AES+F group

beschouwd als een van de meest succesvolle en beroemde kunstgroepen vandaag, AES+F heeft tentoonstellingen over de hele wereld. De multimedia-installaties en projecten van Tatjana Arzamasova, Lev Jevzovich, Jevgeni Svjatski en Vladimir Fridkes zijn voornamelijk gewijd aan de Globale cultuur en de analyse van moderne waarden.

hun installatiefilm” Inverso Mundus “(Latijn voor” omgekeerde wereld”) werd vertoond op de Biënnale van Venetië en toert nog steeds door musea over de hele wereld.

Ivan Aivazovsky

iemand schildert de zee zoals Ivan dat kon! Schilder Aivazovsky werd vereerd als een van de meest productieve kunstenaars, het creëren van meer dan 6000 zeegezichten. Kunsthistorici en kunstcritici beschouwen’ de Zwarte Zee ‘ als zijn magnum opus, het resultaat van de heroverweging van zijn leven en carrière.

Yuri Albert

Albert’s famous artworks with text often become Internet memes, while his retrospective exhibition, “What did the artist mean by that?”in het Moskou Museum voor Moderne Kunst, bleef in een staat van permanente verandering gedurende de hele duur. Dit is waar Yuri Albert over gaat. Op 15-jarige leeftijd bevond deze conceptualistische kunstenaar zich in het atelier van Komar en Melamid, onder wiens invloed hij begon met het maken van werken die de essentie van de moderne kunst heroverwegen.

Albert ‘ s favoriete truc is om een put te nemen-bekend werk, veranderen en te zetten in zijn eigen, op hetzelfde moment bezig met een polemiek met het origineel. Neem bijvoorbeeld zijn baanbrekende reeks werken waarin de kunstenaar zichzelf ironisch vergelijkt met internationale kunststerren.

Leon Bakst

het Europese succes van Sergei Diaghilev de beroemde Russische seizoenen in Parijs was grotendeels te danken aan Bakst. Zijn sets en kostuumschetsen voor Ballets Russes productions werden een sensatie op zich: ze werden zelfs tentoongesteld in het Louvre, terwijl Bakst ‘ s oriëntalistische stijl een mode in Parijs zette voor tulbanden, brede broeken en gekleurde pruiken.

Andrey Bartenev

De excentrieke Bartenev een naam voor zichzelf in de jaren 1990, zijn kostuums gemaakt van alle beschikbare materialen, evenals performances en installaties, werd een symbool van de tijd.

sindsdien is hij bekend geworden als “een meester van het schandelijke”, een eenmansfeest en een wandelvoorstelling: Bartenev valt op in een menigte dankzij zijn heldere freaky kostuums. Ze blijven zijn manier van het verkennen van de wereld of het heroverwegen van bekende complotten.

Ely Bielutin

avant-garde kunstenaar bielutin had een reputatie voor experimenteren en mystificatie. Hij richtte een studio op in Moskou en een soort school genaamd New Reality, die meer dan 3.000 kunstenaars Verenigde. In 1962 werden werken van de abstracte kunstenaars van zijn atelier tentoongesteld in de Manezh tentoonstellingshal in Moskou.

De tentoonstelling werd bezocht door Communist partijsecretaris-generaal Nikita Chroesjtsjov, die haatte wat hij zag, beschreef het “een puinhoop”. Daarna werd New Reality vrijwel verbannen, waarbij Bielutin een kluizenaar werd en zijn werken pas na de perestrojka tentoonstelde.

Victor Borisov-Musatov

Borisov-Musatov was een symbolist, die gespecialiseerd is in het schilderen vervallen oude landhuizen, tuin thee partijen en leden van de russische adel aan het begin van de vorige eeuw. Ze zeggen dat hij als vertegenwoordiger van het zilveren tijdperk “De verdwijnende wereld” en de laatste echo ‘ s van een uitgaand Tijdperk probeerde te vangen.

’the Pool’ was het startpunt van zijn erkenning als symbolistisch kunstenaar: het schilderij toont zijn zus en bruid zittend aan een vijver van een landhuis. De foto werd zijn huwelijkscadeau aan zijn vrouw en zijn eerste belangrijke succes.

Karl Bryullov

Bryullov was een van de beste portretschilders van zijn tijd. Hij schilderde officiële en privéportretten van de Russische aristocratie, woonde keizerlijke recepties bij en kende Aleksandr Poesjkin.

maar alle dat kwam na 12 jaar in Italië te hebben gewoond, waarvan zes Bryullov had gewerkt aan zijn monumentale werk ‘de laatste dag van Pompeii’. Voor het, de kunstenaar ontving de Grand Prix op de tentoonstelling in Parijs en erkenning in Europa en Rusland.

Vladimir Borovikovsky

Hij schilderde de russische aristocratie, met inbegrip van de keizer, maar is beter bekend voor zijn portretten van jonge dames, die worden weergegeven, niet alleen in de Tretyakov Galerie in Moskou, maar ook in het Louvre in Parijs. Borovikovski ‘ s handelsmerk was zijn vermogen om de uitgesproken sensualiteit van zijn modellen uit te drukken.

Grisha Bruskin

In the Soviet Union, his works were rejected, and he found recognition only with the start of perestroika. In 1988, op Sotheby ‘ s eerste en enige veiling in de USSR, werd zijn “fundamentele Lexicon” verkocht aan een westerse verzamelaar voor een (toen) recordbrekende $416.000 (na een verhoor door de KGB, de voorganger van de FSB). Een paar weken later was Bruskin in Amerika, en zijn werk is sindsdien tentoongesteld in ‘ s werelds beroemdste musea.

‘Fundamental Lexicon’ is een reeks doeken waarin gipsfiguren – pioniers, atleten, proletariërs, Komsomol – leden-dragen de emblemen van de officiële Sovjetcultuur, de visuele code van de Sovjet-massa agitatie en propaganda.

David Burliuk

Burliuk kreeg erkenning als “the vader van het Russische futurisme” zowel in Rusland als in het buitenland, in het bijzonder in New York, waar hij zich in 1922 vestigde en actief was in pro-Sovjet kringen. Burliuk promootte futurisme en kubisme met alle middelen die hem ter beschikking stonden: hij publiceerde een tijdschrift, drukte brochures, schreef gedichten en recensies en schilderde.

Erik Bulatov

boelatov was een van de oprichters van Sots Art, samen met Komar en melamid. Zijn solotentoonstellingen worden gehouden in toonaangevende musea en galeries over de hele wereld.

“Space is freedom,” Bulatov used to zeg. Letterlijk, ‘Glory to the CPSU’ is een Sovjet slogan tegen de achtergrond van een blauwe hemel. Metaforisch is het vrijheid die zelfs door het net van de communistische ideologie sijpelt.

Marc Chagall

een van de leiders van de de Russische avant-garde Marc Chagall creëerde zijn unieke, onnavolgbare stijl. Zijn beroemdste werk toont alles wat de kunstenaar op dat moment in zijn leven had: zichzelf, zijn vrouw en eeuwige muze Bella en de huizen van zijn geboorteland Vitebsk.

Deze samenstelling bleef bij Chagall in emigratie in Frankrijk ook, behalve dat hij zichzelf en zijn vrouw verving door een pasgetrouwd echtpaar, en Vitebsk door Parijs.

Olga Chernysheva

Chernysheva is een van de meest internationaal gewilde Russische kunstenaars van vandaag. Haar schilderijen, video ‘s, graphics en foto’ s werden gepresenteerd op verschillende biënnales van Venetië en worden tentoongesteld in musea van Wenen tot New York.

zij is een onbekende in monumentaliteit, en is geïnspireerd door de kleine artefacten van het leven: alledaagse voorvallen, zoals een lied in de metro of daklozen die op een bankje slapen. Ze gebruikt deze alledaagse taferelen om een beeld (en een zeer intieme) van het moderne Rusland te creëren.

