1960 in musica
Folk musicEdit
The Kingston Trio, i Tessitori, Pete Seeger, Woody Guthrie, Odetta, Pietro, Paolo e Maria, Joan Baez, Bob Dylan, The Byrds, Judy Collins, Leonard Cohen, Joni Mitchell, Carolyn Hester, Phil Ochs, Tom Paxton, Buffy Sainte-Marie, Dave Van Ronk, Tom Rush, Fred Neil, Gordon Lightfoot, Ian e Sylvia, Arlo Guthrie e molti altri artisti sono stati strumentali nel lancio del folk music revival degli anni 1950 e 1960.
RockEdit
Roy Orbison è stato uno dei famosi artisti del rock che ha scritto ballate di amore perduto.
Nella prima parte del decennio, Elvis Presley ha continuato a segnare successi. Per la maggior parte degli anni ‘ 60, Presley pubblicò principalmente film. Presley decise di allontanarsi dai film nel 1969; la sua ultima canzone # 1 nelle classifiche era Suspicious Minds che fu pubblicata nel 1969.
Dal 1960, la scena che aveva sviluppato l’American folk music revival era diventata un importante movimento, utilizzando la musica tradizionale e nuove composizioni in stile tradizionale, di solito su strumenti acustici. In America il genere è stato sperimentato da figure come Woody Guthrie e Pete Seeger e spesso identificato con la politica progressista o laburista. Nei primi anni Sessanta figure come Bob Dylan e Joan Baez erano venuti alla ribalta in questo movimento come cantautori. Dylan aveva iniziato a raggiungere un pubblico mainstream con successi come” Blowin’ in the Wind “(1963) e” Masters of War “(1963), che portarono” protest songs ” ad un pubblico più ampio, ma, anche se cominciavano ad influenzarsi a vicenda, la musica rock e folk erano rimasti generi in gran parte separati, spesso con un pubblico che si escludeva a vicenda.I primi tentativi di combinare elementi folk e rock includevano gli animali “House of the Rising Sun” (1964), che fu la prima canzone folk di successo commerciale ad essere registrata con strumentazione rock and roll. Il movimento folk rock di solito si pensa che sia decollato con la registrazione dei Byrds di “Mr. Tambourine Man” di Dylan che raggiunse la vetta delle classifiche nel 1965. Con i membri che avevano fatto parte della scena folk cafe-based a Los Angeles, i Byrds adottato strumentazione rock, tra cui batteria e chitarre Rickenbacker 12 corde, che divenne un elemento importante nel suono del genere. A metà degli anni’60 Bob Dylan prese il comando nella fusione di folk e rock, e nel luglio ’65, pubblicato come un Rolling Stone, con un suono rock rivoluzionario, intriso di immagini urbane oscene, seguito da una performance elettrica più tardi quel mese al Newport Folk Festival. Dylan ha inserito un’intera generazione nell’ambiente del cantautore, scrivendo spesso da un punto di vista urbano, con una poesia scandita da ritmi rock ed energia elettrica. Dalla metà alla fine degli anni ‘ 60, band e cantautori iniziarono a proliferare nella scena artistica/musicale underground di New York.
Il rilascio dei Velvet Underground & Nico nel 1967, con cantante Lou Reed e cantante tedesca e collaboratore Nico è stato descritto come “più profetica album rock mai realizzato” dalla rivista Rolling Stone nel 2003. Altri cantautori con sede a New York cominciarono ad emergere, usando il paesaggio urbano come loro tela per testi in stile confessionale di poeti come Anne Sexton e Sylvia Plath. Nel luglio 1969, la rivista Newsweek pubblicò una storia, “The Girls-Letting Go”, che descriveva la musica rivoluzionaria di Joni Mitchell, Laura Nyro, Lotti Golden e Melanie, come una nuova razza di trovatori femminili: “Ciò che è comune a loro sono le canzoni personalizzate che scrivono, come viaggi di scoperta di sé, pieni di osservazione acuta e sorprendente nell’impatto della loro poesia.”Il lavoro di questi primi cantautori di New York, da New York Tendaberry di Laura Nyro (1969), a East Village diaries di Lotti Golden su Motor-Cycle il suo debutto 1969 su Atlantic Records, ha servito come ispirazione per generazioni di cantautori femminili nella tradizione rock, folk e jazz. L’adozione di strumenti elettrici da parte di Dylan, con grande indignazione di molti puristi folk, con il suo “Like a Rolling Stone” riuscì a creare un nuovo genere. Folk rock in particolare si tolse in California, dove è il led si comporta come il Mamas & the Papas e Crosby, Stills e Nash per spostare elettrica e strumentazione, e a New York, dove ha generato cantautori e artisti, compresi i Lovin’ Spoonful e Simon e Garfunkel, con la sua acustica “I Suoni del Silenzio” essere remixata con strumenti rock per essere il primo di molti successi.
