Grupa AES+F

uważany za jeden z najbardziej udanych i znanych grup artystycznych, AES+F ma wystawy na całym świecie. Multimedialne instalacje i projekty Tatjany Arzamasowej, Lwa Jewzowicza, Jewgienija Swiatskiego i Vladimira Fridkesa poświęcone są przede wszystkim kulturze globalnej i analizie współczesnych wartości.

ich film instalacyjny „Inverso Mundus” (łac. „odwrócony świat”) został pokazany na Biennale w Wenecji i do dziś odwiedza muzea na całym świecie.

Ivan Aivazovsky

nikt tak nie maluje morza jak Ivan! Malarz Aivazovsky był czczony jako jeden z najbardziej płodnych artystów, tworząc ponad 6000 pejzaży morskich. Historycy sztuki i krytycy sztuki uważają dzieło „Morze Czarne” za jego magnum opus, wynik przemyśleń artysty na temat jego życia i Kariery.

Yuri Albert

Albert’s famous artworks with text often become Internet memes, while his retrospective exhibition, „What did the artist mean by that?”w Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej, pozostawał w stanie trwałej zmiany przez cały czas jej trwania. O to właśnie chodzi Yuriemu Albertowi. W wieku 15 lat artysta konceptualista znalazł się w warsztacie komara i Melamida, pod którego wpływem zaczął tworzyć prace, które na nowo rozważają istotę sztuki współczesnej.

ulubioną sztuczką Alberta jest wzięcie znanego dzieła, zmiana go i przekształcenie go we własne, jednocześnie wdając się w polemikę z oryginałem. Weźmy na przykład przełomową serię prac, w których artysta ironicznie porównuje się z międzynarodowymi gwiazdami sztuki.

Leon Bakst

europejski sukces słynnych rosyjskich sezonów Siergieja Diagilewa w Paryżu w dużej mierze zawdzięczał bakstowi. Jego scenografie i szkice kostiumów do baletów Russes productions stały się sensacją samą w sobie: wystawiano je nawet w Luwrze, a Orientalistyczny styl Baksta wyznaczał w Paryżu modę na turbany, szerokie spodnie i kolorowe peruki.

Andrey Bartenev

ekscentryczny bartenew wyrobił sobie sławę w latach 90.: jego kostiumy wykonane z dowolnych dostępnych materiałów, a także performansy i instalacje stały się symbolem tamtych czasów.

od tego czasu stał się znany jako „mistrz oburzających”, jednoosobowy festyn i chodzący spektakl: Bartenev wyróżnia się w tłumie dzięki swoim jasnym dziwacznym kostiumom. Nadal są jego sposobem na poznawanie świata lub przemyślenie znanych wątków.

Ely Bielutin

awangardowy artysta Bielutin miał reputację eksperymentowania i mistyfikacji. Założył w Moskwie studio i rodzaj szkoły o nazwie nowa rzeczywistość, która zjednoczyła ponad 3000 artystów. W 1962 roku prace artystów abstrakcyjnych jego pracowni zostały wystawione w hali wystawowej Manezh w Moskwie.

wystawę odwiedził sekretarz generalny partii komunistycznej Nikita Chruszczow, który nienawidził tego, co zobaczył, opisując to jako „bałagan”. Po tym, nowa rzeczywistość została praktycznie zakazana, a Biełutin stał się odludkiem i nie wyświetlał swoich dzieł prawie do pierestrojki.

Wiktor Borisow-Musatow

Borisow-musatow był Symbolistą, który specjalizował się w malowaniu zniszczonych starych dworów, herbat ogrodowych i członków rosyjskiej szlachty na przełomie ubiegłego wieku. Mówią, że jako przedstawiciel Srebrnego Wieku próbował uchwycić „znikający świat” i ostatnie ECHA ustępującej epoki.

„basen” był punktem wyjścia dla jego uznania jako artysty symbolicznego: obraz przedstawia jego siostrę i pannę młodą siedzących przy wiejskim stawie. Obraz stał się jego prezentem ślubnym dla żony i jego pierwszym znaczącym sukcesem.

Karl Bryullov

Bryullov był jednym z najlepszych malarzy portretowych swoich czasów. Malował oficjalne i prywatne portrety rosyjskiej arystokracji, uczestniczył w przyjęciach cesarskich i znał Aleksandra Puszkina.

ale wszystko to przyszło po 12 latach życia we Włoszech, z czego sześć Bryullov spędził pracując nad swoim monumentalnym dziełem „ostatni dzień Pompejów”. Za to artysta otrzymał Grand Prix na wystawie w Paryżu i uznanie w Europie i Rosji.

Vladimir Borovikovsky

malował rosyjską arystokrację, w tym cesarza, ale jest lepiej znany ze swoich portretów młodych dam, które są wyświetlane nie tylko w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie, ale także w Luwrze w Paryżu. Znakiem rozpoznawczym Borovikovsky ’ ego była jego zdolność do wyrażania wyraźnej zmysłowości swoich Modeli.

Grisha Bruskin

In the Soviet Union, his works were rejected, and he found recognition only with the start of perestroika. W 1988 roku, na pierwszej i jedynej aukcji Sotheby ’ ego w ZSRR, jego „podstawowy Leksykon” został sprzedany Zachodni kolekcjonerowi za (ówczesne) rekordowe 416 000 dolarów (po przesłuchaniu przez KGB, poprzednika FSB). Kilka tygodni później Bruskin był w Ameryce, a jego prace od tego czasu były wystawiane w najsłynniejszych muzeach na świecie.

’Leksykon fundamentalny’ to seria płócien, na których liczne figurki gipsowe – pionierzy, sportowcy, proletariusze, komsomolcy – niosą emblematy oficjalnej kultury radzieckiej, wizualny kod sowieckiej masowej agitacji i propagandy.

David Burliuk

Burliuk zyskał uznanie jako „ojciec rosyjskiego futuryzmu” zarówno w Rosji, jak i za granicą, w szczególności w Nowym Jorku, gdzie osiedlił się w 1922 roku i działał w kręgach proradzieckich. Burliuk propagował futuryzm i Kubizm wszelkimi dostępnymi mu środkami: wydawał czasopismo, drukował broszury, pisał wiersze i recenzje, malował.

prawdziwy sukces przyniósł mu „portret mojego wuja”, jedyny obraz burliuka, na który znalazł nabywcę w niemal każdym mieście. Stał się on jego manifestem Kubo-futuryzmu. „Artysta stworzył szybko w hotelu, przyklejając wycinki z gazet do rozdartej Pod Kątem twarzy, która miała trzy oczy, dwa nosy i tak dalej”, wspominał jego przyjaciel i kolega artysta Jewgienij Spassky.

Erik Bulatov

Bulatov był jednym z założycieli sots art, wraz z komarem i melamidem. Jego wystawy indywidualne odbywają się w czołowych muzeach i galeriach na całym świecie.

„przestrzeń to wolność” – mawiał bułatow. Dosłownie „Chwała CPSU” to sowieckie hasło ustawione na tle błękitnego nieba. Metaforycznie to wolność przesiąka nawet siatką ideologii komunistycznej.

Marc Chagall

jeden z liderów rosyjskiej awangardy, Marc Chagall stworzył swój wyjątkowy, niepowtarzalny styl. Jego najsłynniejsze dzieło przedstawia wszystko, co artysta miał w tym momencie w swoim życiu: siebie, żonę i wieczną muzę Bellę oraz domy rodzinnego Witebska.

ta kompozycja pozostał z chagallem również na emigracji we Francji, z tym, że zastąpił siebie i swoją żonę parą nowożeńców, a Witebsk Paryżem.

Olga Czernyszewa

czernyszewa jest jednym z najbardziej rozchwytywanych na arenie międzynarodowej rosyjskich artystów dzisiaj. Jej obrazy, filmy, grafiki i fotografie były prezentowane na kilku Biennale w Wenecji i są wystawiane w muzeach od Wiednia po Nowy Jork.

jest obca monumentalności i inspirowana małymi artefaktami życia: przyziemnymi zdarzeniami, jak piosenka w metrze lub bezdomni śpiący na ławce. Wykorzystuje te codzienne sceny do kreowania obrazu (i bardzo intymnego) współczesnej Rosji.

