Everett Collection / Rex

Oggi sarebbe stato Stanley Kubrick 89 ° compleanno. Il regista è morto nel 1999 mentre stava completando il suo 13 ° e ultimo lungometraggio, “Eyes Wide Shut”, all’età di 70 anni.

In onore della carriera del grande regista, otto membri dello staff di IndieWire — William Earl, Kate Erbland, David Ehrlich, Eric Kohn, Michael Nordine, Zack Sharf, Anne Thompson e questo autore — hanno classificato individualmente i film del regista, che sono stati mediati insieme per risultare nella seguente lista. Mentre Kubrick ha fatto solo 13 film in un arco di 46 anni, ha fatto più della sua giusta quota di capolavori. Come segno di quanto sia profonda la qualità di questa lista, sei diversi titoli hanno ricevuto voti al primo posto, mentre nel conteggio finale la differenza tra #1 e #7 era sottile come un rasoio.

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“Paura e Desiderio” (1953)

“Paura e Desiderio”

All’età di 23 anni, Kubrick è stato un discreto successo fotografo e aveva fatto due cortometraggi, che ha usato per raccogliere il denaro per “Paura e Desiderio”, questa è la storia di un soldato che sopravvive a un incidente aereo e atterra dietro le linee nemiche. Girato in cinque settimane tra le montagne della California con una troupe di cinque persone, Kubrick pensò di mantenere bassi i costi girando il film senza suono e aggiungendo musica ed effetti in post. Il piano si è ritorto contro, poiché i costi di post-produzione hanno superato il suo budget. La forza del film sta nel ritratto onesto e inflessibile della morte e degli istinti animali dell’uomo rimossi dalla società. Il film ha un senso di realismo, poiché puoi percepire le abilità del giovane fotografo documentarista dietro l’obiettivo. Nel corso degli anni, Kubrick è stato imbarazzato dal suo primo lungometraggio e ha fatto del suo meglio per estrarre le stampe dalla circolazione.

“Spartacus” (1960)

“Spartacus”

Star e produttore Kirk Douglas licenziato il grande Anthony Mann una settimana in produzione e portato a bordo di un 33-year-old Kubrick, che Douglas pensato che ha fatto un buon lavoro con i “Sentieri della Gloria.”Questo non significava che l’enorme epopea dello studio sarebbe diventata un film di Kubrick, ma questo non gli ha impedito di provare. Kubrick si è scontrato con lo sceneggiatore Dalton Trumbo, per la mancanza di difetti nell’eroe (che è divertente, se hai visto altre epopee di quest’epoca); ha combattuto con il grande DP di Welles e Sirk Russell Metty per la scelta dell’inquadratura e dell’obiettivo; ed è stato costretto a tagliare le sanguinose scene di battaglia di cui era più orgoglioso quando si sono rivelate troppo inquietanti. In definitiva, “Spartacus” si classifica come un’epica di Hollywood decente che contiene il mestiere di Kubrick. E ‘ stato un significativo costruttore di curriculum, e lo ha introdotto alla cinematografia di grande formato e la profondità di dettaglio che potrebbe raggiungere.

“Killer Kiss” (1955)

“Killer Kiss”

“Killers Kiss”

A 26 anni, Kubrick prese in prestito $40.000 per realizzare il suo secondo lungometraggio, che vendette alla United Artists per $100.000 con la promessa di another 100.000 dollari per il suo terzo lungometraggio, “The Killing.” La forza di questo film viene in gran parte da Kubrick-the-hotshot-Look-magazine-fotografo, piuttosto che Kubrick il regista in erba. Girato in location a New York, il film cattura la città così com’era, con immagini che ne evocano l’atmosfera e il ventre squallido. In particolare, ta rooftop scene by the waterfront mostra come la conoscenza di Kubrick della città e della luce significava che poteva trasformare New York nel set perfetto. Nel raccontare la storia noir di un pugile lavato che cerca di aiutare una ragazza aggrovigliata in una situazione disordinata, puoi sentire Kubrick che cerca di adattare il suo senso della composizione al cinema, con l’istinto di spogliare una scena fino ai suoi elementi più basilari.