Ivan Chuikov

een Andere held van de Sovjet-artistieke underground, Chuikov is gefascineerd door het idee van het combineren van illusie en realiteit, verschillende stijlen en talen. Dit is hoe zijn ‘Windows…’ serie tot stand kwam. Zo kan men in zijn” romeinse “profiel Piero della Francesca’ s beroemde portret van Federico da Montefeltro ontcijferen. Maar voor Chuikov is het slechts een silhouet en een rode stip. Wat is het echt? De zon? Of een red dot laser zicht dat wijst naar de tempel van een klassieker die wordt bespot door het postmodernisme?

De Werken van Chuikov zijn te vinden in het centrum Pompidou, het Zimmerli kunstmuseum, het Russisch Museum en de Tretjakov Galerij.

Aleksandr Deyneka

Deze belangrijke figuur in de Sovjet-officiële kunst was een van de pijlers van het socialistisch realisme, het vieren van een goede gezondheid, sport, arbeid, en de nieuwe, Sovjet-unie, de manier van leven. Hij poetste deze stijl tot in de perfectie: zijn sterke, opgepompte mannen en vrouwen onvermoeibaar, en met een glimlach op hun gezicht, verdedigen steden, werken in fabrieken en verheerlijken de partij.

Deyneka ‘ s tijdgenoten verafgoden hem of haatten hem: waar hij heldendom verbeeldde in de naam van het communisme, zagen anderen ontbering en gebrek aan keuze. Zijn utopische projecten werden immers gecreëerd tegen de achtergrond van massale armoede en represailles.

Elena Elagina en Igor Makarevich

Dit duo van Moskou Conceptuelen, al beschouwd als levende legendes van de hedendaagse kunst, experimenteren met het creëren van sociale utopieën met de hulp van fictieve personages.

een van de meest complexe en langste, het ‘homo lignum’ – project, loopt nog. Het vertelt het verhaal van een nederige accountant, Nikolaj Ivanovitsj Borisov, die een manisch verlangen heeft om een boom te worden.

Aleksandra Ekster

Ekster was een van de “Amazones van de avant-garde” en een armatuur op alle grote tentoonstellingen van de nieuwe kunst van het begin van de 20e eeuw. In 1907 vertrok ze voor een tijdje naar Parijs, waar ze bevriend raakte met Pablo Picasso, Fernand Leger, Guillaume Apollinaire en vele anderen.

Ekster zelf was een volgeling van het futurisme en meer in het bijzonder van zijn eigen Russische vorm, cubo-futurisme. Ze illustreerde futuristische tijdschriften, ontwierp theatersets, kostuums, kussens en zelfs een uniform voor het Rode Leger. Maar in 1924 ging ze naar de Biënnale van Venetië en keerde nooit meer terug naar Rusland.

Semen Faibisovich

realisme, faibisovich schildert voornamelijk Moskou. Verder kiest hij als onderwerp de minder aantrekkelijke kenmerken van de stad: armoedige binnenplaatsen, woestenij, kiosken, zwerfhonden, gastarbeiders, daklozen, gewone voorbijgangers. Toch is het precies om deze reden dat Faibisovich ‘ s werken worden verondersteld om de ongrijpbare aard van de tijd vast te leggen. En ze worden verkocht voor meer dan $ 400.000 door ‘ s werelds toonaangevende veilinghuizen.

20. Nicolai Fechin

nadat Fechin de Revolutie had afgewezen, emigreerde hij in 1923 naar de VS.waar hij 30 jaar lang gelukkig leefde. Daarom zijn er zoveel van zijn werken in Amerikaanse musea en privécollecties in het buitenland.

voordat hij Rusland verliet, wist hij een van zijn belangrijkste schilderijen te maken, het portret van een jonge Varja adoratskaja, dat vaak wordt vergeleken met Serov ‘s’meisje met perziken’.

tegenwoordig is Fechin een van de duurste Russische artiesten: in 2010, zijn doek werd verkocht voor $ 11 miljoen op een MacDougall ‘ s veiling.

Pavel Fedotov

in het Russisch empire, het huwelijk was vaak niet uit liefde. De maatschappij stond niet positief tegenover ongelijke huwelijken, maar veel mensen in het midden van de 19e eeuw beschouwden het nog steeds als een geweldige manier om iemands financiële situatie en sociale status te verbeteren. Dit is waar een van de meest beroemde schilderijen van een toonaangevende genre kunstenaar, Fedotov, over gaat.

In zijn tijd veroorzaakte het beeld nogal opschudding: een koopman trouwt een dochter met een failliete officier; de bruidegom krijgt een bruidsschat, terwijl de koopman verwant wordt aan de adel.

Konstantin Flavitsky

zoals vele 19e-eeuwse kunstenaars bracht Flavitsky tijd door met studeren in Italië en wordt hij herinnerd als een meesterwerk.

zijn eerdere schilderijen werden door critici afgedaan als “een imitatie van Bryullov”, maar de kunstenaar slaagde er nog steeds in om een spoor in de geschiedenis achter te laten. De werkelijke dood van Prinses Tarakanova (haar echte naam blijft onbekend), die beweerde de dochter van keizerin Elizabeth te zijn, was niet precies zoals afgebeeld – ze stierf als politieke gevangene, behalve niet in een overstroming, maar aan tuberculose. Niet dat het er bijzonder toe deed: ‘prinses Tarakanova’werd Flavitsky’ s triomf. Kort na het maken van het schilderij stierf hij echter aan consumptie, die hij in Italië had opgelopen.

Pavel Filonov

Avant-garde artiest Filonov considered zelf een communist door en door en geloofde dat het volk zijn kunst nodig had. Hij gebruikte de term “analytische kunst” om zijn multidimensionale beelden te beschrijven en weigerde zijn werken aan iemand te verkopen. Dit was wat hem uiteindelijk doodde: tijdens het Beleg van Leningrad zat hij op een ijskoude zolder zijn schilderijen te bewaken en ontwikkelde longontsteking, die hem doodde.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. Hij was er echter van overtuigd dat dit de manier was om ware emoties en betekenissen te vinden in bekende complotten.

Ge painted his famous ‘Golgotha’ een jaar voor zijn dood. “Ja, dit schilderij kwelde me vreselijk,” schreef hij aan zijn vriend Leo Tolstoj. “Gisteren vond ik het laatste wat ik nodig had, een vorm die heel levend is. Ik vond een manier om Christus en de twee dieven samen af te beelden op Golgotha, zonder de kruisen… Kortom… drie zielen levend op het doek. Ik huil zelf als ik naar deze foto kijk.”

Natalia Goncharova

Goncharova, samen met haar echtgenoot Michail Larionov was een van de pioniers van de Russische avant-garde. Vanaf 1914 werkte ze aan de Russische seizoenen van Diaghilev in Parijs, waar ze bleef tot aan haar dood in 1962.

werken zijn te vinden in ‘ s werelds toonaangevende kunstcollecties, waaronder de Tate Modern in Londen en het Centre Pompidou in Parijs. In 2010, Christie ‘ s verkocht een schilderij van haar voor $9 miljoen, waardoor ze de duurste (op het moment) vrouwelijke kunstenaar in de geschiedenis.

Theophanes the Greek

a leading Old Rus’ painter, Theophanes de Griek, is de Schepper van een van de heiligste objecten in het Russisch-orthodoxe christendom. Zijn icoon van de Maagd met de baby Christus in haar armen wordt beschouwd als wonderbaarlijk: volgens de legende hielp het vaak in gevechten.

deze afbeelding, net als Andrei Rublev ‘s’ drie-eenheid’, is onderdeel geworden van de Russische culturele code.

Dmitri Gutov

gutov behoort tot de generatie kunstenaars die in het begin van de jaren negentig tot hun recht kwamen. Hij creëert nieuwe lezingen van canonieke objecten in de cultuur, de Russische taal, Russische iconen en klassieke kunst in de overtuiging dat hun essentie kan worden overgebracht in een kwestie van minuten. Zijn meest herkenbare kunstobjecten zijn metalen panelen met een versie van Rembrandt en oud-Russische iconen. Zodra de kijker een beetje naar de zijkant beweegt, wordt het beeld vervormd. Het idee is dat deze vervorming alle stadia van de ontwikkeling van de 20ste eeuw doorloopt, van kubisme tot Expressionisme tot abstractie.