Il folk rock raggiunse il suo picco di popolarità commerciale nel periodo 1967-68, prima che molti artisti si spostassero in una varietà di direzioni, tra cui Dylan e the Byrds, che iniziarono a sviluppare il country rock. Tuttavia, l’ibridazione di folk e rock è stato visto come avere una grande influenza sullo sviluppo della musica rock, portando elementi di psichedelia, e in particolare, contribuendo a sviluppare le idee del cantautore, la canzone di protesta e concetti di “autenticità”.
Rock psichedelicomodifica
L’atmosfera ispirata all’LSD della musica psichedelica iniziò nella scena folk, con gli Holy Modal Rounders di New York che usavano il termine in la loro registrazione del 1964 di “Hesitation Blues”. Il primo gruppo a pubblicizzarsi come rock psichedelico furono i 13th Floor Elevators dal Texas, alla fine del 1965; producendo un album che rese chiara la loro direzione, con le sonorità psichedeliche dei 13th Floor Elevators l’anno successivo.
Il rock psichedelico decollò in particolare nella scena musicale emergente della California mentre i gruppi seguirono i Byrds dal folk al folk rock dal 1965. Il gruppo di Los Angeles the Doors si è formato nel 1965 dopo un incontro casuale a Venice Beach. Anche se il suo carismatico cantante Jim Morrison è morto nel 1971, la popolarità della band ha resistito fino ad oggi. Lo stile di vita psichedelico si era già sviluppato a San Francisco da circa 1964, e prodotti particolarmente importanti della scena erano i Grateful Dead, Country Joe and the Fish, the Great Society e Jefferson Airplane. I Byrds progredirono rapidamente dal rock puramente folk nel 1966 con il loro singolo “Eight Miles High”, ampiamente considerato un riferimento all’uso di droghe.
Il rock psichedelico raggiunse il suo apogeo negli ultimi anni del decennio. In America the Summer of Love è stato preceduto dall’evento Human Be-In e ha raggiunto il suo apice al Monterey Pop Festival, quest’ultimo contribuendo a rendere importanti star americane di Jimi Hendrix e the Who, il cui singolo “I Can See for Miles” ha approfondito il territorio psichedelico. Le registrazioni chiave includevano il cuscino surreale dei Jefferson Airplane e gli Strange Days dei Doors. Queste tendenze culminarono nel Festival di Woodstock del 1969, che vide le esibizioni della maggior parte dei principali artisti psichedelici, ma alla fine del decennio il rock psichedelico era in ritiro. L’esperienza di Jimi Hendrix si sciolse prima della fine del decennio e molti artisti sopravvissuti si allontanarono dalla psichedelia in un “roots rock” più back-to-basics, la più ampia sperimentazione del rock progressivo o del riff heavy rock.
Surf RockEdit
Nei primi anni 1960, una delle forme più popolari del rock and roll è stata Surf Rock, che era caratterizzata dal fatto di essere quasi interamente strumentale e da un uso eccessivo di riverbero sulle chitarre. Il riverbero a molla presente negli amplificatori Fender del giorno, a gomito al suo volume massimo, ha prodotto un tono di chitarra scintillante con sustain ed evocando immagini di surf e oceano.
“Movin’ and Groovin” di Duane Eddy è considerato da molti il principale concorrente per gettare le basi come primo disco di surf rock, mentre altri sostengono che il genere sia stato inventato da Dick Dale su “Let’s Go Trippin'”, che divenne un successo in tutta la California. La maggior parte delle prime band di surf si sono formate durante questo decennio nella zona meridionale della California. Verso la metà degli anni 1960 i Beach Boys, che usavano complesse armonie pop su un ritmo base di surf rock, erano emersi come gruppo di surf dominante e hanno contribuito a diffondere il genere. in successi come Surfin ‘ U. S. A.. Inoltre, band come the Ventures, the Shadows, the Atlantics, the Surfaris e the Champs sono stati anche tra i gruppi di Surf Rock più popolari del decennio.
