AES+F group

yhtenä tämän hetken menestyneimmistä ja kuuluisimmista taideryhmistä pidetyllä AES+F: llä on näyttelyitä ympäri maailmaa. Tatjana Arzamasovan, Lev Jevzovitšin, Jevgeni Svjatskin ja Vladimir Fridkesin multimediainstallaatiot ja-projektit keskittyvät ensisijaisesti globaaliin kulttuuriin ja nykyaikaisten arvojen analysointiin.

heidän installaatioelokuvansa ”Inverso Mundus” (latinaksi ”Käänteinen maailma”) esitettiin Venetsian biennaalissa ja kiertää edelleen museoita ympäri maailmaa.

Ivan Aivazovski

kukaan ei maalaa merta niin kuin Iivana voisi! Taidemaalari Aivazovskia kunnioitettiin yhtenä tuotteliaimmista taiteilijoista, sillä hän loi yli 6 000 merimaisemaa. Taidehistorioitsijat ja taidekriitikot pitävät ”Mustanmeren” taidetta magnum opuksenaan, joka on seurausta taiteilijan elämän ja uran uudelleenajattelusta.

Yuri Albert

Albert’s famous artworks with text often become Internet memes, while his retrospective exhibition, ”What did the artist mean by that?”Moskovan modernin taiteen museossa, pysyi pysyvän muutoksen tilassa koko sen keston ajan. Tästä Yuri Albertissa on kyse. 15-vuotiaana tämä konseptualisti löysi itsensä Komarin ja Melamidin työpajasta, jonka vaikutuksesta hän alkoi luoda modernin taiteen olemusta uudistavia teoksia.

Albertin lempitemppu on ottaa tunnettu teos, muuttaa se ja muuttaa se omaksi, ryhtyen samalla polemiikkiin alkuperäisen kanssa. Otetaan esimerkiksi hänen merkkiteossarjansa, jossa taiteilija vertaa itseään ironisesti kansainvälisiin taidetähtiin.

Leon Bakst

Euroopan Sergei Diaghilevin kuuluisien Venäjän kausien menestys Pariisissa oli pitkälti Bakstin ansiota. Hänen lavasteet ja puku luonnoksia Ballets Russes productions tuli sensaatio sinänsä: ne olivat jopa esillä Louvre, kun taas Bakst Orientalistinen Tyyli asettaa Muoti Pariisissa turbaanit, leveät housut ja värillinen peruukit.

Andrey Bartenev

eksentrinen Bartenev teki itselleen nimeä 1990-luvulla: hänen kaikista saatavilla olevista materiaaleista valmistetut pukunsa sekä performanssit ja installaatiot nousivat ajan symboleiksi.

sittemmin hän on tullut tunnetuksi ”törkeyden mestarina”, yhden miehen juhlijana ja kävelyesityksenä: Bartenev erottuu joukosta kirkkaiden friikkipukujensa ansiosta. Ne ovat edelleen hänen tapansa tutkia maailmaa tai miettiä tuttuja juonia uudelleen.

Ely Bielutin

avantgardetaiteilija Bielutin oli tunnettu kokeiluista ja mystifioinnista. Hän perusti Studion Moskovaan ja eräänlaisen uuden todellisuuden koulun, joka yhdisti yli 3 000 taiteilijaa. Vuonna 1962 hänen ateljeensa abstraktien taiteilijoiden töitä oli esillä Manežin näyttelysalissa Moskovassa.

näyttelyssä vieraili kommunistisen puolueen pääsihteeri Nikita Hruštšov, joka vihasi näkemäänsä ja kuvaili sitä ”sotkuksi”. Tämän jälkeen uusi todellisuus käytännössä kiellettiin, jolloin Bielutinista tuli erakko eikä hän esitellyt teoksiaan lähes ennen perestroikaa.

Viktor Borisov-Musatov

Borisov-Musatov oli symbolisti, joka erikoistui ränsistyneiden vanhojen kartanoiden, puutarhateekutsujen ja venäläisen aateliston jäsenten maalaamiseen viime vuosisadan vaihteessa. Heidän mukaansa hän yritti Hopeakauden edustajana vangita” katoavan maailman ” ja ulospäinsuuntautuneen aikakauden viimeiset kaikut.

”allas” oli lähtökohta hänen tunnustamiselleen symbolistisena taiteilijana: maalaus kuvaa hänen siskoaan ja morsiantaan istumassa maalaistalon lammen rannalla. Kuvasta tuli hänen häälahjansa vaimolleen ja hänen ensimmäinen merkittävä menestyksensä.

Karl Brjullov

Brjullov oli aikansa parhaita muotokuvamaalareita. Hän maalasi Venäjän ylimystön virallisia ja yksityisiä muotokuvia, osallistui keisarillisiin vastaanottoihin ja tunsi Aleksandr Puškinin.

mutta kaikki tämä tuli 12 Italiassa asumisen jälkeen, joista kuusi Brjullov oli viettänyt monumentaalisen teoksensa ”Pompejin viimeinen päivä” parissa. Siitä taiteilija sai Grand Prix ’ n Pariisin näyttelyssä ja tunnustusta Euroopassa ja Venäjällä.

Vladimir Borovikovski

hän maalasi Venäjän ylimystöä, myös keisaria, mutta hänet tunnetaan paremmin nuorten naisten muotokuvistaan, joita on esillä paitsi Tretjakovin galleriassa Moskovassa myös Louvressa Pariisissa. Borovikovskin tavaramerkkisaavutus oli hänen kykynsä ilmaista esikuviensa selvästi erottuvaa aistillisuutta.

Grisha Bruskin

In the Soviet Union, his works were rejected, and he found recognition only with the start of perestroika. Vuonna 1988 Sothebyn ensimmäisessä ja ainoassa huutokaupassa Neuvostoliitossa hänen ”Fundamental Lexicon” myytiin länsimaiselle keräilijälle (silloisen) ennätyksellisen 416 000 dollarin hintaan (FSB: n edeltäjän KGB: n kuulustelun jälkeen). Pari viikkoa myöhemmin Bruskin oli Amerikassa, ja hänen töitään on sen jälkeen ollut esillä maailman kuuluisimmissa museoissa.

”Fundamental Lexicon” on maalaussarja, jossa lukuisat kipsifiguurit – pioneerit, urheilijat, proletaarit, Komsomolin jäsenet – kantavat virallisen neuvostokulttuurin tunnuksia, Neuvostoliiton joukkoagitaation ja propagandan visuaalista koodia.

David Burliuk

Burliuk sai tunnustusta ”venäläisen futurismin isänä” sekä Venäjällä että ulkomailla, erityisesti New Yorkissa, jonne hän asettui vuonna 1922 ja oli aktiivinen neuvostomyönteisissä piireissä. Burliuk edisti futurismia ja kubismia kaikin käytettävissä olevin keinoin: hän julkaisi lehteä, painoi esitteitä, kirjoitti runoja ja arvosteluja sekä maalasi.

aito menestys tuli hänelle hänen ”setäni muotokuva” – teoksellaan, joka oli burliukin ainoa maalaus, jolle hän onnistui löytämään ostajan lähes jokaisesta kaupungista. Siitä tuli hänen cubo-futurismin manifestinsa. ”Taiteilija loi nopeasti hotellissa liimaamalla lehtileikkeitä kulmasta revittyihin kasvoihin, joilla oli kolme silmää, kaksi nenää ja niin edelleen”, hänen ystävänsä ja taiteilijakollegansa Jevgeni Spasski muisteli.

Erik Bulatov

Bulatov oli Komarin ja melamidin ohella yksi sots Artin perustajista. Hänen yksityisnäyttelyjään pidetään johtavissa museoissa ja gallerioissa ympäri maailmaa.

”avaruus on vapautta”, Bulatov tapasi sanoa. Kirjaimellisesti ”kunnia CPSU: lle” on neuvostoliittolainen iskulause, joka on asetettu sinisen taivaan taustalle. Vertauskuvallisesti vapaus tihkuu jopa kommunistisen ideologian verkon läpi.

Marc Chagall

yksi venäläisen avantgarden johtajista, Marc Chagall loi ainutlaatuisen, jäljittelemättömän tyylinsä. Hänen kuuluisin teoksensa kuvaa kaikkea, mitä taiteilijalla oli sillä hetkellä elämässään: itseään, vaimoaan ja ikuista muusaansa Bellaa sekä kotimaansa Vitebskin taloja.

tämä kokoonpano jäi Chagallin kanssa myös maastamuuttoon Ranskaan, paitsi että hän vaihtoi itsensä ja vaimonsa vastavihittyyn pariskuntaan ja Vitebsk Pariisiin.

