Musik und Tanz sind seit jeher ein wichtiger Bestandteil der italienischen Kultur und Folklore. Italienische Musik nimmt verschiedene Formen an, von der Oper über Volksmusik bis hin zu Popmusik und religiöser Musik.

Zu den berühmtesten Komponisten Italiens zählen die Renaissance-Komponisten Palestrina und Monteverdi, die Barockkomponisten Alessandro Scarlatti, Corelli und Vivaldi, die klassischen Komponisten Paganini und Rossini sowie die romantischen Komponisten Verdi und Puccini. Moderne italienische Komponisten wie Berio und Nono erwiesen sich als bedeutend für die Entwicklung experimenteller und elektronischer Musik.

Italien hat eine bedeutende Rolle in der Geschichte der europäischen Musik gespielt. Viele Musikinstrumente wie Violine und Klavier wurden in Italien erfunden. Die Tonleiter, die Kunst der Oper und viele Musikbegriffe wie Sonett, Konzert, Quartett (siehe: Italienische Lehnwörter in Englisch), wurden auch in Italien geboren und viele der bestehenden europäischen klassischen Musikformen können ihre Wurzeln auf Innovationen der italienischen Musik des sechzehnten und siebzehnten Jahrhunderts zurückführen (wie Symphonie, Konzert und Sonate). Diese Innovationen in Bezug auf Harmonie und Notation haben die europäische klassische Musik stark beeinflusst und die Entwicklung der Oper in den späten 1500er Jahren ermöglicht.

Italienische Popmusik findet ihre Quelle sowohl in einheimischen als auch in importierten Musikstilen. Neapolitanisches Lied, Canzone Napoletana, und die italienische cantautori (Singer-Songwriter), neben importierten Genres wie Jazz, Pop, Rock und Hip Hop haben zu einem sehr vielseitigen Körper der italienischen Musik beigetragen. Die italienische Volksmusik ist jedoch auch ein wichtiger Teil des musikalischen Erbes des Landes und bietet eine Vielzahl regionaler Stile, Instrumente und lokal gefärbter Sprachen. Volksmusik war schon immer eine Möglichkeit, lokale Gemeinsamkeit auszudrücken und kulturelle, politische und soziale Themen anzusprechen.

Religiöse Musik

Die Tonleiter wurde bereits Ende des 10.Jahrhunderts von einem Benediktinermönch, Guido von Arezzo, erfunden. Er benannte die Noten nach den Anfangssilben der ersten sechs Zeilen des Hymnus von Johannes dem Täufer.

Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum Sancte Johannes

Das „Ut“ wurde in den 1600er Jahren in „Do“ geändert und das „Si“ wurde durch die Initialen von Sancte Johannes gebildet.Einer der produktivsten Komponisten religiöser Musik war Giovanni Pierluigi da Palestrina (Geb. 1525-1594), der das goldene Zeitalter der Polyphonie markierte.

Trovatori und Volksmusik

Bei den Troubadouren kam es zu einer Verschiebung von einer langen Tradition des Schreibens von Musik in lateinischer Sprache zum Schreiben von Musik in der Landessprache. Die Musikform entstand in Frankreich, verbreitete sich aber später im 12.Jahrhundert in Italien, wo sie Trovatori genannt wurden. Diese Entwicklung erstreckte sich auf die Texte populärer Lieder und Formen wie das Madrigal, was „in der Muttersprache“ bedeutet.

Ungefähr zu dieser Zeit entwickelten italienische Flagellanten die italienischen Volkslieder, die als Spiritual Laude bekannt sind. Um 1335 enthielt der Rossi-Codex, die früheste erhaltene Sammlung italienischer weltlicher Polyphonie, Beispiele einheimischer italienischer Genres des Trecento, darunter frühe Madrigale, Cacce und Ballate. Das frühe Madrigal war einfacher als die bekannteren späteren Madrigale, die normalerweise aus Terzetten bestanden, die polyphon für zwei Stimmen arrangiert waren, mit einem Refrain, der Ritornell genannt wurde. Der Rossi-Codex enthielt Musik von Jacopo da Bologna, dem ersten berühmten Trecento-Komponisten.

Die italienische Volksmusik weist keinen homogenen Charakter auf, sondern spiegelt die Geschichte, Sprache und ethnische Zusammensetzung bestimmter Gebiete Italiens wider. Es ist ein perfektes Spiegelbild der geografischen Lage Italiens und der historischen Dominanz kleiner Stadtstaaten.

