les années 1960 dans la musique
Musique Folkmodifier
The Kingston Trio, the Weavers, Pete Seeger, Woody Guthrie, Odetta, Peter, Paul and Mary, Joan Baez, Bob Dylan, The Byrds, Judy Collins, Leonard Cohen, Joni Mitchell, Carolyn Hester , Phil Ochs, Tom Paxton, Buffy Sainte-Marie, Dave Van Ronk, Tom Rush, Fred Neil, Gordon Lightfoot, Ian et Sylvia, Arlo Guthrie et plusieurs autres artistes ont joué un rôle déterminant dans le lancement du renouveau de la musique folk des années 1950 et 1960.
RockEdit
Roy Orbison était l’un des artistes célèbres du rock qui a écrit des ballades d’amour perdu.
Au début de la décennie, Elvis Presley continue de marquer des tubes. Pendant la majeure partie des années 60, Presley a principalement sorti des films. Presley a décidé de s’éloigner des films en 1969; sa dernière chanson numéro 1 dans les charts était Suspicious Minds qui est sortie en 1969.
Dans les années 1960, la scène qui s’était développée à partir du renouveau de la musique folk américaine était devenue une mouvement majeur, utilisant de la musique traditionnelle et de nouvelles compositions dans un style traditionnel, habituellement sur des instruments acoustiques. En Amérique, le genre a été lancé par des personnalités telles que Woody Guthrie et Pete Seeger et souvent identifié à la politique progressiste ou travailliste. Au début des années soixante, des figures telles que Bob Dylan et Joan Baez étaient apparues au premier plan dans ce mouvement en tant qu’auteurs-compositeurs-interprètes. Dylan avait commencé à toucher un public grand public avec des succès tels que « Blowin’in the Wind » (1963) et « Masters of War » (1963), qui apportaient des « protest songs » à un public plus large, mais, bien que commençant à s’influencer mutuellement, le rock et la musique folk étaient restés des genres largement séparés, souvent avec un public mutuellement exclusif.Parmi les premières tentatives de combiner des éléments de folk et de rock, on peut citer House of the Rising Sun (1964), la première chanson folk à succès commercial enregistrée avec une instrumentation rock and roll. On pense généralement que le mouvement folk rock a pris son envol avec l’enregistrement par les Byrds de « Mr. Tambourine Man » de Dylan qui s’est classé en tête des charts en 1965. Avec des membres qui avaient fait partie de la scène folk basée dans des cafés à Los Angeles, les Byrds ont adopté une instrumentation rock, y compris des batteries et des guitares Rickenbacker à 12 cordes, qui sont devenues un élément majeur du son du genre. Au milieu des années 60, Bob Dylan a pris les devants dans la fusion du folk et du rock, et en juillet 65, sort Like a Rolling Stone, avec un son rock révolutionnaire, imprégné d’images urbaines fauves, suivi d’une performance électrique plus tard ce mois-ci au Festival Folk de Newport. Dylan a branché toute une génération dans le milieu de l’auteur-compositeur-interprète, écrivant souvent d’un point de vue urbain, avec une poésie ponctuée de rythmes rock et de puissance électrique. Entre le milieu et la fin des années 60, des groupes et des auteurs-compositeurs-interprètes ont commencé à proliférer sur la scène artistique et musicale underground de New York.
