AES+F group

considerat unul dintre cele mai de succes și celebre grupuri de artă de astăzi, AES+F are expoziții în întreaga lume. Instalațiile și proiectele multimedia ale Tatyana Arzamasova, Lev Yevzovich, Yevgeny Svyatsky și Vladimir Fridkes sunt dedicate, în primul rând, culturii globale și analizei valorilor moderne.

filmul lor de instalare „Inverso Mundus” (Latină pentru „lumea inversată”) a fost prezentat la Bienala de la Veneția și încă face turnee în muzee din întreaga lume.

Ivan Aivazovsky

nimeni nu pictează marea așa cum ar putea Ivan! Pictorul Aivazovsky a fost venerat ca unul dintre cei mai prolifici artiști, creând peste 6.000 de peisaje marine. Istoricii de artă și criticii de artă consideră că opera de Artă din Marea Neagră este magnum opus-ul său, rezultatul regândirii de către artist a vieții și carierei sale.

Yuri Albert

Albert’s famous artworks with text often become Internet memes, while his retrospective exhibition, „What did the artist mean by that?”la Muzeul de Artă Modernă din Moscova, a rămas într-o stare de schimbare permanentă pe toată durata sa. Aceasta este ceea ce Yuri Albert este vorba. La vârsta de 15 ani, acest artist conceptualist s-a regăsit în atelierul lui Komar și Melamid, sub influența căruia a început să creeze lucrări care regândesc esența artei moderne.

trucul preferat al lui Albert este să ia o lucrare binecunoscută, să o schimbe și să o transforme în a sa, angajându-se în același timp într-o polemică cu originalul. Luați, de exemplu, seria sa de lucrări de referință în care artistul se compară ironic cu vedetele internaționale de artă.

Leon Bakst

succesul celebrelor sezoane rusești ale lui Serghei Diaghilev la Paris s-a datorat în mare parte lui Bakst. Seturile și schițele sale de costume pentru producțiile Ballets Russes au devenit o senzație în sine: au fost chiar expuse la Luvru, în timp ce stilul Orientalist al lui Bakst a stabilit o modă la Paris pentru turbane, pantaloni largi și peruci colorate.

Andrey Bartenev

excentricul Bartenev și-a făcut un nume în anii 1990: costumele sale realizate din orice materiale disponibile, precum și spectacole și instalații, au devenit un simbol al vremii.

de atunci, el a devenit cunoscut ca „un maestru al scandalosului”, o festivitate unică și un spectacol de mers pe jos: Bartenev iese în evidență într-o mulțime datorită costumelor sale strălucitoare. Ei continuă să fie modul său de a explora lumea sau de a regândi parcele familiare.

Ely Bielutin

artistul avangardist Bielutin avea o reputație de experimentare și mistificare. A înființat un studio la Moscova și un fel de școală numită New Reality, care a unit peste 3.000 de artiști. În 1962, lucrările artiștilor abstracți ai studioului său au fost expuse la sala de expoziții Manezh din Moscova.

expoziția a fost vizitată de secretarul general al Partidului Comunist Nikita Hrușciov, care a urât ceea ce a văzut, descriind-o „o mizerie”. După aceea, noua realitate a fost practic interzisă, Bielutin devenind un pustnic și nu și-a afișat lucrările aproape până la perestroika.

Victor Borisov-Musatov

Borisov-Musatov a fost un simbolist, care sa specializat în pictura conacelor vechi dărăpănate, petreceri de ceai de grădină și membri ai nobilimii ruse la începutul secolului trecut. Ei spun că, în calitate de reprezentant al epocii de argint, a încercat să surprindă „lumea dispărută” și ultimele ecouri ale unei ere ieșite.

div

‘piscina’ a fost punctul de plecare al recunoașterii sale ca artist simbolist: pictura descrie sora și mireasa lui stând lângă un iaz de țară. Imaginea a devenit darul său de nuntă pentru soția sa și primul său succes semnificativ.

Karl Bryullov

Bryullov a fost unul dintre cei mai buni pictori de portrete din vremea sa. A pictat portrete oficiale și private ale aristocrației Ruse, a participat la recepții imperiale și l-a cunoscut pe Alexandru Pușkin.

dar toate acestea au venit după 12 ani de viață în Italia, dintre care șase Bryullov a petrecut lucrând la opera sa monumentală ‘ultima zi a pompei’. Pentru aceasta, artistul a primit Marele Premiu la Expoziția de la Paris și recunoașterea în Europa și Rusia.

Vladimir Borovikovsky

a pictat aristocrația rusă, inclusiv împăratul, dar este mai bine cunoscut pentru portretele sale de tinere doamne, care sunt afișate nu numai în galeria Tretyakov din Moscova, ci și la Luvru din Paris. Realizarea mărcii comerciale a lui Borovikovsky a fost capacitatea sa de a exprima senzualitatea distinctă a modelelor sale.

Grisha Bruskin

In the Soviet Union, his works were rejected, and he found recognition only with the start of perestroika. În 1988, la prima și singura licitație Sotheby din URSS, „lexiconul său Fundamental” a fost vândut unui colecționar occidental pentru un (atunci) record de 416.000 de dolari (în urma unui interogatoriu de către KGB, predecesorul FSB). Câteva săptămâni mai târziu, Bruskin a fost în America, iar opera sa a fost expusă de atunci în cele mai renumite muzee din lume.

‘Lexicon Fundamental este o serie de pânze în care numeroase figurine din ipsos – pionieri, sportivi, proletari, membri Komsomol – poartă emblemele culturii sovietice oficiale, codul vizual al agitației și propagandei sovietice în masă.

David Burliuk

Burliuk a câștigat recunoașterea ca „tatăl futurismului rus” atât în Rusia, cât și în străinătate, în special la New York, unde s-a stabilit în 1922 și a fost activ în cercurile pro-sovietice. Burliuk a promovat futurismul și cubismul prin toate mijloacele disponibile: a publicat o revistă, a tipărit broșuri, a scris poezii și recenzii și a pictat.

succesul autentic i-a venit cu „portretul unchiului meu”, singurul tablou al lui Burliuk pentru care a reușit să găsească un cumpărător în aproape fiecare oraș. A devenit manifestul său de cubo-futurism. „Artistul a creat rapid într-un hotel, lipind tăieturi de ziare într-o față sfâșiată de unghi, care avea trei ochi, două nasuri și așa mai departe”, și-a amintit prietenul și colegul său artist Yevgeny Spassky.

Erik Bulatov

Bulatov a fost unul dintre fondatorii artei sots, alături de Komar și melamid. Expozițiile sale solo se desfășoară în muzee și galerii de top din întreaga lume.

„spațiul este libertate”, spunea Bulatov. Literalmente, ‘glorie PCUS’ este un slogan sovietic stabilit pe fundalul unui cer albastru. Metaforic, libertatea este cea care se scurge chiar și prin grila ideologiei comuniste.

Marc Chagall

unul dintre liderii avangardei ruse, Marc Chagall și-a creat stilul unic, inimitabil. Cea mai faimoasă lucrare a sa descrie tot ceea ce artistul a avut în acel moment în viața sa: el însuși, soția sa și muza veșnică Bella și casele Vitebskului său natal.

această compoziție a rămas cu Chagall în emigrare și în Franța, cu excepția faptului că el și soția sa s-au înlocuit cu un cuplu proaspăt căsătorit, iar Vitebsk cu Paris.

