Quando il ritratto fu presentato per la prima volta al pubblico, l’artista Valentin Serov ne disse: “Una cosa molto bella e fresca.”L’immagine è stata immediatamente acquistata dalla Galleria Tretyakov.

Valentin Serov

Per l’élite russa, seduto per un ritratto di Serov, era considerato un onore. Un maestro di ritratti psicologici, l’impressionista russo Valentin Serov, dipinse famosi compositori, scrittori, membri della famiglia imperiale e principi russi.

E ancora, una delle sue più significative e famose tele è il ritratto di un 12-anno-vecchia ragazza, Vera Mamontova. Era la figlia di un importante imprenditore e filantropo, Savva Mamontov, ma Serov in seguito rimosse il suo nome dal titolo dell’immagine. Secondo l’artista, stava dipingendo non la figlia di una persona famosa, ma la gioventù stessa.

Henryk Siemiradzki

Per quasi 30 anni, Siemiradzki viveva a Roma. Si è guadagnato la reputazione di uno dei più importanti rappresentanti del tardo accademico europeo, ma non subito e non tra tutti. L’artista era interessato solo al mondo antico con i suoi miti, feste e orge, per i quali ha ottenuto un sacco di critiche a casa, dove Peredvizhniki erano già di moda con la loro rappresentazione di contadini, orfani impoveriti e altri elementi della “verità della vita”.

Per esempio, il più influente critico d’arte del tempo, Vladimir Stasov, considerato Siemiradzki una disperata classicista, che “era in preda a tutto ciò che è italiano”. Da parte sua, Ilya Repin lo ha definito un ciarlatano, mentre il famoso collezionista Tretyakov si è rifiutato di acquistare le sue opere. Tuttavia, gli zar russi sono sempre stati fan dell’accademismo: per esempio,’ Phryne ‘ è stato acquistato da Alessandro III direttamente dalla mostra.

Alexei Savrasov

Un artista lirico paesaggi, Savrasov rapidamente guadagnato la fama e il riconoscimento: alla tenera età di 24 anni, era già diventato un membro dell’Accademia delle Arti. Tuttavia, lungo le generazioni, questo artista realista è ricordato come un “one-hit wonder”: nessuno dei suoi numerosi paesaggi può essere paragonato in popolarità a ‘ The Rooks…’. Ogni scolaro in Russia conosce questa immagine da libro di testo, perché molto probabilmente hanno dovuto scrivere un saggio su di esso.

Ivan Shishkin

Se si nota un dipinto di una sorprendente russo foresta o i campi con alberi di pino sul lato della strada, si può essere sicuri che si tratta di un Shishkin. Secondo un sondaggio condotto dall’All-Russia Public Opinion Research Center, è l’artista più riconoscibile in Russia.

Che può essere in gran parte dovuta alla Mishka Kosolapy (goffo orso, caramelle, cui wrapper dispone di un frammento di questa immagine. Eppure, nessuno ha dipinto boschetti, prati e campi remoti come lui, sia in termini di quantità che di qualità. La foresta era tutto ciò a cui Shishkin era sempre interessato.

Sylvester Orchestra

Molti artisti russi del 19 ° secolo, ha visitato l’artistico Europeo mecca, Italia, ma pochi reso la loro casa creativo. Il pittore paesaggista Shchedrin trascorse praticamente tutta la sua vita raffigurando la bellezza dell’Italia, e in particolare di Napoli. È qui che è morto anche lui, prima di raggiungere i 40 anni. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

Rappresentante dell’arte Sots e, come lui stesso l’ha definita, “folk pop art”, per più di 30 anni, Sokov ha lavorato con i miti, le immagini e i simboli della cultura russa, giustapponendoli con la civiltà occidentale.

L’artista e scultore sinistra dell’URSS USA, in ordine di “non rompere” sotto la pressione del sistema totalitario dello stato dell’ordine, che dettava tutto per l’artista, nei minimi dettagli: “In quale mano Lenin dovrebbe tenere il suo tappo, per quanto tempo il pioneer pantaloni dovrebbe essere e che è stato di Marx piede perno,” Sokov scherzato.

Vasily Surikov

Surikov fatto un nome per se stesso che ritraggono vari momenti drammatici della storia russa. Ad esempio,’ Boyarina Morozova ‘ racconta la storia della lotta feroce contro i vecchi credenti: Morozova viene portato in un convento (che era equivalente alla prigione) al momento dello scisma della chiesa.