Italienische Volksstile sind so vielfältig wie die regionalen Kulturen Italiens selbst. Dazu gehören monophone, polyphone und responsorische Lieder (ein Lied, in dem der Leiter des Chores oder der Gruppe eine Zeile oder einen Vers singt, nach dem die Gruppe antwortet), Chor-, Instrumental- und Vokalmusik sowie andere Stile. Während in einigen europäischen Ländern Volksgesangsstile zu einem nationalen Symbol wurden, war dies in Italien nie der Fall. Italienische Volksmusiker verwenden den Dialekt oder die Sprache ihrer eigenen regionalen Tradition. Dies ist nicht als Ablehnung der italienischen Standardsprache zu verstehen, es ist einfach das, worum es in der Volksmusik geht: lokale Farbe und Identität.Polyphone Gesangsformen und Chorgesang sind hauptsächlich in Norditalien zu finden, während südlich von Neapel der Sologesang häufiger vorkommt, mit Ausnahme des geografisch isolierteren Siziliens und Sardiniens, die sehr polyphon sind. Im übrigen Süditalien ist Polyphonie selten chorisch und Gruppen verwenden normalerweise Unisono-Gesang in zwei oder drei Teilen, die von einem einzigen Interpreten getragen werden. Northern Ballad-Gesang ist syllabisch, mit einem strengen Tempo und verständlichen Texten, während südliche Stile ein Rubato-Tempo, nasales Timbre und einen angespannten, angespannten Gesangsstil verwenden.

Klassische Musik

Italien ist seit langem ein Schwerpunkt der europäischen klassischen Musik, und zu Beginn des 20.Jahrhunderts hatte die italienische klassische Musik einen ausgeprägten nationalen Klang geschmiedet, der ausgesprochen romantisch und melodisch war.

Die italienische Klassik blieb unbeeinflusst vom „deutschen harmonischen Moloch“, also den dichten Harmonien von Richard Wagner, Gustav Mahler und Richard Strauss. Italienische Musik hatte auch wenig gemein mit der französischen Reaktion auf diese deutsche Musik, dem Impressionismus von Claude Debussy zum Beispiel, in dem die melodische Entwicklung weitgehend aufgegeben wird, um Stimmung und Atmosphäre durch die Klänge einzelner Akkorde zu erzeugen.

Einer der wichtigsten Beiträge Italiens zur klassischen Musik ist Antonio Vivaldi, einer der größten Barockkomponisten, dem weithin die Schaffung von Konzertmusik zugeschrieben wird. Sein berühmtestes Stück ist Four Seasons, das noch heute auf der ganzen Welt gespielt wird.

Im 20.Jahrhundert hat sich die klassische Musik stark verändert, nicht nur in Italien, sondern auch auf europäischer Ebene. Die neue Musik gab einen Großteil der historischen, national entwickelten Schulen für Harmonie und Melodie zugunsten experimenteller Musik, Atonalität, Minimalismus und elektronischer Musik auf. Wichtige Komponisten dieser Zeit sind Ferruccio Busoni, Alfredo Casella, Bruno Maderna, Luciano Berio, Luigi Nono, Salvatore Sciarrino, Luigi Dallapiccola, Carlo Jachino, Gian Carlo Menotti, Jacopo Napoli und Goffredo Petrassi.

Oper

Als Geburtsort der Oper zählt Italien viele prächtige, historische Opernhäuser, von denen viele noch heute in Betrieb sind.

Im Großen und Ganzen kann die italienische Oper in zwei Perioden unterteilt werden, die barocke und die romantische. Die früheste Komposition, die als Oper betrachtet werden kann, wie wir sie uns heute vorstellen, ist Dafne, geschrieben von Jacopo Peri im Jahr 1597.

Siehe: Italienische Oper

Neapolitanische Musik

Der Einfluss Neapels auf die Geschichte der Musiktraditionen hat sich weit über die Grenzen Italiens hinaus verbreitet. Die ersten Musikkonservatorien entstanden im 16.Jahrhundert in Neapel und das Opernhaus San Carlo ist auch das weltweit älteste Opernhaus im Dauerbetrieb.