Olga Tšernysheva

tšernysheva on yksi tämän hetken kansainvälisesti kysytyimmistä venäläistaiteilijoista. Hänen maalauksiaan, videoitaan, grafiikoitaan ja valokuviaan oli esillä useissa Venetsian biennaaleissa, ja niitä on esillä museoissa Wienistä New Yorkiin.

hän on monumentaalisuuden vieras ja inspiroituu elämän pienistä esineistä: arkisista sattumuksista, kuten metrolaulusta tai penkillä nukkuvista kodittomista. Hän käyttää näitä arkisia kohtauksia luodakseen kuvan (ja hyvin intiimin sellaisen) nyky-Venäjästä.

Ivan Tšuikov

toinen Neuvostoliiton taiteellisen Undergroundin sankari chuikovia kiehtoo ajatus illuusion ja todellisuuden, eri tyylien ja kielten yhdistämisestä. Näin syntyi hänen ”Windows …” – sarjansa. Esimerkiksi hänen ”roomalaisesta” profiilistaan voi tulkita Piero della Francescan kuuluisan muotokuvan Federico da Montefeltrosta. Mutta Chuikoville se on vain siluetti ja punainen piste. Mikä se oikeasti on? Aurinko? Tai postmodernismin pilkkaaman klassikon temppeliin osoittava punapisteinen lasertähtäin?

tšuikovin teoksia on muun muassa Pompidou-keskuksessa, Zimmerlin taidemuseossa, Venäjän museossa ja Tretjakovin galleriassa.

Aleksandr Deyneka

Tämä merkittävä hahmo Neuvostoliiton virallisessa taiteessa oli yksi sosialistisen realismin pilareista, jossa juhlittiin hyvää terveyttä, urheilua, työtä ja uutta, neuvostoliittolaista elämäntapaa. Hän kiillotti tämän tyylin täydelliseksi: hänen vahvat, pumpatut miehensä ja naisensa väsymättä ja hymy kasvoillaan, puolustavat kaupunkeja, työskentelevät tehtaissa ja ihannoivat puoluetta.

Deyneka’n aikalaiset joko ihannoivat tai vihasivat häntä: siinä missä hän kuvasi sankaruutta kommunismin nimissä, toiset näkivät puutetta ja valinnanvapauden puutetta. Loppujen lopuksi hänen utopistiset hankkeensa luotiin massaköyhyyden ja kostotoimien taustaa vasten.

Elena Elagina ja Igor Makarevitš

Tämä nykytaiteen elävinä legendoina jo pidetty Moskovan Konseptualistien kaksikko kokeilee sosiaalisten utopioiden luomista fiktiivisten hahmojen avulla.

yksi monimutkaisimmista ja pisimmistä, ”homo lignum” – projekti, on edelleen kesken. Se kertoo tarinan nöyrästä kirjanpitäjästä Nikolai Ivanovitš Borisovista, jolla on maaninen halu tulla puuksi.

Aleksandra Ekster

Ekster oli yksi ”Amatsonit avant-garde” ja telineeseen kaikissa suurissa näyttelyissä uuden taiteen alussa 20-luvulla. Vuonna 1907 hän lähti joksikin aikaa Pariisiin, jossa hän ystävystyi Pablo Picasson, Fernand Legerin, Guillaume Apollinairen ja monien muiden kanssa, minkä jälkeen hän alkoi markkinoida heidän teoksiaan kotimaassa auttaen venäläisiä avantgardetaiteilijoita sovittamaan tekniikkansa töihinsä.

Ekster itse oli futurismin ja tarkemmin sanottuna sen omalaatuisen venäläisen muodon, Kubo-futurismin seuraaja. Hän kuvitti futuristisia lehtiä, suunnitteli teatteriesityksiä, pukuja, tyynyjä ja jopa univormun Puna-armeijalle. Mutta vuonna 1924 hän meni Venetsian biennaaliin eikä koskaan palannut Venäjälle.

Semen Faibisovitš

kuvarealismin mestarina faibisovitš maalaa pääasiassa Moskovaa. Lisäksi hän valitsee aiheekseen kaupungin vähemmän Viehättävät piirteet: nuhjuiset pihat, joutomaat, kioskit, Kulkukoirat, vierastyöläiset, kodittomat, tavalliset ohikulkijat. Kuitenkin juuri tästä syystä faibisovitšin teosten uskotaan vangitsevan ajan vaikeasti saavutettavaa luonnetta. Maailman johtavat huutokauppakamarit myyvät niitä yli 400 000 dollarilla.

20. Nicolai Fechin

vallankumouksen torjunut Fechin muutti Yhdysvaltoihin vuonna 1923, jossa hän eli onnellisena 30 vuotta. Siksi hänen teoksiaan on niin paljon amerikkalaisissa museoissa ja yksityiskokoelmissa ulkomailla.

ennen lähtöään Venäjältä hän onnistui kuitenkin luomaan yhden merkittävimmistä maalauksistaan, nuoren Varja adoratskajan muotokuvan, jota usein verrataan Serovin ”persikkatyttöön”.

nykyään Fechin on kalleimpia venäläisiä artisteja: vuonna 2010 hänen kankaansa myytiin 11 miljoonalla dollarilla MacDougall ’ s-huutokaupassa.

Pavel Fedotov

Venäjän keisarikunnassa avioliittoa ei usein solmittu rakkaudesta. Yhteiskunta ei suhtautunut suopeasti epätasa-arvoisiin avioliittoihin, mutta monet ihmiset vielä 1800-luvun puolivälissä pitivät sitä suurena tapana parantaa omaa taloudellista tilannetta ja sosiaalista asemaa. Tästä kertoo yksi johtavan genretaiteilijan Fedotovin tunnetuimmista maalauksista.

sen aikanaan kuva aiheutti melkoisen kohun: kauppias naittaa tyttären konkurssipesän hoitajalle, sulhanen saa myötäjäiset, kun taas kauppias tulee sukua aatelisperheelle.

Konstantin Flavitski

monien 1800-luvun taiteilijoiden tavoin Flavitski vietti aikaa opiskellen Italiassa ja hänet muistetaan yhdestä mestariteoksesta.

hänen aikaisempi kriitikot tyrmäsivät maalaukset ”Brjullovin jäljitelmänä”, mutta taiteilija onnistui silti jättämään jäljen historiaan. Keisarinna Elisabetin tyttäreksi väitetyn prinsessa Tarakanovan (hänen oikea nimensä ei ole tiedossa) todellinen kuolema ei ollut aivan sellainen kuin on kuvattu – hän kuoli poliittisena vankina, paitsi ei tulvassa, vaan tuberkuloosiin. Sillä ei ollut erityistä merkitystä: ”prinsessa Tarakanovasta” tuli Flavitskin riemuvoitto. Pian maalauksen tekemisen jälkeen hän kuitenkin kuoli kulutukseen, jonka hän oli saanut Italiassa.

Pavel Filonov

avantgarde taiteilija Filonov piti itseään läpeensä kommunistina ja uskoi kansan tarvitsevan hänen taidettaan. Hän käytti moniulotteisista kuvistaan termiä ”analyyttinen taide” eikä suostunut myymään teoksiaan kenellekään. Tämä koitui lopulta hänen kohtalokseen: Leningradin piirityksen aikana hän istui jääkylmällä ullakolla vartioimassa maalauksiaan ja sairastui keuhkokuumeeseen, joka tappoi hänet.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. Hän oli kuitenkin vakuuttunut siitä, että tämä oli tapa löytää todellisia tunteita ja merkityksiä tunnetuista juonista.

ge maalasi kuuluisan ”golgatansa” vuotta ennen kuolemaansa. ”Kyllä, Tämä maalaus piinasi minua hirveästi”, hän kirjoitti ystävälleen Leo Tolstoille. ”Eilen löysin viimeisen tarvitsemani asian, muodon, joka on varsin elävä. Keksin tavan kuvata Kristusta ja kahta varasta yhdessä Golgatalla ilman ristejä… Sanalla sanoen… kolme sielua elossa kankaalle. Itse itken, kun katson tätä kuvaa.”

Natalia Gontšarova

Gontšarova kuului yhdessä miehensä Mihail Larionovin kanssa venäläisen avantgarden pioneereihin. Vuodesta 1914 hän työskenteli Diaghilevin Venäjän kausien parissa Pariisissa, jossa hän oli kuolemaansa saakka vuonna 1962.

nykyään hänen teoksiaan on maailman johtavissa taidekokoelmissa, muun muassa Lontoon Tate Modernissa ja Pariisin centre pompidoussa. Vuonna 2010 Christie ’ s myi maalauksensa 9 miljoonalla dollarilla, mikä teki hänestä historian kalleimman (tuohon aikaan) naistaiteilijan.

Theofanes the Greek

johtava vanha Rusin maalari Theofanes kreikkalainen on venäläisen ortodoksikristillisyyden pyhimpiin kuuluvan esineen luoja. Hänen ikoninsa Neitsyt Kristus-vauva sylissään pidetään ihmeellisenä: legendan mukaan se auttoi usein taisteluissa.

Tämä kuva, kuten Andrei Rublevin ”kolminaisuus”, on tullut osaksi Venäjän kulttuurikoodia.

