Die hellenistische Skulptur setzt den Trend des zunehmenden Naturalismus fort, der in der stilistischen Entwicklung der griechischen Kunst zu sehen ist. Während dieser Zeit wurden die Regeln der klassischen Kunst zugunsten neuer Themen, Genres, Dramen und Pathos, die noch nie zuvor von griechischen Künstlern erforscht wurden, vorangetrieben und aufgegeben. Darüber hinaus fügten die griechischen Künstler ihren Figuren ein neues Maß an Naturalismus hinzu, indem sie ihren Figuren eine Elastizität in Form und Ausdruck, sowohl im Gesicht als auch im Körper, verliehen. Diese Figuren interagieren mit ihrem Publikum auf eine neue theatralische Weise, indem sie aus ihrer Sicht eine emotionale Reaktion hervorrufen, die als Pathos bezeichnet wird.

Nike von Samothrake

Eine der ikonischsten Statuen dieser Zeit, die Nike von Samothrake, auch bekannt als the Winged Victory (um 190 v. Chr.), erinnert an einen Seesieg. Diese parische Marmorstatue zeigt Nike, die jetzt arm- und kopflos auf den Bug des Schiffes steigt. Der Bug ist unter ihren Füßen sichtbar, und die Szene ist voller Theatralik und Naturalismus, während die Statue auf ihre Umgebung reagiert. Nikes Füße, Beine und Körper stoßen im Widerspruch zu ihren Vorhängen und Flügeln, die nach hinten strömen, nach vorne. Ihre Kleidung peitscht vom Wind um sie herum und ihre Flügel heben sich nach oben. Diese Darstellung vermittelt den Eindruck, dass sie gerade gelandet ist und dass dies genau der Moment ist, in dem sie sich auf dem Bug des Schiffes niederlässt. Zusätzlich zur Bildhauerei wurde die Figur höchstwahrscheinlich in einem Brunnen aufgestellt, wodurch eine theatralische Umgebung geschaffen wurde, in der sowohl die Bilder als auch die akustische Wirkung des Brunnens ein auffälliges Bild von Aktion und Triumph erzeugen würden.

Nike von Samothrake

Marmor. um 190 v. Chr. Samothrake, Griechenland.

Venus von Milo

Diese Skulptur von Alexandros von Antiochia, auch bekannt als Aphrodite von Melos (um 130-100 v. Chr.), ist eine weitere bekannte Ikone der hellenistischen Zeit. Heute fehlen die Arme der Göttin. Es wurde vermutet, dass sich ein Arm an ihrem rutschenden Vorhang festklammerte, während der andere Arm einen Apfel ausstreckte, eine Anspielung auf das Urteil von Paris und die Entführung von Helen. Ursprünglich wäre die Statue wie alle griechischen Skulpturen bemalt und mit Metallschmuck verziert worden, was an den Befestigungslöchern ersichtlich ist. Dieses Bild ähnelt in gewisser Weise Praxitiles spätklassischer Skulptur Aphrodite von Knidos (viertes Jahrhundert v. Chr.), gilt jedoch als erotischer als sein früheres Gegenstück. Zum Beispiel, während sie unter der Taille bedeckt ist, Aphrodite macht wenig Versuch, sich zu bedecken. Sie scheint ihren Betrachter zu necken und zu ignorieren, anstatt ihn anzusprechen und Augenkontakt herzustellen.

Alexandros von Antiochia. Venus von Milo

Marmor. um 130-100 v. Chr. Melos, Griechenland.