Der jährliche neapolitanische Liederwettbewerb, der während des jährlichen Festivals von Piedigrotta in Neapel stattfand, erhob das neapolitanische Volkslied (canzone napoletana) zu einer formalen Kunstform. Der Gewinner des ersten Festivals war ein Lied mit dem Titel Te voglio bene assaje, komponiert vom Opernkomponisten Gaetano Donizetti. In den späten 1800er und frühen 1900er Jahren nahmen Auswanderer aus Neapel und Süd-Neapel ihre beliebten neapolitanischen Lieder mit ins Ausland, wo diese weitere Popularität erlangten. ‚O sole mio aus dem Jahr 1898 ist zu einem der berühmtesten Lieder der Welt geworden und wurde in viele Sprachen übersetzt. Elvis Presley interpretierte seine eigene Version des Songs mit dem Titel It’s Now or Never.Ein weiteres neapolitanisches Lied hatte einen ähnlich unerwarteten Einfluss auf die musikalischen Traditionen im Ausland und wurde zur Hymne eines großen Festes in skandinavischen Ländern. Das Lied Santa Lucia aus dem 19.Jahrhundert, angepasst mit schwedischen Texten, wurde das Lied, das traditionell am 13. Dezember in Schweden gesungen wurde, um den gleichnamigen Heiligen zu feiern. Siehe: Santa Lucia.Andere Lieder aus dieser Zeit wurden oft mit traditionellen Volksliedern von ausländischen Komponisten verwechselt, die Lieder, die anfangs nur einen lokalen Umfang hatten, weiter popularisierten. Funiculì Funiculà zum Beispiel wurde ursprünglich 1880 zum Gedenken an die Eröffnung der ersten Standseilbahn auf dem Vesuv komponiert, aber von den Komponisten Richard Strauss und Rimsky-Korsakov und in jüngerer Zeit von Disney und Il Volo populär gemacht, was beweist, wie nachhaltig, genreübergreifend und universell neapolitanische Lieder sein können.

Instrumentalmusik

Einige Komponisten begannen eher Instrumentalmusik als Oper zu schreiben. Eine dieser Komponistengruppen hieß generazione dell’ottanta (Generation von 1880), darunter Franco Alfano, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti und Ottorino Respighi. Sogar Opernkomponisten wie Giuseppe Verdi arbeiteten gelegentlich in diesen Formen. Sein Streichquartett in e-Moll ist ein solches Beispiel. Sogar Donizetti, dessen Name mit den Anfängen der italienischen lyrischen Oper identifiziert wird, schrieb 18 Streichquartette.

Im frühen 20.Jahrhundert begann die Instrumentalmusik an Bedeutung zu gewinnen. Der Prozess, der um 1904 mit Giuseppe Martuccis Zweiter Symphonie begann, ein Werk, das Malipiero als „Ausgangspunkt der Renaissance der italienischen Musik außerhalb der Oper“ bezeichnete.“ Mehrere frühe Komponisten aus dieser Zeit, wie Leone Sinigaglia, verwendeten einheimische Volkstraditionen. Mitglieder dieser Generation waren die dominierenden Figuren in der italienischen Musik nach Puccinis Tod im Jahr 1924. Es entstanden neue Organisationen zur Förderung der italienischen Musik, wie das Festival für zeitgenössische Musik in Venedig und das Maggio Musicale Fiorentino. Italiener neigten jedoch dazu, traditionellere Stücke und etablierte Standards zu bevorzugen, und nur ein begrenztes Publikum suchte nach neuen Stilen experimenteller klassischer Musik.

Modern Pop

Zu den bekanntesten italienischen Popmusikern der letzten Jahrzehnte gehören Domenico Modugno (mit seinem berühmten Lied Volare), Mina, Claudio Villa, Adriano Celentano, Lucio Battisti, De André und in jüngerer Zeit Zucchero, Lucio Dalla, De Gregori, Vasco Rossi, Gianna Nannini und der internationale Superstar Laura Pausini, Eros Ramazzotti und Andrea Bocelli.

Musiker, die ihre eigenen Lieder komponieren und singen, werden Cantautori (Singer-Songwriter) genannt. Ihre Kompositionen sind oft Protestlieder, die sich typischerweise auf Themen von sozialer, politischer und intellektueller Relevanz konzentrieren, oder sentimentale Balladen.Moderner Pop kann grob in fünf Perioden oder Stile unterteilt werden:Musica leggare in den frühen 1950er und 1960er Jahren mit Domenico Modugno, Adriano Celentano, Mina, Gino Paoli.

Dann gibt es auch Künstler wie Angelo Branduardi, die Pop-, Folk- und Barockmusik zu einem neuen, persönlichen Genre mischen.