La sortie du Velvet Underground & Nico en 1967, avec l’auteur-compositeur-interprète Lou Reed et le chanteur et collaborateur allemand Nico a été décrit comme « l’album de rock le plus prophétique jamais réalisé » par Rolling Stone en 2003. D’autres auteurs-compositeurs-interprètes basés à New York ont commencé à émerger, utilisant le paysage urbain comme toile de fond pour des paroles dans le style confessionnel de poètes comme Anne Sexton et Sylvia Plath. En juillet 1969, le magazine Newsweek a publié un article, « The Girls- Letting Go », décrivant la musique révolutionnaire de Joni Mitchell, Laura Nyro, Lotti Golden et Melanie, comme une nouvelle race de troubadour féminin: « Ce qui leur est commun, ce sont les chansons personnalisées qu’elles écrivent, comme des voyages de découverte de soi, débordant d’observation attentive et surprenant dans l’impact de leur poésie. »Le travail de ces premières auteures-compositrices-interprètes basées à New York, de New York Tendaberry (1969) de Laura Nyro à East Village diaries de Lotti Golden sur Motor-Cycle, ses débuts en 1969 sur Atlantic Records, a inspiré des générations d’auteures-compositrices-interprètes dans les traditions rock, folk et jazz. L’adoption des instruments électriques par Dylan, à la grande indignation de nombreux puristes du folk, avec son « Like a Rolling Stone » a réussi à créer un nouveau genre. Le folk rock a particulièrement décollé en Californie, où il a conduit des groupes comme the Mamas & the Papas et Crosby, Stills et Nash à passer à l’instrumentation électrique, et à New York, où il a donné naissance à des auteurs-compositeurs-interprètes, notamment the Lovin’ Spoonful et Simon and Garfunkel, l’acoustique de ce dernier « The Sounds of Silence » étant remixée avec des instruments rock pour être le premier de nombreux succès.
Le folk rock atteint son apogée de popularité commerciale dans la période 1967-68, avant que de nombreux groupes ne partent dans diverses directions, y compris Dylan et les Byrds, qui commencent à développer du country rock. Cependant, l’hybridation du folk et du rock a été considérée comme ayant une influence majeure sur le développement de la musique rock, apportant des éléments de psychédélisme, et en particulier, aidant à développer les idées de l’auteur-compositeur-interprète, la chanson contestataire et les concepts d ‘ »authenticité ».
Rock psychédélique
L’ambiance inspirée du LSD de la musique psychédélique a commencé dans la scène folk, avec les Rounders Holy Modal basés à New York utilisant le terme dans leur enregistrement de 1964 de « Hesitation Blues ». Le premier groupe à se faire connaître comme rock psychédélique est the 13th Floor Elevators du Texas, à la fin de 1965; produisant un album qui leur donne une direction claire, avec les sons psychédéliques de the 13th Floor Elevators l’année suivante.
Le rock psychédélique a particulièrement pris son essor sur la scène musicale émergente californienne, les groupes ayant suivi les Byrds du folk au folk rock à partir de 1965. Le groupe the Doors, basé à Los Angeles, s’est formé en 1965 après une rencontre fortuite sur Venice Beach. Bien que son chanteur charismatique Jim Morrison soit décédé en 1971, la popularité du groupe a perduré à ce jour. Le style de vie psychédélique s’était déjà développé à San Francisco depuis environ 1964, et les produits particulièrement importants de la scène étaient le Grateful Dead, Country Joe and the Fish, the Great Society et Jefferson Airplane. Les Byrds progressent rapidement du rock purement folk en 1966 avec leur single « Eight Miles High », largement considéré comme une référence à la consommation de drogues.
Le rock psychédélique a atteint son apogée dans les dernières années de la décennie. En Amérique, the Summer of Love a été préfacé par l’événement Human Be-In et a atteint son apogée au Festival Pop de Monterey, ce dernier contribuant à faire des stars américaines majeures de Jimi Hendrix et des Who, dont le single « I Can See for Miles » a plongé en territoire psychédélique. Les enregistrements clés comprenaient le surréaliste Pillow de Jefferson Airplane et Strange Days des Doors. Ces tendances culminent au Festival de Woodstock de 1969, qui voit les performances de la plupart des grands groupes psychédéliques, mais à la fin de la décennie, le rock psychédélique est en retrait. L’expérience Jimi Hendrix s’est rompue avant la fin de la décennie et de nombreux artistes survivants se sont éloignés du psychédélisme pour se tourner vers un « rock roots » plus back-to-basics, l’expérimentation plus large du rock progressif ou du rock lourd chargé de riff.
Surf RockEdit
Au début des années 1960, l’une des formes les plus populaires de rock and roll était le Surf Rock, qui se caractérisait par être presque entièrement instrumental et par une utilisation intensive de la réverbération sur les guitares. La réverbération à ressort présente dans les amplificateurs Fender de l’époque, portée à son volume maximal, produit un son de guitare chatoyant avec du sustain et évoquant les images de surf et d’océan.
