Everett Collection/Rex

Aujourd’hui aurait été la collection de Stanley Kubrick 89e anniversaire. Le réalisateur est décédé en 1999 alors qu’il terminait son 13e et dernier long métrage, « Eyes Wide Shut”, à l’âge de 70 ans.

En l’honneur de la carrière du grand réalisateur, huit membres du personnel d’IndieWire — William Earl, Kate Erbland, David Ehrlich, Eric Kohn, Michael Nordine, Zack Sharf, Anne Thompson et cet auteur — ont classé individuellement les films du réalisateur, qui ont été moyennés ensemble pour aboutir à la liste suivante. Alors que Kubrick n’a réalisé que 13 films en 46 ans, il a réalisé plus que sa juste part de chefs-d’œuvre. Comme un signe de la profondeur de la qualité de cette liste, six titres différents ont reçu des votes de première place, tandis que dans le décompte final, la différence entre #1 et #7 était mince.

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« Fear and Desire » (1953)

À l’âge de 23 ans, Kubrick était un photographe assez réussi et avait réalisé deux courts métrages, qu’il a utilisés pour collecter des fonds pour « Fear and Desire », cette histoire d’un soldat qui survit à un accident d’avion et atterrit derrière les lignes ennemies. Tourné en cinq semaines dans les montagnes californiennes avec une équipe de cinq personnes, Kubrick pensait réduire les coûts en tournant le film sans son et en ajoutant de la musique et des effets en post. Le plan s’est retourné contre lui, car les coûts de post-production dépassaient largement son budget. La force du film réside dans la représentation honnête et sans faille de la mort et de l’instinct animal de l’homme retiré de la société. Le film a un sens du réalisme, car vous pouvez sentir les compétences du jeune photographe documentaire derrière l’objectif. Au fil des ans, Kubrick a été gêné par son premier long métrage et a fait de son mieux pour retirer les tirages de la circulation.

« Spartacus” (1960)

« Spartacus”

La star et producteur Kirk Douglas a renvoyé le grand Anthony Mann une semaine dans la production et a embarqué un Kubrick de 33 ans , que Douglas pensait avoir fait du bon travail avec « Paths of Glory. »Cela ne voulait pas dire que l’épopée massive du studio allait devenir un film de Kubrick, mais cela ne l’a pas empêché d’essayer. Kubrick s’est heurté au scénariste Dalton Trumbo, sur le manque de défauts du héros (ce qui est humoristique, si vous avez vu d’autres épopées de cette époque); il s’est battu avec le grand DP de Welles et de Sirk, Russell Metty, sur le choix du cadrage et de l’objectif; et il a été obligé de couper les scènes de bataille sanglantes dont il était le plus fier quand elles s’avéraient trop dérangeantes. En fin de compte, « Spartacus” se classe comme une épopée hollywoodienne décente qui contient le métier de Kubrick. C’était un constructeur de CV important, et l’a initié à la cinématographie de plus grand format et à la profondeur de détail qu’elle pouvait atteindre.

« Killer’s Kiss” (1955)

« Killer’s Kiss”

« Killers Kiss »

À 26 ans, Kubrick emprunte 40 000 $ pour réaliser son deuxième long métrage, qu’il vend à United Artists pour 100 000 $ avec la promesse d’un autre feature 100 000 pour payer son troisième long métrage,  » The Killing. »La force de ce film vient en grande partie de Kubrick-le-photographe-de-magazine-au look-hotshot, plutôt que de Kubrick le cinéaste en herbe. Tourné sur place à New York, le film capture la ville telle qu’elle était réellement, avec des images qui évoquent son atmosphère et son ventre miteux. En particulier, ta scène sur le toit au bord de l’eau montre comment la connaissance de Kubrick de la ville et de la lumière lui a permis de transformer New York en un décor parfait. En racontant l’histoire noire d’un boxeur échoué essayant d’aider une fille empêtrée dans une situation désordonnée, on sent Kubrick essayer d’adapter son sens de la composition au cinéma, avec un instinct de dépouiller une scène de ses éléments les plus élémentaires.

