AES+f group

AES+f anses vara en av de mest framgångsrika och kända konstgrupperna idag och har utställningar över hela världen. Multimediainstallationerna och projekten av Tatyana Arzamasova, Lev Yevzovich, Yevgeny Svyatsky och Vladimir Fridkes ägnas främst åt global kultur och en analys av moderna värderingar.

deras installationsfilm” Inverso Mundus ”(Latin för” inverterad Värld”) visades på Venedigbiennalen och turnerar fortfarande museer runt om i världen.

Ivan Aivazovsky

ingen målar havet som Ivan kunde! Målaren Aivazovsky vördades som en av de mest produktiva konstnärerna och skapade över 6000 havslandskap. Konsthistoriker och konstkritiker anser att’ Svarta havet ’ konstverk är hans magnum opus, resultatet av konstnärens omprövning av hans liv och karriär.

Yuri Albert

Albert’s famous artworks with text often become Internet memes, while his retrospective exhibition, ”What did the artist mean by that?”på Moskva Museum of Modern Art, förblev i ett tillstånd av permanent förändring under hela dess varaktighet. Det här är vad Yuri Albert handlar om. Vid 15 års ålder befann sig denna konceptualistiska konstnär i Komar och Melamids verkstad, under vars inflytande han började skapa verk som omprövar kärnan i modern konst.

Alberts favorittrick är att ta ett välkänt verk, ändra det och förvandla det till sitt eget, samtidigt som man deltar i en polemik med originalet. Ta till exempel hans landmärkeserie av verk där konstnären ironiskt jämför sig med internationella konststjärnor.

Leon Bakst

den europeiska framgången för Sergei Diaghilevs berömda ryska årstider i Paris berodde till stor del på Bakst. Hans uppsättningar och kostymskisser för Ballets Russes productions blev en känsla i sig: de ställdes till och med ut i Louvren, medan Baksts orientalistiska stil satte ett mode i Paris för turbaner, breda byxor och färgade peruker.

Andrey bartenev

den excentriska bartenev gjorde sig ett namn på 1990-talet: hans kostymer gjorda av alla tillgängliga material, liksom föreställningar och installationer, blev en symbol för tiden.

sedan dess har han blivit känd som ”a master of the outrageous”, en enmans festlighet och en gångföreställning: bartenev sticker ut i en folkmassa tack vare sina ljusa freakish kostymer. De fortsätter att vara hans sätt att utforska världen eller ompröva bekanta tomter.

Ely Bielutin

avantgardekonstnären Bielutin hade ett rykte för experiment och mystifiering. Han inrättade en studio i Moskva och en slags skola som heter New Reality, som förenade mer än 3000 artister. År 1962 utställdes verk av hans Studios abstrakta konstnärer på Manezh exhibition hall i Moskva.

utställningen besöktes av kommunistpartiets generalsekreterare Nikita Khrusjtjov, som hatade det han såg och beskrev det ”en röra”. Därefter förbjöds den nya verkligheten praktiskt taget, med Bielutin som en enstöring och visade inte sina verk nästan fram till perestroika.

Victor Borisov-Musatov

Borisov-Musatov var en Symbolist, som specialiserade sig på att måla förfallna gamla herrgårdar, trädgårdsfester och medlemmar av den ryska adeln vid sekelskiftet. De säger att han som representant för silveråldern försökte fånga ”The vanishing world” och de sista ekon av en utgående era.

’poolen’ var utgångspunkten för hans erkännande som en symbolistisk konstnär: målningen visar sin syster och brud som sitter vid en lantdamm. Bilden blev hans bröllopsgåva till sin fru och hans första betydande framgång.

Karl Bryullov

Bryullov var en av de bästa porträttmålarna i sin tid. Han målade officiella och privata porträtt av den ryska aristokratin, deltog i kejserliga mottagningar och kände Alexander Pushkin.

men allt som kom efter 12 år som bodde i italien, varav sex Bryullov hade arbetat med sitt monumentala arbete ’pompeiis sista dag’. För det fick konstnären Grand Prix på Paris-utställningen och erkännande i Europa och Ryssland.

Vladimir Borovikovsky

han målade den ryska aristokratin, inklusive kejsaren, men är bättre känd för sina porträtt av unga damer, som inte bara visas i Tretyakovs galleri i Moskva utan också på Louvren i Paris. Borovikovskijs varumärkesprestation var hans förmåga att uttrycka den distinkta sensualiteten hos sina modeller.

Grisha Bruskin

In the Soviet Union, his works were rejected, and he found recognition only with the start of perestroika. 1988, vid Sothebys första och enda auktion i Sovjetunionen, såldes hans ”grundläggande lexikon” till en västerländsk samlare för en (då) rekordbrytande $416 000 (efter ett förhör av KGB, föregångaren till FSB). Ett par veckor senare var Bruskin i Amerika, och hans arbete har sedan dess utställts i världens mest kända museer.

’grundläggande Lexikon’ är en serie dukar där många gipsfigurer – pionjärer, idrottare, proletärer, Komsomol – medlemmar-bär emblemen för officiell sovjetisk kultur, den visuella koden för sovjetisk massagitation och propaganda.

David Burliuk

Burliuk fick erkännande som ”Fadern till Rysk Futurism” både i Ryssland och utomlands, i synnerhet i New York, där han bosatte sig 1922 och var aktiv i pro-sovjetiska kretsar. Burliuk främjade futurism och kubism på alla sätt tillgängliga för honom: han publicerade en tidning, tryckta broschyrer, skrev dikter och recensioner och målade.

äkta framgång kom till honom med hans ”portrait of my uncle”, burliuks enda målning som han lyckades hitta en köpare för i nästan varje stad. Det blev hans manifest av cubo-futurism. ”Konstnären skapade snabbt på ett hotell genom att limma tidningsutklipp i ett vinkelrivet ansikte, som hade tre ögon, två näsor och så vidare”, minns hans vän och kollega Yevgeny Spassky.

Erik Bulatov

Bulatov var en av grundarna av sots art, tillsammans med Komar och melamid. Hans separatutställningar hålls i ledande museer och gallerier runt om i världen.

”rymden är frihet”, brukade Bulatov säga. Bokstavligen är ’Glory to CPSU’ en sovjetisk slogan som ställs mot bakgrunden av en blå himmel. Metaforiskt är det frihet som sipprar även genom nätet av kommunistisk ideologi.

Marc Chagall

en av ledarna för den ryska Avantgarde, Marc Chagall skapade sin unika, oändliga stil. Hans mest kända verk visar allt som konstnären hade i det ögonblicket i sitt liv: sig själv, hans fru och eviga muse Bella och husen i hans inhemska Vitebsk.

denna komposition stannade med Chagall i emigration i Frankrike också, förutom att han ersatte sig själv och sin fru med ett nygift par och Vitebsk med Paris.