Olga Chernysheva

Chernysheva este unul dintre cei mai căutați artiști ruși de astăzi. Picturile, videoclipurile, grafica și fotografiile ei au fost prezentate la mai multe bienale de la Veneția și sunt expuse în muzee de la Viena la New York.

ea este un străin de monumentalitate, și este inspirat de artefacte mici ale vieții: evenimente banale, cum ar fi un cântec pe metrou sau persoanele fără adăpost de dormit pe o bancă. Ea folosește aceste scene de zi cu zi pentru a crea o imagine (și una foarte intimă) a Rusiei moderne.

Ivan Chuikov

Un alt erou al subteranului artistic sovietic, Chuikov este fascinat de ideea de a combina iluzia și realitatea, diferite stiluri și limbi. Așa a apărut seria lui ‘ Windows…’. De exemplu, în profilul său „Roman”, se poate descifra faimosul portret al lui Piero della Francesca al lui Federico da Montefeltro. Dar pentru Chuikov, este doar o siluetă și un punct roșu. Ce este cu adevărat? Soarele? Sau o vedere cu laser cu punct roșu îndreptată spre templul unei ființe clasice ridiculizate de postmodernism?

lucrările lui Chuikov pot fi găsite la Centrul Pompidou, Muzeul de artă Zimmerli, Muzeul Rus și galeria Tretyakov.

Aleksandr Deyneka

această figură majoră în arta oficială sovietică a fost unul dintre pilonii realismului socialist, sărbătorind sănătatea, sportul, munca și noul mod de viață sovietic. El a lustruit acest stil la perfecțiune: bărbații și femeile sale puternice, pompate neobosit și, cu un zâmbet pe fețe, apără orașele, lucrează în fabrici și glorifică Partidul.

contemporanii lui Deyneka fie l-au idolatrizat, fie l-au urât: unde a descris eroismul în numele comunismului, alții au văzut privarea și lipsa de alegere. La urma urmei, proiectele sale utopice au fost create pe fondul sărăciei în masă și al represaliilor.

Elena Elagina și Igor Makarevich

Acest duo de Conceptualiști din Moscova, considerați deja legende vii ale artei contemporane, experimentează crearea utopiilor sociale cu ajutorul personajelor fictive.

unul dintre cele mai complexe și mai lungi dintre ele, proiectul homo lignum, este încă în desfășurare. Ea spune povestea unui umil contabil, Nikolai Ivanovici Borisov, care are o dorință maniacală de a deveni un copac.

Aleksandra Ekster

Ekster a fost una dintre „amazoanele avangardei” și un accesoriu la toate expozițiile majore ale noii arte de la începutul secolului 20. În 1907, a plecat pentru o vreme la Paris, unde s-a împrietenit cu Pablo Picasso, Fernand Leger, Guillaume Apollinaire și mulți alții, după care a început să promoveze lucrările lor acasă, ajutând artiștii avangardiști ruși să-și adapteze tehnicile la munca lor.

Ekster însăși a fost un adept al futurismului și, mai precis, al formei sale rusești deosebite, cubo-futurismul. Ea a ilustrat reviste futuriste, a proiectat seturi de teatru, costume, Perne și chiar o uniformă pentru Armata Roșie. Dar în 1924, a mers la Bienala de la Veneția și nu s-a mai întors niciodată în Rusia.

Semen Faibisovich

un maestru al fotorealismului, Faibisovici pictează în principal Moscova. Mai mult, ca subiect al său, el alege caracteristicile mai puțin atractive ale orașului: curți ponosite, pustii, chioșcuri, câini vagabonzi, muncitori oaspeți, oameni fără adăpost, trecători obișnuiți. Cu toate acestea, tocmai din acest motiv se crede că lucrările lui Faibisovici surprind natura evazivă a timpului. Și sunt vândute la peste 400.000 de dolari de către cele mai importante case de licitații din lume.

20. Nicolai Fechin

după ce a respins Revoluția, Fechin a emigrat în SUA în 1923, unde a trăit fericit timp de 30 de ani. De aceea există atât de multe dintre lucrările sale în muzee americane și colecții private din străinătate.

toate acestea, înainte de a părăsi Rusia, a reușit să creeze una dintre cele mai semnificative picturi ale sale, portretul unei tinere Varya adoratskaya, care este adesea comparată cu ‘fata cu piersici’a lui Serov.

în zilele noastre, Fechin este printre cei mai scumpi artiști ruși: în 2010, pânza sa a fost vândută pentru 11 milioane de dolari la o licitație MacDougall.

Pavel Fedotov

în Imperiul Rus, căsătoria nu era adesea pentru dragoste. Societatea nu arata favorabil pe căsătorii inegale, dar mulți oameni în mijlocul secolului al 19-lea încă considerat o modalitate foarte bună de a îmbunătăți situația financiară și statutul social. Aceasta este una dintre cele mai faimoase picturi ale unui artist de gen principal, Fedotov.

în timp, imaginea a provocat o agitație: un comerciant se căsătorește cu o fiică cu un ofițer falimentar; mirele va primi o zestre, în timp ce comerciantul va deveni legat de nobilime.

Konstantin Flavitsky

ca mulți artiști din secolul al 19-lea, Flavitsky a petrecut timp studiind în Italia și este amintit pentru o singură capodoperă.

picturile au fost respinse de critici ca „o imitație a lui Bryullov”, dar artistul a reușit totuși să lase o urmă în istorie. Moartea reală a Prințesei Tarakanova (numele ei real rămâne necunoscut), care pretindea că este fiica împărătesei Elisabeta, nu a fost exact așa cum a fost descrisă – a murit prizonieră politică, cu excepția nu într-un potop, ci de tuberculoză. Nu că ar fi contat în mod deosebit: Prințesa Tarakanova a devenit triumful lui Flavitsky. Cu toate acestea, la scurt timp după crearea tabloului, a murit din cauza consumului, pe care îl contractase în Italia.

Pavel Filonov

avangardă artistul Filonov s-a considerat comunist și a crezut că oamenii au nevoie de arta sa. El a folosit termenul „artă analitică” pentru a descrie imaginile sale multidimensionale și a refuzat să-și vândă lucrările oricui. Asta l-a ucis în cele din urmă: în timpul asediului Leningradului, s-a așezat într-o mansardă rece ca gheața păzindu-și tablourile și a dezvoltat pneumonie, care l-a ucis.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. Cu toate acestea, el a fost convins că acesta a fost modul de a găsi adevărate emoții și semnificații în comploturi cunoscute.

GE a pictat faimoasa sa Golgota cu un an înainte de moartea sa. „Da, această pictură m-a chinuit teribil”, i-a scris prietenului său Leo Tolstoy. „Ieri, am găsit ultimul lucru de care am nevoie, o formă care este destul de vie. Am găsit o modalitate de a-l înfățișa pe Hristos și pe cei doi hoți împreună pe Golgota, fără cruci… Într-un cuvânt… trei suflete vii pe pânză. Eu însumi plâng când mă uit la această imagine.”

Natalia Goncharova

Goncharova, împreună cu soțul ei Mikhail Larionov, a fost printre pionierii avangardei rusești. Din 1914, a lucrat la Sezoanele rusești ale lui Diaghilev la Paris, unde a rămas până la moartea ei în 1962.

astăzi, lucrările ei pot fi găsite în cele mai importante colecții de artă din lume, inclusiv Tate Modern din Londra și Centre Pompidou din Paris. În 2010, Christie ‘ s a vândut un tablou al ei pentru 9 milioane de dolari, făcând-o cea mai scumpă (la acea vreme) artistă feminină din istorie.

