音楽とダンスは、常にイタリアの文化と民間伝承の重要な部分を形成してきました。 イタリアの音楽は、オペラから、ポピュラー音楽や宗教音楽よりも民俗音楽に至るまで、さまざまな形を取ります。

イタリアで最も有名な作曲家は、ルネッサンスの作曲家パレストリーナとモンテヴェルディ、バロックの作曲家アレッサンドロScarlatti、コレッリとヴィヴァルディの古典的な作曲家パガニーニとロッシーニ、ロマンチックな作曲家ヴェルディとプッチーニが含まれます。 ベリオやノノのような現代のイタリアの作曲家は、実験的および電子音楽の発展において重要であることを証明した。

イタリアはヨーロッパの音楽の歴史の中で重要な役割を果たしてきました。 ヴァイオリンやピアノなどの多くの楽器は、イタリアで発明されました。 音階、オペラの芸術とそのようなソネット、コンサート、カルテットなどの多くの音楽用語、（参照してください: イタリア語の借用語（英語ではイタリア語の借用語）もイタリアで生まれ、既存のヨーロッパのクラシック音楽の多くは、交響曲、協奏曲、ソナタなどの十六世紀から十七世紀のイタリア音楽の革新にルーツを辿ることができる。 これらの調和と記譜法の革新は、ヨーロッパのクラシック音楽に強く影響を与え、1500年代後半のオペラの発展を可能にしました。

イタリアのポピュラー音楽は、ネイティブとインポートされた音楽スタイルの両方でその源を見つけました。 ナポリの歌、canzone Napoletana、イタリアのcantautori（シンガーソングライター）は、ジャズ、ポップ、ロック、ヒップホップなどのインポートされたジャンルと並んで、イタリアの音楽の非常に折衷的なボディに貢献してきました。 しかし、イタリアの民俗音楽はまた、地域のスタイル、楽器や地元の色の言語の多様な配列を提供し、国の音楽遺産の重要な部分を形成しています。 民俗音楽は、常に地域の同一性を表現し、文化的、政治的、社会的問題に対処する方法でした。

宗教音楽

スケールは、ベネディクト会の修道士、アレッツォのグイドによって、早くも10世紀の終わりに発明されました。 彼は洗礼者ヨハネの賛美歌の最初の六行の最初の音節を使用してノートに名前を付けました。

Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum Sancte Johannes

“Ut”は1600年代に”Do”に変更され、”Si”はSancte Johannesのイニシャルによって形成されました。

宗教音楽の中で最も多作な作曲家の一人は、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ（c. 1525年-1594年）は、ポリフォニーの黄金時代を迎えた。

Trovatoriと民俗音楽

それは、シフトが地元の言語で音楽を書くラテン語で音楽を書くの長い伝統から発生したtroubadoursと一緒です。 音楽形式はフランスで始まったが、後に彼らはtrovatoriと呼ばれていた12世紀のイタリアに広がった。 この発展は、”母国語で”を意味するマドリガルのような人気のある歌や形の歌詞にまで及んだ。

この頃、イタリアの鞭毛人は精神的な賞賛として知られているイタリアの民俗賛美歌を開発しました。 1335年頃、イタリアの世俗的ポリフォニーの最古のコレクションであるロッシ-コデックスには、初期のマドリガル、カッチェ、バラートなどのトレチェントのイタリア先住民のジャンルの例が含まれていた。 初期のマドリガルは、よりよく知られている後期のマドリガルよりも単純で、通常は二つの声のためにポリフォニックに配置されたテルセットで構成され、リトルネッロと呼ばれるリフレインで構成されていた。 ロッシ-コーデックスには、最初の有名なトレチェントの作曲家であるヤコポ-ダ-ボローニャの音楽が含まれていた。

イタリアの民俗音楽は均質な性格を示していませんが、イタリアの特定の地域の歴史、言語、民族構成を反映しています。 これは、イタリアの地理的位置と小さな都市国家の歴史的優位性を完全に反映しています。