Olga Chernysheva

Chernysheva är en av de mest internationellt eftertraktade ryska artisterna idag. Hennes målningar, videor, grafik och fotografier presenterades på flera Venedigbiennaler och utställs på museer från Wien till New York.

hon är en främling till monumentalitet och är inspirerad av livets små artefakter: vardagliga händelser, som en sång på tunnelbanan eller hemlösa som sover på en bänk. Hon använder dessa vardagliga scener för att skapa en bild (och en mycket intim) av det moderna Ryssland.

Ivan Chuikov

en annan hjälte av den sovjetiska konstnärliga tunnelbanan fascineras Chuikov av tanken att kombinera illusion och verklighet, olika stilar och språk. Så här kom hans’ Windows… ’ – serie till. Till exempel kan man i sin ”romerska” profil dechiffrera Piero della Francescas berömda porträtt av Federico da Montefeltro. Men för Chuikov är det bara en silhuett och en röd prick. Vad är det egentligen? Solen? Eller en röd prick lasersikte som pekar på templet för en klassiker som förlöjligas av postmodernism?

chuikovs verk finns i Centre Pompidou, Zimmerli konstmuseum, Ryska museet och Tretyakovs galleri.

Aleksandr Deyneka

denna stora figur i sovjetisk officiell konst var en av pelarna i socialistisk realism och firade god hälsa, sport, arbete och det nya sovjetiska sättet att leva. Han polerade denna stil till perfektion: hans starka, pumpade upp män och kvinnor outtröttligt och med ett leende på deras ansikten, försvara städer, arbeta i fabriker och förhärliga festen.

deynekas samtida antingen avgudade eller hatade honom: där han avbildade hjältemod i kommunismens namn såg andra berövande och brist på val. Trots allt skapades hans utopiska projekt mot bakgrund av massfattigdom och repressalier.

Elena Elagina och Igor Makarevich

denna duo av Moskvas Konceptualister, som redan anses vara levande legender av samtida konst, experimenterar med skapandet av sociala utopier med hjälp av fiktiva karaktärer.

en av de mest komplexa och längsta av dem, homo lignum-projektet, pågår fortfarande. Det berättar historien om en ödmjuk revisor, Nikolai Ivanovich Borisov, som har en manisk önskan att bli ett träd.

Aleksandra Ekster

Ekster var en av de ”Amazons av Avant-Garde” och en fixtur på alla större utställningar av den nya konsten i början av 20-talet. 1907 åkte hon till Paris ett tag, där hon blev vän med Pablo Picasso, Fernand Leger, Guillaume Apollinaire och många andra, varefter hon började marknadsföra sina verk hemma och hjälpa ryska avantgardeartister att anpassa sina tekniker till sitt arbete.

Ekster själv var en följare av futurism och mer specifikt av dess märkliga ryska form, cubo-futurism. Hon illustrerade futuristiska tidskrifter, designade teateruppsättningar, kostymer, kuddar och till och med en uniform för Red Army. Men 1924 åkte hon till Venedigbiennalen och återvände aldrig till Ryssland.

Sperma Faibisovich

en mästare av foto-realism, faibisovich målar främst Moskva. Dessutom väljer han som ämne stadens mindre attraktiva egenskaper: shabby gårdar, ödemarker, kiosker, herrelösa hundar, gästarbetare, hemlösa, vanliga förbipasserande. Ändå är det just av denna anledning som Faibisovichs verk tros fånga tidens svårfångade natur. Och de säljs till över $400,000 av världens ledande auktionshus.

20. Nicolai Fechin

Efter att ha avvisat revolutionen, fechin emigrerade till USA 1923, där han bodde lyckligt i 30 år. Det är därför det finns så många av hans verk i amerikanska museer och privata samlingar utomlands.

men innan han lämnade Ryssland lyckades han skapa en av hans mest betydelsefulla målningar, porträttet av en ung Varya adoratskaya, som ofta jämförs med Serovs ’girl with Peaches’.

idag är Fechin bland de dyraste ryska artisterna: år 2010 såldes hans duk för 11 miljoner dollar på en macdougalls auktion.

Pavel Fedotov

i det ryska riket var äktenskapet ofta inte för kärlek. Samhället inte ser positivt på ojämlika äktenskap, men många människor i mitten av 19-talet fortfarande ansåg det ett bra sätt att förbättra sin ekonomiska situation och social status. Det här är vad en av de mest kända målningarna av en ledande genrekonstnär, Fedotov, handlar om.

i dess tid, bilden orsakade ganska uppståndelse: en köpman gifter sig med en dotter till en konkursofficer; brudgummen kommer att få en medgift, medan köpmannen kommer att bli relaterad till adeln.

Konstantin Flavitsky

liksom många 19th century artister, Flavitsky tillbringade tid att studera i Italien och är ihågkommen för ett enda mästerverk.

hans tidigare målningar avskedades av kritiker som ”en imitation av Bryullov”, men konstnären lyckades fortfarande lämna ett spår i historien. Den faktiska döden av prinsessan Tarakanova (hennes riktiga namn är fortfarande okänt), som påstod sig vara dotter till kejsarinnan Elizabeth, var inte exakt som avbildad – hon dog en politisk fånge, förutom inte i en översvämning, men av tuberkulos. Inte för att det spelade någon roll särskilt: ’prinsessan Tarakanova’ blev Flavitskys triumf. Men strax efter att ha skapat målningen dog han av konsumtion, som han hade kontrakterat i Italien.

Pavel Filonov

Avant-garde konstnären Filonov ansåg sig vara kommunist genom och igenom och trodde att folket behövde hans konst. Han använde termen ”analytisk konst” för att beskriva sina flerdimensionella bilder och vägrade att sälja sina verk till någon. Det var det som dödade honom i slutändan: under Leningrads belägring satt han på en iskall vind som bevakade sina målningar och utvecklade lunginflammation som dödade honom.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. Han var dock övertygad om att detta var sättet att hitta sanna känslor och betydelser i välkända tomter.

ge målade sin berömda ’Golgata’ ett år före sin död. ”Ja, den här målningen plågade mig fruktansvärt”, skrev han till sin vän Leo Tolstoy. ”Igår hittade jag det sista jag behöver, en form som är ganska levande. Jag hittade ett sätt att skildra Kristus och de två tjuvarna tillsammans på Golgata, utan kors… Med ett ord… tre själar levande på duken. Jag gråter själv när jag tittar på den här bilden.”

Natalia Goncharova

Goncharova, tillsammans med sin man Mikhail Larionov, var bland pionjärerna i den ryska avantgarde. Från 1914 arbetade hon på Diaghilevs ryska årstider i Paris, där hon stannade fram till sin död 1962.

idag finns hennes verk i världens ledande konstsamlingar, inklusive Tate Modern i London och Centre Pompidou i Paris. År 2010 sålde Christie ’ s en målning av henne för 9 miljoner dollar, vilket gjorde henne till den dyraste (då) kvinnliga konstnären i historien.