The de lijst van kunstlocaties waar de kunstenaar ooit heeft tentoongesteld is vrijwel eindeloos, van de Biënnale van Venetië en Sydney en Documenta in Kassel tot het Guggenheim Museum.

Alexander Ivanov

Ivanov was een kunstenaar die dicht bij de keizer stond. Hij was vooral bekend om zijn schilderijen geïnspireerd door bijbelse en mythologische plots. De Vereniging van kunstenaars financierde zelfs zijn reis naar Italië “voor verdere verbetering”.

Ivanov hij keerde pas terug uit Italië nadat hij zijn belangrijkste opus over de verschijning van de Messias had voltooid. Het kostte hem 20 jaar en 600 schetsen. Het enorme doek werd gekocht en naar St. Petersburg gebracht door keizer Alexander II.om het schilderij te kunnen huisvesten moest er een speciaal gebouw worden gebouwd.

Francisco Infante

geboren in Rusland aan de familie van een Spaanse politieke Emigré, Infante werd de beroemdste vertegenwoordiger van de Russische landkunst en kinetische kunst. De kunstenaar noemt zijn abstracte installaties “artefacten” – hij plaatst spiegels en bewegende structuren in natuurlijke landschappen, waardoor de natuur integraal deel uitmaakt van een kunstwerk.

Infante wordt beschouwd als een opvolger van de tradities van de Russische avant-garde, vooral Malevich en Tatlin. Zijn werken zijn te vinden in meer dan 30 musea en privécollecties over de hele wereld.

Alexej von Jawlensky

een expressionistische artiest die werd geboren en groeide op in Rusland, maar werd beroemd in Duitsland. Als fan van Van Gogh, Gauguin, Cezanne en Matisse, een goede vriend en bondgenoot van Wassily Kandinsky, stond Jawlensky dicht bij abstractie, maar bleef ergens op de grens tussen het en de Figuratieve Kunst. De grootste collectie van zijn werken is te vinden in Wiesbaden.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Samen met zijn collega – kunstenaars – Malevich, Chagall, Goncharova, Larionov en anderen-brak hij meedogenloos af van de tradities van de realistische schilderkunst.

zijn ‘Composition VII’ wordt beschouwd het hoogtepunt van zijn werk in de periode voor de eerste wereldoorlog. Kun je de opstanding, de Dag des Oordeels, de Zondvloed en de Hof van Eden daarin zien? Dit is wat Kandinsky erin afbeeldde, volgens zijn aantekeningen.

Ilya en Emilia Kabakov

de kabakovs zijn de belangrijkste sterren van de onofficiële Sovjetkunst en de moderne kunstscene. Dankzij Ilya en Emilia is het Moskouse conceptualisme uitgegroeid tot de beroemdste hedendaagse Russische kunstbeweging ter wereld. Het echtpaar woont sinds de late jaren 1980 op Long Island in New York en heeft tentoonstellingen in het Museum of Modern Art In New York, het Centre Pompidou in Parijs, Tate Gallery in Londen en de Hermitage Museum in St.Petersburg.

in 2008 brak ’the Beetle’ een prijsrecord: verkocht voor £2,6 miljoen (bijna $6 miljoen), en kabakovs’ werk werd de duurste van de levende Russische kunstenaars. Sindsdien staan zij bovenaan deze lijst.

Orest Kiprensky

Wanneer Kiprensky klaar met het portret van de grote dichter Alexander Poesjkin, de laatste wijdde een gedicht aan hem, die zei: “Zo, vanaf nu, mijn blik wordt bekend in Rome, Dresden en Parijs.”

The de profetie van de dichter bleek gelijk te hebben. De portretschilder Kiprensky, die in het Westen werd vergeleken met, en soms zelfs verward met, Rembrandt en Rubens, creëerde Wat is uitgegroeid tot de beroemdste afbeelding van Poesjkin in de populaire cultuur: zo ziet de grote dichter eruit voor mensen in Rusland en de rest van de wereld.

Ivan Kramskoi

Het is nog steeds niet vastgesteld wie deze jonge vrouw, afgebeeld door de ideologist van “russische Peredvizniki” artiesten. Kramskoi koos ervoor om het geheim te houden en onthulde haar identiteit niet, zelfs niet in de dagboeken en notities die na zijn dood werden gevonden. Tegenwoordig wordt een van de meest karakteristieke portretten in de Russische kunst “de Russische Mona Lisa”genoemd.

Konstantin Korovin

Een prominente vertegenwoordiger van de “russisch impressionisme”, Korovin is geïnspireerd op de stad Parijs en schilderde veel van zijn beste landschap. Het is dan ook niet verwonderlijk dat hij een groot succes was in Frankrijk: daar ontving hij het Légion d ‘ Honneur en ontving hij gouden en zilveren medailles voor zijn werken.

na de Russische Revolutie besloot de kunstenaar het land van de Sovjets te ontvluchten: hij vond het beleid van de nieuwe regering onderdrukkend. In 1922 kreeg hij toestemming om te vertrekken – voor medische behandeling en het houden van een persoonlijke tentoonstelling – maar keerde nooit terug. Niet verrassend, hij vestigde zich in Parijs.

Alexander Kosolapov

Coca-Cola zwoer Kosolapov te vernietigen. Hij trok de aandacht van de FBI, zijn tentoonstellingen in Rusland werden geannuleerd, en sommige van zijn werken gingen zelfs voor de rechter. Zijn methode bestaat uit het combineren van dingen die niet te combineren zijn, zoals bijvoorbeeld Lenins profiel met het logo van het beroemde bedrijf.

inderdaad, kosolapov ‘ s kunst is provocerend en vaak schandalig, maar dit belet hem niet om een gerespecteerde meester van sots kunst (de sovjetversie van pop art) te blijven, wiens werken te vinden zijn in de collecties van de beste musea ter wereld.

Irina Korina

Voor Korina, een deelnemer in het project in 2017 de Biënnale van Venetië, zelfs de meest schijnbaar onbelangrijke details van het dagelijks leven, van de Moskouse straat verlichting begrafenis kransen aan de steiger van de netten, een zaak voor reflectie. Ze wordt beschreven als een meester van de totale installatie. Korina ‘ s laatste solotentoonstellingen werden gehouden op de GRAD foundation in Londen, de Brooklyn Academy of Music in New York en op het Steirischer Herbst festival in Graz, Oostenrijk.

’the tail wags the comet’, een enorme drie verdiepingen tellende toren, verscheen in het Moscow Garage Museum en is uitgegroeid tot een verzameling van citaten uit haar carrière.

Pjotr Konchalovsky

hij staat bekend als “de belangrijkste Russische Cézannist”, de belangrijkste “Russische impressionist” en een van de duurste Russische kunstenaars op internationale veilingen. Ondanks het feit dat hij veel geleend had van Franse kunstenaars, slaagde Konchalovsky er toch in zijn eigen stijl te vinden, die westerse critici vaak omschreven als “Slavisch”.

Thuis, konchalovski ‘ s tijdgenoten verwierpen zijn kunst zo sterk dat ze zelfs weigerden om hun werken naast de zijne tentoon te stellen. Maar toen de USSR in 1924 voor het eerst deelnam aan de Biënnale van Venetië, waren dat Konchalovski ‘ s schilderijen – 13 van hen – die in het sovjetpaviljoen werden tentoongesteld.

Vitaly Komar & Alexander Melamid

De belangrijkste “trollen” van de officiële Sovjet-kunst hebben hun eigen unieke genre van Sots Art, de Sovjet-equivalent van de pop art. Ze maakten koteletten van het Sovjet mondstuk, de Pravda krant, beeldden zichzelf af als Lenin en Stalin, ondertekenden de belangrijkste Sovjet slogans met hun namen en plaatsten Lenin tegen het McDonalds logo.

zelfs nadat ze de USSR hadden verlaten, stopten de kunstenaars niet met hun bijtende trollen. De lijst van hun doelwitten waren Andy Warhol (die ze “een idioot” noemen) en Gerhard Richter (“dit is hoe een dier zou schilderen als het een borstel kreeg”).

