10 Breakthrough Women Artists As Polled By Black-Owned Art Galleries

Di Shantay Robinson 

Le Black women artists, negli ultimi anni, hanno ricevuto più consensi di quanto non abbiano fatto in passato. Ma sono ancora in gran parte non riconosciuti per i loro contributi all’arte visiva che stimolano le conversazioni sulla giustizia e l’equità. Quest’anno Black Art in America ha intervistato gallerie d’arte di proprietà nera per scoprire chi sono le artiste nere 10. Abbiamo parlato con Stella Jones Gallery, N’Namdi Contemporary, Walton Gallery, Mariane Ibrahim,E&S Gallery, 10th Street Gallery, Richard Beavers, Zucot Gallery e Black Art in America. Questa lista, ovviamente, non rappresenta tutti i talentuosi artisti neri che fanno grandi cose, ma ciò che questa lista fa è evidenziare gli artisti che hanno dimostrato di essere all’avanguardia nelle collezioni in cui sono stati acquisiti, le mostre in cui hanno mostrato e l’ingegno della loro arte.

Bisa Butler

Art quilter extraordinaire, Bisa Butler, non applica vernice alle sue tele, ma le immagini altamente contrastate che crea implora un’ispezione più ravvicinata. Butler modernizza le figure storiche nel tentativo di riportarle in vita. Figure come Josephine Baker, Frederick Douglas e Jackie Robinson hanno tenuto il loro spazio sulle sue tele implorando lo spettatore di vederli di nuovo. I colori che cuce insieme per creare soggetti di tonalità colorata derivano da fotografie in bianco e nero che stilizza. Il posizionamento dei soggetti su fondali tenui o vibranti aiuta a illuminare la vivacità dei suoi soggetti mentre allo stesso tempo ne illustra il significato. Senza vernice applicata alle tele che Butler crea, crea con cura ombre e luce con tessuti che danno dimensione ai suoi soggetti. La bellezza delle sue trapunte non è solo nell’importanza del soggetto in tempi moderni, ma l’innovazione e il senso di spavalderia Butler impiega a dipingere con tessuto che è stato relegato come lavoro femminile.

Delita Martin

Sotto la vernice, i tessuti e il collage, Delita Martin presenta vere donne nere in opere d’arte che celebrano la loro bellezza, forza, dolore e resilienza. Ispirato da fotografie d’epoca e di famiglia, Martin utilizza un linguaggio visivo per raccontare storie orali. Le narrazioni narrate nei suoi dipinti rendono storie sincere, intime e oneste di donne che potrebbero non essere menzionate nelle notizie contemporanee o nei libri di storia, ma che tutti conosciamo. Sono madri, sorelle, zie e cugini che lavorano instancabilmente per mantenere la vita familiare e l’ordine, ma che molti non ricevono credito adatto per il loro lavoro. Utilizzando tessuti tradizionali africani per sovrapporre le sue immagini, Martin richiama alla patria che collega la tradizione delle donne nere come la spina dorsale della comunità in Africa e in tutta la diaspora. Mentre le donne raffigurate nelle opere di Martin non possono essere apertamente celebrate per i loro contributi al mondo, immortalandole su tela, offre loro il plauso.

Black Is Beautiful di Lavett Ballard, 60 x 26 pollici mixed media collage su pannello di legno, 2019. Collezione privata

Lavette Ballard

I recinti sono stati usati per tenere le persone dentro o fuori, ma Lavette Ballard usa i recinti per inserire le narrazioni di immagini storiche di persone nere ma soprattutto donne nere nel canone storico dell’arte. Prendendo fotografie storiche in bianco e nero, le applica su grandi e piccoli recinti di legno invecchiato recuperati per creare opere d’arte che rinascono questi soggetti in tempi contemporanei. Lavorando con il legno recuperato, Ballard dà esteticamente una profondità ai suoi collage che non accentuerebbe la combinazione di fotografie in bianco e nero e vernice a colori allo stesso modo sulla tela tradizionale. Il colore si sovrappone alle fotografie in bianco e nero, all’interno delle forme dei suoi soggetti, e in tutte le sue tele di legno per dare ai suoi soggetti una seconda vita. Queste figure potrebbero non essere state date entrée al mondo dell’arte nel loro tempo, ma Ballard offre loro l’ingresso nella vita e nei dintorni dei giorni nostri.