« Movin ‘ and Groovin » de Duane Eddy est considéré par beaucoup comme le principal candidat pour jeter les bases du premier disque de surf rock, tandis que d’autres affirment que le genre a été inventé par Dick Dale sur « Let’s Go Trippin' », qui est devenu un succès dans toute la Californie. La plupart des premiers groupes de surf ont été formés au cours de cette décennie dans la région du sud de la Californie. Au milieu des années 1960, les Beach Boys, qui utilisaient des harmonies pop complexes sur un rythme de surf rock basique, étaient devenus le groupe de surf dominant et ont contribué à populariser le genre. dans des tubes comme Surfin’ U.S.A.. De plus, des groupes tels que the Ventures, the Shadows, the Atlantics, the Surfaris et the Champs étaient également parmi les groupes de Surf Rock les plus populaires de la décennie.
Garage rockEdit
Le Garage rock était une forme brute de musique rock, particulièrement répandue en Amérique du Nord au milieu des années 1960 et est appelé ainsi en raison de la perception que beaucoup de groupes répétaient dans un garage familial de banlieue. Les chansons de Garage rock tournaient souvent autour des traumatismes de la vie du lycée, les chansons sur les « filles menteuses » étant particulièrement courantes. Les paroles et la livraison étaient nettement plus agressives que ce qui était courant à l’époque, souvent avec des voix grognées ou criées qui se sont dissoutes en cris incohérents, comme le groupe influent basé à Washington, The Sonics. Ils allaient de la musique brute à un accord (comme the Seeds) à la qualité de musicien proche du studio (y compris the Knickerbockers, the Remains et The Fifth Estate). Il y avait aussi des variations régionales dans de nombreuses régions du pays avec des scènes florissantes en particulier en Californie et au Texas. Les États du nord-ouest du Pacifique de Washington et de l’Oregon avaient peut-être le son régional le plus défini.
Le style avait évolué à partir des scènes régionales dès 1958. « Louie Louie » de the Kingsmen (1963) est un exemple courant du genre dans ses phases de formation. En 1963, les singles de groupes de garage se glissent dans les charts nationaux en plus grand nombre, notamment Paul Revere and the Raiders (Boise), the Trashmen (Minneapolis) et the Rivieras (South Bend, Indiana). Au début de cette période, de nombreux groupes étaient fortement influencés par le surf rock et il y avait une pollinisation croisée entre le garage rock et le frat rock, parfois considéré comme un sous-genre du garage rock.
L’Invasion britannique de 1964-66 a grandement influencé les groupes de garage, leur fournissant un public national, conduisant de nombreux groupes (souvent des groupes de surf ou de hot rod) à adopter un style British Invasion et encourageant de nombreux autres groupes à se former. Des milliers de groupes de garage existaient aux États-Unis et au Canada à cette époque et des centaines produisaient des succès régionaux. Bien que des dizaines de groupes aient été signés sur des labels régionaux majeurs ou importants, la plupart ont été des échecs commerciaux. Il est généralement admis que le garage rock a atteint un sommet commercial et artistique vers 1966. En 1968, le style a largement disparu des charts nationaux et au niveau local car les musiciens amateurs étaient confrontés au collège, au travail ou au repêchage. De nouveaux styles ont évolué pour remplacer le garage rock (y compris le blues-rock, le rock progressif et le country rock). À Detroit, le garage rock est resté vivant jusqu’au début des années 70, avec des groupes comme the MC5 et the Stooges, qui utilisaient un style beaucoup plus agressif. Ces groupes ont commencé à être étiquetés punk rock et sont maintenant souvent considérés comme proto-punk ou proto-hard rock.