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“Lolita”

“Lolita”

Adattare il romanzo di Nabokov in un film del 1962 non fu un compito facile. Kubrick ha dovuto mantenere il dramma che scorre, mantenendo la sessualità tacita. (In seguito ha osservato che non avrebbe mai fatto il film se avesse conosciuto la battaglia persa che avrebbe combattuto con i censori.) Anche così, Kubrick implicava molto nelle esibizioni attentamente manierate del film e nelle transizioni di scena caricate.

Mettere la fine terrificante del libro all’inizio è stato un sacrificio, ma ha anche permesso a Kubrick di dare al film un senso di fatalismo e un inizio drammatico. Più di ogni altra cosa, Kubrick ha portato umorismo alla storia. Peter Sellers e James Mason sono eccellenti, e Kubrick li ha usati per trovare la linea in cui non avrebbe minimizzato il dramma ed essere ancora giocoso. È un film che può sembrare un po ‘ ordinario per Kubrick all’inizio, ma ad ogni visione puoi vedere il regista sorridere alla loro situazione e pietà. Se Kubrick fosse stato scatenato, probabilmente sarebbe stata una commedia nera in piena regola.

“Full Metal Jacket” (1987)

“Full Metal Jacket”

Il film di guerra di Kubrick si divide in due parti distinte che si riecheggiano in un modo che non è palese o artificioso, ma inizia una conversazione nella tua testa su ciò che l’essere un soldato fa alla tua umanità. La prima parte è come un grande gioco di un atto, in cui la vita reale sergente istruttore-trasformato-attore R. Lee Ermey cerca di rompere un flaccido Pyle privato (Vincent D’Onofrio) per diventare un soldato. Il dialogo a fuoco rapido di Ermey viene consegnato in modi che ti fanno credere che probabilmente fosse un tremendo sergente istruttore, mentre allo stesso tempo con senso dell’umorismo che è infinitamente citabile e divertente. Sotto lo sbarramento del dialogo arriva l’arco di un giovane che chiaramente non ha la roba per tagliarlo; l’esercito lo sanguinerà di debolezza, anche a costo della sua umanità, per trasformarlo in un assassino.

Per la seconda metà del film, Kubrick trasformò l’Inghilterra in Vietnam, facendo saltare in aria vecchi edifici, importando alberi da Hong Kong (insieme a una giungla di plastica dalla California che immediatamente licenziò) e acquisendo abbastanza vecchi elicotteri e carri armati per iniziare il proprio esercito. I risultati sono impressionanti, se non al 100% all’altezza degli standard impossibili che Kubrick si era prefissato. Allo stesso tempo, il campo di battaglia è fatto sentire intenzionalmente estraneo, poiché il personaggio di Matthew Modine, come osservatore simpatico nella prima parte, cerca senza successo di rimanere alla periferia della guerra.

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“The Killing” (1956)

“The Killing”

Kubrick, a 28 anni, credeva che questo fosse il suo primo lungometraggio “maturo”. Utilizzando il suo scrittore pulp preferito Jim Thompson e un cast di personaggi dei suoi film polizieschi preferiti, la rotazione di Kubrick sul film noir è immensamente divertente. Mentre impostano i pezzi del puzzle necessari per rubare la pista, e tutto gloriosamente cade a pezzi, c’è un’enorme attenzione ai dettagli. La freddezza e il senso dell’umorismo di Kubrick rendono questo uno dei film di rapina più freschi e divertenti mai realizzati. Da un punto di vista degli studi kubrickiani, si può sentire lo stile del regista iniziare ad emergere, ma si può anche vedere (qualcosa che Kubrick scoprì per se stesso all’epoca) che il suo approccio al cinema sarebbe molto diverso dalla sua fotografia. Avrebbe bisogno di molto più controllo e risorse (denaro!) per portare l’esattezza che la sua visione richiedeva.