Ivan Chuikov

kolejny bohater w radzieckim podziemiu artystycznym Chuikov jest zafascynowany ideą łączenia iluzji i rzeczywistości, różnych stylów i języków. Tak powstała jego seria ” Windows…”. Na przykład w jego” rzymskim ” profilu można odczytać słynny portret Federico da Montefeltro Piero della Francesca. Ale dla Chuikova to tylko sylwetka i czerwona kropka. Co to jest naprawdę? Słońce? Albo Laserowy celownik z czerwoną kropką wskazujący na świątynię klasyka wyśmiewanego przez postmodernizm?

prace chuikowa można znaleźć w Centre Pompidou, Muzeum Sztuki Zimmerli, Muzeum Rosyjskim i Galerii Tretiakowskiej.

Aleksandr Deyneka

ta ważna postać w radzieckiej sztuce urzędowej była jednym z filarów socrealizmu, celebrując dobre zdrowie, sport, pracę i nowy, radziecki sposób życia. Dopracował ten styl do perfekcji: jego silni, napompowani mężczyźni i kobiety niestrudzenie i z uśmiechem na twarzach bronią miast, pracują w fabrykach i gloryfikują partię.

współcześni Deyneka albo go ubóstwiali, albo nienawidzili: gdzie przedstawiał heroizm w imię komunizmu, inni widzieli niedostatek i brak wyboru. Jego utopijne projekty powstawały przecież na tle masowej biedy i represji.

Elena Elagina i Igor Makarewicz

Ten duet moskiewskich konceptualistów, uważanych już za żywe legendy sztuki współczesnej, eksperymentuje z tworzeniem utopii społecznych za pomocą fikcyjnych postaci.

jeden z najbardziej złożonych i najdłuższych z nich, projekt „homo LIGNUM”, wciąż trwa. Opowiada historię skromnego księgowego, Nikołaja Iwanowicza Borysowa, który ma maniakalne pragnienie, aby stać się drzewem.

Aleksandra Ekster

Ekster był jedna z „Amazonek awangardy” i oprawa na wszystkich najważniejszych wystawach nowej sztuki początku XX wieku. W 1907 wyjechała na jakiś czas do Paryża, gdzie zaprzyjaźniła się z Pablem Picassem, Fernandem Legerem, Guillaume Apollinaire i wieloma innymi, po czym zaczęła promować swoje prace w domu, pomagając rosyjskim artystom awangardowym dostosować swoje techniki do swojej pracy.

Galeria Tretiakowska

sama Ekster była zwolenniczką futuryzmu, a dokładniej jego specyficznej Rosyjskiej formy, Kubo-futuryzmu. Ilustrowała czasopisma Futurystyczne, projektowała scenografie teatralne, kostiumy, poduszki, a nawet mundur dla Armii Czerwonej. Ale w 1924 roku pojechała na Biennale w Wenecji i nigdy nie wróciła do Rosji.

Semen Fajbisowicz

mistrz fotorealizmu, Fajbisowicz maluje głównie Moskwę. Co więcej, jako przedmiot swojej działalności wybiera mniej atrakcyjne cechy miasta: obskurne dziedzińce, pustkowia, kioski, bezpańskie psy, pracownicy gościnni, bezdomni, zwykli przechodnie. Jednak właśnie z tego powodu uważa się, że prace Fajbisowicza uchwyciły nieuchwytną naturę czasu. I są one sprzedawane po ponad $400,000 przez wiodące domy aukcyjne na świecie.

20. Nicolai Fechin

po odrzuceniu rewolucji fechin wyemigrował w 1923 r.wyjechał do USA, gdzie mieszkał szczęśliwie przez 30 lat. Dlatego tak wiele jego prac znajduje się w amerykańskich muzeach i prywatnych kolekcjach za granicą.

jednak przed wyjazdem z Rosji udało mu się stworzyć jeden ze swoich najważniejszych obrazów, Portret młodej Wari adoratskej, często porównywany do „dziewczyny z brzoskwiniami” serowa.

w dzisiejszych czasach Fechin należy do najdroższych rosyjskich artystów: w 2010 jego płótno zostało sprzedane za 11 milionów dolarów na aukcji Macdougalla.

Paweł Fedotow

w Imperium Rosyjskim małżeństwo często nie było z miłości. Społeczeństwo nie patrzyło przychylnie na nierówne małżeństwa, ale wielu ludzi w połowie XIX wieku nadal uważało to za świetny sposób na poprawę sytuacji finansowej i statusu społecznego. O tym jest jeden z najsłynniejszych obrazów wiodącego artysty gatunku, Fedotowa.

w swojej czas, obraz wywołał spore zamieszanie: kupiec poślubia córkę zbankrutowanemu oficerowi; oblubieniec otrzyma posag, podczas gdy kupiec będzie spokrewniony ze szlachtą.

Konstantin Flawicki

podobnie jak wielu XIX-wiecznych artystów, Flawicki studiował we Włoszech i jest pamiętany za jedno arcydzieło.

jego wcześniejsze obrazy zostały odrzucone przez krytyków jako „imitacja Bryullova”, ale artysta nadal zdołał pozostawić ślad w historii. Rzeczywista śmierć księżnej Tarakanovej (jej prawdziwe imię pozostaje nieznane), która twierdziła, że jest córką cesarzowej Elżbiety, nie była dokładnie taka, jak przedstawiono – zmarła jako więzień polityczny, z wyjątkiem nie potopu, ale gruźlicy. Nie, żeby miało to szczególne znaczenie: „Księżniczka Tarakanowa” stała się triumfem Flawickiego. Jednak wkrótce po stworzeniu obrazu zmarł na konsumpcję, którą zaraził się we Włoszech.

Paweł Filonow

Avant-artysta garde Filonov uważał się za komunistę na wskroś i wierzył, że ludzie potrzebują jego sztuki. Użył terminu „Sztuka analityczna”, aby opisać swoje wielowymiarowe obrazy i odmówił sprzedaży swoich prac komukolwiek. To go ostatecznie zabiło: podczas oblężenia Leningradu usiadł na lodowatym strychu strzegąc swoich obrazów i zachorował na zapalenie płuc, które go zabiło.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. Był jednak przekonany, że w ten sposób można odnaleźć prawdziwe emocje i znaczenia w znanych wątkach.

GE namalował swoją słynną „golgotę” na rok przed śmiercią. „Tak, Ten obraz strasznie mnie dręczył”, napisał do swojego przyjaciela Lwa Tołstoja. „Wczoraj znalazłem ostatnią rzecz, której potrzebuję, formę, która jest całkiem żywa. Znalazłem sposób na przedstawienie Chrystusa i dwóch złodziei razem na Golgocie, bez krzyży… Jednym słowem… trzy dusze żywe na płótnie. Ja sam płaczę, gdy patrzę na to zdjęcie.”

Natalia Gonczarowa

Gonczarowa wraz z mężem Michaiłem Łarionowem należała do pionierów rosyjskiej awangardy. Od 1914 roku pracowała nad rosyjskimi sezonami Diagilewa w Paryżu, gdzie pozostała aż do śmierci w 1962 roku.

obecnie jej prace znajdują się w wiodących kolekcjach sztuki na świecie, w tym Tate Modern w Londynie i Centre Pompidou w Paryżu. W 2010 roku Christie ’ s sprzedała swój obraz za 9 milionów dolarów, czyniąc ją najdroższą (w tamtym czasie) artystką w historii.

Teofan Grecki

czołowy malarz starej Rusi, Grek teofanes, jest twórcą jednego z najświętszych obiektów w rosyjskim chrześcijaństwie prawosławnym. Jego ikona Matki Boskiej z Dzieciątkiem w ramionach uważana jest za cudowną: według legendy często pomagała w bitwach.

obraz ten, podobnie jak „trójca” Andrieja rublewa, stał się częścią rosyjskiego kodeksu kulturowego.

