé lui-même et sa femme avec un couple de jeunes mariés, et Vitebsk avec Paris.

Olga Chernysheva

Chernysheva est l’un des artistes russes les plus recherchés au niveau international d’aujourd’hui. Ses peintures, vidéos, graphiques et photographies ont été présentées à plusieurs Biennales de Venise et sont exposées dans des musées de Vienne à New York.

Elle est étrangère à la monumentalité et s’inspire des petits artefacts de la vie: des événements banals, comme une chanson dans le métro ou des sans-abri dormant sur un banc. Elle utilise ces scènes quotidiennes pour créer une image (et très intime) de la Russie moderne.

Ivan Chuikov

Un autre héros de l’underground artistique soviétique, Chuikov est fasciné par l’idée de combiner illusion et réalité, différents styles et langages. C’est ainsi que sa série « Windows… » est née. Par exemple, dans son profil « romain », on peut déchiffrer le célèbre portrait de Federico da Montefeltro de Piero della Francesca. Mais pour Chuikov, ce n’est qu’une silhouette et un point rouge. Qu’est-ce que c’est vraiment? Le soleil ? Ou un viseur laser à point rouge pointant vers le temple d’un classique ridiculisé par le postmodernisme?

Les œuvres de Chuikov se trouvent au Centre Pompidou, au Musée d’Art Zimmerli, au Musée russe et à la Galerie Tretiakov.

Aleksandr Deyneka

Cette figure majeure de l’art officiel soviétique était l’un des piliers du réalisme socialiste, célébrant la bonne santé, le sport, le travail et le nouveau mode de vie soviétique. Il a poli ce style à la perfection: ses hommes et ses femmes forts et gonflés sans relâche, et avec le sourire aux lèvres, défendent les villes, travaillent dans les usines et glorifient le parti.

Les contemporains de Deyneka l’idolâtraient ou le détestaient : là où il dépeignait l’héroïsme au nom du communisme, d’autres voyaient la privation et le manque de choix. Après tout, ses projets utopiques ont été créés dans un contexte de pauvreté de masse et de représailles.

Elena Elagina et Igor Makarevich

Ce duo de conceptualistes moscovites, déjà considérés comme des légendes vivantes de l’art contemporain, expérimente la création d’utopies sociales à l’aide de personnages fictifs.

L’un des plus complexes et des plus longs d’entre eux, le projet  » Homo Lignum « , est toujours en cours. Il raconte l’histoire d’un humble comptable, Nikolai Ivanovich Borisov, qui a un désir maniaque de devenir un arbre.

Aleksandra Ekster

Ekster était l’une des « Amazones de l’avant-garde » et un incontournable de toutes les grandes expositions du nouvel art du début du XXe siècle. En 1907, elle part quelque temps pour Paris, où elle se lie d’amitié avec Pablo Picasso, Fernand Léger, Guillaume Apollinaire et bien d’autres, après quoi elle commence à promouvoir leurs œuvres chez elle, aidant les artistes d’avant-garde russes à adapter leurs techniques à leur travail.

Ekster elle-même était une adepte du futurisme et, plus précisément, de sa forme russe particulière, le cubo-futurisme. Elle a illustré des magazines futuristes, conçu des décors de théâtre, des costumes, des oreillers et même un uniforme pour l’armée rouge. Mais en 1924, elle se rend à la Biennale de Venise et ne revient jamais en Russie.

Semen Faibisovich

Maître du photo-réalisme, Faibisovich peint principalement Moscou. De plus, il choisit comme sujet les caractéristiques les moins attrayantes de la ville: cours minables, friches, kiosques, chiens errants, travailleurs invités, sans-abri, passants ordinaires. Pourtant, c’est exactement pour cette raison que les œuvres de Faibisovich sont censées capturer la nature insaisissable du temps. Et ils sont vendus à plus de 400 000 $ par les plus grandes maisons de vente aux enchères au monde.

20. Nicolai Fechin

Ayant rejeté la Révolution, Fechin a émigré aux États-Unis en 1923, où il vécut heureux pendant 30 ans. C’est pourquoi il y a tant de ses œuvres dans des musées américains et des collections privées à l’étranger.

Cependant, avant de quitter la Russie, il a réussi à créer l’une de ses peintures les plus significatives, le portrait d’une jeune Varya Adoratskaya, qui est souvent comparée à la « Fille aux pêches » de Serov.

De nos jours, Fechin est parmi les artistes russes les plus chers: en 2010, sa toile a été vendue 11 millions de dollars lors d’une vente aux enchères chez MacDougall.

Pavel Fedotov

Dans l’Empire russe, le mariage n’était souvent pas pour l’amour. La société ne regardait pas favorablement les mariages inégaux, mais beaucoup de gens au milieu du XIXe siècle considéraient toujours cela comme un excellent moyen d’améliorer leur situation financière et leur statut social. C’est ce dont parle l’une des peintures les plus célèbres d’un artiste de premier plan du genre, Fedotov.

Dans son le temps, l’image a fait sensation: un marchand marie une fille à un officier en faillite; l’époux recevra une dot, tandis que le marchand deviendra apparenté à la noblesse.

Konstantin Flavitsky

Comme de nombreux artistes du 19ème siècle, Flavitsky a passé du temps à étudier en Italie et est connu pour un seul chef-d’œuvre.

Son précédent les peintures ont été rejetées par les critiques comme « une imitation de Bryullov », mais l’artiste a tout de même réussi à laisser une trace dans l’histoire. La mort réelle de la princesse Tarakanova (son vrai nom reste inconnu), qui prétendait être la fille de l’impératrice Elizabeth, n’était pas exactement comme représentée – elle est morte prisonnière politique, sauf dans une inondation, mais de tuberculose. Non pas que cela importait particulièrement: « La princesse Tarakanova » est devenue le triomphe de Flavitsky. Cependant, peu de temps après avoir créé le tableau, il mourut de consommation, qu’il avait contractée en Italie.

Pavel Filonov

Avant – l’artiste de la garde Filonov se considérait comme un communiste de bout en bout et croyait que le peuple avait besoin de son art. Il a utilisé le terme « art analytique » pour décrire ses images multidimensionnelles et a refusé de vendre ses œuvres à qui que ce soit. C’est ce qui l’a finalement tué: pendant le siège de Leningrad, il s’est assis dans un grenier glacé gardant ses peintures et a développé une pneumonie qui l’a tué.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. Cependant, il était convaincu que c’était le moyen de trouver de vraies émotions et des significations dans des intrigues bien connues.