Vladimir Tatlin

Anche se il Monumento alla Terza Internazionale, o la Torre di Tatlin, non è mai stata costruita, è diventato l’artista più emblematici frutto e il segno distintivo del costruttivismo in tutto il mondo. Tatlin progettò la sua torre come simbolo della rivoluzione del 1917 da erigere a Leningrado (ora San Pietroburgo).

Tuttavia, dalla fine del 1920, la dirigenza Sovietica perso interesse per gli artisti d’avanguardia e smesso di impegnarsi con loro, così la torre non è mai stato costruito.

Oleg Tselkov

per Tutta la sua vita, questo anticonformista artista è stato dipinto praticamente uno stesso personaggio – un deformata immagine umana, un mutante. “Questo non è un ritratto di una sitter specifica, ma un ritratto universale… e uno terribilmente familiare”, ha spiegato Tselkov. “Sono riuscito accidentalmente a strappare la maschera all’umanità.”

La dirigenza Sovietica non erano particolarmente affezionato a questo “altro lato della medaglia di una personalità umana”. Nel 1977, a Tselkov fu chiesto di lasciare il paese e andò in Francia. Fu solo nel 2015 che divenne di nuovo un cittadino russo.

Pavel Tchelitchew

Questo patriarca di mistica il surrealismo è nato in Russia, ma ha trascorso gran parte della sua vita in Europa e in America, dove ha sviluppato la tecnica dei suoi famosi paesaggi antropomorfi. A causa della somiglianza nello stile, è spesso descritto come “il Dali russo”, tranne che Tchelitchew è stato il primo a mostrare elementi di surrealismo mistico nelle sue opere: dicono, nove anni prima, Salvador Dali ha fatto lo stesso.

in Questi giorni, le sue opere si trovano nei maggiori musei Europei e collezioni, mentre in Russia, solo la Galleria Tretyakov ha un unico Tchelitchew. ‘Phenomena’ è stato segretamente portato in Russia da un amico di Tchelitchew, il coreografo Lincoln Kirstein. Lo consegnò alla Galleria Tretyakov, ma fino alla metà degli anni ‘ 90 rimase nei magazzini del museo.

Simon Ushakov

Romanov è salito al trono nel 1613. La dinastia governò il paese per secoli, ma all’inizio aveva bisogno di qualcosa per confermare la sua legittimità. Un ruolo importante in questo è stato giocato dall’immagine del lignaggio della famiglia reale creato dal pittore di icone Ushakov. I critici d’arte la chiamano la prima e migliore giustificazione dell’affermazione che ai Romanov è stato dato il loro potere dall’alto.

Romanov devono concordare con la valutazione: hanno fatto Amicizia con il capo icona pittore dell’impero, riempiendolo con i favori fino alla sua morte.

Viktor Vasnecov

Vasnecov cercato di sé in diversi stili e tipi di lavoro, dalla pittura affreschi (come nella Chiesa del Salvatore sul Sangue Versato a San Pietroburgo) per la creazione di curvatura in stile liberty abbellimenti. Tuttavia, per la maggior parte dei russi, è associato esclusivamente a personaggi delle fiabe russe. Nell’immaginazione popolare, questi personaggi sembrano molto il modo in cui Vasnetsov li ha raffigurati.

dipinto ‘Bogatyrs’, che raffigura popolare Slava supereroi Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets e Alyosha Popovich, lui ha preso quasi 20 anni per completare.

Alexey Venetsianov

Venetsianov è stato uno dei primi artisti che raffigurano scene della vita di gente comune, facendo un nome per se stesso in “il contadino genere”. Allo stesso tempo, non era particolarmente interessato agli aspetti pratici della vita quotidiana dei contadini.

I suoi dipinti erano più di spaziosità, libertà e immensità. Molti credono che la sua pittura ‘Mietitura’ incarna il vero paesaggio russo.

Vasily Vereshchagin

Un pittore di scene di battaglia, Vereshchagin di solito dipinto quello che ha visto con i suoi occhi. Era stato a molte guerre e aveva viaggiato per il mondo dall’India alla Siria. Egli stesso organizzò le sue mostre a New York e Londra, spesso esponendo non solo i suoi dipinti ma anche trofei dal campo di battaglia.

Tuttavia, la sua Apoteosi della Guerra’ è un’eccezione, in che lo ha dipinto non dalla vita, ma da un’idea in testa. Sulla sua cornice l’artista ha scritto: “Dedicato a tutti i grandi conquistatori-passato, presente e futuro.”