Theophanes den grekiska

en ledande gammal Rus målare, Theophanes den grekiska, är skaparen av ett av de heligaste föremålen i rysk ortodox kristendom. Hans ikon av Jungfru med barnet Kristus i hennes armar anses vara mirakulös: enligt legenden hjälpte det ofta i strider.

denna bild, som Andrei Rublevs ’Trinity’, har blivit en del av den ryska kulturkoden.

Dmitri Gutov

gutov tillhör den generation konstnärer som kom till sin rätt i början av 1990-talet. Han skapar nya avläsningar av kanoniska föremål i kultur, ryska språket, ryska ikoner och klassisk konst i tron att deras väsen kan förmedlas på några minuter. Hans mest kända konstobjekt är metallpaneler med en version av Rembrandt och gamla ryska ikoner. När tittaren rör sig lite åt sidan förvrängs bilden. Tanken är att denna förvrängning går igenom alla stadier i utvecklingen av 20-talet, från kubism till expressionism till abstraktion.

listan över konstplatser där konstnären någonsin har ställt ut är praktiskt taget oändlig, från Venedigbiennalen och Sydney biennalen och Documenta i Kassel till Guggenheim Museum.

Alexander Ivanov

Ivanov var en konstnär nära kejsaren. Han var särskilt känd för sina målningar inspirerade av bibliska och mytologiska tomter. Konstnärsförbundet finansierade till och med sin resa till Italien ”för ytterligare förbättringar”.

Ivanov återvände från Italien först efter att han hade avslutat sin huvudsakliga Opus om Messias utseende. Det tog honom 20 år och 600 skisser. Den enorma duken köptes och fördes till St Petersburg av kejsaren Alexander II. för att rymma målningen måste en dedikerad byggnad byggas.

Francisco Infante

född i Ryssland till familjen till en spansk politisk audmigr, blev Infante den mest kända representanten för rysk landkonst och kinetisk konst. Konstnären kallar sina abstrakta installationer” artefakter ” – han placerar speglar och rörliga strukturer i naturlandskap, vilket gör naturen till en integrerad del av ett konstverk.

Infante anses vara en efterträdare till traditionerna i den ryska avantgarde, särskilt Malevich och Tatlin. Hans verk finns i mer än 30 museer och privata samlingar runt om i världen.

Alexej von Jawlensky

en expressionistisk konstnär som föddes och växte upp i Ryssland, men blev känd i Tyskland. Ett fan av Van Gogh, Gauguin, Cezanne och Matisse, en nära vän och allierad av Wassily Kandinsky, Jawlensky var nära abstraktion, men förblev någonstans på gränsen mellan den och figurativ konst. Den största samlingen av hans verk finns i Wiesbaden.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Tillsammans med sina medartister – Malevich, Chagall, Goncharova, Larionov och andra – bröt han hänsynslöst bort från traditionerna för realistisk målning.

hans ’sammansättning VII’ anses vara toppen av hans arbete under perioden före första världskriget. Kan du urskilja uppståndelsen, Domedagen, floden och Edens trädgård i den? Detta är vad Kandinsky avbildade i det, enligt hans anteckningar.

Ilya och Emilia Kabakov

Kabakovs är de viktigaste stjärnorna i inofficiell sovjetisk konst och den moderna konstscenen. Tack vare Ilya och Emilia har Moskvas konceptualism blivit den mest kända samtida ryska konströrelsen i världen. Paret har bott på Long Island i New York sedan slutet av 1980-talet och har sina utställningar på Museum of Modern Art i New York, Centre Pompidou i Paris, Tate Gallery i London och Hermitage Museum i St Petersburg.

i 2008 bröt ’the beetle’ ett prisrekord: det såldes för 2,6 miljoner (nästan 6 miljoner dollar) och kabakovs arbete blev den dyraste av de levande ryska artisterna. De har sedan dess varit högst upp på listan.

Orest Kiprensky

När Kiprensky avslutade porträttet av den stora poeten Alexander Pushkin, tillägnade den senare en dikt till honom, som sa: ”från och med nu kommer mitt utseende att bli känt i Rom, Dresden och Paris.”

poetens profetia visade sig vara rätt. Porträttmålaren Kiprensky, som i väst jämfördes med, och ibland till och med förvirrad med, Rembrandt och Rubens, skapade det som har blivit den mest kända bilden av Pushkin i populärkulturen: så ser den stora poeten ut för människor i Ryssland och resten av världen.

Ivan Kramskoi

det har fortfarande inte fastställts vem den här unga kvinnan, avbildad av ideologen för ”ryska peredvizniki” – artister, är. Kramskoi valde att hålla hemligheten och avslöjade inte sin identitet, även i dagböckerna och anteckningarna som hittades efter hans död. Idag kallas en av de mest emblematiska porträtten i rysk konst ”den ryska Mona Lisa”.

Konstantin Korovin

en framträdande representant av ”rysk impressionism” inspirerades Korovin av staden Paris och målade många av sina bästa landskap där. Det är därför inte förvånande att han var en stor framgång i Frankrike: där presenterades han med L Kubgion d ’ Honneur och fick guld-och silvermedaljer för sina verk.

efter den ryska revolutionen beslutade konstnären att fly från Sovjets land: han fann den nya regeringens politik förtryckande. År 1922 fick han tillstånd att lämna – för medicinsk behandling och hålla en personlig utställning – men återvände aldrig. Inte överraskande bosatte han sig i Paris.

Alexander Kosolapov

Coca-Cola lovade att förstöra kosolapov. Han fångade FBI: s uppmärksamhet, hans utställningar i Ryssland avbröts, och några av hans verk gick till och med på rättegång. Hans metod består i att kombinera saker som inte kan kombineras, som till exempel Lenins profil med det berömda företagets logotyp.

kosolapovs konst är faktiskt provocerande och ofta skandalös, men det hindrar honom inte från att förbli en respekterad mästare av sots-konst (den sovjetiska versionen av popkonst), vars verk finns i samlingarna av de bästa museerna i världen.

Irina Korina

För Korina, en deltagare i huvudprojektet vid Venedigbiennalen 2017, även de mest till synes obetydliga detaljerna i vardagen, från Moskvas gatubelysning till begravningskransar till byggnadsnät, är en fråga för reflektion. Hon beskrivs som en mästare på total installation. Korinas senaste separatutställningar hölls på GRAD foundation i London, Brooklyn Academy of Music i New York och på Steirischer Herbst festival i Graz, Österrike.

”the tail wags the comet”, ett stort torn med tre våningar, dök upp på Moskvas garagemuseum och har blivit en samling citat från hennes karriär.

Pyotr Konchalovsky

han är känd som ”den viktigaste ryska C-kubzannisten”, den viktigaste ”ryska impressionisten” och en av de mest ”dyra” ryska artisterna på internationella auktioner. Trots att ha lånat mycket från franska konstnärer lyckades Konchalovsky ändå hitta sin egen stil, som västerländska kritiker ofta beskrev som ”slaviska”.

hemma avvisade Konchalovskijs samtida sin konst så mycket att de till och med vägrade att ställa ut sina verk bredvid hans. Men när Sovjetunionen för första gången deltog i Venedigbiennalen 1924 var det Konchalovskijs målningar – 13 av dem – som visades på Sovjetpaviljongen.

