La música y la danza siempre han formado una parte importante de la cultura y el folclore italianos. La música italiana adopta diferentes formas que van desde la ópera hasta la música folclórica, pasando por la música popular y la música religiosa.

Los compositores más famosos de Italia incluyen a los compositores renacentistas Palestrina y Monteverdi, los compositores barrocos Alessandro Scarlatti, Corelli y Vivaldi, los compositores clásicos Paganini y Rossini, y los compositores románticos Verdi y Puccini. Compositores italianos modernos como Berio y Nono demostraron ser significativos en el desarrollo de la música experimental y electrónica.

Italia ha jugado un papel importante en la historia de la música Europea. Muchos instrumentos musicales, como el violín y el piano, fueron inventados en Italia. La escala musical, el arte de la ópera y muchos términos musicales ,como soneto, concierto, cuarteto (ver: Préstamos italianos en inglés), también nacieron en Italia y muchas de las formas de música clásica europea existentes pueden remontarse a innovaciones de la música italiana de los siglos XVI y XVII (como la sinfonía, el concierto y la sonata). Estas innovaciones en términos de armonía y notación han influido fuertemente en la música clásica europea y han permitido el desarrollo de la ópera a finales de 1500.

La música popular italiana encuentra su fuente tanto en estilos musicales nativos como importados. La canción napolitana, la canzone Napoletana y el cantautori italiano (cantautor), junto con géneros importados como el jazz, el pop, el rock y el hip hop, han contribuido a un cuerpo muy ecléctico de la música italiana. Sin embargo, la música folclórica italiana también forma una parte importante del patrimonio musical del país, ofreciendo una amplia gama de estilos regionales, instrumentos e idiomas de color local. La música folclórica siempre ha sido una forma de expresar la identidad local y abordar cuestiones culturales, políticas y sociales.

la música Religiosa

La escala fue inventado ya a finales del siglo 10, por un monje Benedictino Guido de Arezzo. Nombró las notas usando las sílabas iniciales de las primeras seis líneas del himno de Juan el Bautista.

Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum Sancte Johannes

El «Ut» se cambió a «Do» en la década de 1600 y el «Si» se formó con las iniciales de Sancte Johannes.

Uno de los compositores más prolíficos de música religiosa fue Giovanni Pierluigi da Palestrina (c. 1525-1594), que marcó la edad de oro de la polifonía.

Trovatori y música folclórica

Es con los trovadores que se produjo el cambio de una larga tradición de escribir música en latín a escribir música en el idioma local. La forma musical se originó en Francia, pero más tarde se extendió a la Italia del siglo XII, donde se les llamó trovatori. Este desarrollo se extendió a las letras de canciones populares y formas como el madrigal, que significa «en la lengua materna».

Aproximadamente en esta época, los flagelantes italianos desarrollaron los himnos folclóricos italianos conocidos como laude espiritual. Alrededor de 1335, el Códice Rossi, la primera colección existente de polifonía secular italiana, incluía ejemplos de géneros indígenas italianos del Trecento, incluidos madrigales tempranos, cacce y ballate. El madrigal temprano era más simple que los madrigales posteriores más conocidos, generalmente consistiendo en tercetos dispuestos polifónicamente para dos voces, con un estribillo llamado ritornello. El Códice Rossi incluía música de Jacopo da Bologna, el primer compositor famoso de Trecento.

La música folclórica italiana no exhibe un carácter homogéneo, sino que refleja la historia, el idioma y la composición étnica de áreas específicas de Italia. Es un reflejo perfecto de la posición geográfica de Italia y el dominio histórico de las pequeñas ciudades-estado.

Los estilos folclóricos italianos son tan diversos como las propias culturas regionales de Italia. Incluyen canciones monofónicas, polifónicas y responsoriales (una canción en la que el líder del coro o grupo canta una línea o verso después de lo cual el grupo responde), música coral, instrumental y vocal, así como otros estilos. Mientras que, en algunos países europeos, los estilos de canto folclórico se convirtieron en un símbolo nacional, en Italia nunca fue el caso. Los músicos folclóricos italianos utilizan el dialecto o el idioma de su propia tradición regional. Esto no debe ser visto como un rechazo del idioma italiano estándar, es simplemente de lo que se trata la música popular: el color y la identidad locales.

