La sculpture hellénistique poursuit la tendance du naturalisme croissant observée dans le développement stylistique de l’art grec. Pendant ce temps, les règles de l’art classique ont été poussées et abandonnées au profit de nouveaux thèmes, genres, drames et pathos que les artistes grecs n’avaient jamais explorés auparavant. De plus, les artistes grecs ont ajouté un nouveau niveau de naturalisme à leurs figures en ajoutant une élasticité à leur forme et des expressions, à la fois faciales et physiques, à leurs figures. Ces personnages interagissent avec leur public d’une nouvelle manière théâtrale en suscitant une réaction émotionnelle de leur point de vue, ce qu’on appelle le pathos.

Nike de Samothrace

L’une des statues les plus emblématiques de l’époque, la Nike de Samothrace, également connue sous le nom de Victoire ailée, (vers 190 avant notre ère) commémore une victoire navale. Cette statue de marbre de Parian représente Nike, maintenant sans bras et sans tête, s’élevant sur la proue du navire. La proue est visible sous ses pieds, et la scène est remplie de théâtralité et de naturalisme alors que la statue réagit à son environnement. Les pieds, les jambes et le corps de Nike sont poussés vers l’avant en contradiction avec ses draperies et ses ailes qui coulent vers l’arrière. Ses vêtements la fouettent du vent et ses ailes se soulèvent vers le haut. Cette représentation donne l’impression qu’elle vient d’atterrir et que c’est le moment précis où elle s’installe sur la proue du navire. En plus de la sculpture, la figure a probablement été placée dans une fontaine, créant un cadre théâtral où l’imagerie et l’effet auditif de la fontaine créeraient une image frappante d’action et de triomphe.

Nike de Samothrace

Marbre. vers 190 avant notre ère. Samothrace, Grèce.

Vénus de Milo

Également connue sous le nom d’Aphrodite de Mélos (c. 130-100 avant notre ère), cette sculpture d’Alexandros d’Antioche, cette sculpture est une autre icône bien connue de la période hellénistique. Aujourd’hui, les bras de la déesse manquent. Il a été suggéré qu’un bras s’agrippait à sa draperie glissante tandis que l’autre bras tendait une pomme, allusion au Jugement de Paris et à l’enlèvement d’Hélène. À l’origine, comme toutes les sculptures grecques, la statue aurait été peinte et ornée de bijoux en métal, ce qui ressort des trous de fixation. Cette image est à certains égards similaire à la sculpture classique tardive de Praxitiles, Aphrodite de Knidos (fourth siècle avant notre ère), mais est considérée comme plus érotique que son homologue antérieure. Par exemple, alors qu’elle est couverte sous la taille, Aphrodite tente peu de se couvrir. Elle semble taquiner et ignorer son spectateur, au lieu de l’accoster et d’établir un contact visuel.

Alexandros d’Antioche. Vénus de Milo

Marbre. vers 130-100 avant notre ère. Melos, Grèce.

États altérés

Alors que la Nike de Samothrace dégage un sens du drame et la Vénus de Milo un nouveau niveau de sexualité féminine, d’autres sculpteurs grecs ont exploré de nouveaux états d’être. Au lieu, comme cela a été favorisé pendant la période classique, de reproduire des images du mâle ou de la femelle grec idéal, les sculpteurs ont commencé à représenter des images de personnes âgées, fatiguées, endormies et ivres — dont aucune n’est une représentation idéale d’un homme ou d’une femme.

Le Faune de Barberini, également connu sous le nom de Satyre endormi (vers 220 avant notre ère), représente une figure efféminée, probablement un satyre, ivre et évanoui sur un rocher. Son corps s’étend sur la paroi rocheuse sans égard à la modestie. Il semble s’être endormi au milieu d’une fête ivre et il dort sans cesse, son front est noué, le visage inquiet et ses membres sont tendus et raides. Contrairement aux représentations antérieures d’hommes nus, mais de la même manière que la Vénus de Milo, le Faune de Barberini semble exsuder la sexualité.

Faune de Barberini

Copie en marbre romain de l’original en bronze grec vers 220 avant notre ère. Rome, Italie.

Des images d’ivresse de femmes ont également été créées, que l’on peut voir dans une statue attribuée à l’artiste hellénistique Myron d’une mendiante ivre. Cette femme est assise sur le sol avec ses bras et ses jambes enroulés autour d’une grande cruche et une main agrippant le cou de la cruche. Les vignes qui décorent le dessus de la cruche indiquent clairement qu’elle contient du vin. Le visage de la femme, au lieu d’être sans expression, est tourné vers le haut et elle semble crier, peut-être aux passants. Non seulement elle est en état d’ébriété, mais elle est vieille: des rides profondes tapissent son visage, ses yeux sont enfoncés et ses os dépassent à travers sa peau.

Myron. Vieille Femme ivre

Copie en marbre romain d’après l’original grec. vers 200-180 avant notre ère.