Blues-rockEdit
Le blues-rock américain avait été lancé au début des années 1960 par le guitariste Lonnie Mack, mais le genre a commencé à prendre son envol au milieu des années 60 alors que les actes suivants développaient un son similaire aux musiciens de blues britanniques. Paul Butterfield (dont le groupe a agi comme les Bluesbreakers de Mayall en Grande-Bretagne comme point de départ pour de nombreux musiciens à succès), Canned Heat, les débuts de Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, le J. Geils Band et Jimi Hendrix avec ses power trios, the Jimi Hendrix Experience et Band of Gypsys, dont la virtuosité de la guitare et le sens du spectacle seront parmi les plus imités de la décennie. Des groupes de blues-rock comme Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd et finalement ZZ Top des États du Sud, ont incorporé des éléments country dans leur style pour produire un rock sudiste distinctif.
Roots Rockmodifier
Roots rock est le terme maintenant utilisé pour décrire un abandon des excès de la scène psychédélique, vers une forme plus basique de rock and roll qui incorporait ses influences originales, en particulier la musique country et folk, conduisant à la création du country rock et du Southern rock. En 1966, Bob Dylan est le fer de lance du mouvement lorsqu’il se rend à Nashville pour enregistrer l’album Blonde on Blonde. Cet album, et les albums suivants plus clairement influencés par le country, ont été considérés comme créant le genre du country folk, une voie suivie par un certain nombre de musiciens folk, principalement acoustiques. D’autres groupes qui ont suivi la tendance du retour aux sources sont le groupe the Band et le Creedence Clearwater Revival basé en Californie, qui mélangent le rock and roll de base avec le folk, le country et le blues, pour être parmi les groupes les plus réussis et influents de la fin des années 1960. Le même mouvement a vu le début de la carrière d’enregistrement d’artistes solistes californiens comme Ry Cooder, Bonnie Raitt et Lowell George, et a influencé le travail d’artistes établis tels que Beggar’s Banquet (1968) des Rolling Stones et Let It Be (1970) des Beatles.
En 1968, Gram Parsons enregistre Safe at Home avec l’International Submarine Band, sans doute le premier véritable album de country rock. Plus tard dans l’année, il rejoint les Byrds pour Sweetheart of the Rodeo (1968), généralement considéré comme l’un des enregistrements les plus influents du genre. Les Byrds ont continué dans la même veine, mais Parsons est parti pour être rejoint par un autre ancien membre des Byrds, Chris Hillman, pour former les Flying Burrito Brothers qui ont contribué à établir la respectabilité et les paramètres du genre, avant que Parsons ne parte pour poursuivre une carrière solo. Le Country rock était particulièrement populaire sur la scène musicale californienne, où il a été adopté par des groupes tels que Hearts&Flowers, Poco et Riders of the Purple Sage, the Beau Brummels et the Nitty Gritty Dirt Band. Un certain nombre d’artistes ont également connu une renaissance en adoptant des sonorités country, notamment: les Everly Brothers; l’idole adolescente Ricky Nelson qui est devenu le leader du groupe Stone Canyon; l’ancien Monkee Mike Nesmith qui a formé le Premier groupe national; et Neil Young. Les Dillards étaient, exceptionnellement, un acte country, qui s’orientait vers la musique rock. Le plus grand succès commercial pour le country rock est survenu dans les années 1970, avec des artistes tels que les Doobie Brothers, Emmylou Harris, Linda Ronstadt et the Eagles (composés de membres du groupe Burritos, Poco et Stone Canyon), qui est devenu l’un des groupes de rock les plus réussis de tous les temps, produisant des albums dont Hotel California (1976).
Les fondateurs du rock sudiste sont généralement considérés comme le Allman Brothers Band, qui a développé un son distinctif, largement dérivé du blues rock, mais incorporant des éléments de boogie, de soul et de country au début des années 1970. L’acte le plus réussi à les suivre était Lynyrd Skynyrd, qui a aidé à établir l’image « bon vieux garçon » du sous-genre et la forme générale du rock de guitare des années 1970. Leurs successeurs comprenaient les instrumentistes fusion/ progressistes Dixie Dregs, les Outlaws plus influencés par la country, Wet Willie orienté vers le jazz et (incorporant des éléments de R&B et gospel) the Ozark Mountain Daredevils. Après la perte des membres originaux des Allmans et de Lynyrd Skynyrd, le genre a commencé à perdre de sa popularité à la fin des années 1970, mais a été soutenu dans les années 1980 avec des actes comme.38 Spécial, Molly Hatchet et le groupe Marshall Tucker.