Dmitri Gutov

gutov kuuluu 1990-luvun alussa omanlaiseensa Taiteilijasukupolveen. Hän luo uusia tulkintoja kulttuurin kanonisista esineistä, venäjän kielestä, venäläisistä ikoneista ja klassisesta taiteesta siinä uskossa, että niiden olemus välittyy muutamassa minuutissa. Hänen tunnistettavimpia taide-esineitään ovat metallipaneelit, joissa on Rembrandtin versio, sekä vanhat venäläiset ikonit. Kun katsoja siirtyy hieman sivuun, kuva vääristyy. Ajatuksena on, että tämä vääristymä käy läpi kaikki 1900-luvun kehitysvaiheet kubismista ekspressionismiin abstraktioon.

luettelo taidepaikoista, joissa taiteilija on koskaan pitänyt näyttelyitä, on käytännössä loputon, Venetsian ja Sydneyn biennaalista ja Kasselin documentasta Guggenheim-museoon.

Aleksandr Ivanov

Ivanov oli keisarille läheinen taiteilija. Hänet tunnettiin erityisesti raamatullisten ja mytologisten juonien innoittamista maalauksistaan. Taiteilijaseura jopa rahoitti hänen matkansa Italiaan ”edelleen parannettavaksi”.

Ivanov palasi Italiasta vasta saatuaan valmiiksi pääopuksensa Messiaan ilmestymisestä. Häneltä meni 20 vuotta ja 600 sketsiä. Valtavan kankaan osti ja toi Pietariin keisari Aleksanteri II. maalausta varten oli rakennettava oma rakennus.

Francisco Infante

infantesta, joka syntyi Venäjällä espanjalaisen poliittisen émigrén perheeseen, tuli venäläisen maataiteen ja kineettisen taiteen tunnetuin edustaja. Taiteilija kutsuu abstrakteja installaatioitaan ”artefakteiksi” – hän sijoittaa peilejä ja liikkuvia rakenteita luonnonmaisemiin, jolloin luonto on olennainen osa taideteosta.

infantea pidetään venäläisen avantgarden, erityisesti Malevitšin ja Tatlinin perinteiden jatkajana. Hänen teoksiaan on yli 30 museossa ja yksityiskokoelmassa ympäri maailmaa.

Alexej von Jawlensky

ekspressionistinen taiteilija, joka syntyi ja kasvoi Venäjällä, mutta tuli kuuluisaksi Saksassa. Van Goghin, Gauguinin, Cezannen ja Matissen ihailija, Wassily Kandinskyn läheinen ystävä ja liittolainen, Jawlensky oli lähellä abstraktiota, mutta jäi jonnekin sen ja esittävän taiteen rajamaille. Laajin kokoelma hänen teoksiaan löytyy Wiesbadenista.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Yhdessä taiteilijakollegoidensa-Malevitšin, Tšagallin, Gontšarovan, Larionovin ja muiden – kanssa hän irtautui häikäilemättömästi realistisen maalaustaiteen perinteistä.

hänen ”composition VII” – teoksensa huippukohtana pidetään ensimmäistä maailmansotaa edeltänyttä aikaa. Voitko erottaa siinä olevan ylösnousemuksen, tuomiopäivän, vedenpaisumuksen ja Eedenin puutarhan? Tätä Kandinsky kuvasi siinä muistiinpanojensa mukaan.

Ilja ja Emilia Kabakov

kabakovit ovat epävirallisen neuvostotaiteen ja modernin taiteen päätähtiä. Iljan ja Emilian ansiosta moskovalaisesta Konseptualismista on tullut maailman tunnetuin venäläinen nykytaiteen liike. Pariskunta on asunut New Yorkin Long Islandilla 1980-luvun lopulta lähtien, ja heidän näyttelyjään on New Yorkin Modernin taiteen museossa, Pariisin Centre Pompidoussa, Lontoon Tate Galleryssa ja Pietarin Hermitage-museossa.

In 2008 ”the beetle” rikkoi hintaennätyksen: sitä myytiin 2,6 miljoonalla punnalla (lähes 6 miljoonalla eurolla), ja kabakovsin teoksesta tuli elävistä venäläisistä taiteilijoista kallein. Ne ovat sittemmin pysyneet tämän listan kärjessä.

Orest Kiprensky

kun Kiprensky sai valmiiksi suuren runoilijan Aleksandr Puškinin muotokuvan, tämä omisti hänelle runon, jossa sanottiin: ”tästä lähtien katseeni tunnetaan Roomassa, Dresdenissä ja Pariisissa.”

runoilijan ennustus osoittautui oikeaksi. Muotokuvamaalari Kiprensky, jota lännessä verrattiin ja joskus jopa sekoitettiin Rembrandtiin ja Rubensiin, loi populaarikulttuurin kuuluisimman kuvauksen Pushkinista: tältä suuri runoilija näyttää Venäjän ja muun maailman ihmisten silmissä.

Ivan Kramskoi

vielä ei ole selvinnyt, kuka tämä ”venäläisten peredvizniki” – taiteilijoiden ideologin kuvaama nuori nainen on. Kramskoi päätti pitää salaisuuden eikä paljastanut henkilöllisyyttään edes kuolemansa jälkeen löydetyissä päiväkirjoissa ja muistiinpanoissa. Nykyään yksi Venäjän taiteen vertauskuvallisimmista muotokuvista on nimeltään ”venäläinen Mona Lisa”.

Konstantin Korovin

näkyvä edustaja ”venäläisestä impressionismista” Korovin sai vaikutteita Pariisin kaupungista ja maalasi siellä monia parhaita maisemiaan. Siksi ei ole yllättävää, että hän oli valtava menestys Ranskassa: siellä hänelle myönnettiin Légion d ’ Honneur ja hän sai teoksistaan kulta-ja hopeamitalit.

Venäjän vallankumouksen jälkeen taiteilija päätti paeta neuvostoliittolaisten maasta: hän piti uuden hallituksen politiikkaa sortavana. Vuonna 1922 hän sai luvan lähteä – sairaanhoitoon ja henkilökohtaisen näyttelyn pitämiseen – mutta ei koskaan palannut. Ei ihme, että hän asettui asumaan Pariisiin.

Aleksandr Kosolapov

Coca-Cola vannoi tuhoavansa kosolapovin. Hän kiinnitti FBI: n huomion, hänen näyttelynsä Venäjällä peruttiin ja osa hänen töistään meni jopa oikeuteen. Hänen menetelmänsä on yhdistää asioita, joita ei voi yhdistää, kuten esimerkiksi Leninin profiili kuuluisan yhtiön logoon.

kosolapovin taide on todellakin provokatiivista ja usein skandaalinkäryistä, mutta se ei estä häntä jäämästä arvostetuksi sots-taiteen mestariksi (neuvostoversio pop-taiteesta), jonka teoksia löytyy maailman parhaiden museoiden kokoelmista.

Irina Korina

Korinalle vuoden 2017 Venetsian biennaalin pääprojektin osanottaja, arkielämän vähäpätöisimmätkin yksityiskohdat Moskovan katuvalaistuksesta hautajaisseppeleisiin ja rakennustelineiden verkkoihin, ovat pohdinnan arvoinen asia. Häntä kuvaillaan totaalisen installaation mestariksi. Korinan viimeisimmät yksityisnäyttelyt pidettiin GRAD Foundationissa Lontoossa, Brooklyn Academy of Musicissa New Yorkissa ja Steirischer Herbst-festivaalilla Grazissa Itävallassa.

”pyrstö wags the comet”, valtava kolmikerroksinen torni, ilmestyi Moskovan autotallimuseoon ja siitä on tullut kokoelma lainauksia hänen uraltaan.

Pjotr Konchalovski

hänet tunnetaan ”tärkeimpänä venäläisenä cézannistina”, tärkeimpänä ”venäläisenä impressionistina” ja yhtenä ”kalleimmista” venäläisistä taiteilijoista kansainvälisissä huutokaupoissa. Vaikka Konchalovski oli lainannut paljon ranskalaisilta taiteilijoilta, hän onnistui kuitenkin löytämään oman tyylinsä, jota länsimaiset kriitikot luonnehtivat usein ”slaavilaiseksi”.

kotona Konchalovskin aikalaiset hylkäsivät hänen taiteensa niin paljon, että he jopa kieltäytyivät näyttelemästä teoksiaan hänen vieressään. Mutta kun Neuvostoliitto osallistui vuonna 1924 ensimmäistä kertaa Venetsian biennaaliin, ne olivat Konchalovskin maalauksia – 13 niistä – jotka olivat esillä Neuvostoliiton paviljongissa.