Une autre image du vieux et fatigué est une statue en bronze d’un boxeur assis. Alors que l’image d’un athlète est un thème commun dans l’art grec, ce bronze présente une touche hellénistique. Il est vieux et fatigué, un peu comme l’image classique tardive d’un Herakles fatigué. Cependant, contrairement à Herakles, le boxeur est représenté battu et épuisé par sa poursuite. Son visage est enflé, ses lèvres renversées et ses oreilles en chou-fleur. Ce n’est pas l’image d’un jeune athlète héroïque, mais plutôt d’un homme âgé et vaincu de nombreuses années après son apogée.

Boxer assis

Bronze. vers 100-50 avant notre ère. Rome, Italie.

Portrait

Les portraits individuels, au lieu de l’idéalisation, sont également devenus populaires pendant la période hellénistique. Un portrait de Démosthène par Polyeuktos (280 avant notre ère) n’est pas une idéalisation de l’homme d’État et orateur athénien. Au lieu de cela, la statue prend des notes des traits caractéristiques de Démosthène, y compris sa surenchère, son front sillonné, ses épaules voûtées et sa vieille peau lâche. Même les bustes de portraits, souvent copiés de la célèbre statue de Polyeuktos, dépeignent la lassitude et la tristesse d’un homme désespérant de la conquête de Philippe II et de la fin de la démocratie athénienne.

Polyeuktos. Buste de portrait de Démosthène

, copie romaine d’après l’original en bronze grec. vers 280 avant notre ère.

Patronage romain

La péninsule grecque tomba au pouvoir romain en 146 avant notre ère. La Grèce était une province clé de l’Empire romain, et l’intérêt des Romains pour la culture grecque a contribué à faire circuler l’art grec dans tout l’empire, en particulier en Italie, pendant la période hellénistique et dans la période impériale de l’hégémonie romaine. Les sculpteurs grecs étaient très demandés dans les territoires restants de l’empire d’Alexandre, puis dans tout l’Empire romain. Des statues grecques célèbres ont été copiées et reproduites pour de riches patriciens romains et des artistes grecs ont été commandés pour des sculptures à grande échelle dans le style hellénistique. Coulées à l’origine en bronze, de nombreuses sculptures grecques que nous avons aujourd’hui ne survivent que sous forme de copies romaines en marbre. Certains des groupes de marbre colossaux les plus célèbres ont été sculptés dans le style hellénistique pour de riches mécènes romains et pour la cour impériale. Malgré leur public romain, ceux-ci ont été délibérément créés dans le style grec et ont continué à afficher le drame, la tension et le pathos de l’art hellénistique.

Laocoön et Ses Fils

Laocoön était un prêtre troyen de Poséidon qui a averti les Troyens, « Méfiez-vous des Grecs portant des cadeaux », lorsque les Grecs ont laissé un grand cheval de bois aux portes de Troie. Athéna ou Poséidon (selon la version de l’histoire), bouleversé par son vain avertissement à son peuple, a envoyé deux serpents de mer pour torturer et tuer le prêtre et ses deux fils. Laocoön et ses Fils, un groupe de sculptures en marbre hellénistique (attribué par l’historien romain Pline l’Ancien aux sculpteurs Agésandre, Athénodoros et Polydore de l’île de Rhodes) a été créé au début du premier siècle de notre ère pour représenter cette scène de l’épopée de Virgile L’Énéide.

Agésandre, Athénodoros et Polydore de Rhodes. Laocoön et Ses Fils.

Marbre. Début du premier siècle avant notre ère.

Semblable à d’autres exemples de sculpture hellénistique, Laocoön et ses Fils représentent une scène chiastique remplie de drame, de tension et de pathos. Les figures se tordent alors qu’elles sont prises dans les serpentins des serpents. Les visages des trois hommes sont remplis d’agonie et de labeur, ce qui se reflète dans la tension et la tension de leurs muscles. Laocoön s’étend dans une longue diagonale de son bras droit à sa gauche alors qu’il tente de se libérer. Ses fils sont également empêtrés par les serpents, et leurs visages réagissent à leur malheur avec confusion et désespoir. La sculpture et les détails, l’attention portée à la musculature du corps et le perçage profond, vus dans les cheveux et la barbe de Laocoön, sont tous des éléments caractéristiques du style hellénistique.

Laocoön et ses Fils (détail du visage de Laocoön)

Taureau Farnèse

Le Taureau Farnèse (vers 200-180 avant notre ère), nommé d’après la famille romaine patricienne qui possédait la statue à la Renaissance italienne, on pense qu’elle a été créée pour la collection d’Asinius Pollio, un patricien romain. Pline l’Ancien attribue la statue aux artistes et frères Apollonius et Tauriscus de Trallles, à Rhodes. La statue colossale en marbre, sculptée dans un seul bloc de marbre, représente le mythe de Dirce, épouse du roi de Thèbes, qui a été attachée à un taureau par les fils d’Antiope pour la punir d’avoir maltraité leur mère. La composition est vaste et dramatique, et demande au spectateur de l’encercler afin de voir et d’apprécier le récit et le pathos sous tous les angles. Les différents angles révèlent différentes expressions, de la terreur de Dirce à la détermination des fils d’Antiope en passant par la sauvagerie du taureau.

Apollonius et Tauriscus de Tralles, Rhodes. Taureau Farnèse.

Marbre. vers 200-180 avant notre ère.