La musique et la danse ont toujours fait partie intégrante de la culture et du folklore italiens. La musique italienne prend différentes formes allant de l’opéra à la musique folklorique en passant par la musique populaire et la musique religieuse.

Les compositeurs italiens les plus célèbres sont les compositeurs de la Renaissance Palestrina et Monteverdi, les compositeurs baroques Alessandro Scarlatti, Corelli et Vivaldi, les compositeurs classiques Paganini et Rossini, et les compositeurs romantiques Verdi et Puccini. Des compositeurs italiens modernes tels que Berio et Nono se sont révélés importants dans le développement de la musique expérimentale et électronique.

L’Italie a joué un rôle important dans l’histoire de la musique européenne. De nombreux instruments de musique, tels que le violon et le piano, ont été inventés en Italie. L’échelle musicale, l’art de l’opéra et de nombreux termes musicaux, tels que sonnet, concert, quatuor (voir: De nombreuses formes de musique classique européenne existantes peuvent remonter à des innovations de la musique italienne des XVIe et XVIIe siècles (comme la symphonie, le concerto et la sonate). Ces innovations en termes d’harmonie et de notation ont fortement influencé la musique classique européenne et ont permis le développement de l’opéra à la fin des années 1500.

La musique populaire italienne trouve sa source à la fois dans les styles musicaux indigènes et importés. La chanson napolitaine, canzone Napoletana, et le cantautori italien (auteur-compositeur-interprète), aux côtés de genres importés comme le jazz, la pop, le rock et le hip hop ont contribué à un corps très éclectique de la musique italienne. Cependant, la musique folklorique italienne constitue également une partie importante du patrimoine musical du pays, offrant un éventail diversifié de styles régionaux, d’instruments et de langues de couleur locale. La musique folklorique a toujours été un moyen d’exprimer l’identité locale et d’aborder des questions culturelles, politiques et sociales.

Musique religieuse

La gamme a été inventée dès la fin du xe siècle, par un moine bénédictin, Guido d’Arezzo. Il nomma les notes en utilisant les syllabes initiales des six premières lignes de l’hymne de Jean-Baptiste.

Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum Sancte Johannes

Le « Ut » a été changé en ”Do » dans les années 1600 et le ”Si » a été formé par les initiales de Sancte Johannes.

L’un des compositeurs de musique religieuse les plus prolifiques était Giovanni Pierluigi da Palestrina (c. 1525-1594), qui marqua l’âge d’or de la polyphonie.

Trovatori et musique folklorique

C’est avec les troubadours que le passage d’une longue tradition d’écriture de musique en latin à l’écriture de musique dans la langue locale s’est opéré. La forme musicale est originaire de France, mais s’est ensuite étendue à l’Italie du 12ème siècle, où ils ont été appelés trovatori. Ce développement s’est étendu aux paroles de chansons populaires et à des formes telles que le madrigal, qui signifie « dans la langue maternelle”.

À peu près à cette époque, les flagellants italiens ont développé les hymnes folkloriques italiens connus sous le nom de laude spirituelle. Vers 1335, le Codex Rossi, la plus ancienne collection existante de polyphonie profane italienne, comprenait des exemples de genres italiens indigènes du Trecento, y compris les premiers madrigaux, le cacce et le ballate. Le premier madrigal était plus simple que les madrigaux ultérieurs plus connus, généralement constitués de tercets arrangés polyphoniquement pour deux voix, avec un refrain appelé ritournelle. Le Codex Rossi comprenait de la musique de Jacopo da Bologna, le premier compositeur célèbre du Trecento.

La musique folklorique italienne ne présente pas de caractère homogène, mais reflète l’histoire, la langue et la composition ethnique de régions spécifiques de l’Italie. Il reflète parfaitement la position géographique de l’Italie et la domination historique des petites cités-États.

Les styles folkloriques italiens sont aussi divers que les cultures régionales de l’Italie elles-mêmes. Ils comprennent le chant monophonique, polyphonique et responsorial (une chanson dans laquelle le chef du chœur ou du groupe chante une ligne ou un vers après lequel le groupe répond), la musique chorale, instrumentale et vocale, ainsi que d’autres styles. Alors que, dans certains pays européens, les styles de chant folklorique sont devenus un symbole national, en Italie, cela n’a jamais été le cas. Les musiciens folkloriques italiens utilisent le dialecte ou la langue de leur propre tradition régionale. Cela ne doit pas être considéré comme un rejet de la langue italienne standard, c’est simplement ce qu’est la musique folklorique: la couleur et l’identité locales.