Dmitrij Gutow

gutov należy do pokolenia artystów, którzy na początku lat 90. Tworzy nowe odczyty przedmiotów kanonicznych w kulturze, języku rosyjskim, rosyjskich ikonach i sztuce klasycznej w przekonaniu, że ich istotę można przekazać w ciągu kilku minut. Jego najbardziej rozpoznawalne obiekty artystyczne to metalowe panele z wersją Rembrandta i staroruskich ikon. Gdy widz przesunie się nieco w bok, obraz jest zniekształcony. Chodzi o to, że to zniekształcenie przechodzi przez wszystkie etapy rozwoju XX wieku, od kubizmu przez Ekspresjonizm po abstrakcję.

lista miejsc sztuki, w których artysta kiedykolwiek wystawiał, jest praktycznie nieograniczona, od Biennale w Wenecji i Sydney i Documenta w Kassel po Muzeum Guggenheima.

Alexander Ivanov

Iwanow był artystą Bliskim cesarzowi. Był szczególnie znany ze swoich obrazów inspirowanych wątkami biblijnymi i mitologicznymi. Stowarzyszenie Artystów sfinansowało nawet jego podróż do Włoch „w celu dalszej poprawy”.

Iwanow powrócił z Włoch dopiero po ukończeniu swojego głównego dzieła o pojawieniu się Mesjasza. Zajęło mu to 20 lat i 600 szkiców. Ogromne płótno zostało zakupione i przywiezione do Petersburga przez cesarza Aleksandra II. aby pomieścić obraz, trzeba było zbudować specjalny budynek.

Francisco Infante

urodzony w Rosji w rodzinie hiszpańskiego emigranta politycznego, Infante stał się najbardziej znanym przedstawicielem rosyjskiej sztuki lądowej i kinetycznej. Artysta nazywa swoje abstrakcyjne instalacje „artefaktami” – umieszcza lustra i ruchome struktury w naturalnych krajobrazach, czyniąc przyrodę integralną częścią dzieła sztuki.

Infante jest uważany za następcę tradycji rosyjskiej awangardy, zwłaszcza Malewicza i tatlina. Jego prace znajdują się w ponad 30 muzeach i kolekcjach prywatnych na całym świecie.

Alexej von Jawlensky

An artysta ekspresjonistyczny, który urodził się i dorastał w Rosji, ale stał się sławny w Niemczech. Fan Van Gogha, Gauguina, Cezanne 'a i Matisse’ a, bliski przyjaciel i sojusznik Wassily 'ego Kandinsky’ ego, Jawlensky był bliski abstrakcji, ale pozostał gdzieś na granicy między nią a sztuką figuratywną. Największy zbiór jego prac znajduje się w Wiesbaden.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Wraz z innymi artystami-Malewiczem, Chagallem, Gonczarową, Łarionowem i innymi – bezwzględnie zerwał z tradycjami malarstwa realistycznego.

jego „kompozycja VII” jest uważana za szczyt jego twórczości w okresie przed I wojną światową. Czy potrafisz rozpoznać w nim Zmartwychwstanie, Dzień Sądu, potop i ogród Eden? To właśnie Kandinsky przedstawił w nim, zgodnie z jego notatkami.

Ilya i Emilia Kabakow

kabakowie są głównymi gwiazdami nieoficjalnej sztuki radzieckiej i współczesnej sceny artystycznej. Dzięki Ilyi i Emilii Moskiewski konceptualizm stał się najbardziej znanym współczesnym rosyjskim ruchem artystycznym na świecie. Para mieszka na Long Island w Nowym Jorku od końca lat 80. i ma swoje wystawy w Museum of Modern Art w Nowym Jorku, Centre Pompidou w Paryżu, Tate Gallery w Londynie i Ermitażu w Petersburgu.

W w 2008 roku „The beetle” pobił rekord cenowy: został sprzedany za 2,6 miliona funtów (prawie 6 milionów dolarów), a dzieło kabakowa stało się najdroższym z żyjących rosyjskich artystów. Od tego czasu pozostają na szczycie tej listy.

Orest Kiprensky

Kiedy kiprenski skończył portret wielkiego poety Aleksandra Puszkina, ten ostatni zadedykował mu wiersz, w którym powiedział: „tak więc od teraz moje spojrzenie będzie znane w Rzymie, Dreźnie i Paryżu.”

przepowiednia poety okazała się słuszna. Malarz portretowy Kiprensky, który na Zachodzie był porównywany, a czasem nawet mylony z Rembrandtem i Rubensem, stworzył to, co stało się najsłynniejszym przedstawieniem Puszkina w kulturze popularnej: tak wygląda wielki poeta dla ludzi w Rosji i reszcie świata.

Ivan Kramskoi

nie ustalono jeszcze, kim jest ta młoda kobieta, przedstawiona przez ideologa „rosyjskich peredwizników”. Kramskoi postanowił zachować tajemnicę i nie ujawnił swojej tożsamości, nawet w pamiętnikach i notatkach znalezionych po jego śmierci. Obecnie jeden z najbardziej charakterystycznych portretów w sztuce rosyjskiej jest nazywany „rosyjską Mona Lisą”.

Konstantin Korovin

wybitny przedstawiciel z „rosyjskiego impresjonizmu”, korowin zainspirował się miastem Paryż i namalował tam wiele swoich najlepszych krajobrazów. Nie jest więc zaskakujące, że odniósł ogromny sukces we Francji: tam został odznaczony Orderem Legii Honorowej i otrzymał złote i srebrne medale za swoje prace.

Po rewolucji rosyjskiej artysta postanowił uciec z Kraju Sowietów: uznał politykę nowego rządu za opresyjną. W 1922 otrzymał pozwolenie na wyjazd – na leczenie i prowadzenie osobistej wystawy – ale nigdy nie wrócił. Nic dziwnego, że osiadł w Paryżu.

Alexander Kosolapov

Coca-Cola Zwrócił uwagę FBI, jego wystawy w Rosji zostały odwołane, a niektóre z jego prac trafiły nawet do sądu. Jego metoda polega na łączeniu rzeczy, których nie można połączyć, takich jak na przykład profil Lenina ze słynnym logo firmy.

rzeczywiście, sztuka kosolapowa jest prowokacyjna i często skandaliczna, ale to nie przeszkadza mu pozostać szanowanym mistrzem sztuki sots (sowieckiej wersji pop-artu), którego prace można znaleźć w kolekcjach najlepszych muzeów na świecie.

Irina Korina

Dla Koriny, uczestnik głównego projektu na Biennale w Wenecji 2017, nawet najbardziej pozornie nieistotne szczegóły codziennego życia, od moskiewskiej iluminacji ulicy przez wieńce pogrzebowe po siatki rusztowań, są kwestią do refleksji. Opisywana jest jako mistrzyni instalacji totalnej. Ostatnie wystawy indywidualne koriny odbyły się w Fundacji GRAD w Londynie, Brooklyn Academy of Music w Nowym Jorku oraz na Steirischer Herbst festival w Grazu w Austrii.

„the tail wags the comet”, Ogromna trzypiętrowa wieża, pojawiła się w Moskiewskim Muzeum garażowym i stała się zbiorem cytatów z jej kariery.

Piotr Konczałowski

jest znany jako „główny rosyjski cezannista”, główny „rosyjski impresjonista” i jeden z najbardziej „kosztownych” rosyjskich artystów na międzynarodowych aukcjach. Mimo że dużo pożyczył od francuskich artystów, Konczałowskiemu udało się jednak znaleźć swój własny styl, który Zachodni krytycy często opisywali jako „Słowiański”.

w domu współcześni konczałowskiemu odrzucili jego sztukę tak bardzo, że nawet nie chcieli wystawiać swoich prac obok niego. Kiedy jednak w 1924 r. ZSRR po raz pierwszy wziął udział w Biennale w Wenecji, były to obrazy Konczałowskiego – 13 z nich – wystawione w sowieckim pawilonie.