Rock progressif
Le rock progressif, parfois utilisé de manière interchangeable avec l’art rock, était une tentative d’aller au-delà des formules musicales établies en expérimentant différents instruments, types de chansons et formes. À partir du milieu des années 1960, le Banke de gauche, les Beatles, les Rolling Stones et les Beach Boys, avait été le pionnier de l’inclusion de clavecins, de sections de vent et de cordes sur leurs enregistrements pour produire une forme de rock baroque et peut être entendu dans des singles comme « A Whiter Shade of Pale » de Procol Harum (1967), avec son introduction inspirée de Bach. Les Moody Blues ont utilisé un orchestre complet sur leur album Days of Future Passed (1967) et ont ensuite créé des sons orchestraux avec des synthétiseurs. L’orchestration classique, les claviers et les synthétiseurs étaient une édition fréquente du format rock établi des guitares, de la basse et de la batterie dans le rock progressif ultérieur.
Les instrumentaux étaient courants, tandis que les chansons avec paroles étaient parfois conceptuelles, abstraites ou basées sur la fantaisie et la science-fiction. Sorrow de The Pretty Things (1968) et Tommy de The Who’s (1969) ont introduit le format des opéras rock et ont ouvert la porte à des « albums concept », racontant généralement une histoire épique ou abordant un grand thème général. »Le premier album de King Crimson en 1969, In the Court of the Crimson King, qui mélangeait des riffs de guitare puissants et du mellotron, avec du jazz et de la musique symphonique, est souvent considéré comme l’enregistrement clé du rock progressif, contribuant à l’adoption généralisée du genre au début des années 1970 parmi les groupes de blues-rock et psychédéliques existants, ainsi que des groupes nouvellement formés.
PopEdit
Chubby Checker au début des années 1960 popularise l’engouement durable pour la danse the Twist avec sa reprise à succès de Hank Ballard &the Midnighters’ R & B cliquez sur « La torsion ».
Gerry Goffin et Carole King deviennent un duo très influent dans la musique pop, écrivant de nombreux succès numéro un, dont la première chanson à atteindre le numéro un par un groupe de filles, les Shirelles « Will You Love Me Tomorrow » et le succès numéro un de 1962, « The Loco-Motion » qui a été interprété par Little Eva.
« Sugar Sugar » devient un grand succès pour les Archies, définissant le genre pop bubblegum.
Les Monkees étaient un groupe de télévision made for, inspiré par les pitreries des Beatles dans Une dure journée de nuit. Pour des raisons contractuelles, le groupe n’a pas été autorisé à jouer de ses propres instruments, ce qui a conduit à de nombreuses querelles entre les membres du groupe et le superviseur musical, Don Kirshner.
R&B, musique Motown et soul
- Le label Motown basé à Detroit se développe comme une réponse à la musique soul influencée par la pop. Le label commence une longue série de singles numéro 1 aux États-Unis en 1961 avec « Please Mr. Postman » des Marvelettes. Le label connaîtra de nombreux succès au Billboard tout au long de la décennie et dans les années 1990.Parmi les artistes notables de la Motown, citons the Supremes, the Miracles, the Temptations, the Four Tops, Martha and the Vandellas, Marvin Gaye et les Jackson Five, qui ont fait leurs débuts en 1969.
- La musique soul se développe tout au long de la décennie, dirigée par Sam Cooke, James Brown et Otis Redding, entre autres.
- Au milieu des années 60, James Brown a créé de la musique funk et au début des années 70, Sly &the Family Stone avait un hit funk « Thank You ».
- En 1966, les Supremes obtiennent un grand succès « You Can’t Hurry Love » avec le bassiste innovant James Jamerson.
- Les enregistrements d’Aretha Franklin en 1967, tels que « I Never Loved a Man (The Way I Love You) », « Respect » (chanté à l’origine par Otis Redding) et « Do Right Woman – Do Right Man », sont considérés comme l’apogée du genre soul et comptent parmi ses productions les plus réussies sur le plan commercial.