Vitaly Komar & Alexander Melamid

de viktigaste ”trollarna” av officiell sovjetisk konst har skapat sin egen unika genre av sots-konst, den sovjetiska motsvarigheten till popkonst. De gjorde kotletter från det sovjetiska munstycket, Pravda-tidningen, avbildade sig som Lenin och Stalin, undertecknade stora sovjetiska slagord med sina namn och placerade Lenin mot McDonalds-logotypen.

även efter att ha lämnat Sovjetunionen stoppade konstnärerna inte sin kaustiska trolling. Listan över deras mål inkluderade Andy Warhol (som de kallar ”en idiot”) och Gerhard Richter (”så här skulle ett djur måla om det fick en pensel”).

Valery Koshlyakov

koshlyakovs målningar har ett antal slående särdrag: de är nästan alltid målade på texturerad wellpapp och nästan alltid hans urbana landskap ”strömmar” ner på dukytan. Bilder av det förflutna, ruiner, grekisk mytologi, minne – det här är hans tidlösa aktuella karaktärer.

Koshlyakov bor för närvarande i Paris och är i stor efterfrågan: han har ställt ut på Louvren, Guggenheim-museet, Biennalen i San Paolo och Venedig. Men även i dessa dagar gillar han att minnas med en känsla av ironi att hans första utställning hölls på en provinsiell Offentlig toalett.

Geliy Korzhev

Korzhev, skämtsamt, kallade sig en ”gammal socialistisk realist”. Konstkritiker har märkt honom”en representant för den strama stilen”. Ändå har Korzhevs konst gått bortom dessa gränser: trots att han hade ganska höga tjänster i sovjetiska Konstnärsunionen lyckades han fly från politiska uppdrag till en sensuell, ibland surrealistisk sfär. Han är framför allt en konstnär med stark mänsklig känsla, för vilken kriget, revolutionen och de sovjetiska ”byggprojekten av seklet” bara var en bakgrund.

Arkhip Kuindzhi

han anklagades ofta för att använda olika knep, som att använda dolda enheter för att tända sina målningar. Omvänt kallade hans väl önskar honom ”den ryska Monet” för sitt mästerliga arbete med färger. Hans ’Månbelysta natt …’ med månskenet reflekterat i floden Dnepr blev en sensation. Desto mer, eftersom det var första gången i Rysk konsthistoria att en utställning bestod av ett enda verk.

dess framgång var sådan att Kuindzhi gick in i en frivillig exil i 30 år: kritikerna accepterade inte verk som följde ” månbelyst natt…”, och konstnären spenderade länge kämpar med det.

Boris Kustodiev

den nationella smaken, från samovarer och mässor till plumpa handelskvinnor i färgglada klänningar, är det som lockade Kustodiev och skilde honom från andra artister av sin tid. Han är den enda ryska konstnären som någonsin har vunnit en guldmedalj på Venedigbiennalen.

’skönheten’, en skildring av en rysk köpmans fru, blev hans manifest och resultatet av en sökning efter en unik stil. ”Smala kvinnor inspirerar inte en till kreativitet”, brukade han säga. Konstnären skapade detta och andra kända verk medan han redan var förlamad – han hade haft flera operationer på ryggmärgen.

Oleg Kulik

’Mad Dog’ var Oleg kuliks första föreställning: naken, han krypade på alla fyra och attackerade förbipasserande. Huvudpersonen blev en av symbolerna på de galna 1990 – talet, och Kulik-en av grundarna av Moskvas actionkonst.

senare försökte konstnären sig i en mängd olika stilar och tekniker, från skulptur till målning, och fortsätter att experimentera fram till idag. Hans verk finns på Centre Pompidou i Paris och Tate Modern i London.

Mikhail Larionov

A personen uppfattar inte ett objekt utan ett kluster av strålar som kommer från en ljuskälla och reflekteras från detta objekt – så förklarade Larionov rayonism, en avantgarde abstrakt konströrelse som han hade uppfunnit.

samtidigt balanserade Larionov själv ständigt mellan representativ och abstrakt konst och lämnade ett ganska mångsidigt arv. Han var gift med ”Amazonas av avantgarde”, Natalia Goncharova, men till skillnad från sin fru, medan han var i utvandring i Frankrike under de senaste 30 åren av sitt liv, skapade han inte något betydande.

Aristarkh Lentulov

Lentulov jonglerade djärvt olika stilar: hans verk påverkades nu av symbolister och impressionister, nu av kubister och abstraktionister. Men han var en av de första som byggde sin konst runt färg, snarare än ett objekt.

riotösa färger i hans olika verk gav honom smeknamnet ”en konstnär av solen”. För att bara ge ett talande exempel från lentulovs liv: på årsdagen av oktoberrevolutionen målade han träden och gräsmattan på Teatralnaya-torget (bredvid Kreml) i en våldsam lila färg.

El Lissitzky

detta är vad en propagandaaffisch ser ut om den skapas av en hård supporter av SUPREMATISM. Den röda triangeln symboliserar den röda bolsjevikiska armen, som krossar den Imperialistiska vita armens försvar med en kil.

El Lissitzky var associerad med Malevich och bidrog till utvecklingen av ideerna om avantgardekonst. Det var till exempel tack vare honom att suprematism tog sig in i arkitekturen.

Isaac Levitan

Levitan var kär i den ryska landsbygden och blev en mästare i ”humörlandskapet”. I slutändan var det det som säkrade honom medlemskap i Konsthögskolan. Den judiska konstnären var tvungen att komma långt för att uppnå denna utmärkelse: några av Levitans lärare trodde att en jud inte skulle röra det ryska landskapet, eftersom endast etniska ryska konstnärer kunde skildra rysk natur. Dessutom utvisades Levitan från huvudstaden genom ett kungligt dekret, eftersom han var en jud.

än, tiden har satt allt rakt: det finns en allmänt hållen åsikt att ”ovanför den eviga freden” är ”den mest ryska” av alla målningar på det ryska temat.

Dmitry Levitzky

Här är en annan 18th century mästare av det officiella porträttet. Hans talang manifesteras av hans sitters berömda cirkel, från kejsarinnan Catherine den stora och franska filosofen Denis Diderot till Prokofiy Demidov, en gruvmagnat.

Demidov hade rykte om en utbildad tycoon och en excentrisk. Till exempel, när han köpte all hampfiber i St Petersburg vanligtvis reserverad för britterna att lära dem en lektion, som under sin vistelse i England hade tvingat honom att betala ett orimligt pris för en vara han behövde. Och för sitt officiella porträtt valde Demidov att klä sig inte i sin uniform med alla sina utmärkelser, utan i en morgonrock och en nattlock…

Kazimir Malevich

Malevich är huvudsymbolen för rysk Avantgarde, medan hans ’svarta torg’ är ett bildmanifest av suprematism. Malevich trodde att efter Suprematism fanns det ingen konst, så han föreslog att bränna alla målningar och visa sin aska i museer. Tragiskt är detta vad som delvis hände under de första månaderna efter bolsjevikrevolutionen 1917.