Witalij Komar& Alexander Melamid

główne „Trolle” oficjalnej sztuki radzieckiej stworzyły swój własny unikalny gatunek sztuki sots, sowieckiego odpowiednika pop artu. Robili kotlety z sowieckiego ustnika, gazety Prawda, przedstawiali się jako Lenin i Stalin, podpisywali główne radzieckie hasła swoimi nazwiskami i umieszczali Lenina na logo McDonalds.

nawet po opuszczeniu ZSRR artyści nie zaprzestali swojego żrącego trollowania. Na liście ich celów znaleźli się Andy Warhol (którego nazywają „idiotą”) i Gerhard Richter („tak malowałoby się zwierzę, gdyby dano mu pędzel”).

Valery Koshlyakov

obrazy Koshlyakova mają wiele uderzających cech charakterystycznych: prawie zawsze są malowane na teksturowanej tekturze falistej, a prawie zawsze jego miejskie krajobrazy „spływają” po powierzchni płótna. Obrazy przeszłości, ruiny, mitologia grecka, pamięć – to jego ponadczasowe, aktualne postacie.

Koshlyakov obecnie mieszka w Paryżu i jest bardzo poszukiwany: wystawiał w Luwrze, Muzeum Guggenheima, Biennale w San Paolo i Wenecji. Jednak nawet w dzisiejszych czasach lubi z ironią wspominać, że jego pierwsza wystawa odbyła się w prowincjonalnej publicznej toalecie.

Geliy Korzhev

korżew żartobliwie nazywał siebie „starym socrealistą”. Krytycy sztuki określili go jako”przedstawiciela surowego stylu”. Jednak Sztuka Korżewa wykracza poza te granice: mimo zajmowania dość wysokich stanowisk w Związku Artystów radzieckich, udało mu się uciec od politycznych zleceń w zmysłową, czasem surrealistyczną sferę. Jest przede wszystkim artystą o silnych ludzkich emocjach, dla których wojna, rewolucja i radzieckie „projekty budowlane stulecia” były tylko tłem.

Arkhip Kuindzhi

był często oskarżany o stosowanie różnych sztuczek, takich jak używanie ukrytych urządzeń do oświetlania swoich obrazów. Z drugiej strony, jego życzliwi nazywali go „rosyjskim Monetem” za mistrzowską pracę z kolorami. Jego „Księżycowa noc…” z odbiciem księżyca w Dnieprze stała się sensacją. Tym bardziej, że po raz pierwszy w historii sztuki rosyjskiej wystawa składała się z jednego dzieła.

jego sukces był taki, że Kuindzhi udał się na dobrowolne wygnanie na 30 lat: krytycy nie akceptowali prac, które następowały po ” księżycowej nocy…”, a artysta spędził długi czas zmagając się z nią.

Boris Kustodiev

narodowy smak, od samowarów i jarmarków po pulchne kobiety w kolorowych sukienkach, przyciągnął Kustodiewa i odróżnił go od innych artystów swoich czasów. Jest jedynym rosyjskim artystą, który zdobył złoty medal na Biennale w Wenecji.

„piękno”, przedstawienie żony rosyjskiego kupca, stało się jego manifestem i wynikiem poszukiwań wyjątkowego stylu. „Szczupłe kobiety nie inspirują do kreatywności” – mawiał. To i inne słynne prace artysta tworzył już będąc sparaliżowany-miał kilka operacji na rdzeniu kręgowym.

Oleg Kulik

„wściekły pies” to pierwszy występ Olega Kulika: nago czołgał się na czworakach i atakował przechodniów. Jego główny bohater stał się jednym z symboli szalonych lat 90., a Kulik – jednym z założycieli Moscow action art.

później artysta próbował się w różnych stylach i technikach, od rzeźby do malarstwa, i nadal eksperymentuje do dnia dzisiejszego. Jego prace znajdują się w Centre Pompidou w Paryżu i Tate Modern w Londynie.

Michał Łarionow

a człowiek postrzega Nie obiekt, ale skupisko promieni pochodzących ze źródła światła i odbitych od tego obiektu – tak larionow tłumaczył rayonizm, awangardowy nurt sztuki abstrakcyjnej, który wymyślił.

jednocześnie sam Larionow nieustannie balansował między sztuką reprezentacyjną a abstrakcyjną, pozostawiając po sobie dość zróżnicowaną spuściznę. Był żonaty z” Amazonką awangardy ” Natalią Gonczarową, ale w przeciwieństwie do żony, przebywając na emigracji we Francji przez ostatnie 30 lat życia, nie stworzył nic znaczącego.

Aristarkh Lentulov

Lentulov odważnie żonglował różnymi stylami: jego prace były pod wpływem symbolistów i impresjonistów, teraz kubistów i abstrakcjonistów. Ale był jednym z pierwszych, którzy budowali swoją sztukę wokół koloru, a nie przedmiotu.

burzliwe kolory jego różnych prac przyniosły mu przydomek „artysty słońca”. Aby dać tylko jeden wymowny przykład z życia Lentulova: w rocznicę rewolucji październikowej namalował drzewa i trawnik na Placu Teatralnym (obok Kremla) w brutalnym fioletowym kolorze.

El Lissitzky

To tak wygląda plakat propagandowy, jeśli jest tworzony przez zagorzałego zwolennika suprematyzmu. Czerwony trójkąt symbolizuje Armię Czerwoną bolszewicką, która klinem miażdży obronę imperialistycznej Białej Armii.

El Lissitzky był współpracownikiem Malewicza i przyczynił się do rozwoju idei sztuki awangardowej. Na przykład to dzięki niemu suprematyzm wszedł do architektury.

Isaac Levitan

Levitan był zakochany w rosyjskiej wsi i został mistrzem „nastrojowego krajobrazu”. Ostatecznie to zapewniło mu członkostwo w Akademii Sztuk Pięknych. Niektórzy nauczyciele Levitana uważali, że Żyd nie powinien dotykać rosyjskiego krajobrazu, ponieważ tylko etniczni rosyjscy artyści mogą przedstawiać rosyjską naturę. Ponadto Levitan został wydalony ze stolicy dekretem królewskim, ponieważ był Żydem.

jeszcze, czas wszystko wyprostował: panuje powszechna opinia, że „ponad wiecznym pokojem” jest „najbardziej rosyjskim” ze wszystkich obrazów o tematyce rosyjskiej.

Dmitry Levitzky

tutaj jest kolejnym XVIII-wiecznym mistrzem oficjalnego portretu. Jego talent przejawia się w znakomitym kręgu jego opiekunów, od cesarzowej Katarzyny Wielkiej i francuskiego filozofa Denisa Diderota po prokofija Demidowa, magnata górniczego.

Demidow miał reputację wykształconego potentata i ekscentryka. Na przykład, gdy kupił wszystkie włókna konopi w Petersburgu zwykle zarezerwowane dla Brytyjczyków, aby dać im lekcję, który podczas pobytu w Anglii zmusił go do zapłaty wygórowanej ceny za towar, którego potrzebował. A na swój oficjalny portret Demidow zdecydował się ubierać Nie w mundur ze wszystkimi nagrodami, ale w szlafrok i czapkę nocną…

Kazimierz Malewicz

Malewicz jest głównym symbolem rosyjskiej awangardy, a Jego „Czarny kwadrat” jest obrazowym manifestem suprematyzmu. Malewicz uważał, że po Suprematyzmie nie ma sztuki, więc zasugerował spalenie wszystkich obrazów i wystawienie ich prochów w muzeach. Tragicznie, to właśnie częściowo wydarzyło się w pierwszych miesiącach po rewolucji bolszewickiej 1917 roku.