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« Lolita”

« Lolita”

Adapter le roman de Nabokov en film de 1962 n’a pas été une tâche facile. Kubrick devait garder le drame fluide, tout en gardant la sexualité tacite. (Il a fait remarquer plus tard qu’il n’aurait jamais fait le film s’il avait su la bataille perdue qu’il se battrait avec les censeurs.) Malgré cela, Kubrick a beaucoup impliqué dans les performances soignées du film et les transitions de scène chargées.

Mettre la fin formidable du livre au début a été un sacrifice, mais cela a également permis à Kubrick de donner au film un sentiment de fatalisme ainsi qu’un début dramatique. Plus que tout, Kubrick a apporté de l’humour à l’histoire. Peter Sellers et James Mason sont excellents, et Kubrick les a utilisés pour trouver la ligne où il ne compromettrait pas le drame et serait toujours enjoué. C’est un film qui peut sembler un peu ordinaire pour Kubrick au début, mais à chaque visionnement, vous pouvez voir le réalisateur sourire en coin devant leur situation et leur piété. Si Kubrick avait été déchaîné, cela aurait probablement été une comédie noire à part entière.

« Full Metal Jacket” (1987)

« Full Metal Jacket”

Le film de guerre de Kubrick se divise en deux parties distinctes qui se font écho d’une manière qui n’est pas flagrante ou artificielle, mais commence une conversation dans votre tête sur ce qu’être un soldat fait à votre humanité. La première partie est comme une grande pièce en un acte, dans laquelle le sergent d’exercice réel devenu acteur R. Lee Ermey tente de briser un soldat flasque Pyle (Vincent D’Onofrio) pour qu’il devienne soldat. Le dialogue rapide d’Ermey est livré d’une manière qui vous fait croire qu’il était probablement un formidable sergent d’exercice, tout en ayant un sens de l’humour qui est sans cesse citable et amusant. Sous le barrage de dialogues se cache l’arc d’un jeune homme qui n’a manifestement pas la matière pour le couper ; l’armée va le saigner de faiblesse, même au prix de son humanité, pour le transformer en tueur.

Pour la seconde moitié du film, Kubrick a transformé l’Angleterre en Vietnam, faisant exploser de vieux bâtiments, important des arbres de Hong Kong (ainsi qu’une jungle de plastique de Californie qu’il a immédiatement rejetée) et acquérant suffisamment d’hélicoptères et de chars anciens pour lancer sa propre armée. Les résultats sont impressionnants, sinon 100% à la hauteur des normes impossibles que Kubrick s’est fixées. En même temps, le champ de bataille est volontairement étranger, car le personnage de Matthew Modine, en observateur sympathique dans la première partie, tente sans succès de rester à la périphérie de la guerre.

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« The Killing” (1956)

« The Killing”

Kubrick, à 28 ans, pensait que c’était son premier long métrage « mature”. En utilisant son scénariste de pulp préféré Jim Thompson et une distribution de personnages de ses films policiers préférés, le spin de Kubrick sur le film noir est extrêmement divertissant. Alors qu’ils mettent en place les pièces du puzzle nécessaires pour voler la piste de course, et que tout s’effondre glorieusement, il y a une énorme attention aux détails. La fraîcheur et le sens de l’humour de Kubrick en font l’un des films de braquage les plus frais et les plus agréables jamais réalisés. Du point de vue des études kubrickiennes, on sent que le style du réalisateur commence à émerger, mais on voit aussi (ce que Kubrick a découvert lui-même à l’époque) que son approche du cinéma serait bien différente de sa photographie. Il aurait besoin de beaucoup plus de contrôle et de ressources (argent!) pour apporter l’exactitude que sa vision exigeait.