イタリアの民俗スタイルは、イタリアの地域文化そのものと同じくらい多様です。 彼らは、モノフォニック、ポリフォニック、および応答歌（合唱団やグループのリーダーがグループが応答する行や詩を歌う曲）、合唱、楽器や声楽だけでなく、他のス ヨーロッパのいくつかの国では、民族の歌のスタイルが国のシンボルになりましたが、イタリアでは決してそうではありませんでした。 イタリアのフォークミュージシャンは、独自の地域の伝統の方言や言語を使用しています。 これは、標準的なイタリア語の拒絶と見なされるべきではありません、それは単に民俗音楽が何であるかです：地元の色とアイデンティティ。

ポリフォニックな歌の形と合唱の歌は主にイタリア北部で見られますが、ナポリの南では、地理的に孤立したシチリア島とサルデーニャ島を除いて、独唱がより一般的です。 南イタリアの他の地域では、ポリフォニーはほとんど合唱ではなく、グループは通常、単一の演奏者によって運ばれる二、三の部分でユニゾンの歌を使用しています。 北部のバラード歌は音節的で、厳格なテンポと分かりやすい歌詞があり、南部のスタイルはルバトのテンポ、鼻の音色、緊張した緊張したボーカルスタイルを使用している。

クラシック音楽

イタリアは長い間、ヨーロッパのクラシック音楽の焦点となっており、20世紀の初めまでに、イタリアのクラシック音楽は明らかにロマンティックでメロディックな独特の国家的な音を作り出していた。

イタリアのクラシック音楽は、リヒャルト-ワーグナー、グスタフ-マーラー、リヒャルト-シュトラウスの密なハーモニーである”ドイツのハーモニック-ジャガーノート”に影響されなかった。 イタリアの音楽はまた、そのドイツの音楽、クロード-ドビュッシーの印象派に対するフランスの反応とはほとんど共通していませんでした。

イタリアのクラシック音楽への主要な貢献者の一人は、アントニオ-ヴィヴァルディであり、協奏曲を作曲したと広く信じられている最も偉大なバロック作曲家の一人である。 彼の最も有名な作品は、Four Seasonsが今日でも世界中で演奏されています。

20世紀のクラシック音楽は、イタリアだけでなく、ヨーロッパレベルでも大きく変化しました。 新しい音楽は実験音楽、atonality、ミニマリズムおよび電子音楽を支持してハーモニーおよびメロディーの歴史的な、全国的に開発された学校の多くを放棄した。 この時代の重要な作曲家には、フェルッチョ-ブゾーニ、アルフレド-カゼッラ、ブルーノ-マデルナ、ルチアーノ-ベリオ、ルイージ-ノノ、サルヴァトーレ-シアリノ、ルイージ-ダラピッコラ、カルロ-ヤキーノ、ジャン-カルロ-メノッティ、ヤコポ-ナポリ、ゴフレド-ペトラッシがいる。

オペラ

オペラの誕生地として、イタリアは多くの壮大で歴史的なオペラハウスを数えており、その多くは今日でも運営されています。

大まかに言えば、イタリアのオペラは、バロックとロマン派の二つの期間に分けることができます。 私たちが今日想像しているようにオペラと考えることができる最も初期の構成は、1597年にヤコポ-ペリによって書かれたダフネです。

参照：イタリアのオペラ

ナポリの音楽

音楽の伝統の歴史におけるナポリの影響は、イタリアの境界をはるかに超えて広がっています。 最初の音楽院は16世紀にナポリで作られ、市内のオペラハウスSan Carloは世界最古のオペラハウスでもあります。

ナポリのピエディグロッタの毎年の祭りの間に開催された毎年恒例のナポリの歌の執筆競争は、ナポリの人気曲（canzone napoletana）を正式な芸術 最初のフェスティバルの勝者は、オペラ作曲家ガエターノ-ドニゼッティによって作曲されたTe voglio bene assajeと題された曲でした。 1800年代後半から1900年代初頭にかけて、ナポリと南ナポリからの移民は、彼らの人気のあるナポリの歌を海外に連れて行き、これらはさらに人気を得た。 ‘O sole mioは1898年から始まり、世界で最も有名な曲の一つとなり、多くの言語に翻訳されています。 エルヴィス・プレスリーは自身のバージョンの「It’s Now or Never」を解釈した。

別のナポリの歌は、海外の音楽の伝統に同様に予期せぬ影響を与え、スカンジナビア諸国の主要な饗宴の日の賛美歌になりました。 19世紀の歌「Santa Lucia」はスウェーデン語の歌詞に翻案され、12月13日にスウェーデンで伝統的に歌われていたキャロルとなり、その名を冠した聖者を祝うために歌われた。 参照：サンタ-ルチア。

