La escultura helenística continúa la tendencia de aumento del naturalismo que se observa en el desarrollo estilístico del arte griego. Durante este tiempo, las reglas del arte clásico fueron empujadas y abandonadas en favor de nuevos temas, géneros, drama y patetismo que nunca antes habían sido explorados por artistas griegos. Además, los artistas griegos añadieron un nuevo nivel de naturalismo a sus figuras al agregar elasticidad a sus formas y expresiones, tanto faciales como físicas, a sus figuras. Estas figuras interactúan con su público de una nueva manera teatral al provocar una reacción emocional de su vista, esto se conoce como pathos.

Nike de Samotracia

Una de las estatuas más icónicas de la época, la Nike de Samotracia, también conocida como la Victoria Alada, (c. 190 a. C.) conmemora una victoria naval. Esta estatua de mármol de Parian representa a Nike, ahora sin brazos y sin cabeza, bajando a la proa del barco. La proa es visible bajo sus pies, y la escena está llena de teatralidad y naturalismo mientras la estatua reacciona a su entorno. Los pies, las piernas y el cuerpo de Nike avanzan en contradicción con sus cortinas y alas que fluyen hacia atrás. Su ropa se mueve a su alrededor por el viento y sus alas se elevan hacia arriba. Esta representación da la impresión de que acaba de aterrizar y que este es el momento preciso en que se asienta en la proa del barco. Además de la escultura, lo más probable es que la figura se situara dentro de una fuente, creando un escenario teatral donde tanto las imágenes como el efecto auditivo de la fuente crearían una imagen llamativa de acción y triunfo.

Nike de Samotracia

de Mármol. c. 190 a.C. Samotracia, Grecia.

Venus de Milo

También conocida como la Afrodita de Melos (c. 130-100 a. C.), esta escultura de Alexandros de Antioquía, esta escultura es otro icono conocido del período helenístico. Hoy faltan los brazos de la diosa. Se ha sugerido que un brazo se aferraba a su cortina que se deslizaba mientras que el otro brazo sostenía una manzana, una alusión al Juicio de París y al secuestro de Helen. Originalmente, como todas las esculturas griegas, la estatua habría sido pintada y adornada con joyas de metal, lo que es evidente por los orificios de fijación. Esta imagen es en cierto modo similar a la escultura clásica tardía de Praxitiles, Afrodita de Knidos (siglo IV a.C.), pero se considera más erótica que su contraparte anterior. Por ejemplo, mientras está cubierta por debajo de la cintura, Afrodita hace poco intento de cubrirse. Parece estar molestando e ignorando a su espectador, en lugar de acercarse a él y hacer contacto visual.

Alexandros de Antioquía. Venus de Milo

Mármol. c. 130-100 a.C. Melos, Grecia.

Estados alterados

Mientras que la Nike de Samotracia emana un sentido de drama y la Venus de Milo un nuevo nivel de sexualidad femenina, otros escultores griegos exploraron nuevos estados de ser. En lugar de reproducir, como se prefería durante el período clásico, imágenes de hombres o mujeres griegos ideales, los escultores comenzaron a representar imágenes de ancianos, cansados, dormidos y borrachos, ninguna de las cuales es una representación ideal de un hombre o una mujer.

El Fauno Barberini, también conocido como el Sátiro Dormido (c. 220 a. C.), representa una figura afeminada, muy probablemente un sátiro, borracho y desmayado sobre una roca. Su cuerpo se extiende por la cara de la roca sin tener en cuenta la modestia. Parece haberse dormido en medio de una juerga borracha y duerme sin descanso, su frente está anudada, su cara preocupada y sus extremidades tensas y rígidas. A diferencia de las representaciones anteriores de hombres desnudos, pero de una manera similar a la Venus de Milo, el Fauno Barberini parece exudar sexualidad.

Fauno Barberini

Copia de mármol romano de bronce griego original c. 220 AEC. Roma, Italia.

También se crearon imágenes de embriaguez de mujeres, que se pueden ver en una estatua atribuida al artista helenístico Myron de una mujer mendiga borracha. Esta mujer se sienta en el suelo con sus brazos y piernas envueltos alrededor de una jarra grande y una mano agarrando el cuello de la jarra. Las vides que decoran la parte superior de la jarra dejan claro que contiene vino. La cara de la mujer, en lugar de ser inexpresiva, está volteada hacia arriba y parece estar llamando, posiblemente a los transeúntes. No solo está intoxicada, sino que es vieja: las arrugas profundas bordean su cara, sus ojos están hundidos y sus huesos sobresalen a través de su piel.

Myron. Vieja borracha

Copia romana de mármol según original griego. c. 200-180 a.C.