Monica J. Beasley

All’insaputa dei suoi spettatori, le opere d’arte di Monica J. Beasley non riguardano solo bei colori e trame delicate. La femminilità insita nei pastelli che usa dovrebbe evocare i sentimenti di femminilità e delicatezza, ma c’è una storia dietro l’ovvio che le donne dovrebbero essere delicate e delicate. In generale, quando le donne nere hanno avuto quel lusso? La storia americana non ha permesso alle donne nere di lusso di partecipare ai suoi capricci nei merletti e nei rasi che sono offerti ad altri del suo genere. I collage floreali Beasley crea potrebbe essere un promemoria per il resto della società che le donne nere non sono solo i muli di questo mondo. Come le donne di qualsiasi altro credo, meritano di essere trattate come donne. Non è mai stata la sua scelta se trovare o meno un impiego come le sue controparti bianche, la maggior parte delle donne nere negli Stati Uniti ha sempre lavorato. A volte merita ricordi belli e delicati della sua femminilità. E Beasley offre, anche se solo esteticamente, quel promemoria.

Genesis Tramaine

Genesis Tramaine manipola la faccia nera per evocare le emozioni e gli incontri dei neri. Il pittore espressionista urbano utilizza pennellate grezze per illustrare la psiche al fine di comprendere il funzionamento interiore dei suoi soggetti neri. Ispirato ai graffiti degli anni ‘ 80 e agli inni gospel, le narrazioni che induce nei suoi ritratti immaginari della vita interiore nera parlano della complessità dell’esistenza nera. Ovviamente incoraggiato da Jean Michel Basquiat, Tramaine prende i segni maniacali evidenziati negli orifizi del volto e inserisce storie che non si può mai avere il coraggio di parlare. L’andirivieni del subconscio è evidente nei ritratti che dipinge confessando la complessità e la lotta dell’animazione nera. Le storie che trasmette potrebbero non essere coerenti con tutti, ma coloro che vivono la vita capiscono la difficoltà di articolare non solo la doppia coscienza ma il triplo pericolo che è la situazione delle donne nere.

Ruby Onyinyechi Amanze

Le opere su carta di Ruby Onyienyechi Amanze lasciano spazio all’immaginazione per esplorare all’infinito. Le figure che Amanze crea sembrano fratturate e intrinsecamente non occupano molto spazio sulla carta. Frammentari, galleggiano in uno spazio bianco malleabile in attesa di essere individuati dallo spettatore. A un attento esame, i dettagli e la trama possono essere la prova della complessità della vita, forse la complessità dell’esistenza femminile nera. Le figure che evoca in abbracci a volte intimi rendono la sensualità delle esperienze di vita ma invocano una disconnessione su un altro livello. Da un lato le opere cercano di occupare spazio e allo stesso tempo non hanno la capacità di farlo. Le figure disgiunte astrattamente collocate nei parametri della tela chiedono un po ‘ di armonia. Ma forse questo non dovrebbe essere previsto. Maggiori preoccupazioni di sicurezza e comfort si rivelano nel lavoro, chiedendo congetture e conforto in tempi sempre aggressivi.

Ann “Sole Sister” Johnson

Ispirata dai suoi sogni, Ann Johnson descrive il dolore dei neri che non sono riconosciuti dalla cultura popolare per la loro sofferenza. Come Sandra Bland, molte donne nere sono vittime, ma non sono riconosciute come vittime da credenze di lunga data che intrinsecamente possono sopportare più dolore delle loro controparti. Johnson esplora questi problemi all’interno della comunità nera attraverso la stampa sperimentale. Usando i media misti, porta l’attenzione sui traumi delle donne nere mentre esplora le narrazioni di questa sottoclasse nera. Facendo supporti inaspettati come cotone, piume o verdure le sue tele, Johnson usa l’incisione per applicare immagini a loro suggerendo la fragilità dei soggetti che ritrae. La tenuità delle tele con cui lavora parla della resistenza di un popolo, abbastanza tollerabile da essere portato sull’orlo dell’autodistruzione ma incapace di sopportare l’oppressione costante. La fragilità delle sue tele è la prova del fondamento su cui poggiano i suoi soggetti.