この時期の他の曲は、外国の作曲家によって伝統的な民謡と誤解されることが多く、当初は地元の範囲しか持たなかった曲をさらに普及させた。 たとえば、funiculò Funiculàは、もともとヴェスヴィオ山の最初のケーブルカーの開通を記念して1880年に作曲されましたが、作曲家リヒャルト-シュトラウスとリムスキー＝コルサコフ、そして最近ではディズニーとイル-ヴォロによって普及しました。

器楽曲

いくつかの作曲家は、オペラではなく、器楽曲を書き始めました。 これらの作曲家の一人はgenerazione dell’ottanta（1880年の世代）と呼ばれ、フランコ-アルファーノ、アルフレド-カゼッラ、ジャン-フランチェスコ-マリピエロ、イルデブランド-ピッツェッティ、オットリーノ-レスピーギなどがいる。 ジュゼッペ-ヴェルディのようなオペラ作曲家でさえ、時折これらの形で働いていた。 彼の弦楽四重奏曲イ短調は、そのような例です。 イタリアの抒情オペラの始まりで名前が特定されているドニゼッティでさえ、18の弦楽四重奏曲を書いた。20世紀初頭、器楽音楽の重要性が高まり始めました。 1904年頃にジュゼッペ-マルトゥッチの第二交響曲で始まったプロセスは、マリピエロが”オペラ以外のイタリア音楽の再生の出発点”と呼んだ作品である。”Leone Sinigagliaのようなこの時代のいくつかの初期の作曲家は、ネイティブの民俗伝統を使用しました。 この世代のメンバーは、1924年のプッチーニの死の後、イタリアの音楽の支配的な人物でした。 ヴェネツィア現代音楽祭やマッジョ音楽祭フィオレンティーノなど、イタリアの音楽を宣伝するための新しい組織が生まれました。 しかし、イタリア人はより伝統的な作品と確立された基準を好む傾向があり、限られた聴衆だけが実験的なクラシック音楽の新しいスタイルを求め

モダンポップ

ここ数十年の最もよく知られているイタリアのポップミュージシャンの中には、ドメニコ-モドゥーニョ（彼の有名な曲Volareと）、ミナ、クラウディオ-ヴィラ、アドリアーノ-チェレンターノ、ルシオ-バッティスティ、デ-アンドレと、最近では、ズッキーロ、ルシオ-ダラ、デ-グレゴリ、ヴァスコ-ロッシ、ジャンナ-ナニーニと国際的なスーパースターのローラ-パウシーニ、エロス-ラマッツォッティとアンドレア-ボチェリがあります。

自分の曲を作曲して歌うミュージシャンは、カンタウトリ（シンガーソングライター）と呼ばれています。 彼らの作曲はしばしば抗議の歌であり、典型的には社会的、政治的、知的関連性のトピック、または感傷的なバラードに焦点を当てています。1950年代初頭から1960年代にかけて、Domenico Modugno、Adriano Celentano、Mina、Gino Paoliと一緒にMusica leggare。

1. 1. 1. 1. 1. 1. 1. 1. 1. 2. 1968年の現代イタリアの劇団と音楽: ファブリツィオ-デ-アンドレ、フランチェスコ-グッチーニ、フランチェスコ-デ-グレゴリ、ジョルジョ-ガベル、ウンベルト-ビンディ、ルイージ-テンコ、パオロ-コンテ。
                           3. 1970年代には、Lucio Dalla、Pino Daniele、Francesco De Gregori、Ivano Fossati、Francesco Guccini、Edoardo Bennatoなどの作家を通じて、抗議のテーマがさらに優勢になりました。
                           4. プログレッシブ-ロックと1970年代後半の現代イタリア音楽の新しいバージョン、フランコ-バッティアート、ル-オルメ、ルシオ-ダラなどは、イギリスのロック、ポッ
                           5. 1980年代と1990年代のロックレジェロ、例えば ヴァスコ-ロッシ、ピエロ-ペロー、そして最近ではリガブエとネグラマロ。

                           その後、新しい、個人的なジャンルにポップ、フォーク、バロック音楽をミックスアンジェロBranduardのようなアーティストもあります。