Teofan grecul

un pictor de frunte al vechiului rus, Teofan grecul, este creatorul unuia dintre cele mai sfinte obiecte din creștinismul ortodox rus. Icoana sa a Fecioarei cu copilul Hristos în brațe este considerată a fi miraculoasă: conform legendei, a ajutat adesea în bătălii.

această imagine, ca și trinitatea lui Andrei Rublev, a devenit parte a codului cultural rus.

Dmitri Gutov

gutov aparține generației de artiști care au intrat în propriile lor la începutul anilor 1990. El creează noi lecturi ale obiectelor canonice în cultură, limba rusă, icoanele rusești și arta clasică, în convingerea că esența lor poate fi transmisă în câteva minute. Obiectele sale de artă cele mai recunoscute sunt panourile metalice cu o versiune de Rembrandt și icoane vechi rusești. Odată ce privitorul se mișcă puțin în lateral, imaginea este distorsionată. Ideea este că această distorsiune trece prin toate etapele dezvoltării secolului 20, de la cubism la expresionism la abstractizare.

lista locurilor de artă în care artistul a expus vreodată este practic nesfârșită, de la Bienala de la Veneția și Sydney și documenta din Kassel până la Muzeul Guggenheim.

Alexander Ivanov

Ivanov a fost un artist apropiat împăratului. El a fost deosebit de cunoscut pentru picturile sale inspirate din comploturi biblice și mitologice. Societatea artiștilor și-a finanțat chiar călătoria în Italia „pentru îmbunătățiri ulterioare”.

Ivanov s-a întors din Italia numai după ce și-a încheiat principalul opus despre apariția lui Mesia. I-au trebuit 20 de ani și 600 de schițe. Pânza uriașă a fost cumpărată și adusă la Sankt Petersburg de împăratul Alexandru al II-lea. pentru a găzdui pictura, trebuia construită o clădire dedicată.

Francisco Infante

născut în Rusia în familia unui politician spaniol de la Al-Qaeda, Infante a devenit cel mai faimos reprezentant al artei terestre rusești și al artei cinetice. Artistul numește instalațiile sale abstracte „artefacte” – plasează oglinzi și structuri în mișcare în peisaje naturale, făcând din natură o parte integrantă a unei opere de artă.

Infante este considerat un succesor al tradițiilor avangardei ruse, în special Malevich și Tatlin. Lucrările sale pot fi găsite în peste 30 de muzee și colecții private din întreaga lume.

Alexej von Jawlensky

un artist expresionist care s-a născut și a crescut în Rusia, dar a devenit celebru în Germania. Un fan al lui Van Gogh, Gauguin, Cezanne și Matisse, un prieten apropiat și aliat al lui Wassily Kandinsky, Jawlensky era aproape de abstractizare, dar a rămas undeva la granița dintre ea și arta figurativă. Cea mai mare colecție a operelor sale poate fi găsită în Wiesbaden.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Împreună cu colegii săi artiști – Malevich, Chagall, Goncharova, Larionov și alții – s-a despărțit nemilos de tradițiile picturii realiste.

compoziția sa vii este considerată punctul culminant al operei sale în perioada anterioară primului război mondial. Puteți face în ea Învierea, Ziua Judecății, potopul și Grădina Edenului? Aceasta este ceea ce Kandinsky a descris în ea, conform notelor sale.

Ilya și Emilia Kabakov

în în 2008, Beetle a doborât un record de preț: a fost vândut pentru 2,6 milioane de dolari (aproape 6 milioane de dolari), iar opera lui Kabakov a devenit cea mai scumpă dintre artiștii ruși vii. De atunci au rămas în fruntea acestei liste.

Orest Kiprensky

când Kiprensky a terminat portretul marelui poet Alexandru Pușkin, acesta din urmă i-a dedicat o poezie, care spunea: „astfel, de acum înainte, privirea mea va fi cunoscută la Roma, Dresda și Paris.”

profeția poetului s-a dovedit a fi corectă. Pictorul portret Kiprensky, care în Occident a fost comparat și uneori chiar confundat cu Rembrandt și Rubens, a creat ceea ce a devenit cea mai faimoasă descriere a lui Pușkin în cultura populară: așa arată marele poet oamenilor din Rusia și din restul lumii.

Ivan Kramskoi

încă nu s-a stabilit cine este această tânără, descrisă de ideologul artiștilor „peredvizniki ruși”. Kramskoi a ales să păstreze secretul și nu și-a dezvăluit identitatea, chiar și în jurnalele și notele găsite după moartea sa. În zilele noastre, unul dintre cele mai emblematice portrete din arta rusă este supranumit „Mona Lisa rusă”.

Konstantin Korovin

un reprezentant proeminent din „impresionismul rus”, Korovin a fost inspirat de orașul Paris și a pictat multe dintre cele mai bune peisaje ale sale acolo. Prin urmare, nu este surprinzător faptul că a avut un succes imens în Franța: acolo i s-a prezentat l-ul Gion d ‘ Honneur și a primit medalii de aur și argint pentru lucrările sale.

după Revoluția Rusă, artistul a decis să fugă din țara sovieticilor: a găsit politicile noului guvern opresive. În 1922, a primit permisiunea de a pleca – pentru tratament medical și organizarea unei expoziții personale – dar nu s-a mai întors niciodată. Nu este surprinzător că sa stabilit la Paris.

Alexander Kosolapov

Coca-Cola a promis să distrugă kosolapov. El a atras atenția FBI, expozițiile sale din Rusia au fost anulate, iar unele dintre lucrările sale au fost chiar judecate. Metoda sa constă în combinarea lucrurilor care nu pot fi combinate, cum ar fi, de exemplu, profilul lui Lenin cu sigla celebrei companii.

într-adevăr, arta lui kosolapov este provocatoare și adesea scandaloasă, dar acest lucru nu-l împiedică să rămână un maestru respectat al artei sots (versiunea sovietică a artei pop), ale cărui lucrări pot fi găsite în colecțiile celor mai bune muzee din lume.

Irina Korina

pentru Korina, participant la proiectul principal de la Bienala de la Veneția din 2017, chiar și cele mai aparent nesemnificative detalii ale vieții de zi cu zi, de la iluminarea străzii din Moscova până la coroane funerare până la plase de schele, sunt o chestiune de reflecție. Ea este descrisă ca un maestru al instalării totale. Cele mai recente expoziții solo ale korinei au avut loc la Fundația GRAD din Londra, Academia de muzică din Brooklyn din New York și la Festivalul Steirischer Herbst din Graz, Austria.

„the tail wags the comet”, un imens turn cu trei etaje, a apărut la Muzeul garajului din Moscova și a devenit o colecție de citate din cariera ei.

Pyotr Konchalovsky

el este cunoscut sub numele de „principalul rus c inktsannist”, principalul „impresionist rus” și unul dintre cei mai „scumpi” artiști ruși la licitațiile internaționale. În ciuda faptului că a împrumutat mult de la artiștii francezi, Konchalovsky a reușit totuși să-și găsească propriul stil, pe care criticii occidentali l-au descris adesea drept „Slav”.

acasă, contemporanii lui Konchalovsky i-au respins arta atât de mult încât chiar au refuzat să-și expună lucrările lângă ale sale. Cu toate acestea, când în 1924 URSS a participat pentru prima dată la Bienala de la Veneția, acestea erau picturile lui Konchalovsky – 13 dintre ele – care au fost expuse la pavilionul sovietic.

