Nur wenige Musiker haben die emotionale Komplexität eines Amerikaners im 20. und 21.Jahrhundert mit so viel Eleganz und Nuance eingefangen wie Tom Waits. Seine Tableaus des modernen Lebens mischen Blues, Jazz, Rock und experimentelle Musik (unter anderem) und finden überall spirituelle Gemeinsamkeiten — von Tin Pan Alley, Harry Partch und Bob Dylan bis hin zu Raymond Carver, Jack Kerouac und Charles Bukowski.

Waits’Sound ist überall — er mag enge Jazzinstrumente, orchestriert sie aber eher nach Captain Beefheart als nach Thelonious Monk. Er liebt Percussion, aber viele seiner größten Songs enthalten nur leichtes Klopfen, neblige Snare-Shuffles oder oft gar kein Schlagzeug. Seine Musik klingt, als stünde sie immer kurz davor, zusammenzukommen, hat aber eine Kohäsion und Konsistenz, die sie sofort erkennbar macht. Dann ist da noch seine Stimme, über die es ein halbes Jahrhundert lebendiger Metaphern und Beschreibungen gibt.Was Waits ’seltsames Rezept amerikanischer Musik jedoch wirklich verbindet, ist ein tiefsitzendes Festhalten an den Antinomien der zeitgenössischen Erfahrung: Liebe und Verzweiflung, Träumerei und Präsenz, Angst und Trost. Seine Musik ist oft seltsam, aber ihre Essenz ist es nie — sie ist durchweg eine völlig zuordenbare Palette von Gefühlen und Emotionen. Von seinen vernichtenden, klaviergetriebenen Balladen über seine ätzenden Rockstücke bis hin zu exzentrischen Spoken-Word-Tracks spiegelt Waits immer Dinge wider, die wir aus unserem eigenen Leben erkennen können, auch wenn wir keine verlorenen Hobos, eigensinnigen Cowboys, alten Liebhaber oder Barroom-Maniacs sind. Letztendlich geht es in seiner Musik um die Beziehung zwischen der Sehnsucht, die wir nach authentischen Erfahrungen empfinden, und dem Frieden, den wir fühlen, wenn wir diese Sehnsucht endlich loslassen. Seit 1973 hat Tom Waits 16 Studioalben veröffentlicht, beginnend mit Closing Time und endend mit Bad as Me (2011). Fast alle diese Platten sind unter den folgenden 30 Tracks vertreten, die einen soliden Überblick über seine vielen Stile und Persönlichkeiten bieten sollten, sowie ein überzeugendes Argument für seinen Status als eine der größten — und bizarrsten — Musikfiguren Amerikas.

30. „Way Down in the Hole“ (Franks Wild Years, 1987)

Oberflächlich betrachtet ist dies ein religiöses Lied, in dem es darum geht, den Teufel in Schach zu halten — obwohl der Teufel, wenn man ihn kennt, eine beliebige Anzahl von Dingen sein kann. Die Musik ist exzellent, ihre Stakkato-Saxophone und der Jazz-Lounge-Bass spiegeln das Gefühl moralischer Angst des Songs wider. Das Gitarrensolo ist melodisch entwirrt; Genie liegt in seinen spastischen Gesten. Verschiedene Versionen dieses Songs (einschließlich Waits) wurden als Titelsong für HBOs The Wire verwendet.

29. „Georgia Lee“ (Mule Variations, 1999)

Erzählt von dem verheerenden Mord an Georgia Lee Moses und den damit aufgeworfenen Fragen und ist einer der melancholischsten Songs von Waits. Für diejenigen, die mit den Nachrichten Schritt halten: „Wie kann das passieren?“ ist fast eine tägliche Frage; das ist dieses Gefühl in Songform. Glücklicherweise führt uns Waits ’sympathisches Klavierspiel und Gesang durch.