Garage rockEdit
il Garage rock è una forma grezza di musica rock, particolarmente diffuso in Nord America a metà degli anni 1960, ed è chiamato così a causa della percezione che molte delle band provato in una zona garage di casa. Canzoni Garage rock spesso ruotavano intorno ai traumi della vita delle scuole superiori, con canzoni su “lying girls” essere particolarmente comune. I testi e la consegna erano notevolmente più aggressivi di quanto fosse comune all’epoca, spesso con voci ringhiate o urlate che si dissolvevano in urla incoerenti come l’influente band con sede a Washington, I Sonics. Variavano dalla musica grezza a un accordo (come the Seeds) alla qualità del musicista vicino allo studio (inclusi the Knickerbockers, the Remains e the Fifth Estate). Ci sono state anche variazioni regionali in molte parti del paese con scene fiorenti in particolare in California e Texas. Gli stati del Nord-ovest Pacifico di Washington e Oregon avevano forse il suono regionale più definito.
Lo stile si era evoluto dalle scene regionali già nel 1958. “Louie Louie” dei Kingsmen (1963) è un esempio mainstream del genere nelle sue fasi formative. Nel 1963, i singoli della garage band entrarono nelle classifiche nazionali in numero maggiore, tra cui Paul Revere and the Raiders (Boise), the Trashmen (Minneapolis) e the Rivieras (South Bend, Indiana). In questo primo periodo molte band furono fortemente influenzate dal surf rock e ci fu un’impollinazione incrociata tra garage rock e frat rock, a volte visto come un sottogenere del garage rock.
La British Invasion del 1964-66 influenzò notevolmente le band garage, fornendo loro un pubblico nazionale, portando molti (spesso gruppi di surf o hot rod) ad adottare una British Invasion lilt, e incoraggiando molti altri gruppi a formare. Migliaia di band garage erano esistenti negli Stati Uniti e in Canada durante l ” epoca e centinaia prodotto successi regionali. Nonostante decine di band firmate per grandi o grandi etichette regionali, la maggior parte erano fallimenti commerciali. È generalmente accettato che garage rock ha raggiunto il picco sia commercialmente che artisticamente intorno al 1966. Nel 1968 lo stile scomparve in gran parte dalle classifiche nazionali e a livello locale mentre i musicisti dilettanti affrontavano il college, il lavoro o il draft. Nuovi stili si erano evoluti per sostituire il garage rock (tra cui blues-rock, progressive rock e country rock). A Detroit il garage rock rimase vivo fino ai primi anni ’70, con band come gli MC5 e gli Stooges, che impiegarono uno stile molto più aggressivo. Queste band iniziarono ad essere etichettate come punk rock e ora sono spesso viste come proto-punk o proto-hard rock.
Blues-rockEdit
Il blues-rock americano era stato pioniere nei primi anni 1960 dal chitarrista Lonnie Mack, ma il genere ha cominciato a decollare a metà degli anni’60 come atti seguiti sviluppato un suono simile a musicisti blues britannico. Chiave di atti incluso Paul Butterfield (di cui la banda ha agito come Mayall s Bluesbreakers in gran Bretagna come un punto di partenza per molti musicisti di successo), Canned Heat, i primi Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, the J. Geils Band e Jimi Hendrix con la sua potenza, trii, la Jimi Hendrix Experience e Band of Gypsies, la cui chitarra virtuosismo e showmanship sarebbe tra i più emulato del decennio. Gruppi blues-rock come Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd e, infine, Z Top dagli stati del sud, elementi paese incorporato nel loro stile per produrre distintivo Southern rock.
Roots rockEdit
Roots rock è il termine ora usato per descrivere un allontanamento dagli eccessi della scena psichedelica, verso una forma più basilare di rock and roll che incorporava le sue influenze originali, in particolare la musica country e folk, portando alla creazione di country rock e Southern rock. Nel 1966, Bob Dylan guidò il movimento quando andò a Nashville per registrare l’album Blonde on Blonde. Questo, e i successivi album più chiaramente influenzati dal country, sono stati visti come la creazione del genere country folk, un percorso perseguito da un certo numero di musicisti folk, in gran parte acustici. Altri gruppi che seguirono la tendenza back-to-basics furono il gruppo the Band e il californiano Creedence Clearwater Revival, entrambi che mescolavano rock and roll di base con folk, country e blues, per essere tra le band di maggior successo e influenti della fine degli anni 1960. Lo stesso movimento ha visto l’inizio della carriera discografica di artisti solisti californiani come Ry Cooder, Bonnie Raitt e Lowell George, e influenzato il lavoro di artisti affermati come Beggar’s Banquet dei Rolling Stones (1968) e Let It Be dei Beatles (1970).