Vitaly Komar& Alexander Melamid

principalii „troli” ai artei sovietice oficiale și-au creat propriul gen unic de artă sots, echivalentul sovietic al artei pop. Au făcut tăieturi din muștiucul sovietic, ziarul Pravda, s-au descris ca Lenin și Stalin, au semnat principalele sloganuri Sovietice cu numele lor și l-au plasat pe Lenin împotriva logo-ului McDonalds.

chiar și după ce au părăsit URSS, artiștii nu și-au oprit trollingul caustic. Lista țintelor lor a inclus Andy Warhol (pe care îl numesc „un idiot”) și Gerhard Richter („așa ar picta un animal dacă i s-ar da o perie”).

Valery Koshlyakov

picturile lui Koshlyakov au o serie de trăsături distinctive izbitoare: sunt aproape întotdeauna pictate pe carton ondulat texturat și aproape întotdeauna peisajele sale urbane „curg” pe suprafața pânzei. Imagini ale trecutului, ruine, mitologia greacă, memorie – acestea sunt personajele sale actuale atemporale.

Koshlyakov locuiește în prezent la Paris și este foarte solicitat: a expus la Luvru, Muzeul Guggenheim, Bienala din San Paolo și Veneția. Cu toate acestea, chiar și în aceste zile, îi place să-și amintească cu un sentiment de ironie că prima sa expoziție a avut loc într-o toaletă publică provincială.

Geliy Korzhev

div

Korzhev, în glumă, s-a numit „realist socialist vechi”. Criticii de artă l-au etichetat „un reprezentant al stilului Auster”. Cu toate acestea, arta lui Korzhev a depășit aceste limite: în ciuda faptului că a deținut funcții destul de înalte în Uniunea Artiștilor sovietici, a reușit să scape din comisiile politice într-o sferă senzuală, uneori suprarealistă. El este mai presus de toate un artist de emoție umană puternică, pentru care războiul, revoluția și „proiectele de construcție ale secolului” sovietice erau doar un fundal.

Arkhip Kuindzhi

el a fost adesea acuzat că a folosit diverse trucuri, cum ar fi utilizarea dispozitivelor ascunse pentru a-și lumina picturile. În schimb, binevoitorii săi l-au numit „monetul rus” pentru munca sa magistrală cu culori. Noaptea lui luminată de lună … cu lumina lunii reflectată în râul Nipru a devenit o senzație. Cu atât mai mult, deoarece a fost prima dată în istoria artei rusești că o expoziție a constat dintr-o singură lucrare.

succesul său a fost de așa natură încât Kuindzhi a intrat într-un exil voluntar timp de 30 de ani: criticii nu au acceptat lucrări care au urmat ‘noaptea luminată de lună…’, iar artistul a petrecut mult timp luptându-se cu ea.

Boris Kustodiev

aroma națională, de la samovare și târguri până la femei pline în rochii colorate, este ceea ce l-a atras pe Kustodiev și l-a distins de alți artiști ai timpului său. Este singurul artist rus care a câștigat vreodată o medalie de aur la Bienala de la Veneția.

frumusețea, o reprezentare a soției unui negustor rus, a devenit manifestul său și rezultatul căutării unui stil unic. „Femeile subțiri nu inspiră creativitatea”, spunea el. Artistul a creat această lucrare și alte lucrări celebre în timp ce era deja paralizat – a avut mai multe operații pe măduva spinării.

Oleg Kulik

‘Mad Dog’ a fost prima reprezentație a lui Oleg Kulik: gol, s-a târât pe toate patru și a atacat trecătorii. Personajul său principal a devenit unul dintre simbolurile nebunilor din anii 1990, iar Kulik – unul dintre fondatorii artei de acțiune din Moscova.

mai târziu, artistul a încercat să el însuși într-o varietate de stiluri și tehnici, de la sculptură la pictură, și continuă să experimenteze până în prezent. Lucrările sale pot fi găsite la Centre Pompidou din Paris și Tate Modern din Londra.

Mikhail Larionov

A persoana nu percepe un obiect, ci un grup de raze provenind dintr – o sursă de lumină și reflectate din acest obiect-așa a explicat Larionov rayonismul, o mișcare de artă abstractă avangardistă pe care o inventase.

în același timp, Larionov însuși a echilibrat constant între arta reprezentativă și cea abstractă și a lăsat o moștenire destul de diversă. El a fost căsătorit cu” Amazonul avangardei”, Natalia Goncharova, dar, spre deosebire de soția sa, în timp ce se afla în emigrare în Franța în ultimii 30 de ani ai vieții sale, nu a creat nimic semnificativ.

Aristarkh Lentulov

Lentulov a jonglat cu îndrăzneală diferite stiluri: lucrările sale au fost influențate acum de simboliști și impresioniști, acum de cubiști și abstracționiști. Dar el a fost unul dintre primii care și-a construit arta în jurul culorii, mai degrabă decât un obiect.

culorile revoltătoare ale diferitelor sale lucrări i-au adus porecla de „artist al soarelui”. Pentru a da doar un exemplu grăitor din viața lui Lentulov: la aniversarea Revoluției din octombrie, a pictat copacii și gazonul de pe Piața Teatralnaya (lângă Kremlin) într-o culoare violetă violentă.

El Lissitzky

Acest este ceea ce arată un poster de propagandă dacă este creat de un susținător feroce al suprematismului. Triunghiul roșu simbolizează Armata Roșie bolșevică, care zdrobește apărarea Armatei Albe imperialiste cu o pană.

El Lissitzky a fost asociat al lui Malevich și a contribuit la dezvoltarea ideilor artei avangardiste. De exemplu, datorită lui suprematismul și-a făcut loc în arhitectură.

Isaac Levitan

Levitan a fost îndrăgostit de mediul rural rusesc și a devenit Maestru al „peisajului de dispoziție”. În cele din urmă, asta i-a asigurat calitatea de membru al Academiei de Arte. Artistul evreu a trebuit să parcurgă un drum lung pentru a obține această distincție: unii dintre profesorii lui Levitan credeau că un evreu nu ar trebui să atingă peisajul rusesc, deoarece numai artiștii etnici ruși ar putea descrie natura rusă. Mai mult, Levitan a fost expulzat din capitală, printr-un decret regal, pentru că era evreu.

încă, timpul a stabilit totul drept: există o opinie larg răspândită că „deasupra păcii veșnice” este „cea mai Rusă” dintre toate picturile pe tema rusă.

Dmitry Levitzky

aici este un alt maestru din secolul al 18-lea al portretului Oficial. Talentul său se manifestă prin cercul ilustru al sitterilor săi, de la împărăteasa Ecaterina cea mare și filosoful francez Denis Diderot la Prokofiy Demidov, un magnat minier.

Demidov avea reputația unui magnat educat și a unui excentric. De exemplu, odată ce a cumpărat toată fibra de cânepă din Sankt Petersburg rezervată de obicei britanicilor pentru a le învăța o lecție, care în timpul șederii sale în Anglia l-a obligat să plătească un preț exorbitant pentru o marfă de care avea nevoie. Și pentru portretul său oficial, Demidov a ales să se îmbrace nu în uniformă cu toate premiile sale, ci într-un halat și un capac de noapte…

Kazimir Malevich

Malevich este principalul simbol al avangardei ruse, în timp ce pătratul său negru este un manifest pictural al suprematismului. Malevich credea că după Suprematism nu exista artă, așa că a sugerat arderea tuturor picturilor și afișarea cenușii lor în muzee. Tragic, acest lucru s-a întâmplat parțial în primele luni după Revoluția Bolșevică din 1917.