Ge a peint son célèbre « Golgotha  » un an avant sa mort. « Oui, cette peinture me tourmentait terriblement », a-t-il écrit à son ami Léon Tolstoï. « Hier, j’ai trouvé la dernière chose dont j’ai besoin, une forme assez vivante. J’ai trouvé un moyen de représenter le Christ et les deux voleurs ensemble sur le Golgotha, sans les croix… En un mot… trois âmes vivantes sur la toile. Je pleure moi-même quand je regarde cette photo. »

Natalia Goncharova

Goncharova, avec son mari Mikhail Larionov, faisait partie des pionniers de l’avant-garde russe. À partir de 1914, elle travaille sur les Saisons russes de Diaghilev à Paris, où elle reste jusqu’à sa mort en 1962.

Aujourd’hui, ses œuvres se trouvent dans les plus grandes collections d’art du monde, dont la Tate Modern à Londres et le Centre Pompidou à Paris. En 2010, Christie’s a vendu son tableau pour 9 millions de dollars, ce qui en fait l’artiste féminine la plus chère (à l’époque) de l’histoire.

Théophane le grec

L’un des principaux peintres de la Vieille Rus’, Théophane le grec, est le créateur de l’un des objets les plus sacrés du christianisme orthodoxe russe. Son icône de la Vierge avec l’enfant Christ dans ses bras est considérée comme miraculeuse: selon la légende, elle aidait souvent dans les batailles.

Cette image, comme la « Trinité » d’Andrei Roublev, est devenue une partie du code culturel russe.

Dmitri Gutov

Gutov appartient à la génération d’artistes qui ont pris leur essor au début des années 1990. Il crée de nouvelles lectures d’objets canoniques dans la culture, la langue russe, les icônes russes et l’art classique dans la conviction que leur essence peut être transmise en quelques minutes. Ses objets d’art les plus reconnaissables sont des panneaux métalliques avec une version de Rembrandt et des icônes russes anciennes. Une fois que le spectateur se déplace un peu sur le côté, l’image est déformée. L’idée est que cette distorsion passe par toutes les étapes du développement du 20ème siècle, du cubisme à l’expressionnisme en passant par l’abstraction.

La liste des lieux d’art où l’artiste a déjà exposé est pratiquement infinie, de la Biennale de Venise et de Sydney à la Documenta de Kassel en passant par le Musée Guggenheim.

Alexander Ivanov

Ivanov était un artiste proche de l’empereur. Il était particulièrement connu pour ses peintures inspirées par des intrigues bibliques et mythologiques. La Société des artistes a même financé son voyage en Italie « pour de nouvelles améliorations ».

Ivanov n’est revenu d’Italie qu’après avoir terminé son opus principal sur l’apparition du Messie. Il lui a fallu 20 ans et 600 croquis. L’immense toile a été achetée et apportée à Saint-Pétersbourg par l’empereur Alexandre II. Pour accueillir le tableau, un bâtiment dédié a dû être construit.

Francisco Infante

Né en Russie dans la famille d’un émigré politique espagnol, Infante est devenu le représentant le plus célèbre du land art russe et de l’art cinétique. L’artiste appelle ses installations abstraites des « artefacts » – il place des miroirs et des structures en mouvement dans des paysages naturels, faisant de la nature une partie intégrante d’une œuvre d’art.

Infante est considéré comme un successeur des traditions de l’avant-garde russe, en particulier Malevich et Tatlin. Ses œuvres se trouvent dans plus de 30 musées et collections privées à travers le monde.

Alexej von Jawlensky

Un artiste expressionniste qui est né et a grandi en Russie, mais est devenu célèbre en Allemagne. Fan de Van Gogh, Gauguin, Cézanne et Matisse, ami proche et allié de Wassily Kandinsky, Jawlensky était proche de l’abstraction, mais restait quelque part à la frontière entre celle-ci et l’art figuratif. La plus grande collection de ses œuvres se trouve à Wiesbaden.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Avec ses collègues artistes – Malevich, Chagall, Goncharova, Larionov et d’autres – il s’est impitoyablement détaché des traditions de la peinture réaliste.

Sa « Composition VII  » est considérée comme l’apogée de son travail dans la période d’avant la Première Guerre mondiale. Pouvez-vous y distinguer la Résurrection, le Jour du Jugement, le Déluge et le Jardin d’Éden ? C’est ce qu’y décrivait Kandinsky, selon ses notes.

Ilya et Emilia Kabakov

Les Kabakov sont les principales stars de l’art soviétique non officiel et de la scène artistique moderne. Grâce à Ilya et Emilia, le conceptualisme moscovite est devenu le mouvement artistique russe contemporain le plus célèbre au monde. Le couple vit à Long Island à New York depuis la fin des années 1980 et expose au Museum of Modern Art de New York, au Centre Pompidou à Paris, à la Tate Gallery de Londres et au Musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Dans En 2008, « The Beetle » a battu un record de prix: il a été vendu pour 2,6 millions de livres (près de 6 millions de dollars) et l’œuvre de Kabakov est devenue la plus chère des artistes russes vivants. Ils sont depuis restés en tête de cette liste.

Orest Kiprensky

Lorsque Kiprensky a terminé le portrait du grand poète Alexandre Pouchkine, ce dernier lui a dédié un poème qui disait: « Ainsi, à partir de maintenant, mon regard sera connu à Rome, Dresde et Paris. »

La prophétie du poète s’est avérée juste. Le portraitiste Kiprensky, qui en Occident a été comparé à Rembrandt et Rubens et parfois même confondu avec eux, a créé ce qui est devenu la représentation la plus célèbre de Pouchkine dans la culture populaire: c’est à quoi ressemble le grand poète en Russie et dans le reste du monde.

Ivan Kramskoï

Il n’a toujours pas été établi qui est cette jeune femme, représentée par l’idéologue des artistes « Russes Peredvizniki”. Kramskoi a choisi de garder le secret et n’a pas révélé son identité, même dans les journaux intimes et les notes trouvés après sa mort. De nos jours, l’un des portraits les plus emblématiques de l’art russe est surnommé « la Joconde russe ».

Konstantin Korovine

Représentant éminent de « l’impressionnisme russe », Korovin s’est inspiré de la ville de Paris et y a peint nombre de ses meilleurs paysages. Il n’est donc pas surprenant qu’il ait connu un énorme succès en France: il y est décoré de la Légion d’Honneur et reçoit des médailles d’or et d’argent pour ses œuvres.

Après la Révolution russe, l’artiste décide de fuir le pays des Soviets : il trouve la politique du nouveau gouvernement oppressive. En 1922, il a reçu l’autorisation de partir – pour un traitement médical et la tenue d’une exposition personnelle – mais n’est jamais revenu. Sans surprise, il s’installe à Paris.

Alexander Kosolapov

Coca-Cola a promis de détruire Kosolapov. Il a attiré l’attention du FBI, ses expositions en Russie ont été annulées et certaines de ses œuvres ont même été jugées. Sa méthode consiste à combiner des choses qui ne peuvent pas être combinées, comme, par exemple, le profil de Lénine avec le logo de la célèbre entreprise.