Valery Koshlyakov

Koshlyakov ‘ s schilderijen hebben een aantal opvallende kenmerken: ze zijn bijna altijd geschilderd op getextureerd golfkarton en bijna altijd stromen zijn stedelijke landschappen over het doek. Beelden van het verleden, ruïnes, Griekse mythologie – geheugen-Dit zijn zijn tijdloze actuele personages.

Koshlyakov woont momenteel in Parijs en is in grote vraag: hij heeft geëxposeerd in het Louvre, het Guggenheim Museum, de Biënnale in San Paolo en Venetië. Toch herinnert hij zich nog steeds met gevoel voor ironie dat zijn eerste tentoonstelling in een provinciaal Openbaar toilet werd gehouden.

Geliy Korzhev

Korzhev noemde zichzelf een ‘oude Socialistische realist’. Kunstcritici hebben hem bestempeld als”een vertegenwoordiger van de sobere stijl”. Toch is Korzhev’ s kunst voorbij die grenzen gegaan: ondanks het feit dat hij vrij hoge posten in de Sovjet-Kunstenaarsunie bekleedde, wist hij te ontsnappen aan politieke opdrachten in een sensuele, soms surrealistische sfeer. Hij is vooral een kunstenaar van sterke menselijke emotie, waarvoor de oorlog, de revolutie en de Sovjet – “bouwprojecten van de Eeuw” slechts een achtergrond waren.

Arkhip Kuindzhi hij werd vaak beschuldigd van het gebruik van verschillende trucjes, zoals het gebruik van verborgen apparaten om zijn schilderijen te verlichten. Omgekeerd noemden zijn weldoeners hem “de Russische Monet” voor zijn meesterlijke werk met kleuren. Zijn ‘maanverlichte nacht …’ met het maanlicht weerspiegeld in de Dnjepr rivier werd een sensatie. Des te meer omdat het de eerste keer in de geschiedenis van de Russische kunst was dat een tentoonstelling uit één enkel werk bestond.

Its het succes was zodanig dat Kuindzhi 30 jaar vrijwillig in ballingschap ging: de critici accepteerden geen werken die volgden op ‘moonlit night…’, en de kunstenaar worstelde er lang mee.

Boris Kustodiev

De nationale smaak, van samovars en beurzen tot mollige vrouwen in kleurrijke jurken, is wat Kustodiev aantrok en hem onderscheidde van andere kunstenaars van zijn tijd. Hij is de enige Russische kunstenaar die ooit een gouden medaille heeft gewonnen op de Biënnale van Venetië.

‘The Beauty’, a afbeelding van de vrouw van een Russische koopman, werd zijn manifest en het resultaat van een zoektocht naar een unieke stijl. “Slanke vrouwen inspireren niet tot creativiteit,” zei hij altijd. De kunstenaar maakte dit en andere beroemde werken terwijl hij al verlamd was – hij had verschillende operaties aan zijn ruggenmerg gehad.

Oleg Kulik

“mad dog’was Oleg Kulik’ s eerste optreden: naakt, hij kroop op handen en voeten en viel voorbijgangers aan. De hoofdpersoon werd een van de symbolen van de gekke jaren 1990, en Kulik – een van de oprichters van Moskou action art.

Later probeerde de artiest zichzelf in een verscheidenheid van stijlen en technieken, vanaf sculptuur tot schilderkunst, en blijft experimenteren tot op de dag van vandaag. Zijn werken zijn te vinden in het Centre Pompidou in Parijs en Tate Modern in Londen.

Mikhail Larionov

een persoon neemt geen object waar, maar een cluster van stralen afkomstig van een bron van licht en gereflecteerd van dit object – zo verklaarde Larionov rayonisme, een avant-garde Abstracte Kunst beweging die hij had uitgevonden.

tegelijkertijd balanceerde Larionov zelf voortdurend tussen representationele en abstracte kunst, en liet een heel divers erfgoed na. Hij was getrouwd met” de Amazone van de avant-garde”, Natalia Goncharova, maar, in tegenstelling tot zijn vrouw, terwijl hij de laatste 30 jaar van zijn leven in Frankrijk emigreerde, creëerde hij niets belangrijks.

Aristarkh Lentulov

Lentulov jonglerde moedig met verschillende stijlen: zijn werken werden nu beïnvloed door symbolisten en impressionisten, nu door kubisten en abstractionisten. Maar hij was een van de eersten die zijn kunst rond kleur bouwde, in plaats van een object.

hij is de bijnaam van “een kunstenaar van de zon”. Om slechts een sprekend voorbeeld uit Lentulovs leven te geven: op de verjaardag van de Oktoberrevolutie schilderde hij de bomen en het gazon op het Teatralnajaplein (naast het Kremlin) in een gewelddadige paarse kleur.

El Lissitzky

Dit is hoe een propagandaposter eruit ziet als het is gemaakt door een felle voorstander van Suprematisme. De rode driehoek symboliseert het Rode bolsjewistische leger, dat de verdediging van het imperialistische Witte Leger verplettert met een wig.

El Lissitzky was een medewerker van Malevich en droeg bij aan de ontwikkeling van de ideeën van avant-garde kunst. Het was bijvoorbeeld dankzij hem dat het suprematisme zijn weg vond in de architectuur.

Isaac Levitan

Levitan was verliefd op het Russische platteland en werd een meester van het “mood landscape”. Op het einde, dat was wat hem het lidmaatschap van de Academie van de Kunsten verzekerd. De joodse kunstenaar moest een lange weg afleggen om deze onderscheiding te bereiken: sommige leraren van Levitan geloofden dat een Jood het Russische landschap niet mocht aanraken, omdat alleen etnische Russische kunstenaars de Russische natuur konden afbeelden. Bovendien werd Levitan bij koninklijk besluit uit de hoofdstad gezet omdat hij een Jood was.

toch heeft de tijd alles rechtgezet: er is een wijdverbreide mening dat ‘boven de eeuwige vrede’ is “de meest russische” van alle schilderijen op het Russische thema.

Dmitry Levitzky

officieel portret. Zijn talent blijkt uit de illustere kring van zijn zitters, van keizerin Catharina de grote en Franse filosoof Denis Diderot tot prokofiy Demidov, een mijnmagnaat.

Demidov had de reputatie van een goed opgeleide magnaat en een excentriekeling. Bijvoorbeeld, zodra hij kocht alle hennepvezel in St.Petersburg meestal gereserveerd voor de Britten om hen een les te leren, die tijdens zijn verblijf in Engeland had hem gedwongen om een exorbitante prijs te betalen voor een grondstof die hij nodig had. En voor zijn officiële portret verkoos Demidov zich niet in zijn uniform met al zijn onderscheidingen te kleden, maar in een kamerjas en een nachtpet…

Kazimir Malevich

Malevich is het belangrijkste symbool van Russisch avant-garde, terwijl zijn ‘Black Square’ een geïllustreerd manifest van suprematisme is. Malevich geloofde dat er na het suprematisme geen kunst was, dus stelde hij voor om alle schilderijen te verbranden en hun as in musea tentoon te stellen. Tragisch genoeg gebeurde dit gedeeltelijk in de eerste maanden na de bolsjewistische revolutie van 1917.

Filipp Malyavin

“Hol!”Zo reageerde de Kunstacademie van Petersburg op het afstudeerwerk ‘Laughter’van expressionist Malyavin. De afgestudeerde wanhoopt niet en twee jaar later neemt hij zijn lachende boerinnen mee naar Parijs. Daar zorgde het doek voor een sensatie op de Wereldtentoonstelling: de kunstenaar kreeg een gouden medaille en het schilderij werd door de Italiaanse overheid gekocht voor een moderne kunstgalerie in Venetië.

onnodig te zeggen, Malyavin keerde terug naar Rusland a beroemdheid. Alle kritiek op het ‘lachen’ werd prompt vergeten en in 1906 werd hij lid van de Academie.