Filipp Malyavin

„gol!”Așa a răspuns Academia de Arte din Petersburg la lucrarea de absolvire a expresionistului Malyavin „râsete”. Absolventul nu a disperat, iar doi ani mai târziu și-a luat femeile țărănești râzând cu el la Paris. Acolo, pânza a provocat senzație la Târgul Mondial: artistului i s-a prezentat o medalie de aur, iar pictura a fost cumpărată de guvernul Italian pentru o galerie de artă Modernă din Veneția.

inutil să spun, Malyavin sa întors în Rusia o celebritate. Toate criticile aduse ‘râsului’ au fost uitate imediat și în 1906 a devenit membru al Academiei.

Vladislav Mamyshev-Monroe

un maestru al reinventării, și-a transformat viața într-o performanță de-a lungul vieții. Practic, singurul reprezentant al artei travestite din Rusia, Mamyshev-Monroe a explorat personalitățile unor figuri celebre din istoria lumii și cultura pop, încercând imaginile lor pentru el însuși.

în timpul vieții sale scurte (a murit la vârsta de 44 de ani), artiștii au încercat o multitudine de personalități celebre, de la Marilyn Monroe și Hitler la Isus Hristos și Lenin la Andy Warhol și Vladimir Putin.

Konstantin Makovsky

la sfârșitul secolului al 19-lea, Makovsky a fost considerat un pictor portret la modă și scump și autor al picturilor istorice. El a avut, de asemenea, o mare medalie de aur a Târgului Mondial de la Paris la numele său.

încă, Makovsky adesea pictate imagini emoționante și sentimentale despre viața rurală grea. Fata lui desculță care aleargă cu fratele ei dintr-o furtună este o adevărată scenă din viață observată de artist în timpul uneia dintre călătoriile sale în provinciile rusești.

Vera Mukhina

One dintre principalele simboluri ale erei sovietice și propaganda monumentală, femeia muncitoare și colhoz de 24 de metri înălțime a fost creată pentru Târgul Mondial din 1937 de la Paris. Autorul, Vera Mukhina, a dorit să înfățișeze cele două figuri goale, cu toate acestea, partidul a cerut ca acestea să fie „îmbrăcate”. Acest detaliu, cu toate acestea, nu a diminua efectul pe care monumentul produs: francezii chiar au vrut să-l cumpere, dar Uniunea Sovietică a refuzat.

Vera Mukhina îndeplinea ordinele de stat pentru monumente din 1920, dar, în ciuda numeroaselor premii (avea doar patru premii Stalin), nu a fost niciodată însărcinată să facă sculpturi nici ale lui Lenin, nici ale lui Stalin. Motivul a fost că Mukhina nu a fost considerată suficient de fiabilă. La începutul anilor 1930, a fost chiar expulzată de la Moscova, iar după expoziția de la Paris, a fost emis un ordin pentru a nu-i permite niciodată să plece în străinătate.

Irina Nakhova

artist Conceptual nakhova este considerat autorul primelor „instalații totale” din arta contemporană rusă. La mijlocul anilor 1980, ea a schimbat una dintre camerele din apartamentul ei dincolo de recunoaștere, devenind astfel simultan autorul operei sale și un personaj care trăiește în interiorul ei. Astfel, timp de câțiva ani, apartamentul ei a servit drept teren de testare pentru experimentele ei. În 2015, Nakhova a devenit prima artistă feminină care a fost expusă în pavilionul rus la Bienala de la Veneția.

Ernst Neizvestny

Neizvestny a creat lucrări monumentale acest lucru poate fi văzut astăzi în Rusia, Ucraina, SUA, Egipt, Suedia și Vatican. Cu toate acestea, în Uniunea Sovietică, sculptorul a fost supus unui ostracism dur. Din cauza dezacordurilor cu stilul cultural Oficial-realismul socialist-a fost sălbatic de ziare; bătut pe stradă și convocat pentru discuții cu oficialii Partidului. Șeful statului de atunci, Nikita Hrușciov, și-a numit lucrările „artă degenerată”. În mod ironic, când Hrușciov a murit, familia sa a comandat piatra funerară de la Ernst Neizvestny (și a făcut — o din două blocuri de marmură — alb și negru-simbolizând contradicțiile interne ale lui Hrușciov).

probabil cel mai faimos lucrarea este ‘mask of sorrow’, un monument de 15 metri din Magadan, dedicat memoriei victimelor represiunii politice. Se află pe locul unui lagăr de tranzit din epoca Stalin, de unde prizonierii au fost trimiși în lagărele de muncă Kolyma.

Vladimir Nemukhin

nemukhin este unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai artei nonconformiste sovietice. A fost expulzat din Institutul de artă pentru limbajul său radical și a fost interzis oficial, deși s-a bucurat de popularitate în rândul publicului în perioada dezghețului Hrușciov.

In 1956, l-a cunoscut pe Oscar Rabin si s-a alaturat grupului Lianozovo. Timp de mulți ani, trucul său preferat, „semnătura” lui și subiectul multor lucrări ale sale au fost cărți de joc. Ei au fost întotdeauna prezenți în lucrările sale – ca o singură carte, în perechi sau în solitaire – devenind un simbol al incertitudinii viitorului.

Mikhail Nesterov

artistul religios Nesterov a creat imaginea „Hristosului rus” prin imaginea lui Sergius din Radonej, un sfânt și ascet al Bisericii Ortodoxe Ruse. Nesterov i-a dedicat un ciclu imens de picturi, dar a considerat ‘viziunea tinerilor… cea mai bună lucrare a lui.

și totuși, Nesterov (care era rar mulțumit de lucrările sale și le distrugea adesea) a deteriorat și această pânză: a căzut pe imagine când revopsea fața tineretului pentru a suta oară.

Timur Novikov

Novikov este fondatorul și liderul uneia dintre principalele asociații de artă din arta contemporană rusă din anii 1980 numită noi artiști. Odată a expus un scut de placaj cu o gaură în el, numind lucrarea ‘obiect Zero’. Novikov este cel mai bine cunoscut pentru țesăturile sale appliqueux.

el a fost creditat cu continuarea lucrarea avangardei ruse în noile realități și cu materiale noi. La sfârșitul anilor 1990, a expus la Tate Din Liverpool, la Stedelijk din Amsterdam, în muzee și galerii din Berlin, Hamburg, Paris, New York, Moscova și Sankt Petersburg.

Boris Orlov

un clasic al artei sots, în lucrările sale Orlov explorează stilul imperial și fenomenul unui imperiu în sensul cel mai larg. Lucrările sale pot descrie diferite epoci istorice în diferite culturi, dar toate se învârt în jurul unui subiect – sistemul patriarhal bazat pe ideea dominației.

One dintre metodele sale preferate este utilizarea accesoriilor militariste: „pentru că un imperiu are de obicei o față militară. Și chiar și unul non-militar își pune o uniformă.”

Anatoly Osmolovsky

Osmolovsky este principalul artist activist al Rusiei, ale cărui acțiuni, poezii, prelegeri și chiar lupte s-au ridicat la o declarație politică interesantă în anii 1990. el a purtat un frigider cu un bust Lenin în interiorul Pieței Roșii; a pus un cuvânt obscen pe aceeași piață cu trupurile tovarășilor săi; a fumat pe umărul statuii Mayakovsky și a fost în spatele multor alte acțiuni și întâmplări.

În 1998, el și alți 300 de activiști au baricadat strada Bolshaya Nikitskaya, care duce la Kremlin, timp de trei ore, dedicându-și acțiunea Revoluției Franceze din 1968. Șapte lideri ai acelei procesiuni au fost ulterior condamnați și condamnați la amenzi.