Musique country
Le triomphe et la grande tragédie ont marqué les années 1960 dans la musique country. Le genre a continué à gagner en visibilité nationale grâce à la télévision en réseau, avec des séries hebdomadaires et des programmes de récompenses gagnant en popularité. Les ventes de disques ont continué d’augmenter à mesure que de nouveaux artistes et tendances arrivaient au premier plan. Cependant, plusieurs grandes stars sont mortes dans des circonstances tragiques, dont plusieurs ont été tuées dans des accidents d’avion.
Le style musical prédominant au cours de la décennie était le Nashville Sound, un style qui mettait l’accent sur les sections de cordes, les voix de fond, le chant principal et les styles de production vus dans la musique country. Le style était devenu populaire à la fin des années 1950, en réponse à l’empiètement croissant du rock and roll sur le genre country, mais a connu son plus grand succès dans les années 1960. Des artistes comme Jim Reeves, Eddy Arnold, Ray Price, Patsy Cline, Floyd Cramer, Roger Miller et bien d’autres ont connu un grand succès grâce à des chansons telles que « He’ll Have to Go », « Danny Boy », « Make the World Go Away », « King of the Road » et « I Fall to Pieces ». »Le style country-pop était également évident sur l’album Modern Sounds in Country and Western Music de 1962, enregistré par le chanteur de rhythm and blues et de soul Ray Charles. Charles a enregistré des reprises de standards de musique traditionnelle country, folk et classique dans des styles pop, R&B et jazz. L’album a été salué comme un succès critique et commercial, et aura une influence considérable dans les styles de musique country ultérieurs. Les chansons de l’album qui ont été publiées pour la diffusion commerciale et les ventes de disques comprenaient « I Can’t Stop Loving You », « Born to Lose » et « You Don’t Know Me ». »
À la fin de la décennie, le son de Nashville est devenu plus poli et simplifié, et est devenu connu sous le nom de « countrypolitan. » Tammy Wynette, Glen Campbell, Dottie West et Charley Pride étaient parmi les meilleurs artistes adoptant ce style. Alors que George Jones — au début des années 1960, l’un des hitmakers les plus constants de la musique country – enregistrait également de la musique de style country, son arrière-plan restait un pur honky tonk, chantant le chagrin et la solitude dans plusieurs de ses chansons. En outre, Marty Robbins s’est avéré être l’un des chanteurs les plus divers du genre, chantant tout, du country direct au western en passant par la pop et le blues… et même hawaïen.
Johnny Cash, connu sous le nom de » L’Homme en noir —, est devenu l’un des musiciens les plus influents des années 1960 (et finalement du 20e siècle). Bien qu’enregistrant principalement du country, ses chansons et son son couvrent de nombreux autres genres, notamment le rockabilly, le blues, le folk et le gospel. Sa musique témoignait d’une grande compassion pour les minorités et les autres personnes boudées par la société, y compris les détenus. Deux des albums les plus réussis de Cash ont été enregistrés en prison : À la prison de Folsom et à San Quentin.
Au cours de la seconde moitié des années 1960, Pride, originaire de Sledge, Mississippi, est devenue la première superstar afro—américaine de la musique country, un genre pratiquement dominé par les artistes blancs. Certains de ses premiers succès, chantés avec une voix de baryton douce et dans un style mêlant honky-tonk et countrypolitan, comprenaient « Just Between You and Me », « The Easy Part’s Over », « All I Have to Offer You (Is Me) » et une reprise de « Kaw-Liga » de Hank Williams. »Pride a continué à avoir du succès pendant plus de 20 ans, amassant 29 hits n ° 1 au Billboard Hot Country Singles chart.
Un style nouvellement émergent, qui a ses racines dans les années 1950 mais a explosé dans le courant dominant pendant les années 1960, était le « son de Bakersfield. »Au lieu de créer un son similaire à la musique pop grand public, le son de Bakersfield a utilisé honky tonk comme base et a ajouté des instruments électriques et un backbeat, ainsi que des éléments stylistiques empruntés au rock and roll. Buck Owens, Merle Haggard et Wynn Stewart étaient parmi les meilleurs artistes adoptant ce son, et à la fin des années 1960, ils étaient parmi les artistes les plus vendus de la musique country.