28. „Hoist That Rag“ (Real Gone, 2004)

„Hoist That Rag“ enthält Charaktere aus Herbert Asburys Buch The Gangs of New York, mögliche Verweise auf Antikriegsfernsehen (M * A * S* H) und Literatur (Alberto Veas Götter betteln) und pseudo-patriotische Bilder („hoist that rag“). Einige sagen, Real Gone ist Waits ‚politischstes Album, und es ist schwer dagegen zu argumentieren, mit der Nähe der Platte zu 9/11 und dem Irakkrieg. Die Waits-on-Waits-on-Waits Schichtung von Gesang im Refrain trifft direkt in den Darm.

27. „Was baut er?“ (Mule Variations, 1999)

Hier ist Tom Waits’interessantester Spoken-Word-Track, ein muffiger Monolog eines neugierigen Nachbarn. Die gespenstische Invasivität des Songs ist offensichtlich. Hier ist, was Waits dazu zu sagen hatte: „Wir sind alle übermäßig neugierig auf unsere Nachbarn geworden, und wir alle glauben am Ende, dass wir ein Recht haben zu wissen, was wir alle tun.“ Das ist ein schlechter Weg, um sicher zu sein, und es ist mit Mietern wie diesen bevölkert.

26. „Hell Broke Luce“ (Bad As Me, 2011)

Wenn Captain Beefheart ein Lied geschrieben und aufgenommen hätte, während er Crack rauchte, würde es so klingen. Es ist ein bisschen zweideutig, wer „Luce“ ist (und Waits hat mehrere, widersprüchliche Erklärungen gegeben), aber dies bleibt eine traurige Geschichte militaristischer Verzweiflung.

25. „Dirt in the Ground“ (Bone Machine, 1992)

Dies ist ein unerbittlich düsterer Song, und er ist wahrscheinlich auch so nah wie möglich am Falsett. Zwischen „I want to know am I the sky or a bird“ und „We’re chained to the world and we all gotta pull“ scheint es, als würde er eine schwere Zeit durchmachen, als er es schrieb. Bone Machine gewann einen Grammy für das beste alternative Musikalbum, und das aus gutem Grund.

24. „Johnsburg, Illinois“ (Swordfishtrombones, 1983)

Eine sentimentale Ballade über Waits ‚Frau Kathleen Brennan, „Johnsburg, Illinois“ ist einer seiner kürzesten Songs. Es funktioniert jedoch gut als 90-Sekunden-Track, da nach dem Start eines Songs mit „She’s my only true love / She’s all that I think of /Look here in my wallet / That’s her“ wirklich nicht mehr viel zu sagen ist.“ Die besten Dinge kommen in kleinen Paketen.

23. „Lie to Me“ (Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards, 2006)

Waits’massives Triple-Album, Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards, war voll von explosiven Songs, die von Hardrockern bis zu leise sengenden Tearjerkern reichten. Der allererste Track des Albums war möglicherweise der stärkste: Das verstärkte „Lie to Me“ wirkt wie Jerry Lee Lewis-meets-Howlin ‚Wolf, gesungen von der schattigen Seite der Bar.

22. „Ol‘ ’55“ (Closing Time, 1973)

Closing Time wurde von Jerry Yester (The Lovin‘ Spoonful) produziert, engineered und arrangiert, was wahrscheinlich ein großer Teil davon ist, warum Tracks wie „Ol‘ ’55“ ein so luftiges, geradliniges Folk-Rock-Feeling haben. Wenn man es alleine liest, wirken seine Texte wie ein mutiertes Lied, das aus Bruce Springsteens Schneideraumboden zusammengesetzt wurde. Am interessantesten und beeinflussendsten sind die Gesangsharmonien des Tracks, die Waits nicht oft verwendet.

21. „All the World Is Green“ (Blood Money, 2002)

Dieses liebenswerte Lied wurde für Akt III einer Produktion von Woyzeck geschrieben, dem unvollständigen Stück aus dem 19.Jahrhundert über einen Soldaten, der seine Frau ermordet, weil er ihn verlassen hat. Das „Grün“ im Titel scheint Harmonie mit der Natur darzustellen, aber Grün hat auch eine potenzielle dunkle Seite: die Farbe des Geldes.