Vasily Perov

multe dintre picturile lui Perov au provocat dezbateri aprinse între contemporanii săi. Artistul a pictat scene din viața aspră a oamenilor obișnuiți. ‘Troica…’, înfățișând copiii care au fost aduși din sat în oraș ca forță de muncă angajată, este poate cea mai bună lucrare a sa pe această temă.

Yuri Pimenov

Pimenov a fost un adept loial al Politicii artistice a Partidului Comunist. În cele mai întunecate vremuri ale epurărilor lui Stalin, el a pictat scene idilice ale vieții de zi cu zi a poporului sovietic și a glorificat muncitorii din fabrici și fabrici.

noua sa Moscova este unul dintre cele mai bune exemple de realism socialist: o femeie, ca simbol al unei noi ere, conduce prin înflorirea Moscovei. Se presupune că destinația ei nu este un viitor mai puțin luminos și frumos.

Pavel Pepperstein

pepperstein sa născut și a crescut în cercul conceptualiștilor din Moscova (tatăl său este faimosul artist Viktor Pivovarov). Poate de aceea impulsul său creativ a fost hrănit încă de la început. Astăzi, Pepperstein este unul dintre cei mai prolifici artiști ruși și un scriitor celebru.

în lucrările sale, el creează lumi fictive întregi și propria sa mitologie. Ceea ce îl face deosebit de popular printre intelectuali.

Kuzma Petrov-Vodkin

era fiul unui cizmar care dorea să picteze icoane. Deși nu a devenit pictor de icoane, artistul a fost făcut faimos în întreaga lume prin imaginea lui Mesia descrisă ca un tânăr pe un cal roșu. Creat cu câțiva ani înainte de Revoluția rusă, această pictură este considerată profetică și are numeroase interpretări. Conform unei teorii, calul este Rusia, care aștepta un destin” roșu ” în secolul 20.

Dmitri prigov

de educație, prigov a fost sculptor și așa și-a câștigat viața în perioada sovietică, deși toată activitatea sa creativă ocupată avea ca scop să devină el însuși un „monument”. În anii 1970, a devenit cunoscut și ca poet care și-a transformat recitalurile în spectacole reale. Așa-numitele „cutii” ale sale, care se presupune că conțin cuvinte unice și poezii întregi, seamănă cu conservele de tablă ale lui Piero Manzoni cu „rahatul artistului” scris pe ele. Astfel, Prigov a echivalat poezii cu toate celelalte secreții ale corpului.

cu sosirea din perestroika, prigov s-a îndepărtat de spectacolele poetice la arta conceptuală: a creat artă grafică, instalații, colaje, idei încrucișate, cuvinte și gânduri, „descifrarea genomului culturii” și noi simboluri.

Vasily Polenov

One dintre cei mai importanți artiști religioși, Polenov a dorit să creeze ceva la fel de ambițios ca Ivanov ‘apariția lui Hristos în fața poporului’. În acest scop, el a pornit într-o călătorie de un an prin Constantinopol, Palestina, Siria și Egipt, de unde a adus primele schițe la ‘Hristos și femeia luată în adulter’, lucrarea sa principală. Călătoria de la idee la finalizarea pânzei bazată pe o scenă din Evanghelia lui Ioan ia luat până la 15 ani.

Lyubov Popova

în ciuda faptului că a murit foarte tânăr (de scarlatină la 35 de ani împreună cu fiul ei), în viața ei artista a reușit să fie futuristă, studentă a lui Malevich, adept al cubismului și, în cele din urmă, constructivist. În această calitate finală, Popova a proiectat Haine de lucru pentru profesii „revoluționare”.

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the „secret life of the human soul”. În cuvintele fiului artistului, Pavel Pepperstein,” toată viața lui, Pivovarov a pictat camera sufletului”, unde toate atributele externe, precum priveliștea de pe fereastră, devin parte din ea.

principala „invenție” a lui Pivovarov a fost genul unui album conceptual. În acest gen a creat unul dintre cele mai faimoase cicluri ale sale, ‘proiecte pentru un om singuratic’, pictând rutina zilnică, visele, interiorul și chiar cerul unui erou, care se confruntă cu o singurătate extremă. De altfel, mulți spectatori se recunosc în rutina zilnică a eroului. „În principiu, nu s-a schimbat prea mult”, spune artistul.

Vasili Pukirev

„printre colegii săi artiști și studenți, el a lăsat o amintire caldă și durabilă, iar în istoria artei rusești – o urmă strălucitoare, deși scurtă”, au spus contemporanii artistului în necrologul său. Într-adevăr, Pukirev, ca un număr de colegi, a devenit autorul unei capodopere.

căsătoria inegală l-a propulsat în rândurile pictorilor de gen de frunte de la mijlocul secolului al 19-lea, dar a rămas singura capodoperă a lui pukirev.

Recycle group

grupul de artă de Andrey Blokhin și Georgy Kuznetsov din Krasnodar a fost înființat în 2008 și a expus deja de trei ori la Bienala de la Veneția cu instalații totale și proiecte multimedia despre realitatea augmentată. Toate lucrările lor, într-un fel sau altul, se referă la viața unei persoane moderne în epoca Internetului și a diferitelor Gadgeturi.

‘conversie’ este un construcție, cu sculpturi și basoreliefuri reprezentând „Neo-apostoli”, purtătorii unei noi religii numită „rețea globală”.

Oscar Rabin

Rabin este liderul nonconformismului, arta sovietică neoficială din anii 1960-1970. picturile sale sunt pline de tot ceea ce a fost interzis de arta oficială sovietică-barăci, halde de gunoi, sticle de vodcă și ziare mototolite. Ele descriu cealaltă parte și mai mare a realității sovietice lucioase.

artistul a spus că tot gunoiul din suburbii era el însuși: „am pictat o singură imagine toată viața mea – portretul meu pe fundalul țării.”

Nicholas Roerich

un filozof, călător și artist orientalist cu un stil absolut unic, Roerich a lăsat o moștenire formată din peste 7.000 de picturi și schițe, dintre care multe sunt acum păstrate în cele mai bune muzee din lume. Și – a petrecut toată viața călătorind, din care și-a atras subiecții-dintr-o expediție în Himalaya și India în Asia Centrală.

‘oaspeți din străinătate’ a fost pictat la Paris și povestește despre călătorii în Rusia antică.

Ilya Repin

Repin a fost foarte bun la ilustrând suferința oamenilor din secolul al 19-lea. Viața aspră a transportatorilor de barje și a revoluționarilor, scenele de zi cu zi din viața claselor inferioare, procesiunile oamenilor – toate aceste subiecte l-au făcut o figură cheie în realismul rus și un artist al istoriei sociale. Cu toate acestea, cea mai controversată pictură a sa descrie un episod dintr-o altă epocă.

povestea lui Ivan cel Groaznic care și-a ucis propriul fiu este atât de controversată (istoricii încă argumentează dacă s-a întâmplat cu adevărat sau nu) încât capodopera lui Repin a fost atacată în mod repetat, chiar și în timpul vieții artistului. Ultimul atac a avut loc în 2018, când un vandal beat a stropit pânza cu vopsea.

Fiodor Rokotov

Rokotov a fost unul dintre cei mai căutați pictori de portrete din rândul nobilimii din Sankt Petersburg din secolul al 18-lea, în timp ce Alexandra struyskaya descrisă de el a fost considerată una dintre cele mai frumoase femei ale secolului.

artistul era atât de popular încât putea avea până la 50 de portrete neterminate în apartamentul său în orice moment. În 1763, a pictat portretul de încoronare al Ecaterinei a II-a.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the „father” of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

posterul său pentru Lengiz, principala și singura editură oficială sovietică, este un exemplu izbitor de publicitate avangardistă, cu toate tehnicile sale preferate sub formă de modele geometrice și pete luminoase. În centrul său se află o fotografie a lui Lilya Brik, „muza avangardei rusești”.