Filipp malyavin

„”W ten sposób Petersburska Akademia Sztuk zareagowała na ekspresjonistyczną pracę dyplomową Malyavina „śmiech”. Absolwent nie rozpaczał, a dwa lata później zabrał ze sobą śmiejące się chłopki do Paryża. Tam płótno wywołało sensację na światowych targach: artysta otrzymał złoty medal, a obraz został kupiony przez rząd włoski dla Galerii Sztuki Nowoczesnej w Wenecji.

malyavin powrócił do Rosji jako celebryta. Cała krytyka „śmiechu”została szybko zapomniana i w 1906 roku został członkiem Akademii.

Vladislav Mamyshev-Monroe

mistrz reinvention, zamienił swoje życie w spektakl na całe życie. Praktycznie jedyny przedstawiciel sztuki parodii w Rosji, Mamyshev-Monroe eksplorował osobowości znanych postaci w historii świata i popkulturze, przymierzając swoje obrazy dla siebie.

podczas swojego krótkiego życia (zmarł w wieku 44 lat) artyści próbowali wielu znanych osobistości, od Marilyn Monroe i Hitlera po Jezusa Chrystusa i Lenina po Andy’ego Warhola i Władimira Putina.

Konstantin Makowski

pod koniec XIX wieku Makowski był uważany za modnego i drogiego malarza portretowego i autora obrazów historycznych. Miał też na swoim koncie Duży Złoty medal Targów paryskich.

jeszcze, Makowski też często malował wzruszające i sentymentalne obrazy o trudnym wiejskim życiu. Jego Bosa dziewczyna biegnąca z bratem przed burzą to prawdziwa scena z życia obserwowana przez artystę podczas jednej z jego podróży do rosyjskich prowincji.

Vera Mukhina

One z głównych symboli epoki sowieckiej i monumentalnej propagandy, 24-metrowa „robotnica i kołchozowa kobieta” została stworzona na wystawę światową w Paryżu w 1937 roku. Autorka, Vera Mukhina, chciała przedstawić dwie postacie nago, jednak partia zażądała, aby były”ubrane”. Ten szczegół nie umniejszył jednak efektu, jaki pomnik: Francuzi chcieli go nawet kupić, ale Związek Radziecki odmówił.

Wiera Mukhina realizowała państwowe zamówienia na pomniki od 1920 roku, ale pomimo licznych nagród (sama miała cztery nagrody stalinowskie), nigdy nie zlecono jej wykonania rzeźb ani Lenina, ani Stalina. Powodem było to, że Mukhina nie została uznana za wystarczająco wiarygodną. Na początku lat 30. została nawet wydalona z Moskwy, a po wystawie w Paryżu wydano rozkaz, aby nigdy nie pozwolić jej na wyjazd za granicę.

Irina Nakhova

nakhova jest uważana za autorkę pierwszych „totalnych instalacji” w rosyjskiej sztuce współczesnej. W połowie lat 80. zmieniła jeden z pomieszczeń w swoim mieszkaniu nie do poznania, stając się jednocześnie autorką swojej pracy i postacią żyjącą w nim. Tak więc przez kilka lat jej mieszkanie służyło jako poligon doświadczalny dla jej eksperymentów. W 2015 roku Nakhova została pierwszą artystką, która została wystawiona w rosyjskim pawilonie na Biennale w Wenecji.

Ernst Neizvestny

Neizvestny stworzył monumentalne dzieła można to dziś zobaczyć w Rosji, na Ukrainie, w USA, Egipcie, Szwecji i Watykanie. Jednak w Związku Radzieckim rzeźbiarz był poddawany ostracyzmowi. Z powodu nieporozumień z oficjalnym stylem kulturalnym-realizmem socjalistycznym – był nękany przez gazety, bity na ulicy i wzywany na rozmowy z urzędnikami partyjnymi. Ówczesny szef państwa Nikita Chruszczow nazwał swoje prace „sztuką zdegenerowaną”. Jak na ironię, gdy Chruszczow zmarł, jego rodzina zleciła nagrobek Ernstowi Neizvestnemu (a on wykonał go z dwóch marmurowych bloków — białego i czarnego — symbolizujących wewnętrzne sprzeczności Chruszczowa).

dziełem jest „maska smutku”, 15-metrowy pomnik w Magadanie, poświęcony pamięci ofiar represji politycznych. Stoi na terenie stalinowskiego obozu przejściowego, skąd więźniów wysyłano do obozów pracy w Kołymie.

Vladimir Nemukhin

nemukhin jest jednym z najważniejszych przedstawicieli radzieckiej sztuki nonkonformistycznej. Został wydalony z Instytutu Sztuki za swój radykalny język i oficjalnie zakazany, chociaż cieszył się popularnością wśród publiczności w okresie odwilży Chruszczowskiej.

w 1956 roku poznał Oscara Rabina i dołączył do grupy Lianozovo. Przez wiele lat jego ulubioną sztuczką,” podpisem ” i tematem wielu jego prac były karty do gry. Były zawsze obecne w jego pracach – jako pojedyncza karta, w parach lub w pasjansie-stając się symbolem niepewności przyszłości.

Michał Nesterov

artysta religijny Nesterov stworzył obraz „rosyjskiego Chrystusa” poprzez wizerunek Sergiusza z Radoneża, świętego i ascety rosyjskiego Kościoła prawosławnego. Nesterov poświęcił mu ogromny cykl obrazów, ale uznał ” wizję młodzieży…/ jego najlepsza praca.

a jednak Nesterov (który rzadko był zadowolony ze swoich prac i często je niszczył) uszkodził również to płótno: upadł na obraz, gdy po raz setny malował twarz młodzieży.

Timur Novikov

Nowikow jest założycielem i liderem jednego z głównych stowarzyszeń artystycznych w rosyjskiej sztuce współczesnej lat 80. Kiedyś wystawił tarczę ze sklejki z otworem w niej, nazywając dzieło „obiektem zerowym”. Novikov jest najbardziej znany ze swoich aplikacji tkaninowych.

praca rosyjskiej awangardy w nowych realiach i z nowymi materiałami. Pod koniec lat 90. wystawiał w Tate w Liverpoolu, w Stedelijk w Amsterdamie, w muzeach i galeriach w Berlinie, Hamburgu, Paryżu, Nowym Jorku, Moskwie i Petersburgu.

Borys Orłow

klasyk Sztuki sotsa, w swoich pracach Orłow bada styl imperialny i fenomen imperium w najszerszym znaczeniu. Jego prace mogą przedstawiać różne epoki historyczne w różnych kulturach, ale wszystkie obracają się wokół jednego tematu – patriarchalnego systemu opartego na idei dominacji.

jeden jego ulubionymi metodami jest użycie akcesoriów militarystycznych: „ponieważ imperium zwykle ma oblicze Wojskowe. I nawet niewojskowy zakłada Mundur.”

Anatoly Osmolovsky

osmolovsky jest głównym artystą aktywistów w Rosji, którego działania, poezja, wykłady, a nawet walki stanowiły ekscytującą deklarację polityczną w latach 90. XX wieku.niósł lodówkę z popiersiem Lenina w środku na Placu Czerwonym; wyłożył nieprzyzwoite słowo na tym samym placu z ciałami swoich towarzyszy; palił na ramieniu posągu Majakowskiego i stał za wieloma innymi działaniami i wydarzeniami.

w 1998 wraz z 300 innymi aktywistami zabarykadował ulicę Bolszaja nikitskaja, która prowadzi na Kreml, przez trzy godziny, poświęcając swoje działania rewolucji francuskiej 1968. Siedmiu przywódców tego orszaku zostało następnie skazanych i skazanych na grzywny.

Vasily Perov

wiele obrazów Perova wywołało gorące debaty wśród jego współczesnych. Artysta malował sceny z surowego życia zwykłych ludzi. „Trojka…”, przedstawiająca dzieci przywiezione ze wsi do miasta jako robotnicy najemni, jest prawdopodobnie jego najlepszą pracą na ten temat.