Parmi les artistes féminines, les plus réussies du lot sont Loretta Lynn, Tammy Wynette et Dolly Parton. Lynn, originaire de Butcher Hollow, Kentucky, et en effet, la fille d’un mineur de charbon, obtiendrait — avec l’aide de son mari, Oliver « Doolittle » Lynn — un contrat d’enregistrement avec Zero Records en 1960, et bien que seul son premier single (« Honky Tonk Girl ») de ses sorties du début des années 1960 ait été enregistré, ses premiers enregistrements ont été le tremplin pour des choses beaucoup plus grandes et meilleures à venir. Au cours de la seconde moitié de la décennie, et jusqu’aux années 1970, elle enregistre des chansons qui défient le stéréotype de la femme qui doit supporter les hommes, leur consommation d’alcool, leur volage et d’autres traits négatifs — par exemple, « Don’t Come Home A-Drinkin’ (With Lovin’ on Your Mind) » — ainsi que des chansons qui repoussent les limites conservatrices du genre (« Dear Uncle Sam », une chanson sur la guerre du Vietnam) et sa volonté de tenir tête aux autres femmes (« You Ain’t Woman Enough (To Take My Man) »).
Parton, originaire de la ville de Locust Ridge, dans les Smoky Mountains, dans le Tennessee, s’est fait connaître à l’échelle nationale dans l’émission sous syndication nationale The Porter Wagoner Show, sur laquelle elle a commencé à apparaître en 1967. Deux ans plus tôt, elle avait signé un contrat d’enregistrement avec Monument Records et a été poussée en tant que chanteuse pop bubblegum, mais n’a eu qu’un succès mineur avant qu’une de ses compositions – « Put It Off Until Tomorrow » – ne devienne un grand succès pour Bill Phillips (un morceau dont Parton a assuré les chœurs) en 1966. Finalement, sa marque de country biographique influencée par la montagne et sa personnalité familiale ont conquis de nombreux fans, et sa puissance de star ne ferait que commencer à augmenter. Ses premiers grands succès étaient principalement des duos avec Wagoner, bien qu’elle ait également eu plusieurs succès en solo — dont sa percée, « Dumb Blonde »—
Wynette a été acclamée avec des perspectives uniques sur les thèmes classiques de la solitude, du divorce et des difficultés de la vie et des relations, illustrées par des chansons telles que « I Don’t Wanna Play House » et « D-I-V-O-R-C-E ». Cependant, c’est « Stand By Your Man », une chanson promettant une fidélité inflexible et se tenant aux côtés des hommes malgré leurs défauts, qui a donné à Wynette son succès en carrière. À la fin des années 1960, elle était mariée au chanteur de musique country George Jones.
Parmi les nouvelles venues féminines, Connie Smith est l’une des plus réussies, car son succès révolutionnaire, « Once a Day », a passé huit semaines à la 1ère place du Billboard Hot Country Singles à la fin de 1964 et au début de 1965, le plus long sommet des charts depuis près de 50 ans. Au cours d’une carrière qui a duré plus de 50 ans, les chansons de Smith ont souvent exploré les thèmes de la solitude et de la vulnérabilité.
En plus du spectacle syndiqué The Porter Wagoner Show, plusieurs autres émissions de télévision ont été produites pour permettre à la musique country de toucher un public plus large, comme le Jimmy Dean Show au milieu de la décennie. À la fin de la décennie, Hee Haw a commencé une série de 23 ans, d’abord sur CBS et plus tard en syndication; Hee Haw, animée par Owens et Roy Clark était librement basée sur la série comique Rowan &Martin’s Laugh In, et incorporait de la comédie ainsi que des performances des acteurs de l’émission ou des artistes invités du domaine de la musique country. Les programmes des prix de l’Academy of Country Music et de la Country Music Association ont été diffusés pour la première fois à la fin des années 1960.