En effet, l’art de Kosolapov est provocateur et souvent scandaleux, mais cela ne l’empêche pas de rester un maître respecté de l’Art Sots (la version soviétique du pop art), dont les œuvres se trouvent dans les collections des meilleurs musées du monde.

Irina Korina

Pour Korina, participant au projet principal de la Biennale de Venise 2017, même les détails les plus insignifiants de la vie quotidienne, de l’illumination des rues de Moscou aux couronnes funéraires en passant par les filets d’échafaudage, sont un sujet de réflexion. Elle est décrite comme une maîtresse de l’installation totale. Les dernières expositions personnelles de Korina ont eu lieu à la fondation GRAD à Londres, à la Brooklyn Academy of Music à New York et au festival Steirischer Herbst à Graz, en Autriche.

« La queue remue la Comète », une immense tour de trois étages, est apparue au musée du garage de Moscou et est devenue une collection de citations de sa carrière.

Piotr Konchalovsky

Il est connu comme « le principal Cézanniste russe », le principal « impressionniste russe » et l’un des artistes russes les plus « chers” aux enchères internationales. Bien qu’ayant beaucoup emprunté aux artistes français, Konchalovsky a néanmoins réussi à trouver son propre style, que les critiques occidentaux ont souvent qualifié de « slave ».

Chez eux, les contemporains de Konchalovsky rejetaient tellement son art qu’ils refusaient même d’exposer leurs œuvres à côté du sien. Pourtant, lorsqu’en 1924, l’URSS participe pour la première fois à la Biennale de Venise, ce sont les peintures de Konchalovsky – 13 d’entre elles – qui sont exposées au pavillon soviétique.

Vitaly Komar &Alexander Melamid

Les principaux « trolls » de l’art officiel soviétique ont créé leur propre genre unique d’art Sots, l’équivalent soviétique du pop art. Ils ont fabriqué des côtelettes à partir du porte-parole soviétique, le journal Pravda, se sont représentés comme Lénine et Staline, ont signé les principaux slogans soviétiques avec leurs noms et ont placé Lénine contre le logo McDonalds.

Même après avoir quitté l’URSS, les artistes n’ont pas arrêté leur pêche caustique à la traîne. La liste de leurs cibles comprenait Andy Warhol (qu’ils appellent « un idiot ») et Gerhard Richter (« c’est ainsi qu’un animal peignerait si on lui donnait un pinceau »).

Valery Koshlyakov

Les peintures de Koshlyakov ont un certain nombre de caractéristiques distinctives frappantes: elles sont presque toujours peintes sur du carton ondulé texturé et presque toujours ses paysages urbains « coulent » sur la surface de la toile. Images du passé, ruines, mythologie grecque, mémoire – ce sont ses personnages d’actualité intemporels.

Koshlyakov vit actuellement à Paris et est très demandé : il a exposé au Louvre, au Musée Guggenheim, à la Biennale de San Paolo et à Venise. Pourtant, même ces jours-ci, il aime rappeler avec ironie que sa première exposition a eu lieu dans des toilettes publiques de la province.

Geliy Korzhev

Korzhev, en plaisantant, se qualifiait lui-même de « vieux réaliste socialiste ». Les critiques d’art l’ont qualifié de « représentant du style austère ». Pourtant, l’art de Korzhev a dépassé ces frontières: bien qu’il ait occupé des postes assez élevés au sein de l’Union des artistes soviétiques, il a réussi à échapper aux commandes politiques dans une sphère sensuelle, parfois surréaliste. C’est avant tout un artiste d’une forte émotion humaine, pour lequel la guerre, la révolution et les « projets de construction du siècle » soviétiques n’étaient qu’un arrière-plan.

Arkhip Kuindzhi

Il a souvent été accusé d’employer divers stratagèmes, comme l’utilisation d’appareils cachés pour éclairer ses peintures. Inversement, ses sympathisants l’appelaient « le Monet russe » pour son travail magistral avec les couleurs. Sa « Nuit au clair de lune… » avec le clair de lune reflété dans le fleuve Dniepr est devenue une sensation. D’autant plus que c’était la première fois dans l’histoire de l’art russe qu’une exposition consistait en une seule œuvre.

Son succès a été tel que Kuindzhi s’est exilé volontairement pendant 30 ans: les critiques n’ont pas accepté les œuvres qui suivaient ‘Moonlit Night…’, et l’artiste a longtemps lutté avec elle.

Boris Kustodiev

La saveur nationale, des samovars et des foires aux femmes de métier dodues en robes colorées, est ce qui a attiré Kustodiev et l’a distingué des autres artistes de son temps. Il est le seul artiste russe à avoir remporté une médaille d’or à la Biennale de Venise.

 » La Beauté « , représentation de la femme d’un marchand russe, est devenu son manifeste et le résultat d’une recherche d’un style unique. « Les femmes minces n’inspirent pas la créativité », disait-il. L’artiste a créé cette œuvre et d’autres œuvres célèbres alors qu’il était déjà paralysé – il avait subi plusieurs opérations de la moelle épinière.

Oleg Kulik

« Mad Dog » était la première performance d’Oleg Kulik : nu, il rampait à quatre pattes et attaquait les passants. Son personnage principal est devenu l’un des symboles des années 1990 folles, et Kulik – l’un des fondateurs de l’art d’action de Moscou.

Plus tard, l’artiste a essayé lui-même dans une variété de styles et de techniques, de la sculpture à la peinture, et continue d’expérimenter jusqu’à nos jours. Ses œuvres se trouvent au Centre Pompidou à Paris et à la Tate Modern à Londres.

Mikhail Larionov

A personne ne perçoit pas un objet mais un amas de rayons provenant d’une source de lumière et réfléchis par cet objet – c’est ainsi que Larionov a expliqué le rayonisme, un mouvement d’art abstrait d’avant-garde qu’il avait inventé.

Dans le même temps, Larionov lui-même a constamment équilibré entre l’art figuratif et l’art abstrait, et a laissé un héritage assez diversifié. Il était marié à « l’Amazone de l’avant-garde », Natalia Goncharova, mais, contrairement à sa femme, en émigration en France depuis les 30 dernières années de sa vie, il n’a rien créé de significatif.

Aristarkh Lentoulov

Lentoulov jonglait hardiment avec différents styles: ses œuvres étaient désormais influencées par les symbolistes et les impressionnistes, maintenant par les cubistes et les abstractionnistes. Mais il a été l’un des premiers à construire son art autour de la couleur, plutôt que d’un objet.