Vitali Komar & Alexander Melamid

virallisen neuvostotaiteen tärkeimmät ”peikot” ovat luoneet oman ainutlaatuisen sots-taiteen lajityypin, joka on Neuvostoliiton vastine poptaiteelle. He tekivät kyljyksiä Neuvostoliiton äänitorvesta, Pravda-sanomalehdestä, kuvasivat itsensä Leniniksi ja Staliniksi, allekirjoittivat Neuvostoliiton tärkeimmät iskulauseet nimillään ja asettivat Leninin McDonaldsin logoa vasten.

edes lähdettyään Neuvostoliitosta artistit eivät lopettaneet kaustista trollaustaan. Heidän kohteitaan olivat muun muassa Andy Warhol (jota he kutsuvat ”idiootiksi”) ja Gerhard Richter (”näin eläin maalaisi, jos sille annettaisiin sivellin”).

Valeri Koshljakov

Koshljakovin maalauksissa on useita silmiinpistäviä piirteitä: ne on maalattu lähes aina kuvioidulle aaltopahville ja lähes aina hänen kaupunkimaisemansa ”virtaavat” kankaan pintaa pitkin. Kuvat menneisyydestä, rauniot, Kreikan mytologia, muisti – nämä ovat hänen ajaton ajankohtainen merkkiä.

Koshljakov asuu nykyisin Pariisissa ja hänellä on kova kysyntä: hänellä on ollut näyttelyitä Louvressa, Guggenheim-museossa, biennaalissa San Paolossa ja Venetsiassa. Silti vielä näinä päivinä hän muistelee ironisesti, että hänen ensimmäinen näyttelynsä pidettiin maakunnallisessa yleisessä vessassa.

Geliy Korzhev

koržev kutsui itseään leikillään ”vanhaksi sosialistiseksi realistiksi”. Taidekriitikot ovat leimanneet hänet ”Ankaran tyylin edustajaksi”. Korževin taide on kuitenkin ylittänyt nuo rajat: vaikka hänellä oli melko korkeat virat Neuvostoliiton Taiteilijaliitossa, hän onnistui pakenemaan poliittisista toimikunnista aistilliseen, joskus surrealistiseen sfääriin. Hän on ennen kaikkea voimakkaan inhimillisen tunteen taiteilija, jolle sota, vallankumous ja Neuvostoliiton ”vuosisadan rakennusprojektit” olivat vain tausta.

Arkhip Kuindzhi

häntä syytettiin usein erilaisten juonien käyttämisestä, kuten piilotettujen laitteiden käyttämisestä maalaustensa sytyttämiseen. Sitä vastoin hänen hyväntoivonsa kutsuivat häntä ”venäläiseksi Monetiksi” hänen mestarillisesta värityöstään. Hänen Kuutamoyöstään, jonka kuutamo heijastui Dnepr-joelle, tuli sensaatio. Varsinkin, kun kyseessä oli ensimmäinen kerta Venäläisen taiteen historiassa, kun näyttely koostui yhdestä teoksesta.

sen menestys oli sellainen, että Kuindzhi joutui vapaaehtoiseen maanpakoon 30 vuodeksi: kriitikot eivät hyväksyneet ”kuutamoyö…” – teosta seuranneita teoksia, ja taiteilija kamppaili pitkään sen kanssa.

Boris Kustodijev

kansallismaku samovaareista ja messuista pulleisiin kauppiasnaisiin värikkäissä puvuissa viehätti Kustodijevia ja erotti hänet muista aikansa taiteilijoista. Hän on ainoa venäläinen taiteilija, joka on koskaan voittanut kultamitalin Venetsian biennaalissa.

”kaunotar”, venäläisen kauppiaan vaimon kuvaus, tuli hänen manifestikseen ja omalaatuisen tyylin etsinnän tuloksena. ”Hoikat naiset eivät innosta luovuuteen”, hänellä oli tapana sanoa. Taiteilija loi tämän ja muita kuuluisia teoksia ollessaan jo halvaantunut – hänelle oli tehty useita selkäydinleikkauksia.

Oleg Kulik

”hullu koira” oli Oleg kulikin ensimmäinen esitys: alasti, ryömi nelinkontin ja hyökkäsi ohikulkijoiden kimppuun. Sen päähenkilö tuli yksi symboleja hullu 1990-luvulla, ja Kulik – yksi perustajista Moskovan action art.

myöhemmin taiteilija yritti itse erilaisia tyylejä ja tekniikoita, kuvanveisto maalaus, ja jatkaa kokeiluja nykypäivään asti. Hänen teoksiaan on muun muassa Centre Pompidoussa Pariisissa ja Tate Modernissa Lontoossa.

Mihail Larionov

a henkilö ei havaitse objektia, vaan valonlähteestä tulevan ja tästä kohteesta heijastuvan säteiden rykelmän – näin Larionov selitti rayonismin, avantgardistisen abstraktin taideliikkeen, jonka hän oli keksinyt.

samaan aikaan Larionov itse tasapainoili jatkuvasti edustavan ja abstraktin taiteen välillä ja jätti varsin monipuolisen perinnön. Hän oli naimisissa” avantgarden Amatsonin ” Natalia Gontšarovan kanssa, mutta toisin kuin hänen vaimonsa ollessaan emigraatiossa Ranskassa elämänsä viimeiset 30 vuotta hän ei luonut mitään merkittävää.

Aristarkh Lentulov

Lentulov jongleerasi rohkeasti eri tyylisuuntia: hänen teoksissaan oli nyt vaikutteita symbolisteilta ja impressionisteilta, nyt kubisteilta ja abstraktionisteilta. Hän oli kuitenkin ensimmäisiä, joka rakensi taiteensa värin ympärille esineen sijaan.

hänen eri töidensä riehakkaat värit toivat hänelle lempinimen ”auringon taiteilija”. Antaakseni vain yhden kuvaavan esimerkin Lentulovin elämästä: lokakuun vallankumouksen vuosipäivänä hän maalasi teatralnaja-aukion (Kremlin vieressä) puut ja nurmikon väkivaltaisella violetilla värillä.

El Lissitzky

Tämä tältä näyttää propagandajuliste, jos sen on luonut hurja suprematismin kannattaja. Punainen kolmio symboloi punaista Bolševikkiarmeijaa, joka murskaa imperialistisen valkoisen armeijan puolustukset kiilalla.

El Lissitzky oli Malevitšin avustaja ja vaikutti avantgardetaiteen aatteiden kehitykseen. Esimerkiksi juuri hänen ansiostaan suprematismi raivasi tiensä arkkitehtuuriin.

Isaac Levitan

Levitan oli rakastunut Venäjän maaseudulle ja hänestä tuli ”tunnelmamaiseman”mestari. Lopulta se varmisti hänelle Taideakatemian jäsenyyden. Juutalainen taiteilija joutui kulkemaan pitkän matkan saavuttaakseen tämän huomionosoituksen: osa Levitanin opettajista oli sitä mieltä, että juutalainen ei saisi koskea venäläiseen maisemaan, koska vain etniset venäläiset taiteilijat pystyivät kuvaamaan venäläistä luontoa. Lisäksi Levitan karkotettiin pääkaupungista kuninkaallisella määräyksellä, koska hän oli juutalainen.

vielä aika on asettanut kaiken järjestykseen: yleisesti ajatellaan, että ”ikuisen rauhan yläpuolella” on ”venäläisin” kaikista Venäjä-aiheista maalauksista.

Dmitri Levitzky

täällä on toinen 1700-luvun virallisen muotokuvan mestari. Hänen lahjakkuutensa ilmentää hänen lapsenvahtiensa maineikas piiri keisarinna Katariina suuresta ja ranskalaisfilosofi Denis Diderot ’ sta kaivospohatta Prokofiy Demidoviin.

demidovilla oli koulutetun pohatan ja eksentrikon maine. Esimerkiksi kerran hän osti Pietarista kaiken hamppukuidun, joka oli yleensä varattu briteille opetuksen antamiseksi, jotka olivat Englannissa oleskelunsa aikana pakottaneet hänet maksamaan kohtuuttoman hinnan tarvitsemastaan hyödykkeestä. Virallista muotokuvaansa varten Demidov ei halunnut pukeutua univormuunsa kaikkine palkintoineen, vaan aamutakkiin ja yölippikseen…

Kazimir Malevitš

Malevitš on venäläisen avantgarden tärkein symboli, kun taas hänen ”musta neliö” on suprematismin kuvallinen manifesti. Malevitš uskoi, että suprematismin jälkeen ei ollut taidetta, joten hän ehdotti kaikkien maalausten polttamista ja niiden tuhkien näyttämistä museoissa. Traagista kyllä, näin tapahtui osittain ensimmäisinä kuukausina vuoden 1917 Bolševikkivallankumouksen jälkeen.