I fondatori del Southern rock sono di solito pensato per essere la Allman Brothers Band, che ha sviluppato un suono distintivo, in gran parte derivato dal blues rock, ma incorporando elementi di boogie, soul e country nei primi anni 1970. L’atto di maggior successo a seguirli sono stati Lynyrd Skynyrd, che ha contribuito a stabilire l’immagine “good ol’ boy” del sottogenere e la forma generale del 1970 chitarra rock. I loro successori includevano gli strumentisti fusion / progressive Dixie Dregs, gli Outlaws più influenzati dal country, Wet Willie e (incorporando elementi di R & B e gospel) gli Ozark Mountain Daredevils. Dopo la perdita dei membri originali della Allmans e Lynyrd Skynyrd, il genere ha cominciato a svanire in popolarità alla fine del 1970, ma è stato sostenuto il 1980 con atti come .38 Special, Molly Hatchet e la Marshall Tucker Band.
Progressivo rockEdit
rock Progressivo, a volte usati in modo intercambiabile con l’art rock, è stato un tentativo di andare al di là stabilito musicale di formule da sperimentare con diversi strumenti, canto i tipi e forme. Dalla metà degli anni 1960 la sinistra Banke, i Beatles, i Rolling Stones e i Beach Boys, aveva aperto la strada all’inclusione di clavicembali, fiati e sezioni d’archi nelle loro registrazioni per produrre una forma di rock barocco e può essere ascoltato in singoli come “A Whiter Shade of Pale” di Procol Harum (1967), con la sua introduzione ispirata a Bach. I Moody Blues usarono un’orchestra completa nel loro album Days of Future Passed (1967) e successivamente crearono suoni orchestrali con sintetizzatori. Orchestrazione classica, tastiere e sintetizzatori erano una frequente edizione al formato rock stabilito di chitarre, basso e batteria nel successivo rock progressivo.
Le strumentali erano comuni, mentre le canzoni con i testi erano a volte concettuali, astratte o basate sulla fantasia e sulla fantascienza. The Pretty Things’ SF Sorrow (1968) e the Who’s Tommy (1969) introdussero il formato delle opere rock e aprirono la porta a “concept album, di solito raccontando una storia epica o affrontando un grande tema generale.”L’album di debutto dei King Crimson del 1969, In the Court of the Crimson King, che mescolava potenti riff di chitarra e mellotron, con musica jazz e sinfonica, è spesso preso come registrazione chiave nel rock progressivo, aiutando l’adozione diffusa del genere nei primi anni 1970 tra le band blues-rock e psichedeliche esistenti, così come gli atti di nuova formazione.
PopEdit
Chubby Checker durante i primi anni 1960 popularizes perenne danza mania Twist con la sua hit di copertura di Hank Ballard & the Midnighters’ R&B hit “The Twist”.
Gerry Goffin e Carole King diventano un duo molto influente nella musica pop, scrivendo numerosi successi al numero uno tra cui la prima canzone a raggiungere il numero uno di un gruppo femminile, gli Shirelles “Will You Love Me Tomorrow” e il successo numero uno del 1962, “The Loco-Motion” che è stato eseguito da Little Eva.
“Sugar Sugar” diventa un grande successo per gli Archies, definendo il genere pop bubblegum.
I Monkees erano una band fatta per la TV, ispirata alle buffonate dei Beatles in A Hard Day’s Night. Per motivi contrattuali, al gruppo non fu permesso di suonare i propri strumenti, il che portò a molte faide tra i compagni di band e il supervisore musicale, Don Kirshner.
R&B, Motown e l’anima musicEdit
- L’etichetta Motown di Detroit si sviluppa come una risposta influenzata dal pop alla musica soul. L’etichetta inizia una lunga serie di No. 1 singoli di successo negli Stati Uniti nel 1961 con “Please Mr. Postman” dei Marvelettes. L’etichetta avrebbe avuto numerosi No. 1 Billboard hits per tutto il decennio e nel 1990. Atti Motown notevoli inclusi the Supremes, the Miracles, the Temptations, the Four Tops, Martha and the Vandellas, Marvin Gaye e the Jackson Five, che ha debuttato nel 1969.