La galerie Tretiakov

les couleurs tumultueuses de ses différentes œuvres lui ont valu le surnom d' » artiste du soleil ». Pour ne donner qu’un exemple révélateur de la vie de Lentoulov: à l’anniversaire de la Révolution d’octobre, il a peint les arbres et la pelouse de la place Teatralnaya (à côté du Kremlin) dans une couleur pourpre violente.

El Lissitzky

Ceci c’est à quoi ressemble une affiche de propagande si elle est créée par un fervent partisan du suprématisme. Le triangle rouge symbolise l’Armée bolchevique rouge, qui écrase les défenses de l’Armée blanche impérialiste avec un coin.

El Lissitzky était un associé de Malevitch et a contribué au développement des idées de l’art d’avant-garde. Par exemple, c’est grâce à lui que le suprématisme a fait son chemin dans l’architecture.

Isaac Levitan

Levitan était amoureux de la campagne russe et est devenu un maître du « paysage d’humeur ». En fin de compte, c’est ce qui lui a permis d’être membre de l’Académie des Arts. L’artiste juif a dû faire un long chemin pour obtenir cette distinction: certains professeurs de Levitan pensaient qu’un Juif ne devait pas toucher au paysage russe, car seuls les artistes russes ethniques pouvaient représenter la nature russe. De plus, Levitan a été expulsé de la capitale, par un décret royal, parce qu’il était juif.

Encore, le temps a tout réglé: il y a une opinion largement répandue selon laquelle « Au-dessus de la Paix éternelle » est « la plus russe » de toutes les peintures sur le thème russe.

Dmitry Levitzky

Ici est un autre maître du portrait officiel du 18ème siècle. Son talent se manifeste par l’illustre cercle de ses sitters, de l’impératrice Catherine la Grande au philosophe français Denis Diderot en passant par Prokofiy Demidov, magnat des mines.

Demidov avait la réputation d’un magnat instruit et d’un excentrique. Par exemple, une fois qu’il a acheté toute la fibre de chanvre à Saint-Pétersbourg habituellement réservée aux Britanniques pour leur donner une leçon, qui lors de son séjour en Angleterre l’avait forcé à payer un prix exorbitant pour une marchandise dont il avait besoin. Et pour son portrait officiel, Demidov a choisi de ne pas porter son uniforme avec toutes ses récompenses, mais une robe de chambre et un bonnet de nuit…

Kazimir Malevitch

Malevitch est le principal symbole de l’avant-garde russe, tandis que son « Carré noir » est un manifeste pictural du suprématisme. Malevich croyait qu’après le suprématisme, il n’y avait pas d’art, alors il a suggéré de brûler toutes les peintures et d’exposer leurs cendres dans des musées. Tragiquement, c’est ce qui s’est partiellement passé dans les premiers mois après la révolution bolchevique de 1917.

Filipp Malyavin

« Hollow! »C’est ainsi que l’Académie des arts de Pétersbourg a réagi au travail de fin d’études de l’expressionniste Malyavin « Rire ». Le diplômé ne désespéra pas et, deux ans plus tard, emmena ses paysannes rieuses avec lui à Paris. Là, la toile a fait sensation à l’Exposition universelle: l’artiste a reçu une médaille d’or et le tableau a été acheté par le gouvernement italien pour une galerie d’art moderne à Venise.

Inutile de dire, Malyavin est retourné en Russie une célébrité. Toute la critique du « rire » fut rapidement oubliée et en 1906, il devint membre de l’Académie.

Vladislav Mamyshev-Monroe

Maître de la réinvention, il a transformé sa vie en une performance à vie. Pratiquement le seul représentant de l’art de la parodie en Russie, Mamyshev-Monroe a exploré les personnalités de personnalités célèbres de l’histoire du monde et de la culture pop, en essayant leurs images pour lui-même.

Au cours de sa courte vie (il est décédé à l’âge de 44 ans), les artistes ont essayé une multitude de personnalités célèbres, de Marilyn Monroe et Hitler à Jésus-Christ et Lénine à Andy Warhol et Vladimir Poutine.

Konstantin Makovsky

À la fin du 19ème siècle, Makovsky était considéré comme un portraitiste à la mode et coûteux et auteur de peintures historiques. Il avait également une grande médaille d’or de l’Exposition universelle de Paris à son nom.

Pourtant, Makovsky souvent peint des images touchantes et sentimentales sur la vie rurale difficile aussi. Sa fille aux pieds nus courant avec son frère d’un orage est une véritable scène de vie observée par l’artiste lors d’un de ses voyages dans les provinces russes.

Vera Mukhina

Un parmi les principaux symboles de l’ère soviétique et de la propagande monumentale, la « Femme ouvrière et Kolkhozienne » de 24 mètres de haut a été créée pour l’Exposition universelle de 1937 à Paris. L’auteur, Vera Mukhina, voulait représenter les deux personnages nus, cependant, le parti a exigé qu’ils soient « habillés ». Ce détail, cependant, n’a pas nui à l’effet produit par le monument: les Français ont même voulu l’acheter, mais l’Union soviétique a refusé.

Vera Mukhina remplissait les commandes de l’État pour les monuments depuis 1920, mais malgré de nombreuses récompenses (elle avait quatre prix Staline à elle seule), elle n’a jamais été commandée pour réaliser des sculptures de Lénine ou de Staline. La raison en était que Mukhina n’était pas considérée comme suffisamment fiable. Au début des années 1930, elle a même été expulsée de Moscou et, après l’exposition de Paris, un ordre lui a été donné de ne jamais l’autoriser à partir à l’étranger.

Irina Nakhova

Artiste conceptuelle Nakhova est considérée comme l’auteur des premières « installations totales” de l’art contemporain russe. Au milieu des années 1980, elle change une des pièces de son appartement au-delà de toute reconnaissance, devenant ainsi à la fois l’auteur de son œuvre et un personnage vivant à l’intérieur. Ainsi, pendant plusieurs années, son appartement a servi de terrain d’essai pour ses expériences. En 2015, Nakhova est devenue la première artiste féminine à être exposée dans le pavillon russe de la Biennale de Venise.

Ernst Neizvestny

Neizvestny a créé des œuvres monumentales cela se voit aujourd’hui en Russie, en Ukraine, aux États-Unis, en Égypte, en Suède et au Vatican. Cependant, en Union soviétique, le sculpteur a été soumis à un ostracisme sévère. En raison de désaccords avec le style culturel officiel – le réalisme socialiste -, il a été malmené par les journaux, battu dans la rue et convoqué pour des discussions avec des responsables du parti. Le chef de l’État de l’époque, Nikita Khrouchtchev, a appelé ses œuvres « art dégénéré ». Ironiquement, à la mort de Khrouchtchev, sa famille a commandé la pierre tombale à Ernst Neizvestny (et il l’a fabriquée à partir de deux blocs de marbre — blanc et noir — symbolisant les contradictions internes de Khrouchtchev).