Les formes de chant polyphonique et le chant choral se trouvent principalement dans le nord de l’Italie, tandis que le chant solo est plus courant au sud de Naples, à l’exception de la Sicile et de la Sardaigne, géographiquement plus isolées, qui sont très polyphoniques. Dans le reste de l’Italie du sud, la polyphonie est rarement chorale et les groupes utilisent généralement le chant à l’unisson en deux ou trois parties portées par un seul interprète. Le chant de ballade du Nord est syllabique, avec un tempo strict et des paroles intelligibles, tandis que les styles du sud utilisent un tempo rubato, un timbre nasal et un style vocal tendu et tendu.

Musique classique

L’Italie a longtemps été un point focal de la musique classique européenne et, au début du XXe siècle, la musique classique italienne avait forgé un son national distinct, résolument romantique et mélodique.

La musique classique italienne n’a pas été influencée par le « mastodonte harmonique allemand », c’est-à-dire les harmonies denses de Richard Wagner, Gustav Mahler et Richard Strauss. La musique italienne avait également peu en commun avec la réaction française à cette musique allemande, l’impressionnisme de Claude Debussy, par exemple, dans lequel le développement mélodique est largement abandonné pour la création d’ambiance et d’atmosphère à travers les sons d’accords individuels.

L’un des principaux contributeurs italiens à la musique classique est Antonio Vivaldi, l’un des plus grands compositeurs baroques largement crédité comme ayant créé la musique de concerto. Sa pièce la plus célèbre est Four Seasons est toujours jouée à travers le monde aujourd’hui.

Au XXe siècle, la musique classique a beaucoup changé, non seulement en Italie, mais aussi au niveau européen. La musique nouvelle a abandonné une grande partie des écoles historiques d’harmonie et de mélodie développées au niveau national au profit de la musique expérimentale, de l’atonalité, du minimalisme et de la musique électronique. Parmi les compositeurs importants de l’époque, citons Ferruccio Busoni, Alfredo Casella, Bruno Maderna, Luciano Berio, Luigi Nono, Salvatore Sciarrino, Luigi Dallapiccola, Carlo Jachino, Gian Carlo Menotti, Jacopo Napoli et Goffredo Petrassi.

Opéra

En tant que lieu de naissance de l’opéra, l’Italie compte de nombreuses magnifiques maisons d’opéra historiques, dont beaucoup sont encore en activité aujourd’hui.

D’une manière générale, l’opéra italien peut être divisé en deux périodes, la baroque et la romantique. La première composition qui peut être considérée comme un opéra tel que nous le concevons aujourd’hui est Dafne écrite par Jacopo Peri en 1597.

Voir: Opéra italien

Musique napolitaine

L’influence de Naples dans l’histoire des traditions musicales s’est étendue bien au-delà des frontières de l’Italie. Les premiers conservatoires de musique ont été créés à Naples au 16ème siècle et l’Opéra San Carlo de la ville est également le plus ancien opéra du monde en fonctionnement continu.

Le concours annuel d’écriture de chansons napolitaines, organisé pendant le Festival annuel de Piedigrotta à Naples, a élevé la chanson populaire napolitaine (canzone napoletana) à une forme d’art formelle. Le gagnant du premier festival était une chanson intitulée Te voglio bene assaje, composée par le compositeur d’opéra, Gaetano Donizetti. À la fin des années 1800 et au début des années 1900, les émigrants de Naples et du sud de Naples emportèrent leurs chansons napolitaines populaires à l’étranger, où elles gagnèrent en popularité. ‘O sole mio datant de 1898, est devenue l’une des chansons les plus célèbres au monde et a été traduite dans de nombreuses langues. Elvis Presley a interprété sa propre version de la chanson intitulée It’s Now or Never.

Une autre chanson napolitaine a eu un impact tout aussi inattendu sur les traditions musicales à l’étranger, devenant l’hymne d’une fête majeure dans les pays scandinaves. La chanson du 19ème siècle Santa Lucia, adaptée avec des paroles suédoises, est devenue le chant traditionnellement chanté en Suède le 13 décembre pour célébrer le saint éponyme. Voir: Santa Lucia.