Filipp maljavin

” Hollow!”Näin Pietarin Taideakatemia vastasi ekspressionistisen Maljavinin valmistujaisteokseen ”Nauru”. Ylioppilas ei vaipunut epätoivoon, ja kaksi vuotta myöhemmin hän vei nauravat talonpoikaisnaisensa mukanaan Pariisiin. Siellä Kangas aiheutti maailmannäyttelyssä sensaation: taiteilijalle luovutettiin kultamitali, ja Italian hallitus osti maalauksen Venetsian moderniin taidegalleriaan.

sanomattakin selvää maljavin palasi Venäjälle julkkiksena. Kaikki ”Naurun” kritiikki unohtui nopeasti, ja vuonna 1906 hänestä tuli akatemian jäsen.

Vladislav Mamyshev-Monroe

mestarina hän käänsi elämänsä elinikäiseksi suoritukseksi. Käytännössä ainoa irvikuva-taiteen edustaja Venäjällä, Mamyshev-Monroe tutki maailmanhistorian ja popkulttuurin kuuluisien henkilöiden persoonallisuuksia sovittaen heidän kuviaan itselleen.

hänen lyhyen elämänsä aikana (hän kuoli 44-vuotiaana) taiteilijat kokeilivat lukuisia kuuluisia henkilöitä Marilyn Monroesta ja Hitleristä Jeesukseen Kristukseen ja Leninistä Andy Warholiin ja Vladimir Putiniin.

Konstantin Makovski

1800-luvun lopulla Makovskia pidettiin muodikkaana ja kalliina muotokuvamaalarina ja historiamaalausten tekijänä. Hänellä oli nimissään myös Pariisin maailmannäyttelyn suuri kultamitali.

vielä, Makovski maalasi usein koskettavia ja tunteellisia kuvia myös kovasta maalaiselämästä. Hänen avojaloin tyttö käynnissä veljensä ukkosmyrsky on todellinen kohtaus elämästä havaittu taiteilija aikana hänen matkoja Venäjän maakunnissa.

Vera Mukhina

yksi neuvostoajan ja monumentaalisen propagandan keskeisistä symboleista 24-metrinen ”työmies ja kolhoosinainen” luotiin Pariisin vuoden 1937 maailmannäyttelyä varten. Kirjailija Vera Mukhina halusi kuvata kaksi hahmoa alasti, mutta puolue vaati heitä ”pukeutumaan”. Tämä yksityiskohta ei kuitenkaan vähentänyt sitä vaikutusta, että monumentti tuotti: ranskalaiset halusivat jopa ostaa sen, mutta Neuvostoliitto kieltäytyi.

Vera Mukhina oli täyttänyt valtion muistomerkkitilauksia jo vuodesta 1920, mutta lukuisista palkinnoista huolimatta (hänellä oli pelkästään neljä Stalin-palkintoa) häntä ei koskaan tilattu tekemään veistoksia Leninistä tai Stalinista. Syynä oli se, ettei Mukhinaa pidetty riittävän luotettavana. 1930-luvun alussa hänet jopa karkotettiin Moskovasta, ja Pariisin näyttelyn jälkeen annettiin määräys, ettei häntä päästettäisi koskaan ulkomaille.

Irina Nakhova

Käsitetaiteilija nakhovaa pidetään venäläisen nykytaiteen ensimmäisten ”Total installaatioiden” tekijänä. 1980-luvun puolivälissä hän vaihtoi yhtä asuntonsa huoneista tunnistamattomaksi, jolloin hänestä tuli samanaikaisesti teoksensa kirjoittaja ja sen sisällä asuva hahmo. Niinpä hänen asuntonsa toimi useiden vuosien ajan hänen kokeidensa koekenttänä. Vuonna 2015 Nakhovasta tuli ensimmäinen naistaiteilija, joka on esillä Venetsian biennaalin Venäjän paviljongissa.

Ernst Neizvestny

Neizvestny loi monumentaalisia teoksia se on nähtävissä tänään Venäjällä, Ukrainassa, Yhdysvalloissa, Egyptissä, Ruotsissa ja Vatikaanissa. Neuvostoliitossa kuvanveistäjä joutui kuitenkin Ankaran hyljeksinnän kohteeksi. Erimielisyyksien vuoksi virallisen kulttuurisen tyylin-sosialistisen realismin-kanssa hän joutui sanomalehtien raadeltavaksi; häntä hakattiin kadulla ja kutsuttiin juttelemaan puoluevirkailijoiden kanssa. Silloinen valtionpäämies Nikita Hruštšov kutsui hänen teoksiaan ”rappiotaiteeksi”. Ironista kyllä, kun Hruštšov kuoli, hänen perheensä tilasi hautakiven Ernst Neizvestnyltä (ja hän teki sen kahdesta marmorilohkareesta — valkoisesta ja mustasta — jotka symboloivat Hruštšovin sisäisiä ristiriitoja).

ehkä hänen kuuluisin teos on ”surun naamio”, Magadanissa sijaitseva 15-metrinen muistomerkki, joka on omistettu poliittisen sorron uhrien muistolle. Se seisoo Stalinin ajan kauttakulkuleirin paikalla, josta lähetettiin vankeja Kolyman työleireille.

Vladimir Nemukhin

nemukhin on yksi Neuvostoliiton nonkonformistisen taiteen tärkeimmistä edustajista. Hänet erotettiin taideinstituutista radikaalin kielenkäyttönsä vuoksi ja kiellettiin virallisesti, vaikka hän nautti kansansuosiota Hruštšovin aikana.

vuonna 1956 hän tapasi Oscar Rabinin ja liittyi Lianozovon ryhmään. Monien vuosien ajan hänen lempitemppunsa, hänen” allekirjoituksensa ” ja monien hänen teostensa aihe olivat pelikortteja. Ne olivat aina läsnä hänen teoksissaan-yhtenä korttina, pareina tai pasianssissa – ja niistä tuli symboli tulevaisuuden epävarmuudelle.

Mihail Nesterov

uskonnollinen taiteilija Nesterov loi ”venäläisen Kristuksen” kuvan Sergius Radonežilaisen, Venäjän ortodoksisen kirkon pyhimyksen ja askeetin, kuvan kautta. Nesterov omisti hänelle valtavan maalauskierteen, mutta piti visiota nuorisolle… hänen paras työnsä ikinä.

ja silti Nesterov (joka oli harvoin tyytyväinen teoksiinsa ja usein tuhosi ne) vahingoitti tätäkin kangasta: hän kaatui tauluun maalatessaan nuorukaisen kasvoja uudelleen sadannen kerran.

Timur Novikov

Novikov on venäläisen 1980-luvun nykytaiteen keskeisimmän Taideyhdistyksen, uusiksi taiteilijoiksi kutsutun perustaja ja johtaja. Kerran hän asetti näytteille vanerisen kilven, jossa oli reikä, ja kutsui teosta ”Nollakohteeksi”. Novikov tunnetaan parhaiten kangassovelluksistaan.

hänen ansiokseen luettiin jatkaminen venäläisen avantgarden työtä uusissa todellisuuksissa ja uusilla materiaaleilla. 1990-luvun lopulla hän piti näyttelyitä Tatessa Liverpoolissa, Stedelijkissä Amsterdamissa, museoissa ja gallerioissa Berliinissä, Hampurissa, Pariisissa, New Yorkissa, Moskovassa ja Pietarissa.

Boris Orlov

Sotsin taiteen klassikko, Orlov tutkii teoksissaan keisarillista tyyliä ja imperiumin ilmiötä laajimmassa merkityksessä. Hänen teoksensa saattavat kuvata erilaisia historiallisia aikakausia eri kulttuureissa, mutta ne kaikki pyörivät yhden aiheen ympärillä – patriarkaalisen järjestelmän, joka perustuu ylivallan ajatukseen.

yksi hänen lempimenetelmistään on militarististen asusteiden käyttö: ”koska imperiumilla on yleensä sotilaalliset kasvot. Ei-sotilaskin pukeutuu univormuun.”

Anatoli Osmolovski

osmolovski on Venäjän tärkein Aktivistitaiteilija, jonka teot, runous, luennot ja jopa tappelut olivat jännittävä poliittinen kannanotto 1990-luvulla. hän kantoi Leninin rintakuvalla varustettua jääkaappia Punaiselle torille, levitti rivon sanan samalle aukiolle tovereidensa ruumiiden kanssa, poltti Majakovskin patsaan olalla ja oli monien muiden tekojen ja tapahtumien takana.

In 1998 hän ja 300 muuta aktivistia linnoittivat Kremliin johtavan Bolšaja nikitskaja-kadun kolmeksi tunniksi omistaen toimintansa Ranskan vuoden 1968 vallankumoukselle. Tämän jälkeen seitsemän kulkueen johtajaa tuomittiin sakkoihin.

Vasily Perov

monet Perovin maalaukset herättivät hänen aikalaistensa keskuudessa kiivaita väittelyjä. Taiteilija maalasi kohtauksia tavallisten ihmisten karusta elämästä. ”Troika…”, joka kuvaa kylästä kaupunkiin vuokratyövoimana tuotuja lapsia, on ehkä hänen paras teoksensa tässä asiassa.