- La musica soul sviluppa popolarità durante il decennio, guidata da Sam Cooke, James Brown e Otis Redding, tra molti altri.
- Metà degli anni ’60 James Brown ha creato musica funk e primi anni’ 70 Sly& la famiglia Stone aveva funk hit “Thank You”.
- Nel 1966 le Supremes ottennero un grande successo “You Can’t Hurry Love” con l’innovativo bassista James Jamerson.
- Le registrazioni di Aretha Franklin del 1967, come “I Never Loved a Man (The Way I Love You)”, “Respect” (originariamente cantata da Otis Redding) e “Do Right Woman-Do Right Man”, sono considerate l’apogeo del genere soul e sono state tra le sue produzioni di maggior successo commerciale.
Paese musicEdit
Il trionfo e la grande tragedia hanno segnato gli anni ‘ 60 nella musica country. Il genere ha continuato a guadagnare l’esposizione nazionale attraverso la televisione di rete, con serie settimanali e premi programmi guadagnando popolarità. Le vendite di dischi hanno continuato a salire come nuovi artisti e le tendenze è venuto alla ribalta. Tuttavia, diverse star sono morte in circostanze tragiche, tra cui diverse persone che sono state uccise in incidenti aerei.
Lo stile musicale predominante durante il decennio era il Nashville Sound, uno stile che enfatizzava le sezioni di archi, i cori, i cori e gli stili di produzione visti nella musica country. Lo stile era diventato popolare alla fine del 1950, in risposta alla crescente invasione del rock and roll sul genere country, ma ha visto il suo più grande successo nel 1960. Artisti come Jim Reeves, Eddy Arnold, Ray Price, Patsy Cline, Floyd Cramer, Roger Miller e molti altri hanno ottenuto un grande successo attraverso canzoni come “He’ll Have to Go”, “Danny Boy”, “Make the World Go Away”, “King of the Road” e “I Fall to Pieces.”Lo stile country-pop era evidente anche nell’album Modern Sounds in Country and Western del 1962, registrato dal cantante rhythm and blues e soul Ray Charles. Charles ha registrato cover di standard tradizionali di musica country, folk e classica in stile pop, R & B e jazz. L’album è stato salutato come un successo di critica e commerciale, e sarebbe stato molto influente negli stili di musica country successivi. Le canzoni dell’album che sono state rilasciate per l’airplay commerciale e le vendite di dischi includevano “I Can’t Stop Loving You”, ” Born to Lose “e” You Don’t Know Me”.”
Alla fine del decennio, il suono di Nashville divenne più lucido e snello, e divenne noto come “countrypolitan.”Tammy Wynette, Glen Campbell, Dottie West e Charley Pride sono stati tra i migliori artisti che hanno adottato questo stile. Mentre George Jones — dai primi anni 1960 uno dei più consistenti hitmaker della musica country-registrò anche musica in stile country, il suo background rimase puro honky tonk, cantando di crepacuore e solitudine in molte delle sue canzoni. Inoltre, Marty Robbins ha dimostrato di essere uno dei cantanti più diversi del genere, cantando di tutto, dal country diretto al western al pop al blues … e anche hawaiano.
Johnny Cash-che divenne noto come “The Man in Black” – divenne uno dei musicisti più influenti degli anni 1960 (e alla fine, 20th century). Sebbene registrasse principalmente country, le sue canzoni e il suo suono spaziavano in molti altri generi tra cui rockabilly, blues, folk e gospel. La sua musica ha mostrato grande compassione per le minoranze e gli altri che sono stati evitati dalla società, compresi i detenuti. Due degli album di maggior successo di Cash sono stati registrati dal vivo in prigione: a Folsom Prison e a San Quintino.
Durante la seconda metà degli anni 1960, Pride — nativo di Sledge, Mississippi — divenne la prima superstar afro-americana nella musica country, un genere praticamente dominato da artisti bianchi. Alcuni dei suoi primi successi, cantato con una voce baritonale liscia e in uno stile meshing honky-tonk e countrypolitan, incluso “Just Between You and Me”, “The Easy Part’s Over”, “All I Have to Offer You (Is Me)” e una cover di “Kaw-Liga” di Hank Williams.”Pride ha continuato ad avere successo per più di 20 anni, accumulando un eventuale 29 No. 1 hits nella Billboard Hot Country Singles chart.