« Eyes Wide Shut” (1999)

« Eyes Wide Shut”

Bros/Kobal/REX/

Il y a une idée fausse que Kubrick était un cinéaste froid. C’est plus que tout au long de sa carrière, il n’a jamais hésité sur la perception que l’humanité s’est complètement défoncée avec son acceptation aveugle des institutions de la guerre, du droit et des hiérarchies sociales. L’institution du mariage et le concept de monogamie tombent dans le même seau pour Kubrick, bien qu’il s’identifie à la lutte de ses protagonistes — et cette relation intime est particulièrement claire dans ce film sur un couple marié (joué par les époux de l’époque, Tom Cruise et Nicole Kidman). Comme Kubrick était un admirateur de longue date du mouvement de caméra ressemblant à une valse de Max Ophuls, vous pouvez sentir la liberté qu’un Kubrick plus âgé s’est accordé pour laisser danser la caméra. S’appuyant sur la matière source freudienne du film, la fascination du cinéaste pour les rituels absurdes de l’homme penche vers une exploration surréaliste et onirique. Pourtant, c’est toujours Kubrick, alors qu’il vise le privilège et le patriarcat — pour ne rien dire de jouer avec le personnage de Cruise à l’écran et en dehors — et le film a tout l’avantage et le mordant de son travail précédent.

« Paths of Glory” (1957)

« Paths of Glory”

Bien que tout soit un film de Stanley Kubrick, ce chef-d’œuvre des années 1960 est une fenêtre sur un autre chemin de la carrière de Kubrick — s’il n’avait pas atteint la liberté artistique et pratiquement inventé sa propre marque personnelle et son mode de réalisation. Kirk Douglas incarne un avocat devenu colonel de l’Armée française qui, en pleine guerre de tranchées de la Première Guerre mondiale, doit défendre trois de ses hommes risquant la peine de mort à la suite de la retraite de leur régiment, refusant un ordre insensé de charger vers un certain massacre. Kubrick a l’aristocratie du pouvoir militaire (merveilleusement incarnée par Adolphe Menjou) dans son collimateur — mais c’est la noblesse et la force du personnage de Douglas face à une mort insensée, magnifiquement réalisée dans les tranchées et la salle de cour, qui ancre ce film.

Alors que le personnage des hommes s’effrite sous une pression extrême, Kubrick crée le héros le plus traditionnel de son récit le plus traditionnel. Le point à retenir est que Kubrick était capable de faire un drame simple extrêmement bien, si nécessaire. La fin du film, où Christiane Harlan chante « Le Fidèle Hussard” dans la salle de bière bondée, est l’une des fins les plus émotives et efficaces de l’histoire du cinéma, car le moment d’humanité partagée apporte une larme de réflexion à la tragédie qui vient de se dérouler. Que l’actrice allemande devienne plus tard l’épouse de Kubrick et son grand partenaire dans le cinéma jusqu’à sa propre mort 42 ans plus tard ajoute un sens supplémentaire à ses fans.

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« A Clockwork Orange » (1971)

”A Clockwork Orange »

La satire sociale de ”A Clockwork Orange » est devenue une partie acceptée de la culture populaire, ce qui masque quelque peu son statut d’une des œuvres les plus capiteuses et les plus risquées de Kubrick. Adapté du livre d’Anthony Burgess de 1962, il raconte l’histoire d’Alex (Malcolm McDowell, dans l’un de ces rôles qui colle à l’acteur depuis des décennies) et des équipages de « droogs”, un groupe de jeunes délinquants violents dans une future dystopie. Dans un film qui explore les dangers potentiels de la façon dont la psychologie comportementale pourrait être utilisée par un gouvernement totalitaire, Kubrick était inhabituellement ouvert en annonçant les thèmes du film qu’il explorait. Il a écrit: « C’est l’histoire de la rédemption douteuse d’un adolescent délinquant par thérapie réflexe de condition. C’est, en même temps, une conférence en cours sur le libre arbitre. »