Peut-être son plus célèbre l’œuvre est « Mask of Sorrow », un monument de 15 mètres à Magadan, dédié à la mémoire des victimes de la répression politique. Il se trouve sur le site d’un camp de transit de l’époque stalinienne, d’où les prisonniers ont été envoyés dans les camps de travail de la Kolyma.

Vladimir Nemukhin

Nemukhin est l’un des représentants les plus importants de l’Art anticonformiste soviétique. Il a été expulsé de l’institut d’art pour son langage radical et a été officiellement interdit, bien qu’il jouisse d’une popularité auprès du public pendant la période du dégel de Khrouchtchev.

En 1956, il rencontre Oscar Rabin et rejoint le groupe Lianozovo. Pendant de nombreuses années, son tour préféré, sa « signature » et le sujet de beaucoup de ses œuvres étaient des cartes à jouer. Ils étaient toujours présents dans ses œuvres – comme une seule carte, par paires ou en solitaire – devenant un symbole de l’incertitude de l’avenir.

Mikhail Nesterov

L’artiste religieux Nesterov a créé l’image du « Christ russe » à travers l’image de Serge de Radonège, un saint de l’Église orthodoxe russe et ascète. Nesterov lui a consacré un énorme cycle de peintures, mais a considéré ‘La Vision à la jeunesse… son meilleur travail.

Et pourtant, Nesterov (qui était rarement satisfait de ses œuvres et les détruisait souvent) a également endommagé cette toile: il est tombé sur la photo alors qu’il repeignait le visage du jeune homme pour la centième fois.

Timur Novikov

Novikov est le fondateur et le leader de l’une des principales associations artistiques de l’art contemporain russe des années 1980 appelée New Artists. Une fois, il a exposé un bouclier en contreplaqué avec un trou dedans, appelant l’œuvre « Objet zéro ». Novikov est surtout connu pour ses applications de tissu.

Il a été crédité de continuer le travail de l’avant-garde russe dans de nouvelles réalités et avec de nouveaux matériaux. À la fin des années 1990, il expose à la Tate de Liverpool, au Stedelijk d’Amsterdam, dans des musées et galeries à Berlin, Hambourg, Paris, New York, Moscou et Saint-Pétersbourg.

Boris Orlov

Classique de l’art Sots, Orlov explore dans ses œuvres le style impérial et le phénomène d’un empire au sens le plus large. Ses œuvres peuvent représenter différentes époques historiques dans différentes cultures, mais elles tournent toutes autour d’un sujet: le système patriarcal basé sur l’idée de domination.

L’une de ses méthodes préférées est l’utilisation d’accessoires militaristes: « Parce qu’un empire a généralement un visage militaire. Et même un non militaire met un uniforme. »

Anatoly Osmolovsky

Osmolovsky est le principal artiste activiste de Russie, dont les actions, la poésie, les conférences et même les combats ont constitué une déclaration politique passionnante dans les années 1990. Il a transporté un réfrigérateur avec un buste de Lénine à l’intérieur de la Place Rouge; a disposé un mot obscène sur la même place avec les corps de ses camarades; fumé sur l’épaule de la statue de Maïakovski, et a été derrière de nombreuses autres actions et événements.

Dans 1998, lui et 300 autres militants de la rue Bolchaïa Nikitskaïa barricadée, qui mène au Kremlin, pendant trois heures, consacrant leur action à la Révolution française de 1968. Sept chefs de ce cortège ont par la suite été reconnus coupables et condamnés à des amendes.

Vassili Perov

Beaucoup de peintures de Perov ont provoqué de vifs débats parmi ses contemporains. L’artiste a peint des scènes de la vie dure des gens ordinaires. « Troïka… », représentant des enfants qui ont été amenés du village à la ville comme main-d’œuvre embauchée, est peut-être son meilleur travail sur ce sujet.

Yuri Pimenov

Pimenov était un fidèle adepte de la politique artistique du Parti communiste. Dans les moments les plus sombres des purges de Staline, il a peint des scènes idylliques de la vie quotidienne du peuple soviétique et a glorifié les ouvriers d’usine et d’usine.

Son ‘New Moscow’ ‘ est l’un des meilleurs exemples du réalisme socialiste: une femme, symbole d’une nouvelle ère, traverse Moscou en plein essor. On suppose que sa destination n’est pas un avenir moins brillant et plus beau.

Pavel Pepperstein

Pepperstein est né et a grandi dans le cercle des conceptualistes moscovites (son père est le célèbre artiste Viktor Pivovarov). C’est peut-être pour cela que son impulsion créatrice s’est nourrie dès le début. Aujourd’hui, Pepperstein est l’un des artistes russes les plus prolifiques et un écrivain célèbre.

Dans ses œuvres, il crée des mondes fictifs entiers et sa propre mythologie. Ce qui le rend particulièrement populaire parmi les intellectuels.

Kuzma Petrov-Vodkin

Il était le fils d’un cordonnier qui voulait peindre des icônes. Bien qu’il ne soit pas devenu un peintre d’icônes, l’artiste a été rendu mondialement célèbre par son image du Messie représenté comme un jeune homme sur un cheval rouge. Créé quelques années avant la Révolution russe, ce tableau est considéré comme prophétique et a de nombreuses interprétations. Selon une théorie, le cheval est la Russie, qui attendait un destin « rouge » au 20ème siècle.

Dmitri Prigov

Par éducation , Prigov était sculpteur et c’est ainsi qu’il gagnait sa vie à l’époque soviétique, bien que toute son activité créative occupée visait à devenir lui-même un « monument ». Dans les années 1970, il s’est également fait connaître comme un poète qui a transformé ses récitals en véritables performances. Ses soi-disant « boîtes », censées contenir des mots simples et des poèmes entiers, ressemblent aux boîtes de conserve de Piero Manzoni avec « De la merde d’artiste » écrite dessus. Ainsi, Prigov a assimilé les poèmes à toutes les autres sécrétions du corps.

Avec l’arrivée de la perestroïka, Prigov s’est éloigné des performances poétiques vers l’art conceptuel: il a créé de l’art graphique, des installations, des collages, croisant des idées, des mots et des pensées, « déchiffrant le génome de la culture » et de nouveaux symboles.

Vassili Polenov

L’un des principaux artistes religieux, Polenov voulait créer quelque chose d’aussi ambitieux que « L’apparition du Christ devant le peuple » d’Ivanov. À cette fin, il partit pour un voyage d’un an à travers Constantinople, la Palestine, la Syrie et l’Égypte, d’où il apporta les premiers croquis au « Christ et la Femme Prise dans l’adultère », son œuvre principale. Le voyage de l’idée à l’achèvement de la toile basée sur une scène de l’Évangile de Jean lui a pris jusqu’à 15 ans.