Uno stile emergente, che aveva le sue radici negli anni ’50 ma esplose nel mainstream durante gli anni’ 60, era il “Bakersfield sound.”Invece di creare un suono simile alla musica pop mainstream, il suono Bakersfield ha usato honky tonk come base e ha aggiunto strumenti elettrici e un backbeat, oltre a elementi stilistici presi in prestito dal rock and roll. Buck Owens, Merle Haggard e Wynn Stewart erano alcuni dei migliori artisti che adottavano questo suono, e alla fine degli anni ‘ 60 erano tra gli artisti più venduti della musica country.
Tra gli atti femminili, il maggior successo del lotto sono stati Loretta Lynn, Tammy Wynette e Dolly Parton. Lynn, nativo di Macelleria Hollow, Kentucky, e, infatti, la figlia di un minatore di carbone, sarebbe—con l’aiuto di suo marito, Oliver “Doolittle” Lynn ottenere un contratto discografico con la Zero Record nel 1960, mentre solo il suo primo singolo (“Honky Tonk Girl”) dei suoi primi anni 1960 rilascia grafico, sue prime registrazioni sono state il trampolino di lancio per molto di più e meglio le cose a venire. Dalla seconda metà del decennio, e proseguendo nel 1970, era di registrazione canzoni che hanno sfidato lo stereotipo della donna che ha dovuto mettere in su con gli uomini, il loro duro potabile, donnaiolo e altri tratti negativi—per esempio, “non tornare a Casa A-Drinkin’ (Con Lovin’ in Mente)”—così come le canzoni che ha spinto il genere conservatore confini (“Caro Zio Sam”, una canzone sulla Guerra del Vietnam) e la sua volontà di candidarsi alle donne (“non Hai la Donna, Abbastanza Per Prendere il Mio Uomo)”).
Parton, nativo della città Smoky Mountains di Locust Ridge, Tennessee, ha guadagnato l’esposizione nazionale sul programma sindacato nazionale The Porter Wagoner Show, su cui ha iniziato ad apparire nel 1967. Due anni prima, aveva firmato un contratto discografico con la Monument Records e fu spinta come cantante pop bubblegum, ma ebbe solo un piccolo successo prima che una delle sue composizioni – “Put It Off Until Tomorrow” – diventasse un grande successo per Bill Phillips (un brano che Parton forniva ai cori) nel 1966. Alla fine, la sua montagna influenzato, marchio biografico del paese e la sua personalità down-home ha vinto molti fan, e il suo potere stella sarebbe solo cominciare a salire. I suoi primi grandi successi sono stati principalmente duetti con Wagoner, anche se ha avuto diversi successi da solista-tra cui la sua svolta,”Dumb Blonde” —pure.
Wynette ha ottenuto consensi con prospettive uniche sui temi classici della solitudine, del divorzio e delle difficoltà della vita e delle relazioni, illustrate da canzoni come “I Don’t Wanna Play House” e “D-I-V-O-R-C-E.”Tuttavia, è stata ” Stand By Your Man”, una canzone che promette fedeltà inflessibile e sta accanto agli uomini nonostante i loro difetti, che ha dato a Wynette il suo successo in carriera. Alla fine del 1960, era sposata con il collega cantante di musica country George Jones.
Tra le altre nuove donne, Connie Smith è stato tra i più riusciti, come il suo successo di svolta, “Once a Day” ha trascorso otto settimane al numero 1 della Billboard Hot Country Singles chart tra la fine del 1964 e l’inizio del 1965, il più longevo chart-topper per quasi 50 anni. Durante una carriera che ha attraversato oltre 50 anni, le canzoni di Smith hanno spesso esplorato temi di solitudine e vulnerabilità.
Oltre al sindacato The Porter Wagoner Show, sono stati prodotti diversi altri programmi televisivi per consentire alla musica country di raggiungere un pubblico più ampio, come il Jimmy Dean Show a metà decennio. Alla fine del decennio, Hee Haw ha iniziato una corsa di 23 anni, prima sulla CBS e poi in syndication; Hee Haw, ospitato da Owens e Roy Clark era vagamente basato sulla serie comica Rowan & Laugh di Martin In, e commedia incorporato insieme con le prestazioni del cast dello show o artisti ospiti dal campo della musica country. L’Academy of Country Music e Country Music Association awards programmi sono stati trasmessi per la prima volta alla fine del 1960.