Jurij Pimenow

pimenow był lojalnym zwolennikiem polityki artystycznej partii komunistycznej. W najciemniejszych czasach stalinowskich czystek malował sielskie sceny z codziennego życia Sowietów oraz gloryfikowanych robotników fabrycznych i fabrykantów.

jego 'nowa Moskwa” jest jednym z najlepszych przykładów socrealizmu: kobieta, jako symbol nowej ery, przemierza kwitnącą Moskwę. Zakłada się, że jej celem jest nie mniej jasna i piękna przyszłość.

Paweł Pepperstein

pepperstein urodził się i dorastał w kręgu moskiewskich konceptualistów (jego ojcem jest słynny artysta Wiktor Pivovarov). Być może dlatego od samego początku żywił się jego twórczym impulsem. Dziś Pepperstein jest jednym z najbardziej płodnych rosyjskich artystów i znanym pisarzem.

w swoich pracach tworzy całe fikcyjne światy i własną mitologię. Co czyni go szczególnie popularnym wśród intelektualistów.

Kuzma Petrov-Vodkin

był synem szewca, który chciał malować ikony. Chociaż nie został malarzem ikon, artysta zyskał światową sławę dzięki wizerunkowi Mesjasza przedstawionego jako młody człowiek na czerwonym koniu. Stworzony kilka lat przed rewolucją rosyjską, obraz ten jest uważany za proroczy i ma liczne interpretacje. Według jednej z teorii koniem jest Rosja, która oczekiwała „czerwonego” przeznaczenia w XX wieku.

Dmitri prigov

według wykształcenia, prigov był rzeźbiarzem i w ten sposób zarabiał na życie w czasach sowieckich, chociaż cała jego pracowita działalność twórcza miała na celu sam stać się „pomnikiem”. W latach 70.stał się również znany jako poeta, który swoje recitale zamieniał w recitale. Jego tak zwane „puszki”, rzekomo zawierające pojedyncze słowa i całe wiersze, przypominają puszki Piero Manzoniego z napisem” Artist 's Shit”. W ten sposób Prigov przyrównał wiersze do wszystkich innych wydzielin ciała.

wraz z przybyciem pierestrojka, prigov odszedł od poetyckich performansów do sztuki konceptualnej: tworzył Grafiki, instalacje, kolaże, przekraczał idee, słowa i myśli, „rozszyfrowywał Genom kulturowy” i nowe symbole.

Wasilij Polenow

polenow, jeden z czołowych artystów religijnych, chciał stworzyć coś tak ambitnego, jak „pojawienie się Chrystusa przed ludem” Iwanowa. W tym celu wyruszył w roczną podróż przez Konstantynopol, Palestynę, Syrię i Egipt, skąd przywiózł pierwsze szkice do „Chrystusa i niewiasty Cudzołożnej”, swojego głównego dzieła. Podróż od pomysłu do ukończenia płótna opartego na scenie z Ewangelii Jana trwała aż 15 lat.

Lyubov Popova

mimo że zmarł bardzo młodo (z fever w wieku 35 lat wraz z synem), za życia artystce udało się być futurystą, uczniem Malewicza, adeptem kubizmu i wreszcie konstruktywistą. To właśnie w tym ostatecznym charakterze Popova projektowała ubrania robocze dla” rewolucyjnych ” zawodów.

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the „secret life of the human soul”. Według słów syna artysty, Pavla Peppersteina,” przez całe życie Pivovarov malował pokój duszy”, w którym wszystkie zewnętrzne atrybuty, takie jak widok z okna, stają się jego częścią.

głównym „wynalazkiem” Pivovarova był gatunek albumu koncepcyjnego. To właśnie w tym gatunku stworzył jeden ze swoich najsłynniejszych cykli „projekty dla samotnego człowieka”, malując codzienność, marzenia, wnętrze, a nawet niebo bohatera, który przeżywa skrajną samotność. Nawiasem mówiąc, wielu widzów rozpoznaje się w codziennej rutynie bohatera. „W zasadzie niewiele się to zmieniło” – mówi artysta.

Wasilij Pukirew

„wśród swoich kolegów artystów i studentów pozostawił ciepłą i trwałą pamięć, aw historii sztuki rosyjskiej – genialny, choć krótki ślad” – mówili współcześni artysty w nekrologu. Rzeczywiście, Pukirev, podobnie jak wielu jego kolegów, stał się autorem jednego arcydzieła.

’nierówne małżeństwo” doprowadziło go do rangi czołowych malarzy rodzajowych połowy XIX wieku, ale pozostał jedynym arcydziełem pukiriewa.

Grupa recyklingowa

Sztuka Grupa Andrey Blokhin i Georgy Kuznetsov z Krasnodaru została założona w 2008 roku i już trzykrotnie wystawiała na Biennale w Wenecji z kompletnymi instalacjami i multimedialnymi projektami dotyczącymi rozszerzonej rzeczywistości. Wszystkie ich prace, w taki czy inny sposób, są o życiu współczesnego człowieka w dobie Internetu i różnych gadżetów.

’konwersja’ jest ogromna konstrukcja, z rzeźbami i płaskorzeźbami przedstawiającymi „Neo-apostołów”, nosicieli nowej religii zwanej „globalną siecią”.

Oskar Rabin

Rabin jest liderem nonkonformizmu, nieoficjalnej sztuki radzieckiej lat 1960-70. jego obrazy są pełne wszystkiego, co zostało zakazane przez oficjalną sztukę radziecką-koszary, wysypiska śmieci, butelki wódki i zmięte gazety. Ukazują drugą, większą, stronę sowieckiej rzeczywistości.

The artysta powiedział, że wszystkie te śmieci z przedmieść to on sam: „całe życie malowałem jeden obraz – mój portret na tle kraju.”

Nicholas Roerich

filozof, podróżnik i orientalista o absolutnie wyjątkowym stylu, Roerich pozostawił spuściznę składającą się z ponad 7000 obrazów i szkiców, z których wiele jest obecnie przechowywanych w najlepszych muzeach na świecie. Całe życie podróżował, z których czerpał swoje tematy – z wyprawy w Himalaje i Indie do Azji Środkowej.

’Goście zza oceanu” został namalowany w Paryżu i opowiada o podróżach po starożytnej Rosji.

Ilya Repin

Repin był bardzo dobry w obrazowaniu cierpienia ludzi w XIX wieku. Surowe życie barkarzy i rewolucjonistów, codzienne sceny z życia klas niższych, procesje ludowe – wszystko to sprawiło, że stał się kluczową postacią rosyjskiego realizmu i twórcą historii społecznej. Jednak jego najbardziej kontrowersyjny obraz przedstawia epizod z innej epoki.

historia Iwana Groźnego zabicia własnego syna jest tak kontrowersyjna (historycy wciąż spierają się, czy to naprawdę się stało, czy nie), że arcydzieło Repina było wielokrotnie atakowane, nawet za życia artysty. Ostatni atak miał miejsce w 2018 roku, kiedy pijany Wandal spryskał płótno farbą.

Fiodor Rokotow

rokotow był jednym z najbardziej rozchwytywanych malarzy portretowych wśród Petersburskiej szlachty XVIII wieku, podczas gdy przedstawiona przez niego Alexandra struyskaya była uważana za jedną z najpiękniejszych kobiet wieku.

artysta był tak popularny, że mógł mieć do 50 niedokończonych portretów w swoim mieszkaniu w tym samym czasie. W 1763 namalował portret koronacyjny Katarzyny II.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the „father” of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

plakat Lengiz, głównego i jedynego oficjalnego wydawnictwa Radzieckiego, jest uderzającym przykładem awangardowej reklamy, ze wszystkimi jej ulubionymi technikami w postaci geometrycznych wzorów i jasnych plam. W jego centrum znajduje się fotografia lilii Brik,”muzy rosyjskiej awangardy”.

Olga Rozanowa

w historii z rosyjskiej awangardy jej „zielony pasek” jest nie mniej znaczący niż „czarny kwadrat” Malewicza. Początkowo jednak artystka i jej najlepsze prace pozostawały w cieniu głównego suprematyka, później niemal całkowicie o nich zapomniano, aż do ich ponownego odkrycia w latach 70.