“Eyes Wide Shut” (1999)

“Eyes Wide Shut”

Bros/Kobal/REX/

C’è un equivoco che Kubrick fosse un regista freddo. È più che durante la sua carriera, non ha mai vacillato sulla percezione che l’umanità si sia completamente avvitata con la sua cieca accettazione delle istituzioni di guerra, legge e gerarchie sociali. L’istituzione del matrimonio e il concetto di monogamia cadono nello stesso secchio per Kubrick, anche se si identifica con la lotta dei suoi protagonisti — e quel rapporto intimo è particolarmente chiaro in questo film su una coppia sposata (interpretata dall’allora marito e moglie, Tom Cruise e Nicole Kidman). Poiché Kubrick era un ammiratore di lunga data del movimento della fotocamera simile al valzer di Max Ophuls, puoi sentire la libertà che un vecchio Kubrick si è concesso di lasciare ballare la fotocamera. Appoggiandosi al materiale originale freudiano del film, il fascino del regista per gli assurdi rituali dell’uomo si piega verso un’esplorazione surreale e onirica. Eppure questo è ancora Kubrick, mentre punta al privilegio e al patriarcato-per non parlare di giocare con la persona di Cruise dentro e fuori dallo schermo — e il film ha tutto il vantaggio e il morso del suo lavoro precedente.

“Paths of Glory” (1957)

“Paths of Glory”

Pur essendo un film di Stanley Kubrick, questo capolavoro pre-1960 è una finestra su un percorso alternativo della carriera di Kubrick — se non avesse raggiunto la libertà artistica e praticamente inventato il suo marchio personale e il suo modo di fare cinema. Kirk Douglas interpreta un avvocato diventato colonnello nell’esercito francese che, nel bel mezzo della prima guerra mondiale, deve difendere tre dei suoi uomini di fronte alla pena di morte a causa del loro reggimento in ritirata, rifiutando un ordine insensato di caricare verso un certo massacro. Kubrick ha nel mirino l’aristocrazia del potere militare (portato meravigliosamente in vita da Adolphe Menjou) – ma è la nobiltà e la forza del personaggio di Douglas di fronte alla morte insensata, splendidamente realizzata nelle trincee e nella sala di corte, che ancorano questo film.

Mentre il personaggio degli uomini si sgretola sotto una pressione estrema, Kubrick crea l’eroe più tradizionale nella sua narrazione più tradizionale. L’asporto è che Kubrick era in grado di fare un dramma semplice estremamente bene, se necessario. The Film’s end, dove Christiane Harlan canta “The Faithful Hussar” nella sala della birra gremita, è uno dei finali più emotivi ed efficaci della storia del cinema, poiché il momento di umanità condivisa porta una lacrima di riflessione sulla tragedia che si è appena svolta. Che l’attrice tedesca sarebbe poi diventata la moglie di Kubrick e grande partner nel cinema fino alla sua morte 42 anni dopo aggiunge un ulteriore significato ai suoi fan.

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“A Clockwork Orange” (1971)

“A Clockwork Orange”

La satira sociale di “A Clockwork Orange” è diventata una parte accettata della cultura popolare, che in qualche modo maschera il suo status di una delle opere più inebrianti e più rischiose di Kubrick. Adattato dal libro di Anthony Burgess del 1962, racconta la storia di Alex (Malcolm McDowell, in uno di quei ruoli che si attaccano all’attore per decenni) e gli equipaggi di “droogs”, un gruppo di violenti delinquenti giovanili in una futura distopia. In un film che esplora i potenziali pericoli di come la psicologia comportamentale potrebbe essere utilizzata da un governo totalitario, Kubrick era insolitamente aperto nell’annunciare i temi del film che stava esplorando. Ha scritto: “È una storia della dubbia redenzione di un delinquente adolescente mediante terapia riflessa dalla condizione. È, allo stesso tempo, una conferenza in corso sul libero arbitrio.”