20. „Cold Cold Ground“ (Franks Wild Years, 1987)

Versuchen Sie einfach, ein unbeschwerter klingendes Lied über den Tod zu finden. Trotz ernüchternder Texte wie „The piano is firewood / Times Square is a dream / I find we’ll lay down together / In the cold cold ground“ macht dieser Song Lust zu tanzen, ob alleine oder mit einem geliebten Menschen. Das Leben ist zu kurz, um es nicht zu tun.

19. „Alles, was Sie sich vorstellen können, ist wahr“ (Alice, 2002)

Dies ist ein Meisterwerk der surrealistischen Prosa. Der größte Teil des Albums Alice wurde für Robert Wilsons Bühnenadaption von Alice im Wunderland geschrieben, und es ist keine Überraschung, dass dieser Song perfekt dazu passt. Waits sagte über das Projekt: „Alice ist Erwachsenenlieder für Kinder oder Kinderlieder für Erwachsene. Es ist ein Strudel oder Fiebertraum, eine Tondichtung, mit Fackelliedern und Walzern … eine Odyssee in Traum und Unsinn.“

18. „Tom Traubert’s Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)“ (Small Change, 1976)

Basierend auf der australischen Bush-Ballade „Waltzing Matilda“ und unter Berücksichtigung von Waits ‚verräterischer Beziehung zum Alkohol hat „Tom Traubert’s Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)“ einen Überschuss an melodischer Schönheit und dunklen Bildern („I begged you to stab me/You tore my shirt open“). Der Legende nach kaufte Waits ein Pint Roggen und trank es aus einer Papiertüte in der Skid Row in L.A., einem Gebiet mit einer der größten Obdachlosenpopulationen des Landes, um sich inspirieren zu lassen, diesen Song zu schreiben.

17. „16 Shells from a Thirty-A Six“ (Swordfishtrombones, 1983)

In vielerlei Hinsicht war Swordfishtrombones die Platte, auf der Tom Waits zu Tom Waits wurde, zumindest in Bezug auf die Sounds, die er für den Rest seiner Karriere durcharbeiten würde. Eine große Abkehr vom romantischen, jazzigen Pop von Heartattack und Vine, „16 Shells from a Thirty-A Six“ klingt stattdessen wie betrunkener, avantgardistischer Blues in einer Fabrikhalle, komplett mit Waits ‚whisky- und zigarettengetränkter Stimme, eine Kakophonie von Schlagzeug, und kiesige Gitarre.

16. „Hold On“ (Mule Variations, 1999)

Dieser ist voll von guter alter amerikanischer Vergänglichkeit. Weiter östlich von Kalifornien nach St. Louis, „Hold On“ ist eine Geschichte, die nicht wirklich eine Geschichte ist — es ist eher eine impressionistische Ansammlung von Bildern von der Straße, die von der Idee zusammengehalten werden, dass wir alle an etwas festhalten, egal was wir tun.

15. „Anywhere I Lay My Head“ (Rain Dogs, 1985)Der letzte Track von Rain Dogs, „Anywhere I Lay My Head“, kanalisiert New Orleans Funeral Music in all seinem jazzigen Bombast und düsteren, polyphonen Ruhm. Irgendwie fühlen sich seine Texte („Ich brauche niemanden / Weil ich gelernt habe, allein zu sein / Und ich sage überall, überall, überall, wo ich meinen Kopf hinlege, Jungs / Ich werde mein Zuhause anrufen“) überhaupt nicht defätistisch an. Vielmehr sind sie die Kirsche auf Waits ‚Roaming, experimentelles Meisterwerk.

14. „On the Nickel“ (Heartattack and Vine, 1980)

Das ist es: Waits ‚größte Hommage an die Hobos und Unterdrückten, diejenigen, die wirklich durch die Ritzen der Gesellschaft gefallen sind. „On the Nickel“ hat ein enormes Pathos, das mit allem konkurriert, was Waits geschrieben hat. Nehmen wir zum Beispiel: „Was wird aus all den kleinen Jungen, die von zu Hause weglaufen?/ Die Welt wird immer größer, wenn Sie auf eigene Faust raus / Also hier ist an alle kleinen Jungs, nimmt der Sandmann Sie, wo / Du bist sleepin ‚mit einem pillowman auf dem Nickel dort drüben.“

13. „The Piano Has Been Drinking (Not Me)“ (Kleine Veränderung, 1976)

In diesem spielt Waits einen verschwendeten Barroom-Beat-Poeten, der einen leidenschaftlichen Vortrag über seinen veränderten Zustand hält. Voller verrückter Bilder („‚Cause the bouncer is a Sumo wrestler / Cream-puff casper milquetoast“) und lustiger Beobachtungen („And you can’t find your waitress / With a Geiger counter“) lässt dieser Song Ihre Nachbarschaftsbar etwas normaler erscheinen.