Rozanova osiągnęła jeszcze więcej niż Malewicz: nie tylko umieściła kolor nad formą, ale także skutecznie rozwiązała dylemat tła. Jej pasek wygląda raczej jak projekcja, a nie postać na płótnie, wydaje się, że kontynuuje poza kadrem. Po raz pierwszy w historii malarstwa abstrakcyjnego efekt ten został osiągnięty.

najbardziej znane artysta religijny w historii Rosji, Andriej Rublew stworzył standard prawosławnego malarstwa ikonowego. W XVI wieku jego dzieła zostały uznane za wzór, do którego powinni dążyć wszyscy malarze ikon, a jego „Trójca” stała się duchowym symbolem całej sztuki rosyjskiej.

niewiele wiadomo o samym rublowie. Był mnichem i całe życie poświęcił Bogu i malarstwu. W 1988 Rosyjski Kościół Prawosławny kanonizował go jako świętego.

Aidan Salakhova

wielu określa sztukę Salakhovej jako „feministyczną” i „polityczną”, ponieważ eksploruje wschód i zachód, mężczyznę i kobietę, w uderzającej kombinacji seksu i islamu. Marmurowe falliczne minarety i czarne pochwy Kaaba uczyniły ją sławną i rozpoznawalną na całym świecie.

W na Biennale w Wenecji w 2011 roku jej „wstawiennictwo”, rzeźba kobiety w nikabie, musiała zostać przykryta białym prześcieradłem po tym, jak prezydent Azerbejdżanu („wstawiennictwo” zostało wystawione w pawilonie Azerbejdżanu) próbował je ocenzurować. Wielu dostrzegło w nim ogromną ironię: rzeźba została przykryta welonem, ponieważ prezydentowi nie podobało się to, że przedstawiała kobietę w welonie.

Zinaida Serebriakova

biorąc pod uwagę swój status w kulturze popularnej, Portret ten stał się prawdopodobnie głównym dziełem serebriakovej. Dla wielu jego spontaniczna i szczera natura czyni go uosobieniem kobiecości.

Kiedy portret został po raz pierwszy zaprezentowany publiczności, artysta Valentin Sierow powiedział o nim: „bardzo miła i świeża rzecz.”Obraz został natychmiast zakupiony przez Galerię Tretiakowską.

Walentin Sierow

dla rosyjskiej elity, Siedzenie na portrecie przez Sierowa było uważane za zaszczyt. Mistrz portretów psychologicznych, rosyjski impresjonista Walentin Sierow, malował znanych kompozytorów, pisarzy, członków rodziny cesarskiej i rosyjskich książąt.

i jeszcze, jednym z jego najważniejszych i najbardziej znanych płócien jest portret 12-letniej dziewczyny, very mamontova. Była córką Wielkiego przedsiębiorcy i filantropa, Savvy Mamontov, ale Serov później usunął jej nazwisko z tytułu obrazu. Według artysty malował nie córkę sławnej osoby, ale samą młodość.

Henryk Siemiradzki

dla prawie 30 lat Siemiradzki mieszkał w Rzymie. Zyskał reputację jednego z najwybitniejszych przedstawicieli późnego akademizmu Europejskiego, ale nie od razu i nie wśród wszystkich. Artysta interesował się tylko starożytnym światem jego mitami, uroczystościami i orgiami, za które dostał wiele flak w domu, gdzie Peredvizhniki były już w modzie z ich przedstawieniem chłopów, zubożałych sierot i innych elementów „prawdy życia”.

na przykład najbardziej wpływowy krytyk sztuki w tamtych czasach, Władimir stasow, uważał Siemiradzkiego za beznadziejnego klasyka, który „padł ofiarą wszystkiego, co włoskie”. Ze swojej strony Ilya Repin nazwał go szarlatanem, podczas gdy słynny kolekcjoner Tretiakov odmówił zakupu jego dzieł. Jednak rosyjscy carowie zawsze byli fanami akademizmu: na przykład „Phryne” został kupiony przez Aleksandra III prosto z wystawy.

Alexei Savrasov

artysta lirycznych krajobrazów, Savrasov szybko zdobył sławę i uznanie: w wieku 24 lat został już członkiem Akademii Sztuk Pięknych. Jednak z pokolenia na pokolenie ten realistyczny artysta jest pamiętany jako „cud jednego przeboju”: żaden z jego licznych krajobrazów nie może się równać z popularnością ” The Rooks…”. Każdy uczeń w Rosji zna ten podręcznik, ponieważ najprawdopodobniej musieli napisać na ten temat esej.

Iwan Szyszkin

jeśli zobaczysz obraz niesamowitego rosyjskiego lasu lub pól z sosnami na poboczu drogi, możesz być pewien, że jest to Szyszkin. Według sondażu przeprowadzonego przez Ogólnorosyjskie Centrum Badań Opinii Publicznej jest najbardziej rozpoznawalnym artystą w Rosji.

która może to być w dużej mierze zasługa cukierków Mishka kosolapy (niezdarny niedźwiedź), których opakowanie zawiera fragment tego obrazu. A przecież nikt tak jak on nie malował odległych zarośli, łąk i pól, zarówno pod względem ilości, jak i jakości. Las był wszystkim, czym Szyszkin się interesował.

Sylwester Szczedryn

wiele rosyjscy artyści XIX wieku odwiedzili europejską mekkę artystyczną, Włochy, ale niewielu uczyniło ją swoim twórczym domem. Malarz pejzażysta Shchedrin spędził praktycznie całe życie przedstawiając piękno Włoch, a w szczególności Neapolu. Tam też zmarł, zanim osiągnął 40. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

przedstawiciel sztuki Sots i, jak sam to określił, „folk pop art”, przez ponad 30 lat Sokov pracował z mitami, obrazami i symbolami kultury rosyjskiej, zestawiając je z zachodnią cywilizacją.

artysta i rzeźbiarz opuścili ZSRR do USA, aby „nie pęknąć” pod naciskiem totalitarnego systemu porządku państwowego, który dyktował artyście wszystko, aż do najmniejszych szczegółów: „w której ręce Lenin powinien trzymać czapkę, jak długie powinny być spodnie pioniera i która była obrotową stopą Marksa” – odparł sokov.

Wasilij Surikow

Surikow wyrobił sobie renomę, przedstawiając różne tragiczne momenty w historii Rosji. Na przykład „Bojarina Morozova” opowiada historię zaciętej walki ze starymi wierzącymi: Morozova zostaje wywieziona do klasztoru (co było równoznaczne z więzieniem) w czasie schizmy kościelnej.

Włodzimierz tatlin

mimo że Pomnik To The Third International, czyli tatlin ’ s Tower, nigdy nie została zbudowana, stała się najbardziej emblematycznym pomysłem artysty i znakiem rozpoznawczym konstruktywizmu na całym świecie. Tatlin zaprojektował swoją wieżę jako symbol rewolucji 1917 roku, która miała powstać w Leningradzie (obecnie Petersburg).

jednak przez pod koniec lat 20.kierownictwo radzieckie straciło zainteresowanie awangardowymi artystami i przestało się z nimi angażować, więc wieża nigdy nie została zbudowana.

Oleg Tselkov

Fundacja Kulturalna „Katarzyna”

ten nonkonformistyczny artysta przez całe życie malował praktycznie jedną i tę samą postać – zdeformowany obraz człowieka, mutanta. „Nie jest to portret konkretnej Opiekunki, ale portret uniwersalny… i strasznie znajomy – wyjaśnił Tselkov. „Przypadkowo udało mi się oderwać maskę od ludzkości.”

radzieckie kierownictwo nie było szczególnie lubiane owej”odwrotnej strony ludzkiej osobowości”. W 1977 roku Tselkov został poproszony o opuszczenie kraju i wyjechał do Francji. Dopiero w 2015 ponownie uzyskał obywatelstwo rosyjskie.