L’éclat subversif du film est la façon dont Kubrick utilise le cinéma pour non seulement rendre Alex et ses « droogs” agréables au goût, mais aussi inconfortablement divertissants. Kubrick vacille constamment, mais habilement, sur la ligne de l’identification et de la satire de ses personnages nihilistes qui battent, violentent et volent. Dans une combinaison unique de musique et de costumes — parce que ce voyou ne porte pas de justaucorps blancs, un derby noir et aime se détendre avec un peu de Beethoven — Kubrick a créé une version caricaturale de cool. L’utilisation du langage et de la voix off ont également été exécutées avec précision. La décision de Kubrick d’utiliser le mode de parole adolescent inventé par le linguiste devenu auteur Burgess (Nadsat, une forme d’argot anglais influencé par la Russie) était particulièrement importante; elle fournissait un outil de distanciation nécessaire pour que le public se divertisse par la narration joyeusement indifférente et spirituellement inhumaine d’Alex. Lorsqu’il est juxtaposé au double discours politique des responsables gouvernementaux, alors que Kubrick embroche simultanément la gauche et la droite, le film change radicalement de vitesse, alors que le public est confronté à nos propres attitudes morales sur les contraintes de la société, du gouvernement et du concept de libre arbitre.

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« Barry Lyndon” (1975)

« Barry Lyndon”

Délibérément lent dans son rythme et physiquement distant avec un narrateur omniscient qui ne nous pousse que plus loin, ce film vous fascine au point que chaque petite série de HBO est un peu plus loin. le geste est rempli de sens et d’émotion. Basé sur un roman victorien (considéré comme le premier sans héros traditionnel), « Barry Lyndon” est l’histoire d’un Irlandais calculateur et amoral (Ryan O’Neil) qui gravit les échelons de la société. Kubrick raconte l’histoire avec ce qui semble être un détachement cool, mais séduit le public dans la bienveillance. « Barry Lyndon » est aussi un film incroyablement beau et une merveille technique. La distance grand angle du réalisateur est assortie à certains de ses cadrages les plus profonds et à un design de production élégant, avec des costumes qui racontent une histoire riche et en couches. Aidé par la cinématographie de John Alcott, qui a utilisé un objectif spécial f0.7 fabriqué par la NASA pour capturer des images de 70 mm éclairées à la chandelle, est l’un des plus grands de tous les temps.

« The Shining” (1980)

« The Shining”

Warner Bros.

On pourrait dire que le film le plus influent sur ce moment actuel du cinéma est « The Shining. »De par son approche psychologique plus ouverte du genre, son utilisation du lieu et ses mouvements de caméra révolutionnaires, le classique de l’horreur de Kubrick est une pierre de touche essentielle pour cette génération de cinéastes. Fait intéressant, il n’a pas été largement accepté par les critiques, qui ont eu du mal à se connecter à l’écrivain en difficulté de Jack Nicholson qui sombre lentement dans la folie alors qu’il amène sa famille à l’hôtel Overlook. Kubrick a été attiré par la réalisation d’un film d’horreur pour explorer sa profonde méfiance à l’égard des défauts de la personnalité de l’homme. Que les frayeurs et le sentiment de malaise incroyablement efficaces du film proviennent de cette exploration, et l’incroyable descente de Nicholson dans la folie, ne se veut pas accueillant. Pourtant, à l’époque, le film était considéré comme tellement exagéré qu’il est devenu le premier film de Kubrick à recevoir des nominations des Razzies plutôt que de l’Académie.

Le couronnement et la réussite durable du film, cependant, est la façon dont Kubrick a marié son sens précis de la composition et du rythme avec une caméra en mouvement qui a donné vie au ventre psychologique du film. En expérimentant avec l’inventeur et opérateur de Steadicam Garrett Brown, Kubrick a utilisé le nouvel outil et, en faisant 50 prises répétées, a aidé Brown à perfectionner son invention.