Lyubov Popova

Malgré sa mort très jeune (de couleur écarlate fièvre à l’âge de 35 ans avec son fils), l’artiste a réussi de son vivant à être futuriste, étudiante de Malevitch, adepte du cubisme et, enfin, constructiviste. C’est à ce titre que Popova a conçu des vêtements de travail pour des professions « révolutionnaires ».

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the « secret life of the human soul ». Selon les mots du fils de l’artiste, Pavel Pepperstein, « toute sa vie, Pivovarov a peint la pièce de l’âme », où tous les attributs extérieurs, comme la vue depuis la fenêtre, en font partie.

La principale « invention » de Pivovarov était le genre d’un album conceptuel. C’est dans ce genre qu’il a créé l’un de ses cycles les plus célèbres, « Projets pour un homme solitaire », peignant la routine quotidienne, les rêves, l’intérieur et même le ciel d’un héros, qui vit une solitude extrême. Incidemment, de nombreux téléspectateurs se reconnaissent dans la routine quotidienne du héros. « En principe, cela n’a pas beaucoup changé », explique l’artiste.

Vassili Pukirev

« Parmi ses collègues artistes et étudiants, il a laissé un souvenir chaleureux et durable, et dans l’histoire de l’art russe – une trace brillante, quoique courte », ont déclaré les contemporains de l’artiste dans sa nécrologie. En effet, Pukirev, comme un certain nombre de ses collègues, est devenu l’auteur d’un chef-d’œuvre.

‘Le mariage inégal Le mariage inégal l’a propulsé au rang des principaux peintres de genre du milieu du XIXe siècle, mais est resté le seul chef-d’œuvre de Pukirev.

Groupe de recyclage

Le groupe d’art de Andrey Blokhin et Georgy Kuznetsov de Krasnodar a été créé en 2008 et a déjà exposé trois fois à la Biennale de Venise avec des installations totales et des projets multimédias sur la réalité augmentée. Toutes leurs œuvres, d’une manière ou d’une autre, parlent de la vie d’une personne moderne à l’ère d’Internet et de divers gadgets.

‘Conversion’ est immense construction, avec des sculptures et des bas-reliefs représentant des « néo-apôtres », porteurs d’une nouvelle religion appelée « réseau mondial ».

Oscar Rabin

Rabin est le leader du non-conformisme, l’art soviétique non officiel des années 1960-1970.Ses peintures regorgent de tout ce qui a été interdit par l’art officiel soviétique — casernes, décharges, bouteilles de vodka et journaux froissés. Ils dépeignent l’autre côté, et plus grand, de la réalité soviétique brillante.

L’artiste a déclaré que tous ces déchets des banlieues étaient lui-même: « J’ai peint une image toute ma vie – mon portrait sur fond de pays. »

Nicholas Roerich

Philosophe, voyageur et artiste orientaliste au style absolument unique, Roerich a laissé un héritage composé de plus de 7 000 peintures et croquis, dont beaucoup sont aujourd’hui conservés dans les meilleurs musées du monde. Il a passé toute sa vie à voyager, d’où il a tiré ses sujets – d’une expédition dans l’Himalaya et en Inde en Asie centrale.

‘Invités from Overseas’ a été peint à Paris et raconte des voyages dans l’ancienne Russie.

Ilya Repin

Repin était très doué pour représenter la souffrance du peuple au 19ème siècle. La vie dure des transporteurs de péniches et des révolutionnaires, les scènes quotidiennes de la vie des classes inférieures, les processions populaires – tous ces sujets ont fait de lui une figure clé du réalisme russe et un artiste de l’histoire sociale. Pourtant, sa peinture la plus controversée dépeint un épisode d’une autre époque.

L’histoire d’Ivan le Terrible tuant son propre fils est si controversée (les historiens se disputent encore pour savoir si c’est vraiment arrivé ou non) que le chef-d’œuvre de Repin a été attaqué à plusieurs reprises, même du vivant de l’artiste. La dernière attaque a eu lieu en 2018, lorsqu’un vandale ivre a éclaboussé la toile de peinture.

Fiodor Rokotov

Rokotov était l’un des portraitistes les plus recherchés de la noblesse de Saint-Pétersbourg du 18ème siècle, tandis qu’Alexandra Struyskaya représentée par lui était considérée comme l’une des plus belles femmes du siècle.

L’artiste était si populaire qu’il pouvait avoir jusqu’à 50 portraits inachevés dans son appartement à tout moment. En 1763, il peint le portrait du couronnement de Catherine II.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the « father » of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

Son affiche pour Lengiz, la principale et unique maison d’édition officielle soviétique, est un exemple frappant de publicité d’avant-garde, avec toutes ses techniques préférées sous la forme de dessins géométriques et de points lumineux. En son centre se trouve une photographie de Lilya Brik, « la muse de l’avant-garde russe ».

Olga Rozanova

Dans le histoire de l’avant-garde russe, sa « Bande verte » n’est pas moins significative que le « Carré noir » de Malevitch. Cependant, au début, l’artiste et son meilleur travail sont restés dans l’ombre du suprématiste principal, et plus tard ils ont été presque totalement oubliés jusqu’à leur redécouverte dans les années 1970.

Rozanova a accompli encore plus que Malevich: elle a non seulement mis la couleur au-dessus de la forme, mais elle a également résolu avec succès le dilemme de l’arrière-plan. Sa rayure ressemble à une projection plutôt qu’à une figure sur la toile, il semble qu’elle continue au-delà du cadre. C’était la première fois dans l’histoire de la peinture abstraite que cet effet était atteint.

Andrei Rublev

Le plus artiste religieux célèbre dans l’histoire russe, Andrei Rublev a créé un standard de peinture d’icônes orthodoxes. Au 16ème siècle, ses œuvres ont été reconnues comme un modèle auquel tous les peintres d’icônes devraient aspirer, tandis que sa « Trinité » est devenue le symbole spirituel de tout l’art russe.

On sait peu de choses sur Roublev lui-même. Il était moine et a consacré toute sa vie à Dieu et à la peinture. En 1988, l’Église orthodoxe russe l’a canonisé comme saint.

Aidan Salakhova

Beaucoup décrivent l’art de Salakhova comme « féministe » et « politique » parce qu’il explore l’Orient et l’Occident, l’homme et la femme, dans une combinaison frappante de sexe et d’Islam. Les minarets phalliques en marbre et les vagins noirs de la Kaaba l’ont rendue célèbre et reconnaissable partout dans le monde.

Lors de la Biennale de Venise de 2011, son « Intercession », une sculpture d’une femme en niqab, a dû être recouverte d’un drap blanc après que le président de l’Azerbaïdjan (« Intercession » a été exposée dans le pavillon de l’Azerbaïdjan) a tenté de la censurer. Beaucoup y ont vu une énorme ironie: la sculpture était recouverte d’un voile parce que le président n’aimait pas qu’elle représente une femme voilée.