Tracy Murrell

Celebrando la bellezza e la grazia, Tracy Murrell prende sagome di donne e le applica alla carta modellata al fine di creare un’armonia essenziale per esistere in questo mondo come donna di colore. Ispirata dall’equilibrio e dall’eleganza delle donne, Murrell ripete pose per familiarizzare lo spettatore con i suoi soggetti e poi li sorprende con i modelli che combina per creare coerenza. La mancanza di caratteristiche sui suoi soggetti consente alle sagome di essere disponibili per qualsiasi donna, prestandosi a una moltitudine. In risposta, queste sagome ispirano la meditazione, permettendo allo spettatore di riflettere. Modeste nella postura, le opere offrono un’alternativa alle visioni stereotipate delle donne di colore come forti e ipersessuali. Le sagome in cima ai fondali decorativi interrompono le posizioni contemplative dei suoi soggetti ma le rendono armoniose con la frenesia. Murrell offre un’alternativa alle interpretazioni tipiche che raffigurano le donne di colore come qualcosa di diverso da contemplativo, sicuro e bello.

Uruba F. Slaughter

Quando le cifre non sono sufficienti e non ci sono parole per guarire la sofferenza, l’astrazione viene utilizzata al suo posto. Uruba Slaughter ha superato un aneurisma attraverso la pittura astratta. Le sue trame personalizzate raffigurano la sofferenza di chi soffre ma è disposto a superare la sofferenza dell’umanità per vedere la bellezza. Le tele colorate e contrastate che crea raffigurano l’oscurità alla luce che l’artista ha sopportato. E la trama racconta della lotta che ci è voluta per arrivarci. Le sue tele gridano per il sollievo dai dolori della vita ordinaria e di quelli di circostanze estreme. La semplicità e la complessità delle tele che crea parlano alla vita come alla morte. Il morboso e la luce. Il dolore e la bellezza. Quando le figure non sono sufficienti per rappresentare le circostanze della vita, i colori posti con texture su una tela potrebbero essere l’unica cosa rimasta per raccontare la forza d’animo che ci vuole per superare. Le tele di Slaughter convincono della cura scrupolosa che l’artista può prendere per consegnare quel messaggio.

Sherry Shine

Artista di trapunte, Sherry Shine invoca le tradizioni delle creazioni tessili africane per parlare di particolari esperienze femminili afroamericane. I colori vivaci che usa per trasmettere le narrazioni delle donne nere raccontano le relazioni intime che le donne nere creano in un oppressivo sistema di dominio. I suoi soggetti possono essere immaginati, ma le storie di sorellanza e amore raffigurati nelle sue trapunte portano la vita reale di donne che oltre a sopportare conflitti prendono momenti di vita. Shine costruisce immagini che legano platonicamente e nell’amore romantico. Anche quando le donne nere non sono presenti nel suo lavoro, le loro tracce sono lasciate nelle vesti di una clothesline o nelle palette di colori ritmiche che ispirano. Senza usare la vernice per rappresentare gli interni colorati delle donne nere, Shine utilizza la tradizione del quilting per ritrarre l’umanità della vita nera e dell’amore. Le trapunte di Shine testimoniano la bellezza e la potenza della mistica femminile nera.

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Shantay Robinson, studioso residente di BAIA ha partecipato al programma di mentoring per scrittori d’arte di Burnaway, alla Duke University The New New South Editorial Fellowship e al programma di mentoring per critici d’arte della CUE Art Foundation. Ha scritto per Burnaway, ArtsATL, ARTI.NERO, AFROPUNK, Numero, Inc. e il giornale di Washington City. Durante la ricezione di un MFA in scrittura da Savannah College of Art and Design, ha servito come docente presso l ” High Museum of Art. Attualmente sta lavorando a un dottorato di ricerca in scrittura e retorica presso la George Mason University.

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