Filipp Malyavin

”ihålig!”Så här svarade Petersburgs konstakademi på expressionisten Malyavins examensarbete ”skratt”. Kandidaten förtvivlade inte, och två år senare tog han sina skrattande bondekvinnor med sig till Paris. Där orsakade duken en känsla på världsmässan: konstnären presenterades med en guldmedalj och målningen köptes av den italienska regeringen för ett modernt konstgalleri i Venedig.

onödigt att säga, Malyavin återvände till Ryssland en kändis. All kritik av ’skratt’ glömdes omedelbart och 1906 blev han medlem i akademin.

Vladislav Mamyshev-Monroe

en mästare på återuppfinning, Han förvandlade sitt liv till en livslång prestation. Praktiskt taget den enda representanten för travesty konst i Ryssland utforskade Mamyshev-Monroe personligheterna hos kända figurer i världshistoria och popkultur och försökte på sina bilder för sig själv.

under sitt korta liv (han dog vid 44 års ålder) försökte konstnärerna på en mängd kända personligheter, från Marilyn Monroe och Hitler till Jesus Kristus och Lenin till Andy Warhol och Vladimir Putin.

Konstantin Makovsky

i slutet av 19-talet ansågs Makovsky vara en fashionabel och dyr porträttmålare och författare till historiska målningar. Han hade också en stor guldmedalj av Paris World ’ s Fair till hans namn.

än, Makovsky ofta målade rörande och sentimentala bilder om hårt landsbygdsliv också. Hans barfota tjej som kör med sin bror från åskväder är en riktig scen från livet observerad av konstnären under en av hans resor till de ryska provinserna.

Vera Mukhina

One av de viktigaste symbolerna för sovjettiden och Monumental propaganda skapades den 24 meter höga ’worker and Kolkhoz Woman’ för världsmässan 1937 i Paris. Författaren, Vera Mukhina, ville skildra de två figurerna nakna, men partiet krävde att de var ”klädda”. Denna detalj, i alla fall, förringade inte effekten som monumentet producerade: fransmännen ville till och med köpa den, men Sovjetunionen vägrade.

Vera Mukhina hade uppfyllt statliga order för monument sedan 1920, men trots många utmärkelser (hon hade bara fyra stalinpriser) fick hon aldrig i uppdrag att göra skulpturer av varken Lenin eller Stalin. Anledningen var att Mukhina inte ansågs vara tillräckligt tillförlitlig. I början av 1930-talet utvisades hon till och med från Moskva, och efter Paris-utställningen utfärdades en order att aldrig tillåta henne att åka utomlands.

Irina Nakhova

konceptuell konstnär nakhova anses vara författare till de första ”totala installationerna” i Rysk samtida konst. I mitten av 1980-talet bytte hon ett av rummen i sin lägenhet utan erkännande och blev samtidigt författare till sitt arbete och en karaktär som bor inuti den. Således fungerade hennes lägenhet i flera år som testplats för sina experiment. År 2015 blev Nakhova den första kvinnliga konstnären som ställdes ut i den ryska paviljongen vid Venedigbiennalen.

Ernst neizvestny

neizvestny skapade monumentala verk det kan ses idag i Ryssland, Ukraina, USA, Egypten, Sverige och Vatikanen. Men i Sovjetunionen utsattes skulptören för hård ostracism. På grund av oenigheter med den officiella kulturstilen – socialistisk realism – blev han räddad av tidningar; slagen på gatan och kallade till chattar med partitjänstemän. Den dåvarande statschefen Nikita Khrushchev kallade sina verk”degenererad konst”. Ironiskt nog, när Khrushchev dog, beställde hans familj gravstenen från Ernst Neizvestny (och han gjorde den från två marmorblock — vit och svart — som symboliserar Khrushchevs inre motsättningar).

kanske hans mest kända arbetet är ’Mask of Sorrow’, ett 15 meter långt monument i Magadan, tillägnad minnet av offer för politiskt förtryck. Det står på platsen för ett transitläger I Stalin-eran, varifrån fångar skickades till Kolyma arbetsläger.

Vladimir Nemukhin

nemukhin är en av de viktigaste företrädarna för sovjetisk icke-konformistisk konst. Han utvisades från konstinstitutet för sitt radikala språk och var officiellt förbjudet, även om han åtnjöt popularitet bland allmänheten under Khrusjtsjovs Tina.

1956 träffade han Oscar Rabin och gick med i Lianozovo-gruppen. Under många år spelade hans favorittrick, hans ”signatur” och ämnet för många av hans verk kort. De var alltid närvarande i hans verk – som ett enda kort, i par eller i solitaire – och blev en symbol för framtidens osäkerhet.

Mikhail Nesterov

religiös konstnär Nesterov skapade bilden av ”den ryska Kristus” genom bilden av Sergius av Radonezh, en rysk-ortodox kyrka helgon och asketiker. Nesterov ägnade en enorm cykel av målningar till honom, men ansåg ’visionen för Ungdomar… hans bästa arbete någonsin.

och ändå skadade Nesterov (som sällan var nöjd med sina verk och ofta förstörde dem) denna duk också: han föll på bilden när han ommålade ungdomens ansikte för hundra gången.

Timur Novikov

Novikov är grundare och ledare för en av de viktigaste konstföreningarna i den ryska samtida konsten på 1980-talet som heter New Artists. En gång uppvisade han en plywoodsköld med ett hål i det och kallade verket ’Zero Object’. Novikov är mest känd för sin Tyg Appliqu UBS.

han krediterades med fortsatt den ryska avantgardens arbete i nya realiteter och med nya material. I slutet av 1990-talet ställde han ut på Tate i Liverpool, på Stedelijk i Amsterdam, på museer och gallerier i Berlin, Hamburg, Paris, New York, Moskva och St Petersburg.

Boris Orlov

en klassiker av sots konst, i sina verk utforskar Orlov den kejserliga stilen och fenomenet av ett imperium i vidaste bemärkelse. Hans verk kan skildra olika historiska epoker i olika kulturer, men de kretsar alla kring ett ämne – det patriarkala systemet baserat på tanken om dominans.

One av hans favoritmetoder är användningen av militaristiska tillbehör: ”eftersom ett imperium vanligtvis har ett militärt ansikte. Och till och med en icke-militär sätter på sig en uniform.”

Anatoly Osmolovsky

osmolovsky är Rysslands främsta Aktivistkonstnär, vars handlingar, poesi, föreläsningar och till och med slagsmål uppgick till ett spännande politiskt uttalande på 1990-talet. han bar ett kylskåp med en Lenin-byst inuti Röda torget; lade ut ett obscent ord på samma torg med kamraternas kroppar; rökt på Mayakovskijs staty och stod bakom många andra handlingar och händelser.

i 1998, han och 300 andra aktivister för barrikaderade Bolshaya Nikitskaya Street, som leder till Kreml, i tre timmar och ägnar sin handling till den franska revolutionen 1968. Sju ledare för den processionen dömdes därefter och dömdes till böter.