Il 1960 sono stati segnati con la tragedia. Johnny Horton, che ha cantato nello stile saga-song, è stato ucciso in un incidente d’auto nel 1960. Un incidente aereo del 5 marzo 1963 costò la vita a Patsy Cline, Cowboy Copas e Hawkshaw Hawkins. Giorni dopo, Jack Anglin è stato ucciso in un incidente d’auto, mentre Texas Ruby è morto in un incendio rimorchio in Texas. Nel luglio 1964, Jim Reeves perse la vita mentre pilotava un aereo vicino a Brentwood, Tennessee. Ira Louvin (una metà dei fratelli Louvin) è stato ucciso in un incidente d’auto nel 1965. Il successo superò molte di quelle tragiche morti, poiché sia Cline che Reeves ebbero molti successi postumi (con canzoni precedentemente registrate pubblicate dopo la loro morte) e godettero di forti seguiti per molti anni, mentre il fratello di Louvin, Charlie, continuò come solista di successo per più di 40 anni. Altre star pionieristiche che morirono durante gli anni ‘ 60 includevano A. P. Carter, Gid Tanner, Moon Mullican, Ernest “Pop” Stoneman, Red Foley, Leon Payne e Spade Cooley.
Il 1960 ha iniziato una tendenza verso una proliferazione di No. 1 hits sulla Billboard Hot Country Singles chart, grazie ai metodi di raccolta dei dati in continua evoluzione. Quando si aprì il decennio degli anni ‘ 60, c’erano solo quattro canzoni n.1 in cima alla classifica (cinque, se si conta “El Paso” di Marty Robbins), ma verso la metà degli anni’ 60, c’erano sempre almeno una dozzina di canzoni in cima alla classifica ogni anno. Nel 1967, c’erano più di 20 canzoni che raggiungevano il primo posto per la prima volta in un solo anno solare … e questo numero continuerebbe a crescere solo nei prossimi 20 anni.
Mentre il decennio volgeva al termine, le tendenze della moda degli anni ‘ 60 cominciarono a farsi strada nei circoli della musica country. Questo è stato specificamente ispirato da una canzone scritta dal cantautore Tom T. Hall su una madre vedova minigonna di una ragazza adolescente che è stata criticata dai funzionari della scuola locale per aver presumibilmente dato un cattivo esempio a sua figlia. La canzone è stata registrata da una giovane segretaria di nome Jeannie C. Riley, che ha sviluppato un personaggio mod in connessione con la canzone esibendosi sul palco in gonne corte e stivali go-go. Altri artisti country femminile ha cominciato a seguire l ” esempio negli anni che seguirono, apparendo anche sul palco in minigonne e minidress. La canzone ha raggiunto sia le classifiche country che pop nel 1968; e fino ad oggi, “Harper Valley PTA” rimane la canzone più richiesta nei concerti di Riley.
Altre tendenze musicali e eventsEdit
- Fine del decennio, il Festival Pop di Monterey e Woodstock Music Festival avrebbe segnato la controcultura Americana.
- Gli eventi attuali diventano una grande influenza sulla musica popolare. Molte canzoni sono scritte in segno di protesta per la guerra del Vietnam. La canzone “Ohio” è stata scritta sul massacro di Kent State, e divenne un successo per Crosby, Stills, Nash e Young.
- World music vede un enorme aumento di popolarità come molti cercano interesse in altre culture. Ravi Shankar si esibisce ai festival di Monterey e Woodstock. Artista Rock latino Carlos Santana vede popolarità per tutto il decennio. George Harrison sviluppa un interesse per la cultura Hare Krishna, aggiungendo influenza indiana alla musica dei Beatles, tra cui l’uso di un sitar. Il reggae inizia a diffondersi in questo momento.
- Nel 1969 i Rolling Stones organizzarono lo sfortunato Concerto gratuito di Altamont.
- Canzoni come” Summertime Blues “e” Eve of Destruction ” affrontano la questione dell’età di voto, che all’epoca era 21. Il problema era che i soldati sono stati redatti a 18, ma non potevano votare. L ” età di voto è stato infine abbassato a diciotto anni.
- Alcune canzoni come “Blowin’ in the Wind” di Bob Dylan si rivolgono al Movimento per i diritti civili.
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