Las formas de canto polifónico y el canto coral se encuentran principalmente en el norte de Italia, mientras que al sur de Nápoles, el canto en solitario es más común, con la excepción de Sicilia y Cerdeña, geográficamente más aisladas, que son muy polifónicas. En el resto del sur de Italia, la polifonía rara vez es coral y los grupos generalmente usan el canto al unísono en dos o tres partes llevadas por un solo intérprete. El canto de baladas norteñas es silábico, con un tempo estricto y letras inteligibles, mientras que los estilos sureños usan un tempo rubato, timbre nasal y un estilo vocal tenso y tenso.

Música clásica

Italia ha sido durante mucho tiempo un punto focal para la música clásica europea, y a principios del siglo XX, la música clásica italiana había forjado un sonido nacional distintivo que era decididamente romántico y melódico.

La música clásica italiana no se vio influenciada por el» gigante armónico alemán», es decir, las densas armonías de Richard Wagner, Gustav Mahler y Richard Strauss. La música italiana también tenía poco en común con la reacción francesa a la música alemana, el impresionismo de Claude Debussy, por ejemplo, en el que el desarrollo melódico se abandona en gran medida para la creación de estados de ánimo y atmósfera a través de los sonidos de acordes individuales.

Uno de los principales contribuyentes de Italia a la música clásica es Antonio Vivaldi, uno de los más grandes compositores barrocos ampliamente acreditado por haber creado música de concierto. Su pieza más famosa es Four Seasons, que todavía se reproduce en todo el mundo hoy en día.

En el siglo XX la música clásica cambió mucho, no solo en Italia, sino también a nivel europeo. La música nueva abandonó gran parte de las escuelas históricas de armonía y melodía desarrolladas a nivel nacional en favor de la música experimental, la atonalidad, el minimalismo y la música electrónica. Entre los compositores más importantes de la época se encuentran Ferruccio Busoni, Alfredo Casella, Bruno Maderna, Luciano Berio, Luigi Nono, Salvatore Sciarrino, Luigi Dallapiccola, Carlo Jachino, Gian Carlo Menotti, Jacopo Napoli y Goffredo Petrassi.

Opera

Como lugar de nacimiento de la ópera, Italia cuenta con muchos magníficos e históricos teatros de ópera, muchos de los cuales todavía están en funcionamiento hoy en día.

En términos generales, la ópera italiana se puede dividir en dos períodos, el barroco y el romántico. La primera composición que puede considerarse ópera tal como la concebimos hoy en día, es Dafne, escrita por Jacopo Peri en 1597.

Ver: Ópera italiana

Música napolitana

La influencia de Nápoles en la historia de las tradiciones musicales se ha extendido mucho más allá de las fronteras de Italia. Los primeros conservatorios de música se crearon en Nápoles en el siglo XVI y la Ópera de San Carlo de la ciudad es también la ópera más antigua del mundo en funcionamiento continuo.

El concurso anual de composición de canciones napolitanas, celebrado durante el Festival anual de Piedigrotta en Nápoles, elevó la canción popular napolitana (canzone napoletana) a una forma de arte formal. El ganador del primer festival fue una canción titulada Te voglio bene assaje, compuesta por el compositor de ópera Gaetano Donizetti. A finales de 1800 y principios de 1900, los emigrantes de Nápoles y el sur de Nápoles se llevaron sus canciones populares napolitanas al extranjero, donde ganaron más popularidad. ‘O sole mio, que data de 1898, se ha convertido en una de las canciones más famosas del mundo y ha sido traducida a muchos idiomas. Elvis Presley interpretó su propia versión de la canción titulada It’s Now or Never.