Vladislav Mamyshev-Monroe

a master van heruitvinding veranderde hij zijn leven in een levenslange voorstelling. Praktisch de enige vertegenwoordiger van travestie kunst in Rusland, mamyshev-Monroe verkende de persoonlijkheden van beroemde figuren in de wereldgeschiedenis en popcultuur, proberen op hun beelden voor zichzelf.

tijdens zijn korte leven (hij stierf op de leeftijd van 44), probeerden de kunstenaars een veelheid van beroemde persoonlijkheden, van Marilyn Monroe en Hitler tot Jezus Christus en Lenin tot Andy Warhol en Vladimir Poetin.

Konstantin Makovsky

in the late 19th century Makovsky werd beschouwd als een modieuze en dure portretschilder en auteur van historische schilderijen. Hij had ook een grote gouden medaille op de Wereldtentoonstelling van Parijs op zijn naam staan.

toch schilderde Makovsky vaak ontroerende en sentimentele foto ‘ s over het leven op het platteland is ook zwaar. Zijn blote voeten meisje loopt met haar broer uit een onweersbui is een echte scène uit het leven waargenomen door de kunstenaar tijdens een van zijn reizen naar de Russische provincies.

Vera Mukhina

een van de belangrijkste symbolen van de Sovjettijd en monumentale propaganda, de 24 meter hoge ‘arbeider en kolchoz vrouw’ werd gecreëerd voor de wereldtentoonstelling van 1937 in Parijs. De auteur, Vera Mukhina, wilde de twee figuren naakt afbeelden, maar de partij eiste dat ze “gekleed”waren. Dit detail deed echter niets af aan het effect dat het monument: de Fransen wilden het zelfs kopen, maar de Sovjet-Unie weigerde.

Vera Mukhina had staatsopdrachten voor monumenten sinds 1920, maar ondanks talrijke onderscheidingen (ze had alleen al vier Stalin-prijzen), kreeg ze nooit de opdracht om beelden van Lenin of Stalin te maken. De reden was dat Mukhina niet betrouwbaar genoeg werd geacht. In het begin van de jaren dertig werd ze zelfs uit Moskou gezet, en na de tentoonstelling in Parijs werd een bevel uitgevaardigd om haar nooit naar het buitenland te laten gaan.

Irina Nakhova

conceptuele kunstenaar Nakhova wordt beschouwd als de auteur van de eerste “totale installaties” in de Russische Hedendaagse Kunst. In het midden van de jaren 1980 veranderde ze onherkenbaar een van de kamers in haar flat, waardoor ze tegelijkertijd de auteur van haar werk werd en een personage dat erin leefde. Zo diende haar appartement een aantal jaren als proeftuin voor haar experimenten. In 2015 werd Nakhova de eerste vrouwelijke kunstenaar die werd tentoongesteld in het Russische paviljoen op de Biënnale van Venetië.

Ernst Neizvestny

Neizvestny gemaakt monumentale werk dat kan worden gezien vandaag in Rusland, Oekraïne, de verenigde staten, Egypte, Zweden en het Vaticaan. Echter, in de Sovjet-Unie, de beeldhouwer werd onderworpen aan harde ostracisme. Vanwege meningsverschillen met de officiële culturele stijl – socialistisch realisme – werd hij door kranten aangevallen, op straat geslagen en opgeroepen voor gesprekken met partijfunctionarissen. Het toenmalige staatshoofd, Nikita Chroesjtsjov, noemde zijn werken “ontaarde kunst”. Ironisch genoeg, toen Chroesjtsjov stierf, gaf zijn familie De opdracht voor de grafsteen van Ernst Neizvestny (en hij maakte het uit twee marmeren blokken — wit en zwart — die de interne tegenstellingen van Chroesjtsjov symboliseren).

misschien is zijn bekendste werk ‘Mask of Sorrow’, een 15-meter monument in Magadan, gewijd aan de nagedachtenis van de slachtoffers van politieke repressie. Het staat op de plaats van een doorgangskamp uit het stalinistisch Tijdperk, vanwaar gevangenen naar Kolyma werkkampen werden gestuurd.

Vladimir Nemukhin

Nemukhin is één van de belangrijkste vertegenwoordigers van de Sovjet-non-conformistische Kunst. Hij werd verbannen uit het kunstinstituut voor zijn radicale taal en werd officieel verboden, hoewel hij populair was onder het publiek tijdens de periode van de Chroesjtsjov-dooi.

in 1956 ontmoette hij Oscar Rabin en sloot zich aan bij de Lianozovo Groep. Jarenlang waren zijn favoriete truc, zijn “handtekening” en het onderwerp van veel van zijn werken speelkaarten. Ze waren altijd aanwezig in zijn werken – als een enkele kaart, in paren of in solitaire – steeds een symbool van de onzekerheid van de toekomst.

Mikhail Nesterov

religieuze kunstenaar Nesterov creëerde het beeld van “de Russische Christus” door het beeld van Sergius van Radonezj, een Russisch-orthodoxe kerk Heilige en ascetische. Nesterov wijdde een enorme cyclus van schilderijen aan hem, maar beschouwde ‘ de visie aan de jeugd…’zijn beste werk ooit.

en toch, Nesterov (die zelden tevreden was met zijn werken en ze vaak vernietigde) beschadigde ook dit doek: hij viel op de foto toen hij het gezicht van de jeugd voor de honderdste keer opnieuw schilderde.

Timur Novikov

Novikov is de oprichter en leider van een van de belangrijkste kunstverenigingen in de Russische hedendaagse kunst van de jaren 1980 genaamd New Artists. Hij exposeerde eens een multiplex schild met een gat erin en noemde het werk ‘Zero Object’. Novikov is vooral bekend om zijn stoffen appliqués.

garde in nieuwe realiteiten en met nieuwe materialen. Eind jaren negentig exposeerde hij in Tate in Liverpool, in Stedelijk in Amsterdam, in musea en galeries in Berlijn, Hamburg, Parijs, New York, Moskou en St.Petersburg.

Boris Orlov

een klassieker van Orlov verkent in zijn werken de keizerlijke stijl en het fenomeen van een rijk in de breedste zin van het woord. Zijn werken kunnen verschillende historische tijdperken in verschillende culturen weergeven, maar ze draaien allemaal rond één onderwerp – het patriarchale systeem gebaseerd op het idee van overheersing.

een van zijn favoriete methoden is het gebruik van militaristische accessoires: “omdat een rijk meestal een militair gezicht heeft. En zelfs een niet-militair trekt een uniform aan.”

Anatoly Osmolovsky

Osmolovsky is Rusland de belangrijkste activistische kunstenaar, wiens acties, poëzie, lezingen en zelfs gevechten bedroeg een spannend politiek statement in de jaren 1990. Hij droeg een koelkast met een buste van Lenin in het Rode Plein; legde uit een obsceen woord op hetzelfde plein waar de lichamen van zijn kameraden; gerookte op de schouder van de Majakovski standbeeld, en was achter veel andere acties en gebeurtenissen.

barricadeerde de Bolsjaja nikitskaja straat, die leidt naar het Kremlin, voor drie uur, wijdt hun actie aan de Franse revolutie van 1968. Zeven leiders van die processie werden vervolgens veroordeeld en veroordeeld tot boetes.

Vasily Perov

veel van Perov ‘ s schilderijen leidden tot verhitte debatten onder zijn tijdgenoten. De kunstenaar schilderde scènes uit het harde leven van gewone mensen. ‘Trojka…’, met kinderen die van het dorp naar de stad werden gebracht als huurlingen, is misschien wel zijn beste werk over dit onderwerp.