Altered States

Während die Nike von Samothrake ein Gefühl von Drama und die Venus von Milo eine neue Ebene der weiblichen Sexualität ausstrahlt, erforschten andere griechische Bildhauer neue Seinszustände. Anstatt, wie es in der klassischen Periode bevorzugt wurde, Bilder des idealen griechischen Mannes oder der idealen griechischen Frau zu reproduzieren, begannen Bildhauer, Bilder des Alten, Müden, Schlafenden und Betrunkenen darzustellen — von denen keine ideale Darstellungen eines Mannes oder einer Frau sind.Der Barberini-Faun, auch bekannt als der schlafende Satyr (um 220 v. Chr.), zeigt eine weibliche Figur, höchstwahrscheinlich einen Satyr, betrunken und ohnmächtig auf einem Felsen. Sein Körper spreizt sich über die Felswand, ohne Rücksicht auf Bescheidenheit. Er scheint inmitten eines betrunkenen Festes eingeschlafen zu sein und er schläft unruhig, seine Stirn ist verknotet, das Gesicht besorgt, und seine Gliedmaßen sind angespannt und steif. Im Gegensatz zu früheren Darstellungen von nackten Männern, aber ähnlich wie die Venus von Milo, scheint der Barberini-Faun Sexualität auszustrahlen.

Barberini Faun

Römische Marmorkopie des griechischen Bronzeoriginals um 220 v. Chr. Rom, Italien.

Es wurden auch Trunkenheitsbilder von Frauen geschaffen, die in einer dem hellenistischen Künstler Myron zugeschriebenen Statue einer betrunkenen Bettlerin zu sehen sind. Diese Frau sitzt auf dem Boden, Arme und Beine um einen großen Krug gewickelt und eine Hand greift den Hals des Kruges. Weinreben, die die Oberseite des Kruges schmücken, machen deutlich, dass er Wein enthält. Das Gesicht der Frau, anstatt ausdruckslos zu sein, ist nach oben gedreht und sie scheint zu rufen, möglicherweise zu Passanten. Sie ist nicht nur berauscht, aber sie ist alt: tiefe Falten säumen ihr Gesicht, ihre Augen sind versunken und ihre Knochen ragen durch ihre Haut.

Myron. Betrunkene Alte

Römische Marmorkopie nach griechischem Original. um 200-180 v. Chr.

Ein weiteres Bild des alten und Müden ist eine Bronzestatue eines sitzenden Boxers. Während das Bild eines Athleten ein gemeinsames Thema in der griechischen Kunst ist, präsentiert diese Bronze eine hellenistische Wendung. Er ist alt und müde, ähnlich wie das spätklassische Bild eines müden Herakles. Im Gegensatz zu Herakles wird der Boxer jedoch von seiner Verfolgung geschlagen und erschöpft dargestellt. Sein Gesicht ist geschwollen, Lippe verschüttet, und Ohren Blumenkohl. Dies ist kein Bild eines heldenhaften, jungen Athleten, sondern eines alten, besiegten Mannes, der viele Jahre hinter seinen besten Jahren steht.

Sitzender Boxer

Bronze. um 100-50 v. Chr. Rom, Italien.

Porträtmalerei

Statt Idealisierung wurden auch in der hellenistischen Zeit Einzelporträts populär. Ein Porträt des Demosthenes von Polyeuktos (280 v. Chr.) ist keine Idealisierung des athenischen Staatsmannes und Redners. Stattdessen nimmt die Statue die charakteristischen Merkmale des Demosthenes zur Kenntnis, einschließlich seines Überbisses, der gefurchten Stirn, der gebeugten Schultern und der alten, lockeren Haut. Sogar Porträtbüsten, die oft von Polyeuktos ‚berühmter Statue kopiert wurden, zeigen die Müdigkeit und den Kummer eines Mannes, der an der Eroberung Philipps II.

Polyeuktos. Demosthenes

Porträtbüste, römische Kopie nach griechischem Bronzeoriginal. um 280 v. Chr.