Otra imagen de la vieja y cansada es una estatua de bronce de una sentada boxeador. Mientras que la imagen de un atleta es un tema común en el arte griego, este bronce presenta un Helenística giro. Es viejo y cansado, muy parecido a la imagen clásica tardía de un Cansado Heracles. Sin embargo, a diferencia de Heracles, el boxeador es representado golpeado y agotado de su persecución. Tiene la cara hinchada, los labios derramados y las orejas colifloradas. Esta no es la imagen de un joven atleta heroico, sino más bien de un hombre viejo y derrotado muchos años después de su florecimiento.

Sentado Boxer

de Bronce. c. 100-50 a.C. Roma, Italia.

el Retrato

los retratos Individuales, en lugar de la idealización, también se hizo popular durante la época Helenística. Un retrato de Demóstenes de Polieuktos (280 a. C.) no es una idealización del estadista y orador ateniense. En cambio, la estatua toma notas de los rasgos característicos de Demóstenes, incluyendo su sobremordida, frente fruncida, hombros encorvados y piel vieja y suelta. Incluso los bustos de retratos, a menudo copiados de la famosa estatua de Polyeuktos, representan el cansancio y la tristeza de un hombre desesperado por la conquista de Felipe II y el fin de la democracia ateniense.

Polyeuktos. Demóstenes

Busto retrato, copia romana del original griego en bronce. c. 280 a.C.

el apoyo Romano

La península griega cayó a la potencia Romana en el 146 AC. Grecia era una provincia clave del Imperio Romano, y el interés de los romanos en la cultura griega ayudó a circular el arte griego por todo el imperio, especialmente en Italia, durante el período helenístico y en el período imperial de la hegemonía romana. Los escultores griegos tenían una gran demanda en los territorios restantes del imperio de Alejandro y luego en todo el Imperio Romano. Famosas estatuas griegas fueron copiadas y replicadas para ricos patricios romanos y artistas griegos fueron encargados para esculturas a gran escala en el estilo helenístico. Originalmente fundidas en bronce, muchas esculturas griegas que tenemos hoy en día sobreviven solo como copias romanas de mármol. Algunos de los grupos de mármol colosales más famosos fueron esculpidos en estilo helenístico para ricos patrones romanos y para la corte imperial. A pesar de su audiencia romana, estos fueron creados a propósito en el estilo griego y continuaron mostrando el drama, la tensión y el patetismo del arte helenístico.

Laocoön y Sus hijos

Laocoön fue un sacerdote troyano de Poseidón que advirtió a los troyanos, «Cuidado con los griegos que llevan regalos», cuando los griegos dejaron un gran caballo de madera a las puertas de Troya. Atenea o Poseidón (dependiendo de la versión de la historia), molesto por su vana advertencia a su pueblo, envió dos serpientes marinas para torturar y matar al sacerdote y a sus dos hijos. Laocoonte y Sus hijos, un grupo de esculturas helenísticas de mármol (atribuido por el historiador romano Plinio el Viejo a los escultores Agesandro, Atenodoros y Polidoro de la isla de Rodas) fue creado a principios del siglo I d.C. para representar esta escena de la epopeya de Virgilio La Eneida.

Agesander, Athenodoros, y Polydorus de Rodas. Laocoön y Sus Hijos.

Mármol. Principios del primer siglo A.C.

Similar a otros ejemplos de la escultura Helenística, Laocoonte y Sus Hijos representa un chiastic escena llena de drama, tensión, y el patetismo. Las figuras se retuercen al quedar atrapadas en las bobinas de las serpientes. Los rostros de los tres hombres están llenos de agonía y trabajo, lo que se refleja en la tensión y la tensión de sus músculos. Laocoön se extiende en una larga diagonal desde su brazo derecho hacia su izquierda mientras intenta liberarse. Sus hijos también están enredados por las serpientes, y sus rostros reaccionan a su perdición con confusión y desesperación. El tallado y los detalles, la atención a la musculatura del cuerpo y la perforación profunda, que se ve en el cabello y la barba de Laocoön, son elementos característicos del estilo helenístico.

Laocoonte y Sus Hijos (detalle de Laocoonte la cara)

el Toro Farnese

el Toro Farnese (c. 200-180 AEC), llamado así por el patricio Romano familia propietaria de la estatua en el Renacimiento italiano, se cree que ha sido creado para la colección de Asinio Polión, un patricio Romano. Plinio el Viejo atribuye la estatua a los artistas y hermanos Apollonius y Tauriscus de Trallles, Rodas. La colosal estatua de mármol, tallada en un solo bloque de mármol, representa el mito de Dirce, esposa del rey de Tebas, que fue atada a un toro por los hijos de Antíope para castigarla por maltratar a su madre. La composición es grande y dramática, y exige que el espectador la rodee para ver y apreciar la narrativa y el patetismo desde todos los ángulos. Los diversos ángulos revelan diferentes expresiones, desde el terror de Dirce, hasta la determinación de los hijos de Antíope, hasta el salvajismo del toro.

Apolonio y Taurisco de Tralles, Rodas. Toro Farnesio.

Mármol. c. 200-180 a.C.