Juri Pimenov

Pimenov oli kommunistisen puolueen taidepolitiikan uskollinen seuraaja. Stalinin puhdistusten synkimpinä aikoina hän maalasi idyllisiä kohtauksia Neuvostoväen arjesta ja ihannoi tehdas-ja tehdastyöläisiä.

hänen ”Uusi Moskova” on yksi sosialistisen realismin parhaista esimerkeistä: nainen uuden aikakauden symbolina ajaa läpi kukoistavan Moskovan. Yksi olettaa, että hänen määränpäänsä on yhtä kirkas ja kaunis tulevaisuus.

Pavel Pepperstein

pepperstein syntyi ja kasvoi Moskovan konseptualistien piirissä (hänen isänsä on kuuluisa taiteilija Viktor Pivovarov). Ehkä siksi hänen luova impulssinsa sai ravintoa alusta alkaen. Nykyään Pepperstein on yksi tuotteliaimmista venäläisistä taiteilijoista ja kuuluisa kirjailija.

teoksissaan hän luo kokonaisia fiktiivisiä maailmoja ja oman mytologiansa. Mikä tekee hänestä erityisen suositun älymystön keskuudessa.

Kuzma Petrov-Vodkin

hän oli suutarin poika, joka halusi maalata ikoneja. Vaikka hänestä ei tullut ikonimaalaria, hänet teki maailmankuuluksi hänen kuvansa Messiaasta, joka oli kuvattu nuorena miehenä punaisen hevosen selässä. Luotu muutama vuosi ennen Venäjän vallankumousta, tätä maalausta pidetään profeetallisena ja sillä on lukuisia tulkintoja. Erään teorian mukaan hevonen on venäjä, joka odotti 1900-luvulla ”punaista” kohtaloa.

Dmitri prigov

koulutus, prigov oli kuvanveistäjä, ja näin hän sai elantonsa neuvostoaikana, vaikka kaikki hänen kiireinen luova toimintansa tähtäsikin itsensä ”monumentiksi”. 1970-luvulla hän tuli tunnetuksi myös runoilijana, joka muutti resitaalinsa oikeiksi esityksiksi. Hänen niin sanotut ”Tölkkinsä”, joiden oletetaan sisältävän yksittäisiä sanoja ja kokonaisia runoja, muistuttavat Piero Manzonin peltipurkkeja, joihin on kirjoitettu ”taiteilijan paskaa”. Niinpä Prigov rinnasti runot kaikkiin muihin ruumiin eritteisiin.

saapuminen perestroikasta prigov siirtyi runollisista performansseista käsitetaiteeseen: hän loi grafiikkaa, installaatioita, kollaaseja, ristiideoita, sanoja ja ajatuksia, ”kulttuurin genomin purkamista” ja uusia symboleita.

Vasily Polenov

Polenov, yksi johtavista uskonnollisista taiteilijoista, halusi luoda jotain niinkin kunnianhimoista kuin Ivanovin ”Kristuksen ilmestyminen kansan eteen”. Tätä varten hän lähti vuoden mittaiselle matkalle Konstantinopolin, Palestiinan, Syyrian ja Egyptin kautta, josta hän toi ensimmäiset luonnokset pääteokseensa ”Kristus ja aviorikokseen otettu nainen”. Matka ajatuksesta Johanneksen evankeliumin kohtaukseen perustuvan kankaan valmistumiseen kesti häneltä peräti 15 vuotta.

Lyubov Popova

huolimatta siitä, että oli kuollut hyvin nuorena (tulirokkoon 35-vuotiaana yhdessä poikansa kanssa), elinaikanaan taiteilija onnistui olemaan futuristi, Malevitšin oppilas, kubismin taitaja ja lopulta konstruktivisti. Juuri tuossa lopullisessa ominaisuudessa Popova suunnitteli työvaatteita ”vallankumouksellisiin” ammatteihin.

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the ”secret life of the human soul”. Taiteilijan pojan Pavel Peppersteinin sanoin ”koko elämänsä ajan Pivovarov on maalannut sielun huonetta”, jossa kaikki ulkoiset ominaisuudet, kuten näkymä ikkunasta, tulevat osaksi sitä.

pivovarovin tärkein ”keksintö” oli käsitteellisen albumin tyylilaji. Juuri tähän genreen hän loi yhden kuuluisimmista jaksoistaan, ”yksinäisen miehen projektit”, maalaten äärimmäistä yksinäisyyttä kokevan sankarin arkea, unelmia, sisustusta ja jopa taivasta. Sivumennen sanoen moni katsoja tunnistaa itsensä sankarin arjesta. ”Periaatteessa se ei ole paljon muuttunut”, taiteilija sanoo.

Vasili Pukirev

”taiteilijatovereistaan ja opiskelijoistaan hän jätti lämpimän ja kestävän muiston sekä venäläisen taiteen historiaan loistavan, joskin lyhyen jäljen”, taiteilijan aikalaiset sanoivat muistokirjoituksessaan. Pukirevista tuli monien kollegoidensa tavoin yhden mestariteoksen tekijä.

”epätasa-arvoinen avioliitto” nosti hänet 1800-luvun puolivälin johtavien genremaalareiden joukkoon, mutta jäi pukirevin ainoaksi mestariteokseksi.

Kierrätysryhmä

taideryhmä Andrei Blokhin ja Georgy Kuznetsov Krasnodarista perustettiin vuonna 2008 ja on jo kolme kertaa ollut esillä Venetsian biennaalissa kokonaisinstallaatioilla ja multimediaprojekteilla lisätystä todellisuudesta. Kaikki heidän teoksensa käsittelevät tavalla tai toisella modernin ihmisen elämää Internetin ja erilaisten vempaimien aikakaudella.

”Conversion”on valtava rakentaminen, veistoksia ja bas-reliefit kuvaavat ”Neo-apostolit”, kantajia uuden uskonnon nimeltä ”global network”.

Oscar Rabin

Rabin on nonkonformismin, 1960-1970-lukujen epävirallisen neuvostotaiteen johtaja, ja hänen maalauksensa ovat täynnä kaikkea sitä, minkä virallinen neuvostotaide kielsi: kasarmeja, kaatopaikkoja, vodkapulloja ja rypistyneitä sanomalehtiä. Ne kuvaavat kiiltävän Neuvostotodellisuuden toista ja isompaa puolta.

taiteilija sanoi, että kaikki se lähiön roska oli hän itse: ”olen koko ikäni maalannut yhtä kuvaa – muotokuvaani maan taustaa vasten.”

Nicholas Roerich

filosofi, matkailija ja orientalisti taiteilija, jolla on aivan ainutlaatuinen tyyli, Roerich jätti perinnön, joka koostuu yli 7000 maalauksesta ja luonnoksesta, joista monia säilytetään nykyään maailman parhaissa museoissa. Hän vietti koko elämänsä matkustellen, mistä hän ammensi aiheensa: retkeltä Himalajalta ja Intiasta Keski – Aasiaan.

”vieraita from overseas’on maalattu Pariisissa ja kertoo matkoista muinais-Venäjällä.

Ilja Repin

Repin oli erittäin hyvä kuvaamaan ihmisten kärsimystä 1800-luvulla. Proomukuljettajien ja vallankumouksellisten ankara elämä, jokapäiväiset kohtaukset alempien yhteiskuntaluokkien elämästä, kansan kulkueet – kaikki nämä aiheet tekivät hänestä venäläisen realismin avainhahmon ja sosiaalihistorian taiteilijan. Silti hänen kiistellyin maalauksensa kuvaa episodia toiselta aikakaudelta.

kertomus Iivana Julmasta surmaamassa omaa poikaansa on niin kiistanalainen (historioitsijat kiistelevät yhä siitä, tapahtuiko se todella vai ei), että Repinin mestariteokseen hyökättiin toistuvasti, jopa taiteilijan elinaikana. Viimeisin hyökkäys tapahtui vuonna 2018, kun humalainen ilkivallan tekijä roiskutti kankaalle maalia.

Fjodor Rokotov

Rokotov oli 1700-luvun pietarilaisen aateliston etsityimpiä muotokuvamaalareita, kun taas hänen kuvaamaansa Aleksandra struyskajaa pidettiin yhtenä vuosisadan kauneimmista naisista.

taiteilija oli niin suosittu, että hänellä saattoi olla asunnossaan kerralla jopa 50 keskeneräistä muotokuvaa. Vuonna 1763 hän maalasi Katariina II: n kruunajaismuotokuvan.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the ”father” of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

hänen Neuvostoliiton tärkeimmän ja ainoan virallisen kustantamon lengizin julisteensa on hätkähdyttävä esimerkki avantgardistisesta mainonnasta kaikkine lempitekniikoineen geometristen kuvioiden ja valopilkkujen muodossa. Sen keskellä on valokuva Lilja Brikistä,”venäläisen avantgarden muusasta”.