La brillantezza sovversiva del film è il modo in cui Kubrick usa il cinema non solo per rendere appetibili Alex e i suoi” drogs”, ma anche scomodamente divertenti. Kubrick costantemente, ma sapientemente, barcolla sulla linea di identificazione e satira dei suoi personaggi nichilisti che picchiano, violentano e rubano. In una combinazione unica di musica e costumi — perché what thug non indossa body bianchi, un derby nero e ama rilassarsi con Beethoven — Kubrick ha creato una versione da cartone animato di cool. Anche l’uso del linguaggio e della voce fuori campo sono stati eseguiti con precisione. La decisione di Kubrick di utilizzare il modo di parlare adolescenziale inventato dal linguista diventato autore Burgess (Nadsat, una forma di slang inglese influenzato dal russo) è stata particolarmente importante; ha fornito uno strumento di allontanamento necessario per intrattenere il pubblico dalla narrazione allegramente indifferente e argutamente disumana di Alex. Quando si contrappone al doppiopetto politico dei funzionari governativi, mentre Kubrick spiazza contemporaneamente la sinistra e la destra, il film cambia drammaticamente marcia, mentre il pubblico si confronta con i nostri atteggiamenti morali sui vincoli della società, del governo e del concetto di libero arbitrio.

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“Barry Lyndon” (1975)

“Barry Lyndon”

Volutamente lento nel suo ritmo e fisicamente distanti, con un narratore onnisciente che ci spinge solo più lontano, questo film in qualche modo affascina al punto che ogni piccolo gesto è ricco di significato e di emozione. Basato su un romanzo vittoriano (considerato il primo senza un eroe tradizionale), “Barry Lyndon” è la storia di un irlandese calcolatore e amorale (Ryan O’Neil) che scala la scala della società. Kubrick racconta la storia con quello che sembra un distacco fresco, ma seduce il pubblico in cura. “Barry Lyndon” è anche un film incredibilmente bello e una meraviglia tecnica. La distanza grandangolare del regista si sposa con alcune delle sue inquadrature più profonde e con un design di produzione elegante, con costumi che raccontano una storia ricca e stratificata. Aiutato dalla fotografia di John Alcott, che ha utilizzato uno speciale obiettivo f0.7 realizzato dalla NASA per catturare immagini da 70 mm illuminate a lume di candela, è tra i più grandi di tutti i tempi.

“The Shining” (1980)

“The Shining”

Warner Bros.

Si potrebbe sostenere che il film più influente su questo momento attuale nel cinema è “The Shining.”Dal suo approccio psicologico più esplicito al genere, all’uso della location e al movimento innovativo della telecamera, il classico horror di Kubrick è una pietra di paragone vitale per questa generazione di registi. È interessante notare che non è stato ampiamente accettato dalla critica, che ha avuto difficoltà a connettersi allo scrittore in difficoltà di Jack Nicholson che scende lentamente nella follia mentre porta la sua famiglia all’Overlook Hotel. Kubrick è stato attratto dalla realizzazione di un film horror per esplorare la sua profonda sfiducia nei confronti dei difetti della personalità dell’uomo. Che le paure e il senso di disagio incredibilmente efficaci del film provengano da questa esplorazione, e l’incredibile discesa di Nicholson nella follia, non è pensata per essere accogliente. Tuttavia, all’epoca, il film era visto come così sopra le righe che divenne il primo film di Kubrick a ricevere nomination dai Razzies piuttosto che dall’Academy.

Il coronamento e il successo duraturo del film, tuttavia, è il modo in cui Kubrick ha sposato il suo preciso senso della composizione e del ritmo con una macchina da presa in movimento che ha dato vita al ventre psicologico del film. Sperimentando con Steadicam inventore e operatore Garrett Brown, Kubrick ha messo il nuovo strumento da utilizzare e, nel processo di fare 50 repeat prende, aiutato Brown perfezionare la sua invenzione.