Paweł Tchelitchew

ten patriarcha mistycznego surrealizmu urodził się w Rosji, ale większość życia spędził w Europie i Ameryce, gdzie rozwinął technikę swoich słynnych antropomorficznych krajobrazów. Ze względu na podobieństwo stylu często jest opisywany jako „Rosyjski Dali”, z tą różnicą, że Tchelitchew jako pierwszy w swoich dziełach prezentował elementy mistycznego surrealizmu: mówią, że dziewięć lat wcześniej Salvador Dali zrobił to samo.

obecnie jego prace znajdują się w największych europejskich muzeach i kolekcjach, podczas gdy w Rosji tylko Galeria Tretiakowska posiada jeden tchelitchew. „Fenomen” został potajemnie przywieziony do Rosji przez przyjaciela Tcheliczewa, choreografa Lincolna Kirsteina. Przekazał go Galerii Tretiakowskiej, ale do połowy lat 90. pozostawał w magazynach muzeum.

Szymon Uszakow

Romanowowie objęli tron w 1613 roku. Dynastia rządziła krajem przez wieki, ale na samym początku potrzebowała czegoś, co potwierdziłoby jej legitymizację. Główną rolę odegrał w tym obraz linii rodziny królewskiej stworzony przez malarza ikon Uszakowa. Krytycy sztuki nazywają to pierwszym i najlepszym uzasadnieniem twierdzenia, że Romanowowie otrzymali swoją władzę z góry.

Romanowowie musieli zgodzić się z tą oceną: uczynili Uszakowa głównym malarzem ikon imperium i obdarzali go łaskami aż do śmierci.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov próbował się w różnych stylach i rodzajach pracy, od malowania fresków kościelnych (jak w kościele Zbawiciela na rozlanej krwi w Petersburgu) do tworzenia zakrzywionych secesyjnych zdobień. Jednak dla większości Rosjan kojarzony jest wyłącznie z postaciami z rosyjskich bajek. W popularnej wyobraźni postacie te wyglądają bardzo tak, jak je przedstawił Wasnetsov.

obraz „bogatyry”, przedstawiający popularnych słowiańskich superbohaterów dobrynię nikiticza, Ilję muromca i Alosza Popowicza, zajął mu prawie 20 lat.

Aleksiej Wenetsianow

wenetsianov był jednym z pierwszych artystów, którzy przedstawiali sceny z życia zwykłych ludzi, tworząc nazwę dla siebie w „chłopskim gatunku”. Jednocześnie nie interesował się szczególnie praktycznymi aspektami życia codziennego chłopów.

” Lato. Reaping’, 1830
Alexey Venetsianov / Tretiakov Gallery

jego obrazy były bardziej o przestronności, wolności i ogromu. Wielu uważa, że jego „żniwa” obraz uosabia prawdziwy rosyjski krajobraz.

Wasilij Wereszczagin

malarz scen bitewnych, Wereszczagin Zwykle malował to, co widział na własne oczy. Brał udział w wielu wojnach i podróżował po świecie z Indii do Syrii. Sam organizował wystawy w Nowym Jorku i Londynie, często wystawiając nie tylko swoje obrazy, ale także trofea z pola bitwy.

jednak jego „apoteoza wojny” jest wyjątkiem, ponieważ namalował ją nie z życia, ale z idei w głowie. Na jego ramie artysta napisał: „Poświęcony wszystkim wielkim zdobywcom-przeszłości, teraźniejszości i przyszłości.”

Vrubel kojarzony jest przede wszystkim z wizerunkiem demona, którego malował wielokrotnie i obsesyjnie. Obraz upadłego anioła cierpiącego na jego demoniczną naturę został zainspirowany wierszem Michaiła Lermontowa o tym samym tytule. Vrubel wykonał około 30 szkiców do tego obrazu.

Vrubel przyznał, że w swoich koszmarach też widział demona. Ostra psychoza, którą artysta rozwinął w późniejszym życiu, w połączeniu z obsesją na punkcie jednego obrazu, skłoniła współczesnych do wniosku, że Vrubel oszalał z powodu uzależnienia od demonizmu.

Vladimir Weisberg

Weisberg wyróżnia się w kontekście sztuki rosyjskiej: nie należy ani do sztuki oficjalnej, ani do nonkonformistów. Jego charakterystyczny styl to tak zwane „białe malarstwo”, obrazy, które wydają się być pomalowane białą farbą na białym tle. Według samego Weisberga starał się osiągnąć „niewidzialną sztukę”.

w rzeczywistości prawie nigdy nie używał białego pigmentu. Jego obrazy są misterną kombinacją małych wielobarwnych cząstek. „Obraz powinien stać się biały, jeśli wszystkie, dosłownie wszystkie, jego kolory, pasują do siebie”, zwykł mawiać.

Vladimir Yankilevsky

A pionier moskiewskiej „nieoficjalnej sztuki” i wieloletni samotnik, jankilewski nie pasował do żadnego stowarzyszenia artystycznego i zawsze był na uboczu. Wielu po prostu nie rozumiało jego egzystencjalnych dzieł: przez całe życie malował metafizycznego „człowieka przeciwnego wieczności”.

idea ludzi w pudełka przyszły do niego pod wpływem egzystencjalizmu. Te „egzystencjalne pudełka” stały się metaforą osoby, której aspiracje i marzenia zawsze pojawiają się pod ścianami społecznego środowiska. Trzeba powiedzieć, że życie w ZSRR bardzo sprzyjało temu postrzeganiu rzeczywistości.

Vadim Zacharov

W w latach 70.Zakharov dołączył do kręgu moskiewskich konceptualistów, zaczynając od absurdalnych działań, a kończąc na malarstwie. „W latach 1985-1989 stworzyłem wiele ogromnych obrazów, po których nie namalowałem ani jednego z wyjątkiem kilku wykonanych w węglu drzewnym, a teraz powrót do płótna i oleju jest dla mnie torturą” – powiedział. W 1989 roku przeniósł się do Kolonii, gdzie rozpoczął się nowy etap w karierze artystycznej – instalacje.

jego projekt „Danae” stał się sensacją na Biennale w Wenecji. W pierwszą godzinę po jego otwarciu ustawiła się kolejka do rosyjskiego pawilonu, aby przyjrzeć się wyjątkowemu procesowi słynnego starożytnego greckiego mitu materializującego się poprzez Złoty deszcz monet z napisami trust, freedom, love, and unity wylewającymi się z pokoju, w którym wpuszczano tylko widzów płci męskiej, do „łona”, w którym wpuszczano tylko widzów płci żeńskiej.

Konstantin Zvezdochetov

to rosyjski Król kiczu, bez którego żadna wielka wystawa sztuki współczesnej nie może się obejść. Zvezdochetov należy do pokolenia artystów radzieckich, którzy jako pierwsi weszli na międzynarodową scenę artystyczną i stali się znani jako „współczesna sztuka Rosyjska”.

„Che Guevara”, 2000
net

był czas, kiedy obraził się, że nazywa się go „artystą”. Powiedział: „jestem osobą, która oferuje interpretacje… Wszystko co robię to cytaty i kompilacje.”

Anatoly Zverev

russiainphoto.ru

często nazywany jest „rosyjskim Van Goghem”. Robert Falk powiedział o nim: „każdy dotyk jego pędzla jest bezcenny”, podczas gdy sam Picasso odbił się echem. Dekorator z zawodu, Zverev wszedł na scenę artystyczną pod koniec lat 50., aw 1965 r.Jego pierwsza międzynarodowa wystawa odbyła się w Motte w Paryżu, chociaż sam nigdy nie wyjechał za granicę.

System Sowiecki nie lubił Zvereva. Policja ścigała go, aby go aresztować za „pasożytnictwo” (które było przestępstwem w ZSRR), podczas gdy żył wyłącznie dla swojej sztuki i dla swojej jedynej miłości i Muzy, wdowy po poecie Nikołaju Aseevie, Kseni Aseevie, która była starsza o 39 lat.