 » Dr Strangelove ou: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb” (1964)

« Dr. Strangelove”

Collection FilmStruck /Criterion

L’une des clés pour comprendre l’éclat de ce chef-d’œuvre de comédie noire est que Kubrick a initialement entrepris de faire un thriller plus simple sur une crise des armes nucléaires. En faisant des recherches approfondies, Kubrick n’a pas pu dépasser l’absurdité de la théorie de la « destruction mutuelle assurée” qui justifiait que les deux côtés de la guerre froide stockent sans cesse des bombes nucléaires alors qu’ils imaginaient des scénarios apocalyptiques. En pensant à notre moment politique actuel (qui, naturellement, a des artistes perplexes sur la façon de le gérer), l’idée que Kubrick ait réalisé ce chef-d’œuvre comique à la suite de la crise des missiles de Cuba et à la veille de la guerre du Vietnam est vraiment remarquable. Ce qui est encore plus étonnant, c’est que près de 30 ans après la fin de la guerre froide, le film est toujours aussi frais et perspicace.

Alors que Kubrick se plaît à embrocher des réalités et des personnages politiques réels, la clé est son toucher habile à la comédie. Acceptant à contrecœur l’insistance de Columbia Pictures pour que Peter Sellers joue quatre rôles différents (il n’en a finalement joué que trois) après le succès financier du comédien jouant plusieurs rôles dans « La souris qui Rugissait”, Kubrick a tourné le mandat du studio à son avantage, car Sellers a fourni le timing comique exact nécessaire pour tirer des performances parfaites d’acteurs dramatiques comme George C. Scott et Sterling Hayden. Pourtant, tout le jeu de rôle et l’humour fou étaient un dispositif de livraison pour Kubrick pour tenir un miroir à un monde sur le point de se détruire.

« 2001: A Space Odyssey” (1968)

« 2001:A Space Odyssey”

Avec le recul de près de 50 ans, il est encore difficile d’apprécier pleinement à quel point Kubrick était visionnaire en tant que cinéaste, technicien et penseur. Avec peu de préséance, Kubrick a donné vie à une utilisation artistique des effets visuels de science-fiction (en grande collaboration avec Douglas Trumbull) et à une vision de l’intelligence artificielle (en grande collaboration avec Arthur C. Clarke) qui non seulement se sent encore frais, mais embarrasse (ou du moins devrait-il) les cinéastes en 2017.

Déterminé à réaliser un autre type de film de science-fiction, Kubrick a recruté Clarke pour l’aider à développer une histoire qui explore la relation de l’homme à l’univers. Simultanément, les deux ont travaillé sur un roman et un scénario, en utilisant un premier travail de Clarke comme point de départ, pour étoffer le scénario qui modifie le genre. Pour toutes leurs différentes versions (et éléments abandonnés) alors qu’ils luttaient pour résoudre les complexités, et pour toute l’ingénierie technique de pointe requise par le film, la vision existentielle de « 2001” de Kubrick est brillamment simple et cinématiquement exacte. C’est aussi transcendant, audacieux et distillé que n’importe quel film jamais réalisé.

L’un des aspects les plus importants du film qui est rarement discuté est son importance pour la carrière de Kubrick. Ce n’était pas un film qui a mis des années à être apprécié. Alors que la réaction initiale était mitigée, il a lentement fait son chemin tout au long de l’année (il n’y a pas si longtemps, les films n’étaient pas définis par leur box-office du week-end d’ouverture) pour devenir le film le plus rentable de 1968. Pourtant, il est facile d’imaginer comment un film entêtant de cette envergure aurait pu devenir un flop de film d’art extrêmement coûteux. L’une des clés de Kubrick, intentionnelle ou non, était qu’il était au moins un peu en phase avec l’air du temps. Bien que ce ne soit en aucun cas une condition préalable au grand art, le fait que ce film ait fait sensation et capté l’imagination du public, un an avant de mettre un homme sur la lune, a solidifié sa réputation de visionnaire.

En 1972, « 2001 » figurait déjà dans le sondage Sight and Sound une fois par décennie des plus grands films jamais réalisés. La liberté artistique et financière qu’il a acquise de Warner Bros. a ainsi défini sa carrière ultérieure et lui a permis de réaliser ses cinq derniers films de sa propre manière peu orthodoxe, obsessionnelle et sans entrave. Bien qu’il soit amusant de débattre du meilleur film de Kubrick, c’est celui qui l’a défini.

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