“Dottor Stranamore o: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb” (1964)

“Dr. Strangelove”

FilmStruck / Criterion Collection

Una delle chiavi per comprendere la brillantezza di questo capolavoro della black-comedy è che Kubrick inizialmente si proponeva di fare un thriller più diretto su una crisi delle armi nucleari. Nel processo di ricerca approfondita, Kubrick non è riuscito a superare l’assurdità della teoria della “distruzione reciproca assicurata” che giustificava entrambe le parti della Guerra Fredda accumulando all’infinito bombe nucleari mentre creavano scenari apocalittici. Pensando al nostro attuale momento politico (che comprensibilmente ha confuso gli artisti su come gestirlo), l’idea che Kubrick abbia realizzato questo capolavoro comico sulla scia della crisi dei missili cubani e alla vigilia della guerra del Vietnam è davvero notevole. Ciò che è ancora più sorprendente è, vicino a 30 anni dopo la fine della guerra fredda, il film si sente ancora altrettanto fresco e perspicace.

Mentre Kubrick si diletta a infilzare realtà e figure politiche reali, la chiave è il suo abile tocco con la commedia. A malincuore accettare la Columbia Pictures’ insistenza che Peter Sellers giocare in quattro ruoli diversi, alla fine ha giocato solo tre) dopo il successo finanziario del comico di giocare più ruoli in “Il Topo Che Ruggì,” Kubrick girò lo studio di un mandato a suo vantaggio, come i Venditori fornito l’esatta slow-burn commedia tempi necessari per disegnare pitch-perfetto spettacoli dal drammatico attori come George C. Scott e Sterling Hayden. Eppure tutto il gioco di ruolo e l’umorismo folle erano un dispositivo di consegna per Kubrick per reggere uno specchio per un mondo sull’orlo della distruzione.

“2001: A Space Odyssey” (1968)

“2001: Odissea nello spazio”

Guardando indietro, con il senno di poi di quasi 50 anni, è ancora difficile apprezzare appieno quanto Kubrick fosse visionario come regista, tecnico e pensatore. Con poca precedenza, Kubrick ha dato vita ad un uso artistico degli effetti visivi di fantascienza (in grande collaborazione con Douglas Trumbull) e ad una visione dell’intelligenza artificiale (in grande collaborazione con Arthur C. Clarke) che non solo si sente ancora fresco, ma mette in imbarazzo (o almeno dovrebbe) i registi nel 2017.

Determinato a realizzare un diverso tipo di film di fantascienza, Kubrick reclutò Clarke per aiutarlo a sviluppare una storia che esplorasse la relazione dell’uomo con l’universo. Contemporaneamente, i due lavorarono su un romanzo e una sceneggiatura, usando un primo lavoro di Clarke come punto di partenza, per rimpolpare la sceneggiatura che alterava il genere. Per tutte le loro diverse versioni (e gli elementi abbandonati) mentre faticavano a risolvere le complessità, e per tutta l’ingegneria tecnica all’avanguardia che il film richiedeva, la visione esistenziale di “2001” di Kubrick è brillantemente semplice e cinematicamente esatta. È trascendente, audace e distillato come qualsiasi film mai realizzato.

Uno degli aspetti più importanti del film che raramente viene discusso è quanto sia stato importante per la carriera di Kubrick. Questo non è stato un film che ha richiesto anni per essere apprezzato. Mentre la reazione iniziale era mista, lentamente si fece strada per tutto l’anno (non molto tempo fa, i film non erano definiti dal loro botteghino del weekend di apertura) per diventare il film di maggior incasso del 1968. Eppure è facile immaginare come un film inebriante di questo scopo avrebbe potuto diventare un flop di film d’arte estremamente costoso. Una delle chiavi di Kubrick, intenzionale o meno, era che era almeno un po ‘ in sintonia con lo zeitgeist. Anche se questo non è affatto un prerequisito della grande arte, il fatto che questo film sia stato una sensazione rivoluzionaria e abbia catturato l’immaginazione del pubblico, un anno prima di mettere un uomo sulla luna, ha consolidato la sua reputazione di visionario.

Nel 1972, “2001” stava già comparendo nel sondaggio di Sight and Sound dei più grandi film mai realizzati. La libertà artistica e finanziaria che ha ottenuto dalla Warner Bros. ha definito la sua carriera successiva, e gli ha permesso di fare i suoi ultimi cinque film a modo suo non ortodosso, ossessivo e senza ostacoli. Mentre è divertente discutere quale film è il migliore di Kubrick, questo è stato quello che lo ha definito.

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