Vasily Perov

många av perovs målningar provocerade uppvärmda debatter bland hans samtidiga. Konstnären målade scener från vanliga människors hårda liv. ’Trojka…’, som visar barn som fördes från byn till staden som hyrt arbete, är kanske hans bästa arbete i detta ämne.

Yuri Pimenov

Pimenov var en lojal följare av kommunistpartiets konstpolitik. Under de mörkaste tiderna av Stalins utrensningar målade han idylliska scener i det sovjetiska folks vardag och förhärligade fabriksarbetare och växtarbetare.

hans ” nya Moskva är ett av de bästa exemplen på socialistisk realism: en kvinna, som en symbol för en ny era, kör genom blommande Moskva. Man antar att hennes destination är inte mindre ljus och vacker framtid.

Pavel Pepperstein

pepperstein föddes och växte upp i cirkeln av Moskvas konceptualister (hans far är den berömda konstnären Viktor Pivovarov). Kanske var det därför hans kreativa impuls näringades från början. Idag är Pepperstein en av de mest produktiva ryska artisterna och en berömd författare.

i sina verk skapar han hela fiktiva världar och sin egen mytologi. Vilket gör honom särskilt populär bland intellektuella.

Kuzma Petrov-Vodkin

han var son till en skomakare som ville måla ikoner. Även om han inte blev ikonmålare, blev konstnären världsberömd av sin bild av Messias avbildad som en ung man på en röd häst. Skapat några år före den ryska revolutionen anses denna målning profetisk och har många tolkningar. Enligt en teori är hästen Ryssland, som väntade på ett ”rött” öde på 20-talet.

Dmitri prigov

genom utbildning, prigov var en skulptör och det var så han levde under sovjetiska tider, även om all hans upptagna kreativa aktivitet syftade till att bli ett ”monument” själv. På 1970-talet blev han också känd som en poet som förvandlade sina skäl till verkliga föreställningar. Hans så kallade ”burkar”, som förmodligen innehåller enstaka ord och hela dikter, liknar Piero Manzonis burkar med” konstnärens skit ” skrivet på dem. Således likställde Prigov dikter med alla andra utsöndringar i kroppen.

med ankomsten av perestroika flyttade prigov från poetiska föreställningar till konceptuell konst: han skapade grafisk konst, installationer, collage, korsade ideer, ord och tankar, ”dechiffrera kulturgenomet” och nya symboler.

Vasily Polenov

en av de ledande religiösa konstnärerna, Polenov ville skapa något så ambitiöst som Ivanovs ’Kristi utseende inför folket’. För detta ändamål, han iväg på en årslång resa genom Konstantinopel, Palestina, Syrien, och Egypten, varifrån han förde de första skisserna till ’Kristus och kvinnan tas i äktenskapsbrott’, hans huvudsakliga arbete. Resan från tanken till färdigställandet av duken baserad på en scen från Johannes Evangelium tog honom så länge som 15 år.

Lyubov Popova

trots att ha dött mycket ung (av skarlet feber vid 35 år tillsammans med sin son) lyckades konstnären under sin livstid vara en futurist, en student av Malevich, en adept av kubism och slutligen en konstruktivist. Det var i den slutliga kapaciteten som Popova designade arbetskläder för” revolutionära ” yrken.

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the ”secret life of the human soul”. Med konstnärens son, Pavel Peppersteins ord,” hela sitt liv har Pivovarov målat själens rum”, där alla externa attribut, som utsikten från fönstret, blir en del av det.

pivovarovs huvudsakliga ”uppfinning” var genren av ett konceptuellt album. Det är i denna genre som han skapade en av sina mest kända cykler, ’Projects for a Lonely Man’, som målar den dagliga rutinen, drömmarna, interiören och till och med himlen av en hjälte, som upplever extrem ensamhet. Förresten känner många tittare sig själva i hjältens dagliga rutin. ”I princip har det inte förändrats mycket”, säger konstnären.

Vasili Pukirev

”bland sina medkonstnärer och studenter lämnade han ett varmt och bestående minne, och i den ryska konstens historia – ett lysande, om än ett kort spår,” sade konstnärens samtida i sin dödsruna. Faktum är att Pukirev, som ett antal av hans kollegor, blev författare till ett mästerverk.

’den ojämlika äktenskap’ drivit honom till leden av de ledande genre målare i mitten av 19-talet, men förblev pukirev enda mästerverk.

återvinna grupp

konstgruppen av Andrey Blokhin och Georgy Kuznetsov från Krasnodar inrättades 2008 och har redan ställt ut tre gånger på Venedigbiennalen med totala installationer och multimediaprojekt om förstärkt verklighet. Alla deras verk, på ett eller annat sätt, handlar om livet för en modern person i Internetens era och olika prylar.

’konvertering’ är en enorm konstruktion, med skulpturer och basreliefer som visar ”Neo-apostlar”, bärarna av en ny religion som heter ”Global Network”.

Oscar Rabin

Rabin är ledare för nonconformism, den inofficiella sovjetiska konsten på 1960-1970-talet. hans målningar är fulla av allt som förbjöds av officiell sovjetisk konst — kaserner, soptippar, Vodka-flaskor och skrynkliga tidningar. De visar den andra och större sidan av den glansiga sovjetiska verkligheten.

konstnären sa att allt skräp från förorterna var han själv: ”jag har målat en bild hela mitt liv – mitt porträtt mot landets bakgrund.”

Nicholas Roerich

en filosof, resenär och orientalistisk konstnär med en helt unik stil lämnade Roerich ett arv bestående av mer än 7000 målningar och skisser, varav många nu hålls i världens bästa museer. Han tillbringade hela sitt liv på att resa, från vilket han drog sina ämnen – från en expedition i Himalaya och Indien till Centralasien.

’gäster från utlandet’ målades i Paris och berättar om resor i det antika Ryssland.

Ilya Repin

Repin var mycket bra på att skildra lidande av folket i den 19: e århundradet. De hårda livet för pråmtransportörer och revolutionärer, vardagliga scener från de lägre klassernas liv, människors processioner – alla dessa ämnen gjorde honom till en nyckelfigur i Rysk realism och en konstnär av social historia. Ändå visar hans mest kontroversiella målning ett avsnitt från en annan era.

historien om Ivan the Terrible som dödade sin egen son är så kontroversiell (historiker argumenterar fortfarande om det verkligen hände eller inte) att repins mästerverk upprepade gånger attackerades, även under konstnärens livstid. Den senaste attacken ägde rum 2018, då en berusad vandal stänkte duken med färg.