12. „I Hope That I Don’t Fall In Love With You“ (Closing Time, 1973)

„I Hope That I Don’t Fall In Love With You“ ist ein beliebter Fanfavorit, was verständlich ist — jenseits des ultra-schmackhaften Folk-Pop-Feelings der 60er Jahre steckt hier viel emotionale Tiefe. Ein verletzlicher Mann erwägt, sich neben eine einsame Frau in einer Bar zu setzen, aber seine Angst vor Verlust hindert ihn daran. Er war schon mal verletzt. Je länger er darüber nachdenkt, desto mehr verliebt er sich in die Idee von ihr, und als er den Mut fasst, ein Gespräch zu beginnen, Er stellt fest, dass es der letzte Anruf für Getränke ist und sie nach Hause gegangen ist.

11. „Alice“ (Alice, 2002)

Es ist leicht, Alice für selbstverständlich zu halten, und viele rangieren es irgendwo in der Mitte von Waits ‚Oeuvre, aber es ist wahrscheinlich sein bisher am schönsten komponiertes Album des 21. Im Titeltrack stoßen gehauchte Saxophone gegen winterlich gebürstete Snare; ruhiges Klavier unterstützt, was wie gedämpftes Vibraphon klingt. Es ist ein mysteriöser, nebliger Klassiker.

10. „Jockey Full of Bourbon“ (Rain Dogs, 1985)

Es ist unmöglich, dieses Lied zu hören, ohne darüber nachzudenken, wie es in Down by Law verwendet wird, Jim Jarmuschs unglaublich lustiger Film über drei tragische Typen (gespielt von John Lurie, Roberto Benigni und Waits selbst), die eine unglaublich feuchte Reise von den Straßen von New Orleans in die Sümpfe des ländlichen Louisiana unternehmen. Dieser schmutzige, schmutzige Song verfolgt jeden Frame dieses Films mit seiner geflüsterten Legende eines erbärmlichen, verschwendeten Helden und seiner kaputten Waffe.

9. „Come On Up to the House“ (Mule Variations, 1999)

Dies ist entweder eine der größten Selbsthilfehymnen von Waits oder eine seiner packendsten Abhandlungen über das Sterben. Wie Nietzsche sagen könnte, geht es hier um die Katharsis der Tragödie. „The house“ ist notwendigerweise mehrdeutig — das Lied handelt nur von der Idee, Verzweiflung zu akzeptieren und loszulassen. Es ist eine Art letztes Lied für viele von Waits ‚Charakteren, von den liebeskranken Einzelgängern bis zu den trostlosen Zughütern, diese „singenden Leadsopranisten in einem Junkman-Chor.“ Es gibt einen Grund, warum es der letzte Track der Goodbye-gefüllten Mule-Variationen ist, der ein ebenso gutes Argument dafür ist, dass es um etwas geht … darüber hinaus.

8. „Weihnachtskarte von einer Nutte in Minneapolis“ (Blue Valentine, 1978)

Es gibt wirklich keine Geschichte, die Tom Waits nicht erzählen wird. „Weihnachtskarte von einer Nutte in Minneapolis“ ist genau das, wonach es klingt, sein Titel ist fast eine Hemingway-Geschichte mit sechs Wörtern. Während die Weihnachtskarte gelesen wird, erfahren wir einiges über die traurige Geschichte der Frau, und nach der letzten, ernüchternden Wendung des Songs sind wir im Grunde bereit, ihr selbst etwas Geld zu schicken.