Mikhail Vrubel

Vrubel è principalmente associato con l’immagine di un demone, il quale ha dipinto ripetutamente e ossessivamente. L’immagine di un angelo caduto che soffre della sua natura demoniaca era stata ispirata dal poema omonimo di Mikhail Lermontov. Vrubel fatto alcuni 30 schizzi per questo dipinto.

Vrubel ammesso che aveva visto un demone, i suoi incubi troppo. Una psicosi acuta, che l’artista sviluppò nella sua vita successiva, combinata con la sua ossessione per una singola immagine spinse i suoi contemporanei a concludere che Vrubel era stato impazzito dalla sua dipendenza dal demonismo.

Vladimir Weisberg

Weisberg si distingue nel contesto dell’arte russa: egli non appartiene né all’arte ufficiale, né non-conformisti. Il suo stile marchio di fabbrica è la cosiddetta “pittura bianca”, immagini che sembrano essere state dipinte con vernice bianca su uno sfondo bianco. Secondo lo stesso Weisberg, ha cercato di ottenere “arte invisibile”.

In realtà, non si ha quasi mai usato come pigmento bianco. I suoi dipinti sono un’intricata combinazione di piccole particelle multicolori. “Un’immagine dovrebbe diventare bianca se tutti, letteralmente tutti, i suoi colori, si adattano”, diceva.

Vladimir Yankilevsky

Un pioniere di Mosca “arte non ufficiale” e una perenne solitario, Yankilevsky non rientrano in alcuna associazione artistica e sempre stato in disparte, per così dire. Molti semplicemente non capivano le sue opere esistenziali: per tutta la vita dipinse un metafisico “Uomo opposto all’Eternità”.

L’idea di persone in scatole è venuto a lui sotto l’influenza dell’esistenzialismo. Queste “scatole esistenziali” sono diventate una metafora per una persona le cui aspirazioni e sogni si scontrano sempre con i muri di un ambiente sociale. Va detto che la vita nell’URSS è stata molto favorevole a questa percezione della realtà.

Vadim Zakharov

Nel 1970, Zakharov iscritto al circolo di Mosca Concettuali, a partire assurdo azioni e leader per la pittura. “Tra il 1985 e il 1989, ho creato molti dipinti enormi, dopo di che non ne ho dipinto uno solo ad eccezione di alcuni fatti a carboncino, e ora tornare alla tela e all’olio è una tortura per me”, ha detto. Nel 1989, si trasferisce a Colonia, dove inizia una nuova fase della sua carriera artistica: le installazioni.

il Suo progetto di “Danae” è diventato una sensazione alla Biennale di Venezia. Nella prima ora dopo la sua apertura, una coda si è allineata al padiglione russo per osservare il processo unico di un famoso mito greco antico che si materializza attraverso una pioggia dorata di monete con le parole fiducia, libertà, amore e unità scritte su di esse che scendono da una stanza dove erano ammessi solo gli spettatori maschi, al “grembo”, dove erano ammessi solo gli spettatori

Konstantin Zvezdochetov

Egli è il re russo di kitsch, senza la quale nessuna grande mostra di arte contemporanea in grado di fare. Zvezdochetov appartiene alla generazione di artisti sovietici che furono i primi ad entrare nella scena artistica internazionale e divenne noto come “arte russa contemporanea”.

C’è stato un tempo in cui si è offeso per essere chiamato un “artista”. Ha detto: “Sono una persona che offre interpretazioni… Tutto quello che faccio sono citazioni e compilation.”

Anatoly Zverev

Egli è spesso definito come “il russo Van Gogh”. Robert Falk ha detto di lui: “Ogni tocco del suo pennello non ha prezzo”, mentre Picasso stesso gli ha fatto eco. Decoratore di mestiere, Zverev entrò nella scena artistica alla fine degli anni ‘ 50 e nel 1965 la sua prima mostra internazionale si tenne a Motte a Parigi, anche se lui stesso non andò mai all’estero.

Il sistema Sovietico non come Zverev. La polizia lo stava cercando per arrestarlo per “parassitismo” (che era un reato penale in URSS), mentre viveva solo per la sua arte e per il suo unico amore e musa, la vedova del poeta Nikolai Aseev, Ksenia Aseeva, che aveva 39 anni più di lui.