Les années 1960 ont été marquées par une tragédie. Johnny Horton, qui chantait dans le style de la chanson saga, a été tué dans un accident de voiture en 1960. Un accident d’avion du 5 mars 1963 a coûté la vie à Patsy Cline, Cowboy Copas et Hawkshaw Hawkins. Quelques jours plus tard, Jack Anglin a été tué dans un accident de voiture, tandis que Texas Ruby est mort dans un incendie de remorque au Texas. En juillet 1964, Jim Reeves a perdu la vie alors qu’il pilotait un avion près de Brentwood, dans le Tennessee. Ira Louvin (la moitié des frères Louvin) a été tué dans un accident de voiture en 1965. Le succès a surmonté plusieurs de ces décès tragiques, car Cline et Reeves ont tous deux eu de nombreux succès posthumes (avec des chansons précédemment enregistrées publiées après leur mort) et ont bénéficié de solides suivis pendant de nombreuses années, tandis que le frère de Louvin, Charlie, a continué à être un interprète solo à succès pendant plus de 40 ans. Parmi les autres stars pionnières décédées dans les années 1960, on peut citer A.P. Carter, Gid Tanner, Moon Mullican, Ernest « Pop » Stoneman, Red Foley, Leon Payne et Spade Cooley.
Les années 1960 ont commencé une tendance à la prolifération du No. 1 hits sur le Billboard Hot Country Singles chart, grâce à des méthodes de collecte de données en constante évolution. À l’ouverture de la décennie des années 1960, il n’y avait que quatre chansons n ° 1 en tête du classement (cinq, si l’on compte « El Paso » de Marty Robbins), mais au milieu des années 1960, il y avait toujours au moins une douzaine de chansons en tête du classement chaque année. En 1967, plus de 20 chansons ont atteint la première place pour la première fois en une seule année civile… et ce nombre ne fera qu’augmenter au cours des 20 prochaines années.
Alors que la décennie touche à sa fin, les tendances de la mode des années 60 commencent à faire leur chemin dans les cercles de la musique country. Cela a été spécifiquement inspiré par une chanson écrite par le chanteur / compositeur Tom T. Hall sur une mère veuve en minijupe d’une adolescente qui a été critiquée par les responsables de l’école locale pour avoir soi-disant donné le mauvais exemple à sa fille. La chanson a été enregistrée par une jeune secrétaire nommée Jeannie C. Riley, qui a développé un personnage mod en relation avec la chanson en se produisant sur scène en jupes courtes et en bottes go-go. D’autres artistes country féminines ont commencé à emboîter le pas dans les années qui ont suivi, apparaissant également sur scène en minijupes et mini-robes. La chanson a atteint les classements country et pop en 1968; et à ce jour, « Harper Valley PTA » reste la chanson la plus demandée dans les concerts de Riley.
Autres tendances et événements musiquesmodifier
- À la fin de la décennie, le Festival pop de Monterey et Woodstock Le festival de musique incarnerait la contre-culture américaine.
- L’actualité devient une influence majeure sur la musique populaire. De nombreuses chansons sont écrites pour protester contre la guerre du Vietnam. La chanson « Ohio » a été écrite sur le massacre de l’État de Kent, et est devenue un succès pour Crosby, Stills, Nash et Young.
- La musique du monde connaît une énorme augmentation de popularité car beaucoup cherchent à s’intéresser à d’autres cultures. Ravi Shankar se produit aux festivals de Monterey et de Woodstock. L’artiste de rock latin Carlos Santana connaît une popularité tout au long de la décennie. George Harrison développe un intérêt pour la culture Hare Krishna, ajoutant l’influence indienne à la musique des Beatles, y compris l’utilisation d’un sitar. Le Reggae commence à se populariser à cette époque.
- En 1969, les Rolling Stones organisèrent le malheureux concert gratuit d’Altamont.
- Des chansons comme « Summertime Blues » et « Eve of Destruction » abordent la question de l’âge de vote, qui était à l’époque de 21 ans. Le problème était que les soldats étaient enrôlés à 18 ans, mais ne pouvaient pas voter. L’âge du vote a finalement été abaissé à dix-huit ans.
- Quelques chansons telles que « Blowin’ in the Wind » de Bob Dylan s’adressent au Mouvement des droits civiques.
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