Yuri Pimenov

Pimenov was een trouwe volgeling van de kunst beleid van de Communistische Partij. In de donkerste tijden van Stalins zuiveringen schilderde hij idyllische taferelen van het dagelijks leven van de Sovjetmensen en verheerlijkte hij fabrieksarbeiders en fabrieksarbeiders.

zijn ‘New Moscow’ is een van de beste voorbeelden van socialistisch realisme: een vrouw, als symbool van een nieuw tijdperk, rijdt door het bloeiende Moskou. Men gaat ervan uit dat haar bestemming niet minder heldere en mooie toekomst is.

Pavel Pepperstein

Pepperstein was geboren en opgegroeid in de kring van Moskouse Conceptualisten (zijn vader is de beroemde kunstenaar Viktor Pivovarov). Misschien is dat de reden waarom zijn creatieve impuls werd gevoed vanaf het allereerste begin. Tegenwoordig is Pepperstein een van de meest productieve Russische kunstenaars en een beroemde schrijver.

In zijn werken maakt hij hele fictieve werelden en zijn eigen mythologie. Dat maakt hem bijzonder populair onder intellectuelen.

Kuzma Petrov-Vodkin

hij was de zoon van een schoenmaker die iconen wilde schilderen. Hoewel hij geen pictogramschilder werd, werd de kunstenaar wereldberoemd door zijn beeld van de Messias afgebeeld als een jonge man op een rood paard. Gemaakt een paar jaar voor de Russische Revolutie, dit schilderij wordt beschouwd als profetisch en heeft tal van interpretaties. Volgens één theorie is het paard Rusland, dat in de 20e eeuw een “rode” bestemming wachtte.

Dmitri Prigov

Door onderwijs, Prigov was een beeldhouwer en dit is hoe hij een leven tijdens de Sovjet-tijd, hoewel al zijn drukke creatieve activiteit was gericht op het worden van een “monument” zelf. In de jaren zeventig werd hij ook bekend als dichter die zijn recitals omzette tot echte uitvoeringen. Zijn zogenaamde ‘blikjes’, zogenaamd met enkele woorden en hele gedichten, lijken op Piero Manzoni ‘ s blikjes met “Artist’ s Shit” erop geschreven. Dus, Prigov gelijk gedichten aan alle andere afscheidingen van het lichaam.

met de komst van perestroika is Prigov verhuisd van poëtische performances tot Conceptuele Kunst: hij creëerde grafische kunst, installaties, collages, het kruisen van ideeën, woorden en gedachten, “het ontcijferen van het genoom van de cultuur” en nieuwe symbolen.

Vasily Polenov

Een van de leidende religieuze kunstenaars, Polenov wilde iets maken als ambitieus als Ivanov ‘ s ‘De Verschijning van Christus, voor de Mensen’. Daartoe maakte hij een reis van een jaar door Constantinopel, Palestina, Syrië en Egypte, vanwaar hij de eerste schetsen bracht naar ‘Christus en de overspelige vrouw’, zijn belangrijkste werk. De reis van het idee naar de voltooiing van het doek, gebaseerd op een scène uit het Evangelie van Johannes, duurde maar liefst 15 jaar.

Ljoebov Popova

Ondanks dat is heel jong gestorven (van roodvonk op 35-jarige leeftijd samen met haar zoon), in haar leven de kunstenaar in geslaagd om een futurist, een student van Malevich, een adept van het kubisme en, tot slot, een constructivistische. In die hoedanigheid ontwierp Popova werkkleding voor “revolutionaire” beroepen.

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the “secret life of the human soul”. In de woorden van de zoon van de kunstenaar, Pavel Pepperstein, “Pivovarov heeft zijn hele leven de kamer van de ziel geschilderd”, waar alle externe attributen, zoals het uitzicht vanuit het raam, deel van uitmaken.

Pivovarov ‘ s belangrijkste “uitvinding” was de genre van een conceptalbum. Het is in dit genre dat hij een van zijn beroemdste cycli creëerde, ‘Projects for a Lonely Man’, waarin hij de dagelijkse routine, dromen, interieur en zelfs de lucht van een held schilderde, die extreme eenzaamheid ervaart. Overigens herkennen veel kijkers zichzelf in de dagelijkse routine van de held. “In principe is er niet veel veranderd”, zegt de kunstenaar.

Vasili Pukirev

‘ Onder zijn collega-kunstenaars en studenten, liet hij een warme en blijvende herinnering, en in de geschiedenis van de russische kunst – een briljante, zij het een korte trace,” de kunstenaar tijdgenoten zei in zijn in memoriam. Inderdaad, Pukirev werd, net als een aantal van zijn collega ‘ s, de auteur van een meesterwerk.

‘Het Ongelijke Huwelijk’ voortbewogen hem in de rangen van de toonaangevende genre schilders uit het midden van de 19e eeuw, maar bleef Pukirev alleen meesterwerk.

Recycle groep

de kunstgroep van Andrey Blokhin en Georgy Kuznetsov uit Krasnodar werd opgericht in 2008 en heeft al drie keer geëxposeerd op de Biënnale van Venetië met totale installaties en multimediaprojecten over augmented reality. Al hun werken gaan op de een of andere manier over het leven van een moderne persoon in het tijdperk van het Internet en verschillende gadgets.

‘Conversion’ is een enorme constructie, met sculpturen en bas-reliëfs beeltenis van “Neo-apostelen”, de dragers van een nieuwe religie genaamd “global network”.

Oscar Rabin

Rabin is de leider van nonconformism, de onofficiële Sovjet-kunst van de jaren 1960-1970. Zijn schilderijen zijn vol van al die verboden werd door de officiële Sovjet-kunst — kazerne, vuilnisbelten, wodka flessen, en verfrommelde kranten. Ze verbeelden de andere, en grotere, kant van de glanzende Sovjet-realiteit.

de kunstenaar zei dat al dat afval uit de voorsteden was hij zelf: “ik schilder al mijn hele leven één schilderij – mijn portret tegen de achtergrond van het land.”

een filosoof, reiziger en oriëntalist kunstenaar met een absoluut unieke stijl, Roerich liet een erfenis die bestaat uit meer dan 7.000 schilderijen en schetsen, waarvan vele nu bewaard worden in ‘ s werelds beste musea. Hij bracht zijn hele leven door met reizen, waaruit hij zijn onderdanen trok-van een expeditie in de Himalaya en India naar Centraal-Azië.

‘gasten uit het buitenland’ werd geschilderd in Parijs en vertelt van reizen in het oude Rusland.

Ilya Repin

Repin was zeer goed in het afbeelden het lijden van de mensen in de 19e eeuw. Het harde leven van schuitvervoerders en revolutionairen, alledaagse taferelen uit het leven van de lagere klassen, processies van mensen – al deze onderwerpen maakten van hem een sleutelfiguur in het Russische realisme en een kunstenaar van de sociale geschiedenis. Toch toont zijn meest controversiële schilderij een episode uit een ander tijdperk.

Het verhaal van Ivan de Verschrikkelijke doden van zijn eigen zoon is zo controversieel (historici zijn nog steeds ruzie of het echt gebeurd is of niet) dat Repin ‘ s meesterwerk werd herhaaldelijk aangevallen, zelfs tijdens de kunstenaar levensduur. De laatste aanval vond plaats in 2018, toen een dronken vandaal het doek met verf spatte.

Fjodor Rokotov

Rokotov was een van de meest gewilde portret schilders onder St. Petersburg adel van de 18e eeuw, terwijl Alexandra Struyskaya afgebeeld door hem werd beschouwd als een van de mooiste vrouwen van de eeuw.

de artiest was zo populair dat hij kon tot 50 onvoltooide portretten in zijn appartement op elk moment hebben. In 1763 schilderde hij het kroningsportret van Catharina II.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the “father” of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

zijn affiche voor Lengiz, de belangrijkste en enige officiële Sovjet-uitgeverij, is een treffend voorbeeld van avant-garde reclame, met al zijn favoriete technieken in de vorm van geometrische ontwerpen en heldere spots. In het midden staat een foto van Lilya Brik, “de muze van de Russische avant-garde”.