Fyodor Rokotov

Rokotov var en av de mest eftertraktade porträttmålarna bland St Petersburgs adel från 18th century, medan Alexandra struyskaya avbildad av honom ansågs vara en av de vackraste kvinnorna i seklet.

konstnären var så populär att han kunde ha upp till 50 oavslutade porträtt i sin lägenhet när som helst. År 1763 målade han kröningsporträttet av Catherine II.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the ”father” of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

hans affisch för Lengiz, det viktigaste och enda officiella sovjetiska förlaget, är ett slående exempel på Avantgarde-reklam, med alla sina favorittekniker i form av geometriska mönster och ljusa fläckar. I centrum är ett fotografi av Lilya Brik, ”den ryska avantgardens muse”.

Olga Rozanova

i den ryska avantgardens historia, hennes ’gröna Rand’ är inte mindre betydelsefull än Malevichs ’svarta torg’. Men först förblev konstnären och hennes bästa verk i skuggan av den främsta suprematisten, och senare blev de nästan helt glömda tills de återupptäcktes på 1970-talet.

Rozanova uppnådde ännu mer än Malevich gjorde: hon satte inte bara färgen ovanför formen, hon löste också framgångsrikt bakgrundens dilemma. Hennes Rand ser ut som en projektion snarare än en figur på duken, det verkar som om det fortsätter bortom ramen. Det var första gången i historien om abstrakt målning att denna effekt uppnåddes.

Andrei Rublev

den mest kända religiös konstnär i rysk historia skapade Andrei Rublev en standard för ortodox ikonmålning. På 16-talet erkändes hans verk som en modell som alla ikonmålare skulle sträva efter, medan hans ”treenighet” blev den andliga symbolen för all rysk konst.

lite är känt om Rublev själv. Han var munk och ägnade hela sitt liv åt Gud och målade. År 1988 kanoniserade den rysk-ortodoxa kyrkan honom som en helgon.

Aidan Salakhova

många beskriver Salakhovas konst som ”feministisk” och ”politisk” eftersom den utforskar öst och väst, hanen och kvinnan, i en slående kombination av sex och islam. Marmorfalliska minareter och svarta Kaaba-vaginor har gjort henne känd och igenkännlig över hela världen.

vid Venedigbiennalen 2011 måste hennes ’förbön’, en skulptur av en kvinna i en niqab, täckas med ett vitt ark efter att Azerbajdzjans president (’förbön’ visades i Azerbajdzjans paviljong) försökte censurera den. Många såg en enorm ironi i den: skulpturen var täckt med ett slöja eftersom presidenten inte tyckte om att den avbildade en kvinna i ett slöja.

Zinaida Serebriakova

med tanke på dess status i populärkulturen har detta porträtt kanske blivit serebriakovas huvudverk. För många gör dess spontana och uppriktiga natur det till en symbol för kvinnlighet.

När porträttet först presenterades för allmänheten sa konstnären Valentin Serov om det: ”en mycket trevlig och fräsch sak.”Bilden köptes omedelbart av Tretyakovs galleri.

Valentin Serov

för den ryska eliten ansågs sittande för ett porträtt av Serov vara en ära. En mästare av psykologiska porträtt, den ryska impressionisten Valentin Serov, målade kända kompositörer, författare, medlemmar av den kejserliga familjen och ryska prinsar.

och ändå, en av hans mest betydelsefulla och berömda dukar är porträttet av en 12-årig tjej, vera mamontova. Hon var dotter till en stor entreprenör och filantrop, Savva Mamontov, men Serov tog senare bort sitt namn från bildtiteln. Enligt konstnären målade han inte dotter till en berömd person utan ungdom själv.

Henryk Siemiradzki

i nästan 30 år bodde Siemiradzki i Rom. Han fick rykte som en av de mest framstående företrädarna för sen Europeisk akademism, men inte direkt och inte bland alla. Konstnären var bara intresserad av den antika världen med sina myter, festligheter och orgier, för vilka han fick mycket flak hemma, där Peredvizhniki redan var på mode med sin skildring av bönder, fattiga föräldralösa och andra element i ”livets sanning”.

till exempel ansåg den mest inflytelserika konstkritikern av tiden, Vladimir Stasov, Siemiradzki en hopplös klassiker, som ”hade fallit offer för allt Italienskt”. För sin del kallade Ilya Repin honom en charlatan, medan den berömda samlaren Tretyakov vägrade att köpa sina verk. Ryska tsarer har dock alltid varit fans av akademism: till exempel köptes’ Phryne ’ av Alexander III direkt från utställningen.

Alexei Savrasov

en konstnär av lyriska landskap, Savrasov fick snabbt berömmelse och erkännande: vid 24 års ålder hade han redan blivit medlem i Konsthögskolan. Dock, ner generationerna, denna realist artist är ihågkommen som en ”one-hit wonder”: inget av hans många landskap kan jämföras i popularitet med ’The Rooks…’. Varje skolbarn i Ryssland känner till denna läroboksbild, för de har troligtvis varit tvungna att skriva en uppsats om den.

Ivan Shishkin

om du ser en målning av en fantastisk Rysk skog eller fält med tallar på sidan av vägen, du kan vara säker på att det är en Shishkin. Enligt en undersökning utförd av All-Russia Public Opinion Research Center är han den mest kända konstnären i Ryssland.

vilket kan till stor del bero på Mishka kosolapy (klumpig björn) godis, vars omslag har ett fragment av den här bilden. Och ändå målade ingen avlägsna tjocktar, ängar och fält som han, antingen när det gäller kvantitet eller kvalitet. Skogen var allt som Shishkin någonsin var intresserad av.

Sylvester Shchedrin

många ryska konstnärer från 19-talet besökte det europeiska konstnärliga Mekka, Italien, men få gjorde det till sitt kreativa hem. Landskapsmålare Shchedrin tillbringade praktiskt taget hela sitt liv som skildrade Italiens skönhet, och i synnerhet Neapel. Det var här han dog också innan han nådde 40. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

en representant för Sots konst och, som han själv kallade det, ”folk popkonst”, i mer än 30 år arbetade Sokov med myter, bilder och symboler för den ryska kulturen och placerade dem tillsammans med västerländsk civilisation.

konstnären och skulptören lämnade Sovjetunionen för USA för att ”inte bryta” under trycket från det totalitära systemet i statsordningen, som dikterade allt för konstnären, ner till de minsta detaljerna: ”i vilken hand Lenin skulle hålla sin mössa, hur länge pionjärens byxor skulle vara och vilken var Marx Svängfot,” sa sokov.

Vasily Surikov

Surikov gjorde sig ett namn genom att skildra olika tragiska stunder i rysk historia. Till exempel berättar’ Boyarina Morozova ’ historien om den hårda kampen mot gamla troende: Morozova transporteras till ett nunnekloster (vilket motsvarade fängelse) vid kyrkans schism.

Vladimir Tatlin

även om monumentet till tredje internationalen, eller tatlins torn, byggdes aldrig, det blev konstnärens mest emblematiska hjärnbarn och kännetecknet för konstruktivism över hela världen. Tatlin designade sitt torn som en symbol för revolutionen 1917 som skulle byggas i Leningrad (nu St Petersburg).

emellertid av i slutet av 1920-talet förlorade det sovjetiska ledarskapet intresse för avantgardeartister och slutade engagera sig med dem, så tornet byggdes aldrig.