7. „Time“ (Rain Dogs, 1985)

Als sanfte Ode an den Akt der Selbstüberwindung ist „Time“ eine der berührendsten Balladen von Waits. Es ist ein großartiges Beispiel für seine unglaubliche Fähigkeit, einen Song so zu orchestrieren, dass er perfekt zur Stimmung der Texte passt; die langsam kaskadierenden Gitarren und das Akkordeon — sowie das Fehlen von Percussion — verleihen dem Song ein ausgesprochen zeitloses Tempo.

6. „(Looking For) The Heart of Saturday Night“ (Das Herz der Samstagnacht, 1974)

Es ist verwirrend, wie wenig Konflikt hier existiert. Wahrscheinlich der chilligste Pregame / Hype-Song, der jemals geschrieben wurde, es geht nur darum, dass ein Typ ausgeht — natürlich am Samstagabend — in der Hoffnung, dass er eine gute Zeit hat. Waits ist ein Crack Shot mit Erzählung, aber er ist auch ein Meister der Stimmung: die fahrenden Autos im Hintergrund, die sorglosen Gitarren und die (kaum) schlurfende Percussion machen diesen Song absolut aus.

5. „Martha“ (Closing Time, 1973)

In den viereinhalb Minuten von „Martha“entsteht ein ganzer Roman, aber sein Genie liegt in dem, was nicht da ist. Tom Frost ruft Martha nach 40 Jahren des Nichtsprechens an; Sie waren früher in einer Beziehung („Und das waren die Tage der Rosen / der Poesie und Prosa“), aber irgendwie den Kontakt verloren. Warum genau haben sie sich getrennt? Er sagt, er sei impulsiv gewesen, aber er verrät uns nicht genug, um etwas sicher zu wissen. Kommen sie wieder zusammen? Nun, das liegt wirklich an dir.

4. „Kentucky Avenue“ (Blue Valentine, 1978)

„Kentucky Avenue“ ist ein Epos auf „Desolation Row“ -Ebene, das aus der Perspektive eines Kindes erzählt wird. Hören Sie zu, wie sich Waits an die wilden und seltsamen Ereignisse auf der Straße erinnert, auf der er aufgewachsen ist. Dies ist eine Roaming-Fantasie, die jedem bekannt vorkommen sollte, der als Kind viel Zeit draußen verbracht hat.

3. „Jersey Girl“ (Heartattack and Vine, 1980)

Dies ist der beste Bruce Springsteen Song, den Springsteen nie geschrieben hat, und Springsteen selbst weiß es — er hat es in den 80er und 90er Jahren bei unzähligen Konzerten aufgeführt. Waits’packender Liebeslied erinnert mit seinen Bildern von Karneval und Promenaden sowie seinem „sha la la“ -Refrain an eine luftige, einfachere Zeit. Es liegt unverkennbar in seiner ständigen Bedrohung, vor Leidenschaft zu überlaufen.

2. „Downtown Train“ (Rain Dogs, 1985)

Von seiner schimmernden E-Gitarren-Lyrik bis hin zu seinen perfekt gezauberten Late-Night-Bildern in New York ist „Downtown Train“ Waits ’stimmigstes Statement der Sehnsucht. Es ist wahrscheinlich auch sein geradlinigster Rocksong, und einer, der den experimentellen, bluesigen Rain Dogs seinen kopfstoßenden Anker gibt. Dies ist eine wunderschön verletzliche Suche nach Kontakt, bei der Waits ‚kiesiges Gähnen am stärksten wirkt.

1. „Take It With Me“ (Mule Variations, 1999)

Dieser Song stellt alles auf den Kopf und tauscht Waits ‚typische Porträts von Sehnsucht und wilder Landstreicherei gegen transzendente Bilder von Liebe und Güte. „Take It With Me“ handelt von einem Mann auf der anderen Seite der Liebe, der ohne Traurigkeit oder Bedauern auf sein Leben zurückblickt. Das ruhige Herzstück eines Albums voller Bombast, Gewalt, und gewichtige amerikanische Traurigkeit, Diese abgespeckte Träumerei für Stimme, Klavier, und Bass findet Trost durch seine nichtjüdische These. In der Tat beweist es, dass er nie mehr als 88 Schlüssel und ein offenes Herz gebraucht hat.