Zinaida Serebriakova

Vu son statut dans la culture populaire, ce portrait est peut-être devenu l’œuvre principale de Serebriakova. Pour beaucoup, son caractère spontané et franc en fait une incarnation de la féminité.

Lorsque le portrait a été présenté au public pour la première fois, l’artiste Valentin Serov en a dit: « Une chose très belle et fraîche. »La photo a été immédiatement achetée par la galerie Tretiakov.

Valentin Serov

Pour l’élite russe, s’asseoir pour un portrait de Serov était considéré comme un honneur. Un maître des portraits psychologiques, l’impressionniste russe Valentin Serov, a peint des compositeurs célèbres, des écrivains, des membres de la famille impériale et des princes russes.

Et pourtant , l’une de ses toiles les plus importantes et les plus célèbres est le portrait d’une fille de 12 ans, Vera Mamontova. Elle était la fille d’un grand entrepreneur et philanthrope, Savva Mamontov, mais Serov a plus tard retiré son nom du titre de l’image. Selon l’artiste, il ne peignait pas la fille d’une personne célèbre mais la jeunesse elle-même.

Henryk Siemiradzki

Pendant près de 30 ans, Siemiradzki a vécu à Rome. Il a acquis la réputation d’un des représentants les plus éminents de l’académisme européen tardif, mais pas tout de suite et pas parmi tout le monde. L’artiste ne s’intéressait qu’au monde antique avec ses mythes, ses festivités et ses orgies, pour lesquels il a reçu beaucoup de flak chez lui, où les Peredvizhniki étaient déjà à la mode avec leur représentation de paysans, d’orphelins appauvris et d’autres éléments de « la vérité de la vie ».

Par exemple, le critique d’art le plus influent de l’époque, Vladimir Stasov, considérait Siemiradzki comme un classiciste désespéré, qui « était devenu la proie de tout ce qui était italien ». De son côté, Ilya Repin l’a traité de charlatan, tandis que le célèbre collectionneur Tretiakov a refusé d’acheter ses œuvres. Cependant, les tsars russes ont toujours été fans d’académisme: par exemple, « Phryné » a été acheté par Alexandre III directement de l’exposition.

Alexei Savrasov

Artiste de paysages lyriques, Savrasov a rapidement gagné la renommée et la reconnaissance: à l’âge de 24 ans, il était déjà devenu membre de l’Académie des Arts. Cependant, au fil des générations, on se souvient de cet artiste réaliste comme d’une « merveille à succès »: aucun de ses nombreux paysages ne peut se comparer en popularité à « The Rooks… ». Chaque écolier en Russie connaît cette image de manuel, car ils ont probablement dû écrire un essai à ce sujet.

Ivan Shishkin

Si vous voyez une peinture d’une étonnante forêt russe ou de champs de pins sur le bord de la route, vous pouvez être sûr que c’est un Shishkin. Selon un sondage mené par le Centre de recherche sur l’opinion publique de toute la Russie, il est l’artiste le plus reconnaissable de Russie.

Qui peut être en grande partie dû aux bonbons Mishka Kosolapy (ours maladroit), dont l’emballage comporte un fragment de cette image. Et pourtant, personne n’a peint comme lui des fourrés, des prairies et des champs isolés, que ce soit en quantité ou en qualité. La forêt était tout ce qui intéressait Shishkin.

Sylvester Shchedrin

De nombreux artistes russes du 19ème siècle ont visité la mecque artistique européenne, l’Italie, mais peu en ont fait leur foyer créatif. Le peintre paysagiste Shchedrin a passé pratiquement toute sa vie à représenter la beauté de l’Italie, et en particulier de Naples. C’est là qu’il est mort aussi, avant d’atteindre 40 ans. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

Représentant de l’art Sots et, comme il l’a lui-même appelé, du « pop art folk », Sokov a travaillé pendant plus de 30 ans avec les mythes, les images et les symboles de la culture russe, les juxtaposant à la civilisation occidentale.

L’artiste et sculpteur a quitté l’URSS pour les États-Unis, afin de « ne pas casser » sous la pression du système totalitaire de l’ordre d’État, qui dictait tout à l’artiste, jusque dans les moindres détails: « Dans quelle main Lénine devait tenir sa casquette, combien de temps devait durer le pantalon du pionnier et quel était le pied pivot de Marx », a ironisé Sokov.

Vassili Sourikov

Surikov s’est fait un nom en décrivant divers moments tragiques de l’histoire russe. Par exemple, « Boyarina Morozova » raconte l’histoire de la lutte acharnée contre les Vieux-croyants: Morozova est emmenée dans un couvent (ce qui équivalait à une prison) au moment du schisme de l’église.

Vladimir Tatlin

Bien que le Monument à la mémoire de la La Troisième Internationale, ou Tour de Tatlin, n’a jamais été construite, elle est devenue l’idée originale la plus emblématique de l’artiste et la marque du constructivisme partout dans le monde. Tatlin a conçu sa tour comme un symbole de la révolution de 1917 à ériger à Leningrad (aujourd’hui Saint-Pétersbourg).

Cependant, par à la fin des années 1920, les dirigeants soviétiques ont perdu tout intérêt pour les artistes d’avant-garde et ont cessé de s’engager avec eux, de sorte que la tour n’a jamais été construite.

Oleg Tselkov

Tout au long de sa vie, cet artiste anticonformiste a peint pratiquement un seul et même personnage – une image humaine déformée, un mutant. « Ce n’est pas le portrait d’une gardienne spécifique, mais un portrait universel… et terriblement familier à cela ”, a expliqué Tselkov. « J’ai accidentellement réussi à arracher le masque à l’humanité.”

Les dirigeants soviétiques n’aimaient pas particulièrement cela « revers d’une personnalité humaine ». En 1977, on a demandé à Tselkov de quitter le pays et il est allé en France. Ce n’est qu’en 2015 qu’il est redevenu citoyen russe.

Pavel Tchelitchew

Ce patriarche du surréalisme mystique est né en Russie, mais a passé la majeure partie de sa vie en Europe et en Amérique, où il a développé la technique de ses célèbres paysages anthropomorphes. En raison de la similitude de style, il est souvent décrit comme « le Dali russe », sauf que Tchelitchew a été le premier à afficher des éléments de surréalisme mystique dans ses œuvres: on dit que neuf ans auparavant, Salvador Dali avait fait de même.

De nos jours, ses œuvres se trouvent dans les principaux musées et collections européens, alors qu’en Russie, seule la Galerie Tretiakov possède un seul Tchelitchew. « Phenomena » a été secrètement amené en Russie par un ami de Tchelitchew, le chorégraphe Lincoln Kirstein. Il l’a remis à la galerie Tretiakov, mais jusqu’au milieu des années 1990, il est resté dans les réserves du musée.