Olga Rozanova

istoria avangardei ruse, Dunga ei verde nu este mai puțin semnificativă decât pătratul negru al lui Malevich. Cu toate acestea, la început, artista și cea mai bună lucrare a ei au rămas în umbra principalului suprematist, iar mai târziu au fost aproape total uitate până la redescoperirea lor în anii 1970.

Rozanova realizat chiar mai mult decât a făcut Malevich: nu numai că a pus culoarea deasupra formei, dar a rezolvat cu succes și dilema fundalului. Banda ei arată mai degrabă ca o proiecție decât o figură pe pânză, se pare că continuă dincolo de cadru. Aceasta a fost prima dată în istoria picturii abstracte când acest efect a fost atins.

Andrei Rublev

cel mai faimos artist religios în istoria Rusiei, Andrei Rublev a creat un standard de pictură ortodoxă a icoanelor. În secolul al 16-lea, lucrările sale au fost recunoscute ca un model la care ar trebui să aspire toți pictorii de icoane, în timp ce „Trinitatea” sa a devenit simbolul spiritual al întregii arte rusești.

se știe puțin despre Rublev însuși. A fost călugăr și și-a dedicat toată viața lui Dumnezeu și picturii. În 1988, Biserica Ortodoxă Rusă l-a canonizat ca sfânt.

Aidan Salakhova

mulți descriu arta lui Salakhova ca fiind „feministă” și „politică”, deoarece explorează estul și vestul, bărbatul și femeia, într-o combinație izbitoare de sex și Islam. Minaretele falice din marmură și vaginele Negre Kaaba au făcut-o faimoasă și recunoscută în întreaga lume.

la Bienala de la Veneția din 2011, ‘mijlocirea’ ei, o sculptură a unei femei într-un niqab, a trebuit să fie acoperită cu o foaie albă după ce președintele Azerbaidjanului (‘mijlocirea’ a fost afișată în pavilionul Azerbaidjanului) a încercat să o cenzureze. Mulți au văzut o ironie uriașă în ea: sculptura a fost acoperită cu un văl, deoarece președintelui nu i-a plăcut că înfățișa o femeie într-un văl.

Zinaida Serebriakova

div având în vedere statutul său în cultura populară, acest portret a devenit probabil opera principală a lui Serebriakova. Pentru mulți, natura sa spontană și sinceră o face un simbol al feminității.

când portretul a fost prezentat pentru prima dată publicului, artistul Valentin Serov a spus despre el: „un lucru foarte frumos și proaspăt.”Imaginea a fost cumpărată imediat de Galeria Tretyakov.

Valentin Serov

pentru elita rusă, ședința pentru un portret de Serov a fost considerată o onoare. Un maestru al portretelor psihologice, impresionistul rus Valentin Serov, a pictat compozitori celebri, scriitori, membri ai familiei imperiale și prinți ruși.

și totuși, una dintre cele mai semnificative și celebre pânze ale sale este portretul unei fete de 12 ani, Vera Mamontova. Ea a fost fiica unui antreprenor major și filantrop, Savva Mamontov, dar Serov și-a eliminat ulterior numele din titlul imaginii. Potrivit artistului, el nu picta fiica unei persoane celebre, ci tinerețea însăși.

Henryk Siemiradzki

De aproape 30 de ani, Siemiradzki a locuit la Roma. A câștigat reputația unuia dintre cei mai proeminenți reprezentanți ai academismului European târziu, dar nu imediat și nu printre toți. Artistul a fost interesat doar de lumea antică cu miturile, festivitățile și orgiile sale, pentru care a primit o mulțime de fulgi înapoi acasă, unde Peredvizhniki erau deja la modă cu descrierea lor de țărani, orfani săraci și alte elemente ale „adevărului vieții”.

de exemplu, cel mai influent critic de artă al vremii, Vladimir Stasov, l-a considerat pe siemiradzki un clasicist fără speranță, care „căzuse pradă tuturor italienilor”. La rândul său, Ilya Repin l-a numit șarlatan, în timp ce celebrul colecționar Tretyakov a refuzat să-și cumpere lucrările. Cu toate acestea, țarii ruși au fost întotdeauna fani ai academismului: de exemplu,’ Phryne ‘ a fost cumpărat de Alexandru al III-lea direct de la expoziție.

Alexei Savrasov

Artist al peisajelor lirice, Savrasov a câștigat rapid faima și recunoașterea: la vârsta fragedă de 24 de ani, devenise deja membru al Academiei de arte. Cu toate acestea, de-a lungul generațiilor, acest artist realist este amintit ca o „minune cu un singur hit”: niciunul dintre numeroasele sale peisaje nu se poate compara în popularitate cu ‘The Rooks…’. Fiecare elev din Rusia cunoaște această imagine de manual, pentru că cel mai probabil au trebuit să scrie un eseu despre ea.

Ivan Shishkin

dacă vedeți o pictură a unei păduri uimitoare rusești sau a unor câmpuri cu pini pe marginea drumului, puteți fi siguri că este un Shishkin. Potrivit unui sondaj realizat de Centrul de cercetare a opiniei publice All-Russia, el este cel mai recunoscut artist din Rusia.

care se poate datora în mare parte bomboanelor Mishka kosolapy (urs stângaci), al căror înveliș prezintă un fragment din această imagine. Și totuși, nimeni nu a pictat desișuri, pajiști și câmpuri îndepărtate la fel ca el, nici din punct de vedere cantitativ, nici calitativ. Pădurea era tot ceea ce Shishkin era interesat vreodată.

Sylvester Shchedrin

mulți artiști ruși ai secolului al 19-lea au vizitat Mecca artistică Europeană, Italia, dar puțini au făcut-o casa lor creativă. Pictorul peisagist Shchedrin și-a petrecut practic toată viața înfățișând frumusețea Italiei și, în special, Napoli. Aici a murit și el, înainte de a ajunge la 40 de ani. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

un reprezentant al artei Sots și, așa cum el însuși a numit-o „artă pop populară”, de mai bine de 30 de ani, Sokov a lucrat cu miturile, imaginile și simbolurile culturii rusești, juxtapunându-le cu civilizația occidentală.

artistul și sculptorul au părăsit URSS în SUA, pentru a „nu se rupe” sub presiunea sistemului totalitar al ordinii de stat, care i-a dictat totul artistului, până la cele mai mici detalii: „în ce mână Lenin ar trebui să-și țină șapca, cât timp ar trebui să fie pantalonii pionierului și care a fost piciorul pivot al lui Marx”, a glumit Sokov.

Vasily Surikov

Surikov și-a făcut un nume prin descrierea diferitelor momente tragice din istoria Rusiei. De exemplu,’ Boyarina Morozova ‘ spune povestea luptei acerbe împotriva vechilor credincioși: Morozova este transportată la o mănăstire de maici (care era echivalentă cu închisoarea) în timpul schismei bisericești.

Vladimir Tatlin

deși monumentul Third International, sau Turnul lui Tatlin, nu a fost niciodată construit, a devenit cel mai emblematic creier al artistului și semnul distinctiv al constructivismului din întreaga lume. Tatlin și-a proiectat Turnul ca simbol al Revoluției din 1917 care va fi ridicat în Leningrad (acum Sankt Petersburg).

cu toate acestea, de la sfârșitul anilor 1920, conducerea sovietică și-a pierdut interesul pentru artiștii de avangardă și a încetat să se angajeze cu ei, astfel încât turnul nu a fost niciodată construit.