Olga Rozanova

In de geschiedenis van de Russische avant-garde, haar ‘groene streep’ is niet minder belangrijk dan Malevich ‘s’zwarte vierkant’. Aanvankelijk bleven de kunstenaar en haar beste werk echter in de schaduw van de belangrijkste suprematist, en later werden ze bijna volledig vergeten tot hun herontdekking in de jaren 1970.

Rozanova bereikte zelfs meer dan Malevich deed: ze plaatste niet alleen de kleur boven de vorm, ze heeft ook met succes het dilemma van de achtergrond opgelost. Haar streep ziet eruit als een projectie in plaats van een figuur op het doek, het lijkt erop dat het verder gaat dan het frame. Dat was de eerste keer in de geschiedenis van de abstracte schilderkunst dat dit effect werd bereikt.

Andrei Rublev

de beroemdste religieuze kunstenaar in de Russische geschiedenis, Andrei Rublev creëerde een standaard van orthodoxe iconen schilderen. In de 16e eeuw werden zijn werken erkend als een model waarnaar alle icoonschilders zouden moeten streven, terwijl zijn “drie-eenheid” het spirituele symbool werd van alle Russische kunst.

Er is weinig bekend over Rublev zelf. Hij was een monnik en wijdde zijn hele leven aan God en de schilderkunst. In 1988 werd hij heilig verklaard door de Russisch-Orthodoxe Kerk.

Aidan Salakhova

velen beschrijven salakhova ‘ s kunst als “feministisch” en “politiek” omdat het het oosten en het westen verkent, het mannelijke en het vrouwelijke, in een opvallende combinatie van seks en Islam. Marmeren fallische minaretten en zwarte Kaaba vagina ‘ s hebben haar beroemd en herkenbaar gemaakt over de hele wereld.

Op de Biënnale van Venetië in 2011, haar ‘voorbede’, een sculptuur van een vrouw in een Niqab, moest bedekt worden met een wit laken nadat de president van Azerbeidzjan (‘voorspraak’ werd tentoongesteld in het Azerbeidzjaanse paviljoen) het probeerde te censureren. Velen zagen er een enorme ironie in: het beeld was bedekt met een sluier omdat de president het niet leuk vond dat het een vrouw in een sluier afbeeldde.

Zinaida Serebriakova

gezien zijn status in de populaire cultuur, is dit portret misschien Serebriakova ‘ s belangrijkste werk geworden. Voor velen maakt zijn spontane en openhartige aard het tot een belichaming van vrouwelijkheid.

toen het portret voor het eerst aan het publiek werd gepresenteerd, zei de kunstenaar Valentin Serov: “A very nice and fresh thing.”De foto werd meteen gekocht door de Tretjakov Galerie.

Valentin Serov

voor de Russische elite, zitten voor een portret van Serov werd als een eer beschouwd. Een meester van psychologische portretten, de Russische impressionist Valentin Serov, schilderde beroemde componisten, schrijvers, leden van de keizerlijke familie en Russische prinsen.

en toch, een van zijn meest significante en beroemde canvases is het portret van een 12-jarig meisje, vera Mamontova. Ze was de dochter van een grote ondernemer en filantroop, Savva Mamontov, maar Serov verwijderde haar naam later van de titel. Volgens de kunstenaar schilderde hij niet de dochter van een beroemd persoon, maar de jeugd zelf.

Henryk Siemiradzki

gedurende bijna 30 jaar, siemiradzki woonde in Rome. Hij verwierf de reputatie van een van de meest prominente vertegenwoordigers van het late Europese academisme, maar niet meteen en niet onder iedereen. De kunstenaar was alleen geïnteresseerd in de oude wereld met zijn mythen, festiviteiten en orgieën, waarvoor hij veel afweer kreeg thuis, waar Peredvizhniki waren al in de mode met hun afbeelding van boeren, verarmde wezen en andere elementen van “de waarheid van het leven”.

invloedrijke kunstcriticus van die tijd, Vladimir Stasov, beschouwde siemiradzki als een hopeloze classicus, die “ten prooi was gevallen aan alles wat Italiaans was”. Van zijn kant noemde Ilja Repin hem een charlatan, terwijl de beroemde verzamelaar Tretjakov weigerde zijn werken te kopen. Echter, Russische tsaren zijn altijd al fans van academisme geweest: zo werd’ Phryne ‘ rechtstreeks uit de tentoonstelling gekocht door Alexander III.

Alexei Savrasov

een artiest van lyrische Landschappen, Savrasov verdiende al snel roem en erkenning: op de prille leeftijd van 24, was hij al lid geworden van de Academie van de kunsten. Echter, door de generaties heen, deze realistische kunstenaar wordt herinnerd als een “one-hit wonder”: geen van zijn talrijke Landschappen is in populariteit te vergelijken met ‘The Roeken…’. Elk schoolkind in Rusland kent dit schoolboekbeeld, omdat ze er hoogstwaarschijnlijk een essay over hebben moeten schrijven.

Ivan Shishkin

Als u een schilderij van een geweldige russische bos of de velden met pijnbomen aan de kant van de weg, u kunt er zeker van zijn dat het een Shishkin. Volgens een peiling uitgevoerd door het All-Russia Public Opinion Research Center, hij is de meest herkenbare kunstenaar in Rusland.

die grotendeels te wijten kan zijn aan Mishka Kosolapy snoepjes, waarvan de verpakking een fragment van deze foto bevat. En toch, niemand schilderde afgelegen struikgewas, weiden en velden heel zoals hij, hetzij in termen van kwantiteit of kwaliteit. Het bos was alles waar Shishkin ooit in geïnteresseerd was.

Sylvester Shchedrin

veel Russische kunstenaars uit de 19e eeuw bezocht het Europese artistieke Mekka, Italië, maar weinigen maakten er hun creatieve thuis. Landschapsschilder Shchedrin bracht vrijwel zijn hele leven door met het uitbeelden van de schoonheid van Italië, en in het bijzonder Napels. Hier stierf hij ook, voor hij 40 werd. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

een vertegenwoordiger van Sots Kunst en, zoals hij het zelf noemde,” folk pop art”, gedurende meer dan 30 jaar, Sokov werkte met de mythen, beelden en symbolen van de Russische cultuur, naast hen met de westerse beschaving.

De kunstenaar en beeldhouwer links de SOVJET unie naar de verenigde staten, om “niet te breken onder de druk van het totalitaire systeem van de staat om, die gedicteerd alles voor de kunstenaar, tot in de kleinste details: “In die hand Lenin moet in het bezit zijn pet, hoe lang de pionier van de broek moet worden en dat was Marx ‘pivot voet,” Sokov grapte.

Vasily Surikov

Surikov maakte naam door verschillende tragische momenten in de Russische geschiedenis uit te beelden. Zo vertelt’ Bojarina Morozova ‘ het verhaal van de felle strijd tegen Oudgelovigen: Morozova wordt afgevoerd naar een klooster (dat gelijk stond aan gevangenis) ten tijde van het kerkschisma.

Vladimir Tatlin

Hoewel het Monument voor de Derde Internationale, of Tatlin de Toren is nooit gebouwd, werd de kunstenaar de meest karakteristieke geesteskind en de kenmerken van het constructivisme over de hele wereld. Tatlin ontwierp zijn toren als symbool voor de revolutie van 1917 die in Leningrad (nu Sint-Petersburg) zou worden opgericht.

avant-garde kunstenaars en stopte met het aangaan van hen, dus de toren werd nooit gebouwd.

Oleg Tselkov

gedurende zijn hele leven, heeft deze non – conformistische kunstenaar praktisch één en hetzelfde karakter geschilderd-een misvormd menselijk beeld, een mutant. “Dit is geen portret van een specifieke sitter, maar een universeel portret… en een vreselijk vertrouwd op dat, ” legde Tselkov. “Ik slaagde er per ongeluk in om het masker van de mensheid af te trekken.”

De Sovjetleiding was niet bijzonder dol op deze”keerzijde van een menselijke persoonlijkheid”. In 1977 werd Tselkov gevraagd het land te verlaten en hij ging naar Frankrijk. Pas in 2015 werd hij opnieuw Russisch staatsburger.