D’autres chansons de cette période ont souvent été confondues avec des chansons folkloriques traditionnelles de compositeurs étrangers, qui ont popularisé davantage des chansons qui n’avaient au départ qu’une portée locale. Funiculì Funiculà, par exemple, a été composé à l’origine en 1880 pour commémorer l’ouverture du premier téléphérique funiculaire sur le Vésuve, mais a été popularisé par les compositeurs Richard Strauss et Rimski-Korsakov, et plus récemment par Disney et Il Volo, ce qui prouve à quel point les chansons napolitaines peuvent être durables, croisées entre les genres et universelles.

Musique instrumentale

Quelques compositeurs ont commencé à écrire de la musique instrumentale plutôt que de l’opéra. L’un de ces groupes de compositeurs s’appelait la generazione dell’ottanta (génération de 1880), comprenant Franco Alfano, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti et Ottorino Respighi. Même des compositeurs d’opéra, tels que Giuseppe Verdi, ont parfois travaillé sous ces formes. Son Quatuor à cordes en mi mineur en est un exemple. Même Donizetti, dont le nom est identifié aux débuts de l’opéra lyrique italien, a écrit 18 quatuors à cordes.

Au début du 20e siècle, la musique instrumentale a commencé à prendre de l’importance. Le processus qui a commencé vers 1904 avec la Deuxième Symphonie de Giuseppe Martucci, une œuvre que Malipiero a appelée « le point de départ de la renaissance de la musique italienne non lyrique. »Plusieurs premiers compositeurs de cette époque, comme Leone Sinigaglia, ont utilisé les traditions folkloriques autochtones. Les membres de cette génération ont été les figures dominantes de la musique italienne après la mort de Puccini en 1924. De nouvelles organisations ont vu le jour pour promouvoir la musique italienne, telles que le Festival de Musique Contemporaine de Venise et le Maggio Musicale Fiorentino. Les Italiens, cependant, avaient tendance à préférer des pièces plus traditionnelles et des normes établies, et seul un public limité recherchait de nouveaux styles de musique classique expérimentale.

Pop moderne

Parmi les musiciens pop italiens les plus connus des dernières décennies, on compte Domenico Modugno (avec sa célèbre chanson Volare), Mina, Claudio Villa, Adriano Celentano, Lucio Battisti, De André et, plus récemment, Zucchero, Lucio Dalla, De Gregori, Vasco Rossi, Gianna Nannini et la superstar internationale Laura Pausini, Eros Ramazzotti et Andrea Bocelli.

Les musiciens qui composent et chantent leurs propres chansons sont appelés cantautori (auteurs-compositeurs-interprètes). Leurs compositions sont souvent des chansons de protestation, qui se concentrent généralement sur des sujets d’actualité sociale, politique et intellectuelle, ou des ballades sentimentales.

La pop moderne peut grosso modo être divisée en cinq périodes ou styles :

1. Musica leggare au début des années 1950 et 1960, avec Domenico Modugno, Adriano Celentano, Mina, Gino Paoli.
2. Troubadours italiens modernes et musique des années 1968: Fabrizio De André, Francesco Guccini, Francesco De Gregori, Giorgio Gaber, Umerto Bindi, Luigi Tenco, Paolo Conte.
3. Les thèmes de protestation sont devenus encore plus prédominants dans les années 1970 à travers des auteurs tels que Lucio Dalla, Pino Daniele, Francesco De Gregori, Ivano Fossati, Francesco Guccini, Edoardo Bennato.
4. Le rock progressif et une nouvelle version de la musique italienne moderne à la fin des années 1970, Franco Battiato, Le Orme, Lucio Dalla et d’autres qui ont commencé à fusionner la musique italienne avec le rock britannique, la pop et d’autres genres musicaux.
5. Leggero rock des années 1980 et 1990, p.ex. Vasco Rossi, Piero Pelù, et plus récemment Ligabue et Negramaro.

Ensuite, il y a aussi des artistes comme Angelo Branduardi qui mélangent la musique pop, folk et baroque dans un nouveau genre personnel.