Römische Schirmherrschaft

Die griechische Halbinsel fiel 146 v. Chr. Griechenland war eine Schlüsselprovinz des Römischen Reiches, und das Interesse der Römer an der griechischen Kultur trug dazu bei, die griechische Kunst im ganzen Reich zu verbreiten, insbesondere in Italien, während der hellenistischen Zeit und in der Kaiserzeit der römischen Hegemonie. Griechische Bildhauer waren in den übrigen Gebieten des Alexanderreichs und dann im gesamten Römischen Reich sehr gefragt. Berühmte griechische Statuen wurden für wohlhabende römische Patrizier kopiert und repliziert, und griechische Künstler wurden für großformatige Skulpturen im hellenistischen Stil beauftragt. Ursprünglich in Bronze gegossen, Viele griechische Skulpturen, die wir heute haben, überleben nur als römische Marmorkopien. Einige der berühmtesten kolossalen Marmorgruppen wurden im hellenistischen Stil für wohlhabende römische Gönner und für den kaiserlichen Hof geformt. Trotz ihres römischen Publikums wurden diese absichtlich im griechischen Stil geschaffen und zeigten weiterhin das Drama, die Spannung und das Pathos der hellenistischen Kunst.

Laokoön und seine Söhne

Laokoön war ein trojanischer Priester von Poseidon, der die Trojaner warnte: „Hüte dich vor Griechen, die Geschenke tragen“, als die Griechen ein großes Holzpferd vor den Toren Trojas zurückließen. Athene oder Poseidon (je nach Version der Geschichte), verärgert über seine vergebliche Warnung an sein Volk, sandten zwei Seeschlangen, um den Priester und seine beiden Söhne zu foltern und zu töten. Laokoön und seine Söhne, eine hellenistische Marmorskulpturengruppe (vom römischen Historiker Plinius dem Älteren den Bildhauern Agesander, Athenodoros und Polydorus von der Insel Rhodos zugeschrieben), wurde im frühen ersten Jahrhundert n. Chr.

Agesander, Athenodoros und Polydorus von Rhodos. Laocoön und seine Söhne.

Marmor. Frühes erstes Jahrhundert v. Chr.

Ähnlich wie andere Beispiele hellenistischer Skulpturen zeigen Laocoön und seine Söhne eine chiastische Szene voller Drama, Spannung und Pathos. Die Figuren winden sich, als sie in den Windungen der Schlangen gefangen sind. Die Gesichter der drei Männer sind voller Qualen und Mühen, die sich in der Spannung und Belastung ihrer Muskeln widerspiegeln. Laocoön streckt sich in einer langen Diagonale von seinem rechten Arm nach links, als er versucht, sich zu befreien. Seine Söhne sind auch von den Schlangen verstrickt, und ihre Gesichter reagieren auf ihr Schicksal mit Verwirrung und Verzweiflung. Das Schnitzen und Detail, die Aufmerksamkeit für die Muskulatur des Körpers und das tiefe Bohren, das in Laocoöns Haaren und Bart zu sehen ist, sind charakteristische Elemente des hellenistischen Stils.

Laocoön und seine Söhne (Detail von Laocoöns Gesicht)

Farnese Bull

Der Farnese Bull (ca. 200-180 v. Chr.), benannt nach der Patrizierfamilie, der die Stadt gehörte es wird angenommen, dass die Statue in der italienischen Renaissance für die Sammlung von Asinius Pollio, einem römischen Patrizier, geschaffen wurde. Plinius der Ältere schreibt die Statue den Künstlern und Brüdern Apolllonius und Tauriscus von Tralles, Rhodos, zu. Die kolossale Marmorstatue, die aus einem einzigen Marmorblock geschnitzt wurde, zeigt den Mythos von Dirce, der Frau des Königs von Theben, die von den Söhnen Antiopes an einen Stier gebunden wurde, um sie für die Misshandlung ihrer Mutter zu bestrafen. Die Komposition ist groß und dramatisch und fordert den Betrachter auf, sie zu umkreisen, um die Erzählung und das Pathos aus allen Blickwinkeln zu betrachten und zu schätzen. Die verschiedenen Blickwinkel zeigen unterschiedliche Ausdrücke, vom Terror von Dirce über die Entschlossenheit von Antiopes Söhnen bis zur Wildheit des Stiers.

Apollonius und Tauriskus von Tralles, Rhodos. Farnese Stier.

Marmor. um 200-180 v. Chr.