Simon Ouchakov

La photo d’archivees Romanov ont pris le trône en 1613. La dynastie a gouverné le pays pendant des siècles, mais au tout début, elle avait besoin de quelque chose pour confirmer sa légitimité. Un rôle majeur à cet égard a été joué par l’image de la lignée de la famille royale créée par le peintre d’icônes Ouchakov. Les critiques d’art l’appellent la première et la meilleure justification de l’affirmation selon laquelle les Romanov ont reçu leur pouvoir d’en haut.

Les Romanov ont dû être d’accord avec cette évaluation: ils ont fait d’Ouchakov le principal peintre d’icônes de l’empire et l’ont comblé de faveurs jusqu’à sa mort.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov s’est essayé à différents styles et types de travaux, de la peinture de fresques d’église (comme dans l’église du Sauveur sur le Sang versé à Saint-Pétersbourg) à la création d’embellissements art nouveau courbes. Cependant, pour la plupart des Russes, il est associé exclusivement à des personnages de contes de fées russes. Dans l’imagination populaire, ces personnages ressemblent beaucoup à la façon dont Vasnetsov les a représentés.

La peinture ‘Bogatyrs’, qui représente les super-héros slaves populaires Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets et Aliocha Popovich, lui a pris près de 20 ans à terminer.

Alexeï Venetsianov

Venetsianov a été l’un des premiers artistes à représenter des scènes de la vie des gens ordinaires, se faisant un nom dans « le genre paysan ». En même temps, il ne s’intéressait pas particulièrement aux aspects pratiques de la vie quotidienne des paysans.

Ses peintures étaient plus sur l’espace, la liberté et l’immensité. Beaucoup pensent que sa peinture « moissonneuse » incarne le véritable paysage russe.

Vassili Verechtchaguine

Peintre de scènes de bataille, Vereshchagin peignait généralement ce qu’il voyait de ses propres yeux. Il avait participé à de nombreuses guerres et avait parcouru le monde de l’Inde à la Syrie. Il organisa lui-même ses expositions à New York et à Londres, exposant souvent non seulement ses peintures mais aussi des trophées du champ de bataille.

Cependant, son « Apothéose de la guerre » est une exception, en ce qu’il l’a peinte non pas de la vie, mais d’une idée dans sa tête. Sur son cadre, l’artiste a écrit: « Dédié à tous les grands conquérants – passé, présent et futur. »

Mikhail Vroubel

Vroubel est principalement associé à l’image d’un démon, qu’il a peint à plusieurs reprises et de manière obsessionnelle. L’image d’un ange déchu souffrant de sa nature démoniaque avait été inspirée par le poème du même nom de Mikhail Lermontov. Vroubel a réalisé une trentaine de croquis pour ce tableau.

Vroubel a admis qu’il avait aussi vu un démon dans ses cauchemars. Une psychose aiguë, que l’artiste a développée à la fin de sa vie, combinée à son obsession pour une seule image a poussé ses contemporains à conclure que Vroubel avait été rendu fou par son addiction au démonisme.

Vladimir Weisberg

Weisberg se distingue dans le contexte de l’art russe : il n’appartient ni à l’art officiel, ni aux non-conformistes. Son style de marque est ce qu’on appelle la « peinture blanche », des images qui semblent avoir été peintes avec de la peinture blanche sur un fond blanc. Selon Weisberg lui-même, il a essayé de réaliser « l’art invisible ».

En fait, il n’utilisait presque jamais de pigment blanc. Ses peintures sont une combinaison complexe de petites particules multicolores. « Une image devrait devenir blanche si toutes, littéralement toutes, ses couleurs s’intègrent », disait-il.

Vladimir Yankilevsky

Un pionnier de « l’art non officiel » de Moscou et solitaire éternel, Yankilevsky ne s’inscrivait dans aucune association artistique et était toujours à l’écart, pour ainsi dire. Beaucoup n’ont tout simplement pas compris ses œuvres existentielles: toute sa vie, il a peint un « Homme opposé à l’éternité » métaphysique.

L’idée des gens dans des boîtes lui sont venues sous l’influence de l’existentialisme. Ces « boîtes existentielles » sont devenues une métaphore d’une personne dont les aspirations et les rêves se heurtent toujours aux murs d’un environnement social. Il faut dire que la vie en URSS était très propice à cette perception de la réalité.

Vadim Zakharov

Dans le dans les années 1970, Zakharov rejoint le cercle des conceptualistes moscovites, commençant par des actions absurdes et menant à la peinture. « Entre 1985 et 1989, j’ai créé beaucoup de tableaux énormes, après quoi je n’en ai pas peint un seul à l’exception de quelques-uns réalisés au fusain, et maintenant revenir à la toile et à l’huile est une torture pour moi », a-t-il déclaré. En 1989, il s’installe à Cologne, où une nouvelle étape de sa carrière artistique commence: les installations.

Son projet « Danae » est devenu une sensation à la Biennale de Venise. Dans la première heure après son ouverture, une file d’attente s’est alignée jusqu’au pavillon russe pour regarder le processus unique d’un célèbre mythe grec ancien se matérialisant à travers une pluie de pièces de monnaie dorées sur lesquelles étaient écrits les mots confiance, liberté, amour et unité, descendant d’une pièce où seuls les spectateurs masculins étaient autorisés, jusqu’à « the womb », où seules les spectatrices étaient autorisées.

Konstantin Zvezdochetov

Il est le roi russe du kitsch, sans qui aucune grande exposition d’art contemporain ne peut se passer. Zvezdochetov appartient à la génération d’artistes soviétiques qui ont été les premiers à entrer sur la scène artistique internationale et sont devenus connus sous le nom d ‘ »art russe contemporain ».

Il fut un temps où il était offensé d’être appelé un « artiste”. Il a dit: « Je suis une personne qui offre des interprétations… Tout ce que je fais, ce sont des citations et des compilations. »

Anatoly Zverev

Il est souvent appelé « le Van Gogh russe ». Robert Falk a dit de lui: « Chaque touche de son pinceau n’a pas de prix », tandis que Picasso lui-même lui faisait écho. Décorateur de métier, Zverev est entré sur la scène artistique à la fin des années 1950 et, en 1965, sa première exposition internationale a eu lieu à la Motte à Paris, bien qu’il ne soit lui-même jamais allé à l’étranger.

Le système soviétique n’aimait pas Zverev. La police était à sa poursuite pour l’arrêter pour « parasitisme » (ce qui était une infraction pénale en URSS), alors qu’il vivait uniquement pour son art et pour son seul amour et muse, la veuve du poète Nikolaï Aseïev, Ksenia Aseïeva, de 39 ans son aînée.