Oleg Tselkov

de – a lungul viața sa, acest artist nonconformist a pictat practic unul și același personaj-o imagine umană deformată, un mutant. „Acesta nu este un portret al unui anumit sitter, ci un portret universal… și unul teribil de familiar la asta”, a explicat Tselkov. „Am reușit din greșeală să smulg masca de pe umanitate.”

conducerea sovietică nu au fost deosebit de mândru de acest lucru”partea flip a unei personalități umane”. În 1977, Tselkov a fost rugat să părăsească țara și sa dus în Franța. Abia în 2015 a devenit din nou cetățean rus.

Pavel Tchelitchew

acest patriarh al suprarealismului mistic s-a născut în Rusia, dar și-a petrecut cea mai mare parte a vieții în Europa și America, unde a dezvoltat tehnica faimoaselor sale peisaje antropomorfe. Datorită asemănării în stil, el este adesea descris ca „Dali rus”, cu excepția faptului că Tchelitchew a fost primul care a afișat elemente de suprarealism mistic în lucrările sale: se spune că, cu nouă ani înainte, Salvador Dali a făcut același lucru.

în aceste zile, lucrările sale pot fi găsite în marile muzee și colecții europene, în timp ce în Rusia, doar Galeria Tretyakov are un singur tchelitchew. ‘Phenomens’ a fost adus în secret în Rusia de un prieten al lui Tchelitchew, coregraful Lincoln Kirstein. A înmânat-o Galeriei Tretyakov, dar până la mijlocul anilor 1990, a rămas în depozitele muzeului.

Simon Ushakov

romanovii au luat tronul în 1613. Dinastia a condus țara timp de secole, dar la început, avea nevoie de ceva pentru a-și confirma legitimitatea. Un rol major în acest sens a fost jucat de imaginea liniei familiei regale creată de pictorul de icoane Ushakov. Criticii de artă o numesc prima și cea mai bună justificare a afirmației că Romanovii și-au dat puterea de sus.

romanovii trebuie să fi fost de acord cu această evaluare: l-au făcut pe Ushakov principalul pictor de icoane al imperiului și l-au dus cu favoruri până la moartea sa.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov s-a încercat în diferite stiluri și tipuri de lucrări, de la pictarea frescelor bisericești (ca în Biserica Mântuitorului pe sângele vărsat din Sankt Petersburg) până la crearea unor înfrumusețări Art Nouveau curbate. Cu toate acestea, pentru majoritatea rușilor, el este asociat exclusiv cu personaje din basmele rusești. În imaginația populară, aceste personaje arată foarte mult așa cum le-a descris Vasnetsov.

pictura ‘bogatyrs’, care descrie supereroii slavi populari Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets și Alyosha Popovich, i-a luat aproape 20 de ani pentru a finaliza.

Alexey Venetsianov

Venetsianov a fost unul dintre primii artiști care a înfățișat scene din viața oamenilor obișnuiți, făcându-și un nume în „genul țărănesc”. În același timp, nu era interesat în mod deosebit de practicile vieții de zi cu zi a țăranilor.

picturile sale erau mai mult despre spațiu, libertate și imensitate. Mulți cred că pictura sa epitomizează adevăratul peisaj rusesc.

Vasily Vereshchagin

div un pictor de scene de luptă, Vereshchagin a pictat de obicei ceea ce a văzut cu ochii lui. El a fost la multe războaie și a călătorit în lume din India în Siria. El și-a organizat singur expozițiile la New York și Londra, afișând adesea nu numai picturile sale, ci și trofeele de pe câmpul de luptă.

Mikhail Vrubel

Vrubel este asociat în primul rând cu imaginea unui demon, pe care la pictat în mod repetat și obsesiv. Imaginea unui înger căzut care suferea de natura sa demonică fusese inspirată de poemul cu același nume al lui Mikhail Lermontov. Vrubel a realizat aproximativ 30 de schițe pentru acest tablou.

Vrubel a recunoscut că a văzut și un demon în coșmarurile sale. O psihoză acută, pe care artistul a dezvoltat-o în viața sa ulterioară, combinată cu obsesia sa pentru o singură imagine i-a determinat pe contemporanii săi să concluzioneze că Vrubel a fost înnebunit de dependența sa de demonism.

Vladimir Weisberg

Weisberg se deosebește în contextul artei rusești: el nu aparține nici artei oficiale, nici nonconformiștilor. Stilul său de marcă este așa-numita „pictură albă”, imagini care par să fi fost pictate cu vopsea albă pe un fundal alb. Potrivit lui Weisberg însuși, el a încercat să realizeze „arta invizibilă”.

de fapt, el a folosit aproape niciodată pigment alb. Picturile sale sunt o combinație complicată de mici particule multicolore. „O imagine ar trebui să devină albă dacă toate, literalmente toate, culorile sale, se potrivesc”, spunea el.

Vladimir Yankilevsky

un pionier din „arta neoficială” din Moscova și un singuratic peren, yankilevsky nu se încadra în nicio asociație artistică și era mereu pe margine, așa cum era. Mulți pur și simplu nu au înțeles lucrările sale existențiale: toată viața a pictat un „om opus eternității”metafizic.

ideea de oameni în cutii a venit la el sub influența existențialismului. Aceste „cutii existențiale” au devenit o metaforă pentru o persoană ale cărei aspirații și vise vin întotdeauna împotriva zidurilor unui mediu social. Trebuie spus că viața în URSS a fost foarte favorabilă acestei percepții a realității.

Vadim Zaharov

anii 1970, Zakharov s-a alăturat cercului conceptualiștilor din Moscova, începând cu acțiuni absurdiste și ducând la pictură. „Între 1985 și 1989, am creat o mulțime de picturi uriașe, după care nu am pictat niciunul, cu excepția doar a câtorva făcute în cărbune, iar acum să mă întorc la pânză și ulei este o tortură pentru mine”, a spus el. În 1989, s – a mutat la Koln, unde a început o nouă etapă în cariera sa artistică-instalații.

proiectul său „Danae” a devenit o senzație la Bienala de la Veneția. În prima oră după deschidere, o coadă S-a aliniat la pavilionul rus pentru a privi procesul unic al unui celebru mit grecesc antic materializându-se printr-un duș de aur de monede cu cuvintele încredere, libertate, dragoste și unitate scrise pe ele revărsându-se dintr-o cameră în care erau permise doar spectatorii de sex masculin, în „pântecele”, unde erau permise doar telespectatorii de sex feminin.

Konstantin Zvezdochetov

el este regele rus al kitsch-ului, fără de care nici o expoziție majoră de artă contemporană nu poate face. Zvezdochetov aparține generației de artiști sovietici care au fost primii care au intrat pe scena artei internaționale și au devenit cunoscuți sub numele de „artă rusă contemporană”.

a fost o vreme când a fost jignit să fie numit „artist”. El a spus: „Sunt o persoană care oferă interpretări… Tot ce fac sunt citate și compilații.”

Anatoli Zverev

el este adesea denumit „rusul Van Gogh”. Robert Falk a spus despre el: „fiecare atingere a pensulei sale este neprețuită”, în timp ce Picasso însuși i-a făcut ecou. Decorator prin comerț, Zverev a intrat pe scena artei la sfârșitul anilor 1950, iar în 1965, prima sa expoziție internațională a avut loc la Motte din Paris, deși el însuși nu a plecat niciodată în străinătate.