Pavel Tchelitchew

Deze patriarch van mystieke surrealisme werd geboren in Rusland, maar bracht het grootste deel van zijn leven in Europa en Amerika, waar hij ontwikkelde de techniek van zijn beroemde antropomorfe landschappen. Vanwege de gelijkenis in stijl wordt hij vaak omschreven als “de Russische Dali”, behalve dat Tchelitchew de eerste was die elementen van mystiek surrealisme in zijn werken tentoonstelde.: negen jaar eerder deed Salvador Dali hetzelfde.

tegenwoordig zijn zijn werken te vinden in grote Europese musea en collecties, terwijl in Rusland alleen de Tretjakovgalerij een enkele tchelitchew heeft. ‘Phenomena’ werd in het geheim naar Rusland gebracht door een vriend van Tchelitchew, choreograaf Lincoln Kirstein. Hij gaf het aan de Tretjakovgalerij, maar tot halverwege de jaren negentig bleef het in de opslagplaatsen van het museum.

Simon Ushakov

de Romanovs namen de troon in 1613. De dynastie regeerde het land eeuwenlang, maar in het begin had het iets nodig om zijn legitimiteit te bevestigen. Een belangrijke rol hierin werd gespeeld door het beeld van de Koninklijke familie lijn gemaakt door de pictogramschilder Ushakov. Kunstcritici noemen het de eerste en beste rechtvaardiging van de bewering dat de Romanovs hun macht van bovenaf kregen.

De Romanovs moet hebben ingestemd met die beoordeling: ze maakte Ushakov de chief pictogram schilder van het rijk en overladen hem met gunsten tot aan zijn dood.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov geprobeerd zichzelf in verschillende stijlen en soorten werk, van het schilderen van de kerk fresco ‘ s (zoals in de Kerk van de Verlosser op het Vergoten Bloed in Sint-Petersburg) te maken golvende art nouveau versieringen. Voor de meeste Russen wordt hij echter uitsluitend geassocieerd met personages uit Russische sprookjes. In de populaire verbeelding zien deze personages er heel erg uit zoals Vasnetsov ze heeft afgebeeld.

Het schilderij ‘Bogatyrs’, die toont populaire Slavische superhelden Dobrynya Nikitich, Ilja Muromets en Alyosha Popovich, nam hem bijna 20 jaar om te voltooien.

Alexey Venetianov

Venetsianov was een van de eerste artiesten die scènes uit het leven van gewone mensen verbeelden, waardoor hij naam maakte in “the peasant genre”. Tegelijkertijd was hij niet bijzonder geïnteresseerd in de praktische aspecten van het dagelijks leven van de boeren.

zijn schilderijen gingen meer over ruimtelijkheid, vrijheid en onmetelijkheid. Velen geloven dat zijn ‘maaiende’ schilderij Het ware Russische landschap belichaamt.

Vasily Vereshchagin

een schilder van gevechtsscènes, Vereshchagin schilderde meestal wat hij zag met zijn eigen ogen. Hij had vele oorlogen meegemaakt en reisde de wereld rond van India naar Syrië. Hij organiseerde zijn tentoonstellingen in New York en Londen, waarbij hij vaak niet alleen zijn schilderijen tentoonstelde, maar ook trofeeën van het slagveld.

echter, zijn ‘apotheosis of War’ is een uitzondering, in die zin dat hij het niet uit het leven schilderde, maar uit een idee in zijn hoofd. Op het frame schreef de kunstenaar: “Gewijd aan alle grote veroveraars – verleden, heden en toekomst.”

Mikhail Vrubel

Vrubel wordt voornamelijk geassocieerd met het beeld van een demon, die hij herhaaldelijk en obsessief schilderde. Het beeld van een gevallen engel die lijdt aan zijn demonische aard was geïnspireerd door Michail Lermontov ‘ s gedicht met dezelfde naam. Voor dit schilderij maakte hij zo ‘ n 30 schetsen.

Vrbel gaf toe dat hij had ook een demon in zijn nachtmerries gezien. Een acute psychose, die de kunstenaar in zijn latere leven ontwikkelde, in combinatie met zijn obsessie voor één beeld, bracht zijn tijdgenoten tot de conclusie dat Vrubel gek was geworden door zijn verslaving aan demonisme.

Vladimir Weisberg

Weisberg onderscheidt zich in de context van de russische kunst: hij behoort niet tot de officiële kunst, noch nonconformisten. Zijn handelsmerk stijl is zogenaamde “white painting”, foto ‘ s die lijken te zijn geschilderd met witte verf op een witte achtergrond. Volgens Weisberg zelf probeerde hij “onzichtbare kunst”te bereiken.

In eigenlijk gebruikte hij nauwelijks wit pigment. Zijn schilderijen zijn een ingewikkelde combinatie van kleine veelkleurige deeltjes. “Een foto zou wit moeten worden als alle, letterlijk alle, de kleuren erin passen,” zei hij altijd.

Vladimir Yankilevsky

een pionier van de Moskouse “Onofficiële Kunst” en een vaste eenling, Yankilevsky paste niet in een artistieke vereniging en altijd aan de zijlijn, als het ware. Velen begrepen zijn existentiële werken gewoon niet: zijn hele leven schilderde hij een metafysische “mens tegenover de eeuwigheid”.

het idee van mensen in dozen kwam tot hem onder invloed van existentialisme. Deze “existentiële dozen” werden een metafoor voor een persoon wiens aspiraties en dromen altijd tegen de muren van een sociale omgeving komen. Het moet gezegd worden dat het leven in de USSR zeer bevorderlijk was voor deze perceptie van de werkelijkheid.

Vadim Zakharov

de cirkel van Moskouse conceptualisten, beginnend met absurdistische acties en leidend tot de schilderkunst. “Tussen 1985 en 1989 heb ik een heleboel grote schilderijen gemaakt, waarna ik geen enkele schilderde, met uitzondering van slechts een paar gemaakt in houtskool, en nu om terug te gaan naar canvas en olie is een marteling voor mij,” zei hij. In 1989 verhuisde hij naar Keulen, waar een nieuwe fase in zijn artistieke carrière begon – installaties.

zijn project” Danae ” werd een sensatie op de Biënnale van Venetië. In het eerste uur na de opening, een wachtrij gevoerd aan de russische paviljoen om te kijken naar het unieke proces van een beroemde Oude griekse mythe materialiseert door middel van een golden shower van munten met de woorden vertrouwen, vrijheid, liefde en eenheid geschreven op hen storten van een kamer waar alleen mannelijke kijkers mochten, om “de baarmoeder”, waar alleen vrouwelijke kijkers waren toegestaan.

Konstantin Zvezdochetov

hij is de Russische koning van Kitsch, zonder wie geen grote tentoonstelling van hedendaagse kunst kan doen. Zvezdochetov behoort tot de generatie van Sovjet-kunstenaars die de eerste waren om de internationale kunstscene te betreden en werd bekend als “hedendaagse Russische kunst”.

Er was een tijd dat hij beledigd was om een”artiest” te worden genoemd. Hij zei: “Ik ben iemand die interpretaties aanbiedt… Alles wat ik doe zijn citaten en compilaties.”

Anatoly Zverev

Hij wordt vaak aangeduid als “de russische Van Gogh”. Robert Falk zei over hem:” elke aanraking van zijn penseel is onbetaalbaar”, terwijl Picasso hem zelf weerklonk. Als decorateur van beroep, Zverev betrad de kunstscene in de late jaren 1950, en in 1965, zijn eerste internationale tentoonstelling werd gehouden in Motte in Parijs, hoewel hij zelf nooit naar het buitenland ging.

Zverev. De politie was achter hem aan om hem te arresteren voor “parasitisme” (wat een strafbaar feit was in de USSR), terwijl hij alleen leefde voor zijn kunst en voor zijn enige liefde en muze, de weduwe van de dichter Nikolaj Aseev, Ksenia Aseeva, die 39 jaar ouder was.