Olga Rozanova

Venäjän avantgarden historia, hänen ”vihreä raita” ei ole yhtä merkittävä kuin Malevitšin ”musta neliö”. Aluksi taiteilija ja hänen paras teoksensa jäivät kuitenkin pääyliherruuden varjoon, ja myöhemmin ne unohdettiin lähes kokonaan, kunnes ne 1970-luvulla löydettiin uudelleen.

Rozanova saavutettu jopa enemmän kuin Malevich teki: hän ei vain laita väriä muodon yläpuolelle, hän myös onnistui ratkaisemaan taustan ongelman. Hänen raitansa näyttää projisoinnilta eikä hahmolta kankaalle, näyttää siltä, että se jatkuu kehyksen ulkopuolella. Se oli ensimmäinen kerta abstraktin maalaustaiteen historiassa, kun tämä vaikutus saavutettiin.

Andrei Rublev

eniten Venäjän historian kuuluisa uskonnollinen taiteilija Andrei Rublev loi ortodoksisen ikonimaalauksen standardin. 1500-luvulla hänen teoksensa tunnustettiin malliksi, johon kaikkien ikonimaalareiden tulisi pyrkiä, kun taas hänen ”Kolminaisuudestaan” tuli koko venäläisen taiteen hengellinen symboli.

rubljovista itsestään tiedetään vain vähän. Hän oli munkki ja omisti koko elämänsä Jumalalle ja maalaukselle. Vuonna 1988 Venäjän ortodoksinen kirkko kanonisoi hänet pyhimykseksi.

Aidan Salakhova

monet kuvailevat Salakhovan taidetta ”feministiseksi” ja ”poliittiseksi”, koska se tutkii itää ja länttä, miestä ja naista, silmiinpistävästi sukupuolen ja islamin yhdistelmänä. Marmoriset fallosminareetit ja mustat Kaaba-Vaginat ovat tehneet hänestä tunnetun ja tunnistettavan ympäri maailmaa.

vuoden 2011 Venetsian biennaalissa hänen ”esirukous” – veistoksensa, joka esittää naista niqabissa, jouduttiin peittämään valkoisella lakanalla Azerbaidžanin presidentin (esirukous oli esillä Azerbaidžanin paviljongissa) yritettyä sensuroida sitä. Monet näkivät siinä valtavaa ironiaa: veistos oli verhottu hunnulla, koska presidentti ei pitänyt siitä, että se kuvasi huntuun pukeutunutta naista.

Zinaida Serebrjakova

ottaen huomioon asemansa populaarikulttuurissa, tästä muotokuvasta on ehkä tullut serebrjakovan pääteos. Monille sen spontaani ja suorasukainen luonne tekee siitä naiseuden ruumiillistuman.

kun muotokuva ensi kerran esiteltiin yleisölle, taiteilija Valentin Serov sanoi siitä: ”erittäin hieno ja raikas asia.”Kuvan osti välittömästi Tretjakovin galleria.

Valentin Serov

Venäjän eliitille Serovin muotokuvan istumista pidettiin kunniana. Psykologisten muotokuvien mestari, venäläinen impressionisti Valentin Serov maalasi kuuluisia säveltäjiä, kirjailijoita, keisariperheen jäseniä ja venäläisiä ruhtinaita.

Ja vielä, yksi hänen merkittävimmistä ja kuuluisimmista maalauksistaan on 12-vuotiaan vera mamontovan muotokuva. Hän oli suuryrittäjä ja hyväntekijä Savva Mamontovin tytär, mutta Serov poisti myöhemmin hänen nimensä kuvan otsikosta. Taiteilijan mukaan hän ei maalannut kuuluisan henkilön tytärtä vaan nuoruutta itseään.

Henryk Siemiradzki

lähes 30 vuotta siemiradzki asui Roomassa. Hän sai mainetta yhtenä myöhäisen eurooppalaisen akateemisuuden merkittävimmistä edustajista, mutta ei heti eikä kaikkien keskuudessa. Taiteilija oli kiinnostunut vain muinaisesta maailmasta myyteineen, juhlineen ja orgioineen, joita varten hän sai paljon huomiota kotimaassaan, jossa Peredvižnikit olivat jo muodissa talonpoikien, köyhtyneiden orpojen ja muiden ”elämän totuuden”elementtien kuvauksella.

esimerkiksi ajan vaikutusvaltaisin taidekriitikko Vladimir Stasov piti siemiradzkia toivottomana klassikkona, joka ”oli joutunut kaiken italialaisen uhriksi”. Ilja Repin puolestaan kutsui häntä huijariksi, kun taas kuuluisa keräilijä Tretjakov kieltäytyi ostamasta hänen teoksiaan. Venäjän tsaarit ovat kuitenkin aina olleet akateemisuuden kannattajia: esimerkiksi ”Phrynen” osti Aleksanteri III suoraan näyttelystä.

Aleksei Savrasov

lyyristen maisemien piirtäjänä Savrasov sai nopeasti mainetta ja tunnustusta: hän oli jo 24-vuotiaana päässyt taideakatemian jäseneksi. Tämä realisti-artisti muistetaan kuitenkin sukupolvesta toiseen ”yhden hitin ihmeenä”: mikään hänen lukuisista maisemistaan ei vedä vertoja ”The Rooks…” – teokselle. Jokainen koululainen Venäjällä tietää tämän oppikirjan kuvan, koska he ovat todennäköisesti joutuneet kirjoittamaan siitä esseen.

Ivan Šiškin

Jos näet maalaus hämmästyttävästä venäläisestä metsästä tai pelloista, joissa on mäntyjä tien laidassa, voit olla varma, että se on Šiškin. All-Russia Public Opinion Research Centerin tekemän kyselyn mukaan hän on Venäjän tunnistettavin taiteilija.

joka syynä voi olla paljolti Mishka kosolapy (kömpelö karhu) – karkit, joiden kääreessä on katkelma tästä kuvasta. Ja silti kukaan ei maalannut aivan hänen kaltaisiaan syrjäisiä tiheikköjä, niittyjä ja peltoja, määrältään tai laadultaan. Metsä oli kaikkea, mistä Shishkin oli kiinnostunut.

Sylvester Štšedrin

monet 1800-luvun venäläiset taiteilijat vierailivat Euroopan taiteiden Mekassa Italiassa, mutta harvat tekivät siitä luovan kotinsa. Maisemamaalari Štšedrin kuvasi lähes koko elämänsä Italian ja erityisesti Napolin kauneutta. Täällä hänkin kuoli ennen kuin täytti 40 vuotta. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

sots-taiteen ja, kuten hän itse sitä nimitti, ”folkpop-taiteen” edustajana Sokov työskenteli yli 30 vuoden ajan venäläisen kulttuurin myyttien, kuvien ja symbolien parissa rinnastaen ne länsimaiseen sivistykseen.

taiteilija ja kuvanveistäjä lähti Neuvostoliitosta Yhdysvaltoihin, jotta ”ei murtuisi” valtiojärjestyksen totalitaarisen järjestelmän paineessa, joka saneli taiteilijalle kaiken pienimpiä yksityiskohtia myöten: ”missä kädessä Leninin tuli pitää lakkiaan, kuinka pitkät Pioneerin housut ja mikä oli Marxin Kääntäjäjalka”, sokov letkautti.

Vasili Surikov

Surikov teki itselleen nimeä kuvaamalla erilaisia traagisia hetkiä Venäjän historiassa. Esimerkiksi ”Boyarina Morozova” kertoo hurjasta taistelusta vanhauskoisia vastaan: Morozova kärrätään kirkon skisman aikaan nunnaluostariin (joka vastasi vankilaa).

Vladimir Tatlin

vaikka muistomerkki third Internationalia eli Tatlinin tornia ei koskaan rakennettu, siitä tuli taiteilijan vertauskuvallisin aivotärähdys ja konstruktivismin tunnusmerkki kaikkialla maailmassa. Tatlin suunnitteli torninsa vuoden 1917 vallankumouksen symboliksi pystytettäväksi Leningradiin (nykyinen Pietari).

kuitenkin 1920-luvun lopulla neuvostojohto menetti kiinnostuksensa avantgarde-taiteilijoihin ja lopetti heidän kanssakäymisensä, joten tornia ei koskaan rakennettu.

Oleg Tselkov

koko elämänsä ajan tämä nonkonformistinen taiteilija on maalannut käytännössä yhtä ja samaa hahmoa – epämuodostunutta ihmiskuvaa, mutanttia. ”Tämä ei ole tietyn lapsenvahdin muotokuva, vaan universaali muotokuva… ja hirveän tuttu sellainen”, tselkov selitti. ”Onnistuin vahingossa repimään naamion ihmiskunnalta.”

Neuvostoliiton johto ei ollut erityisen ihastunut tästä ”ihmispersoonallisuuden kääntöpuolesta”. Vuonna 1977 Tselkovia pyydettiin poistumaan maasta, ja hän lähti Ranskaan. Vasta vuonna 2015 hänestä tuli jälleen Venäjän kansalainen.