Otra canción napolitana tuvo un impacto igualmente inesperado en las tradiciones musicales en el extranjero, convirtiéndose en el himno de un gran día de fiesta en los países escandinavos. La canción del siglo XIX Santa Lucía, adaptada con letra sueca, se convirtió en el villancico cantado tradicionalmente en Suecia el 13 de diciembre para celebrar al Santo del mismo nombre. Véase: Santa Lucía.

Otras canciones de este período a menudo fueron confundidas con canciones populares tradicionales por compositores extranjeros, que popularizaron canciones que inicialmente solo tenían un alcance local. Funiculì Funiculà, por ejemplo, se compuso originalmente en 1880 para conmemorar la apertura del primer teleférico funicular en el Monte Vesubio, pero fue popularizado por los compositores Richard Strauss y Rimsky-Korsakov, y más recientemente por Disney e Il Volo, lo que demuestra lo perdurables que pueden ser las canciones napolitanas universales que cruzan géneros.

Música instrumental

Algunos compositores comenzaron a escribir música instrumental, en lugar de ópera. Uno de estos grupos de compositores fue llamado generazione dell’ottanta (generación de 1880), incluyendo Franco Alfano, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti, y Ottorino Respighi. Incluso compositores de ópera, como Giuseppe Verdi, trabajaron ocasionalmente en estas formas. Su Cuarteto de cuerdas en Mi menor, es un ejemplo de ello. Incluso Donizetti, cuyo nombre se identifica con los inicios de la ópera lírica italiana, escribió 18 cuartetos de cuerda.

A principios del siglo XX, la música instrumental comenzó a crecer en importancia. El proceso que comenzó alrededor de 1904 con la Segunda Sinfonía de Giuseppe Martucci, una obra que Malipiero llamó «el punto de partida del renacimiento de la música italiana no operística».»Varios compositores tempranos de esta época, como Leone Sinigaglia, usaron tradiciones folclóricas nativas. Los miembros de esta generación fueron las figuras dominantes en la música italiana después de la muerte de Puccini en 1924. Surgieron nuevas organizaciones para promover la música italiana, como el Festival de Música Contemporánea de Venecia y el Maggio Musicale Fiorentino. Los italianos, sin embargo, tendían a preferir piezas más tradicionales y estándares establecidos, y solo un público limitado buscaba nuevos estilos de música clásica experimental.

Pop moderno

Entre los músicos pop italianos más conocidos de las últimas décadas se encuentran Domenico Modugno (con su famosa canción Volare), Mina, Claudio Villa, Adriano Celentano, Lucio Battisti, De André y, más recientemente, Zucchero, Lucio Dalla, De Gregori, Vasco Rossi, Gianna Nannini y la superestrella internacional Laura Pausini, Eros Ramazzotti y Andrea Bocelli.

Los músicos que componen y cantan sus propias canciones se llaman cantautori (cantautores). Sus composiciones son a menudo canciones de protesta, que típicamente se centran en temas de relevancia social, política e intelectual, o baladas sentimentales.

El pop moderno se puede dividir aproximadamente en cinco períodos o estilos:

1. Música leggare a principios de los años 1950 y 1960, con Domenico Modugno, Adriano Celentano, Mina, Gino Paoli.
2. Trovadores italianos modernos y música de 1968: Fabrizio De André, Francesco Guccini, Francesco De Gregori, Giorgio Gaber, Umberto Bindi, Luigi Tenco, Paolo Conte.
3. Los temas de protesta se volvieron aún más predominantes en la década de 1970 a través de autores como Lucio Dalla, Pino Daniele, Francesco De Gregori, Ivano Fossati, Francesco Guccini, Edoardo Bennato.
4. Rock progresivo y una nueva versión de la música italiana moderna a finales de la década de 1970, Franco Battiato, Le Ore, Lucio Dalla y otros que comenzaron a fusionar la música italiana con el rock británico, el pop y otros géneros musicales.
5. Rock leggero de los años 1980 y 1990, p.ej. Vasco Rossi, Piero Pelù, y más recientemente Ligabue y Negramaro.

También hay artistas como Angelo Branduardi que mezclan música pop, folk y barroca en un género nuevo y personal.