Pavel Tchelitchew

Tämä mystisen surrealismin patriarkka syntyi Venäjällä, mutta vietti suurimman osan elämästään Euroopassa ja Amerikassa, jossa hän kehitti kuuluisien antropomorfisten maisemiensa tekniikkaa. Tyylin samankaltaisuuden vuoksi hänet kuvataan usein ”venäläiseksi Daliksi”, paitsi että Tchelitchew oli ensimmäinen, joka toi teoksissaan esiin mystisen surrealismin elementtejä: sanotaan, että yhdeksän vuotta aiemmin Salvador Dali teki samoin.

nykyään hänen teoksiaan on merkittävissä eurooppalaisissa museoissa ja kokoelmissa, kun taas Venäjällä vain Tretjakovin galleriassa on yksi tchelitchew. ”Ilmiöt” toi salaa Venäjälle tchelitchewin ystävä, koreografi Lincoln Kirstein. Hän luovutti sen Tretjakovin gallerialle, mutta 1990-luvun puoliväliin saakka se säilyi museon varastoissa.

Simon Ushakov

Romanovs nousi valtaistuimelle vuonna 1613. Dynastia hallitsi maata vuosisatoja, mutta heti alussa se tarvitsi jotain vahvistaakseen oikeutuksensa. Merkittävässä roolissa oli ikonimaalari Ushakovin luoma kuva kuninkaallisesta sukujuuresta. Taidekriitikot pitävät sitä ensimmäisenä ja parhaana perusteluna väitteelle, jonka mukaan Romanovit saivat valtansa ylhäältä.

Romanovien on täytynyt yhtyä tähän arvioon: he tekivät Ushakovista valtakunnan tärkeimmän ikonimaalarin ja antoivat hänelle suosionosoituksia hänen kuolemaansa saakka.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov kokeili itseään erilaisissa tyyleissä ja Työtyypeissä, aina kirkon freskojen maalaamisesta (kuten Pietarin Vapahtajan kirkossa vuodatetulla verellä) kaartuvien jugend-koristeiden luomiseen. Useimmille venäläisille hänet liitetään kuitenkin yksinomaan Venäjän satujen hahmoihin. Kansanomaisessa mielikuvituksessa nämä hahmot näyttävät hyvin pitkälti siltä, miten Vasnetsov heidät kuvasi.

suosittuja slaavilaisia supersankareita Dobrynja nikitichiä, Ilja Murometsia ja Aljoša popovitšia kuvaava maalaus ”bogatyrs” kesti häneltä lähes 20 vuotta.

Aleksei Venetsianov

Venetsianov oli ensimmäisiä taiteilijoita, joka kuvasi kohtauksia tavallisen kansan elämästä ja teki itselleen nimeä ”talonpoikaisgenressä”. Samalla hän ei ollut erityisen kiinnostunut talonpoikaisen arjen käytännön asioista.

hänen maalauksensa käsittelivät enemmän avaruutta, vapautta ja äärettömyyttä. Monet uskovat, että hänen’ korjaava ’ maalauksensa kuvaa todellista venäläistä maisemaa.

Vasily Vereštšagin

taistelukohtausten maalarina Vereštšagin maalasi yleensä näkemänsä omin silmin. Hän oli käynyt monissa sodissa ja matkustanut maailmaa Intiasta Syyriaan. Hän järjesti itse näyttelynsä New Yorkissa ja Lontoossa ja esitteli usein maalaustensa lisäksi taistelukentältä saatuja palkintoja.

hänen ”sodan apoteoosinsa” on kuitenkin poikkeus, sillä hän ei maalannut sitä elämästä, vaan päässään olevasta ideasta. Sen runkoon taiteilija kirjoitti: ”Omistettu kaikille suurille valloittajille – menneille, nykyisille ja tuleville.”

Mihail Vrubel

Vrubel liitetään ensisijaisesti demonin kuvaan, jonka hän maalasi toistuvasti ja pakkomielteisesti. Kuva langenneesta enkelistä, joka kärsi demonisesta luonteestaan, oli saanut innoituksensa Mihail Lermontovin samannimisestä runosta. Vrubel teki maalausta varten noin 30 luonnosta.

Vrubel myönsi nähneensä demonin myös painajaisissaan. Artistin myöhemmällä iällä kehittämä akuutti psykoosi yhdistettynä hänen pakkomielteeseensä yhdestä kuvasta sai aikalaiset päättelemään Vrubelin tulleen hulluksi demonismiriippuvuudestaan.

Vladimir Weisberg

Weisberg erottuu Venäläisen taiteen kontekstissa: hän ei kuulu viralliseen taiteeseen, eikä nonkonformisteihin. Hänen tavaramerkkityylinsä on niin sanottu” valkoinen maalaus”, kuvat, jotka näyttävät maalatun valkoisella maalilla valkoisella pohjalla. Weisbergin itsensä mukaan hän yritti saavuttaa ”näkymätöntä taidetta”.

todellisuudessa hän ei juuri koskaan käyttänyt valkoista pigmenttiä. Hänen maalauksensa ovat monimutkainen yhdistelmä pieniä monivärisiä hiukkasia. ”Kuvan pitäisi muuttua valkoiseksi, jos kaikki, kirjaimellisesti kaikki, sen värit sopivat yhteen”, hänellä oli tapana sanoa.

Vladimir Jenkevski

pioneeri Moskovan ”epävirallisesta taiteesta” ja monivuotisesta Erakoitumisesta jenkkilevski ei sopinut mihinkään taiteelliseen seuraan ja oli aina ikään kuin sivussa. Monet eivät yksinkertaisesti ymmärtäneet hänen eksistentiaalisia teoksiaan: hän maalasi koko ikänsä metafyysisen ”ikuisuutta vastustavan ihmisen”.

ihmisten ajatus laatikoissa tuli hänelle vaikutuksen alaisena eksistentialismi. Näistä ”eksistentiaalisista laatikoista” tuli metafora henkilölle, jonka pyrkimykset ja unelmat törmäävät aina sosiaalisen ympäristön seiniin. On sanottava, että elämä Neuvostoliitossa edisti suuresti tätä todellisuuskäsitystä.

Vadim Zakharov

1970-luvulla Zakharov liittyi Moskovan konseptualistien piiriin, alkaen absurdistisista teoista ja johtaen maalaustaiteeseen. ”Vuosina 1985-1989 loin paljon valtavia maalauksia, jonka jälkeen en maalannut ainuttakaan lukuun ottamatta muutamaa hiilellä tehtyä, ja nyt paluu kankaalle ja öljyyn on minulle kidutusta”, hän sanoi. Vuonna 1989 hän muutti Kölniin, jossa alkoi hänen taiteellisen uransa uusi vaihe: installaatiot.

hänen projektistaan ”Danae” tuli sensaatio Venetsian biennaalissa. Ensimmäisen tunnin aikana sen avaamisen jälkeen Venäjän paviljongille jonotettiin katsomaan sitä ainutlaatuista tapahtumasarjaa, jossa kuuluisa antiikin kreikkalainen myytti materialisoitui kultaisesta kolikkosadosta, johon oli kirjoitettu sanat luottamus, vapaus, rakkaus ja yhtenäisyys, ja joka virtasi alas huoneesta, jossa vain miespuoliset katsojat saivat olla, ”kohtuun”, jossa vain naispuoliset katsojat saivat.

Konstantin Zvezdochetov

hän on Venäjän kitschin kuningas, jota ilman mikään nykytaiteen suurnäyttely ei pärjää. Zvezdotšetov kuuluu neuvostotaiteilijoiden sukupolveen, joka tuli ensimmäisenä kansainväliselle taidepiirille ja tuli tunnetuksi ”Venäjän nykytaiteena”.

oli aika, jolloin häntä loukkasi tulla kutsutuksi ”taiteilijaksi”. Hän sanoi: ”Olen ihminen, joka tarjoaa tulkintoja… Teen vain sitaatteja ja koosteita.”

Anatoli Zverev

häntä kutsutaan usein ”venäläiseksi Van Goghiksi”. Robert Falk sanoi hänestä: ”jokainen hänen siveltimensä kosketus on korvaamaton”, kun taas Picasso itse kaikui hänelle. Ammatiltaan sisustaja Zverev tuli taiteen pariin 1950-luvun lopulla, ja vuonna 1965 hänen ensimmäinen kansainvälinen näyttelynsä pidettiin Pariisin Mottessa, vaikka hän itse ei koskaan käynyt ulkomailla.

neuvostojärjestelmä ei pitänyt zverevistä. Poliisi oli hänen perässään pidättääkseen hänet ”parasitismista” (joka oli rikos Neuvostoliitossa), kun hän eli pelkästään taiteensa ja ainoan rakkautensa ja muusansa, runoilija Nikolai Asejevin lesken Ksenia Aseevan, joka oli 39 vuotta häntä vanhempi.