Oleg Tselkov

hela hans liv, denna icke – konformistiska konstnär har målat praktiskt taget en och samma karaktär-en deformerad mänsklig bild, en mutant. ”Detta är inte ett porträtt av en specifik sitter, men ett universellt porträtt… och en fruktansvärt bekant på det, ” förklarade Tselkov. ”Jag lyckades av misstag riva masken av mänskligheten.”

det sovjetiska ledarskapet var inte särskilt förtjust av denna”baksidan av en mänsklig personlighet”. 1977 blev Tselkov ombedd att lämna landet, och han åkte till Frankrike. Det var först 2015 som han blev rysk medborgare igen.

Pavel Tchelitchew

denna patriark av mystisk surrealism föddes i Ryssland, men tillbringade större delen av sitt liv i Europa och Amerika, där han utvecklade tekniken för sina berömda antropomorfa landskap. På grund av likheten i stil beskrivs han ofta som ”den ryska Dali”, förutom att Tchelitchew var den första som visade element av mystisk surrealism i sina verk: de säger, nio år tidigare, Salvador Dali gjorde detsamma.

dessa dagar kan hans verk hittas i stora europeiska museer och samlingar, medan i Ryssland bara Tretyakovs galleri har en enda tchelitchew. ’Fenomen’ fördes i hemlighet till Ryssland av en vän till Tchelitchew, koreograf Lincoln Kirstein. Han överlämnade det till Tretyakovs galleri, men fram till mitten av 1990-talet förblev det i museets förråd.

Simon Ushakov

Romanovs tog tronen 1613. Dynastin styrde landet i århundraden, men i början behövde det något för att bekräfta sin legitimitet. En viktig roll i detta spelades av bilden av den kungliga familjen som skapades av ikonmålaren Ushakov. Konstkritiker kallar det den första och bästa motiveringen av påståendet att Romanovs fick sin makt ovanifrån.

Romanovs måste ha kommit överens med den bedömningen: de gjorde Ushakov till imperiets främsta ikonmålare och duschade honom med favörer fram till hans död.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov försökte sig i olika stilar och typer av arbete, från att måla kyrkliga fresker (som i Frälsarens kyrka på det spillda blodet i St Petersburg) för att skapa böjda jugenddekorationer. Men för de flesta ryssar är han uteslutande associerad med karaktärer från ryska sagor. I populär fantasi ser dessa karaktärer väldigt mycket ut som Vasnetsov avbildade dem.

Alexey Venetsianov

Venetsianov var en av de första artisterna som skildrade scener från vanliga människors liv och gjorde sig ett namn i ”bondegenren”. Samtidigt var han inte särskilt intresserad av böndernas vardag.

hans målningar handlade mer om rymd, frihet och oändlighet. Många tror att hans’ skörda ’ målning symboliserar det sanna ryska landskapet.

Vasily Vereshchagin

div en målare av stridsscener, Vereshchagin målade vanligtvis vad han såg med egna ögon. Han hade varit i många krig och hade rest världen från Indien till Syrien. Han organiserade sina utställningar i New York och London själv och visade ofta inte bara sina målningar utan också trofier från slagfältet.

men hans ’apotheosis of War’ är ett undantag, eftersom han målade det inte från livet, men från en tanke i hans huvud. På sin ram skrev konstnären: ”Tillägnad alla stora erövrare-förflutna, nutid och framtid.”

Mikhail Vrubel

Vrubel är främst förknippad med bilden av en demon, som han målade upprepade gånger och obsessivt. Bilden av en fallen ängel som lider av sin demoniska natur hade inspirerats av Mikhail Lermontovs dikt med samma namn. Vrubel gjorde cirka 30 skisser för denna målning.

Vrubel medgav att han också hade sett en demon i sina mardrömmar. En akut psykos, som konstnären utvecklade i sitt senare liv, kombinerat med hans besatthet med en enda bild fick hans samtida att dra slutsatsen att Vrubel hade drivits galen av hans beroende av demonism.

Vladimir Weisberg

Weisberg skiljer sig i samband med rysk konst: han tillhör varken officiell konst eller icke-konformister. Hans varumärkesstil är så kallad ”vit målning”, bilder som verkar ha målats med vit färg på en vit bakgrund. Enligt Weisberg själv försökte han uppnå ”osynlig konst”.

i själva verket använde han nästan aldrig vitt pigment. Hans målningar är en invecklad kombination av små flerfärgade partiklar. ”En bild ska bli vit om alla, bokstavligen alla, dess färger, passar in,” brukade han säga.

Vladimir Yankilevsky

en pionjär av Moskva ”inofficiell konst” och en ständig ensam passade yankilevsky inte in i någon konstnärlig förening och var alltid på sidelinjen, som den var. Många förstod helt enkelt inte hans existentiella verk: hela sitt liv målade han en metafysisk ”Man motsatt evigheten”.

tanken på människor i lådor kom till honom under påverkan av existentialism. Dessa” existentiella lådor ” blev en metafor för en person vars ambitioner och drömmar alltid kommer upp mot väggarna i en social miljö. Det måste sägas att livet i Sovjetunionen var mycket gynnsamt för denna uppfattning om verkligheten.

Vadim Zakharov

i 1970-talet gick Zakharov med i cirkeln av Moskvas konceptualister, som började med absurdistiska handlingar och ledde till målning. ”Mellan 1985 och 1989 skapade jag många stora målningar, varefter jag inte målade en enda med undantag för bara några gjorda i kol, och nu att gå tillbaka till duk och olja är en tortyr för mig,” sa han. 1989 flyttade han till Köln, där en ny etapp i sin konstnärliga karriär började – installationer.

hans projekt ”Danae” blev en sensation vid Venedigbiennalen. Under den första timmen efter öppnandet stod en kö upp till den ryska paviljongen för att titta på den unika processen med en berömd gammal grekisk myt som materialiserades genom en gyllene dusch av mynt med orden förtroende, frihet, kärlek och enhet skriven på dem som hällde ner från ett rum där endast manliga tittare tilläts, till ”livmodern”, där endast kvinnliga tittare tilläts.

Konstantin Zvezdochetov

han är den ryska kungen av kitsch, utan vilken ingen större utställning av samtida konst kan göra. Zvezdochetov tillhör generationen sovjetiska konstnärer som var de första som kom in i den internationella konstscenen och blev känd som ”samtida rysk konst”.

det var en tid då han blev förolämpad för att kallas en ”konstnär”. Han sa, ” Jag är en person som erbjuder tolkningar… Allt jag gör är citat och sammanställningar.”

Anatoly Zverev

han kallas ofta ”den ryska Van Gogh”. Robert Falk sa om honom:” varje beröring av hans pensel är ovärderlig”, medan Picasso själv echoed honom. En dekoratör av handel, Zverev gick in i konstscenen i slutet av 1950-talet, och 1965 hölls hans första internationella utställning i Motte i Paris, även om han själv aldrig åkte utomlands.

det sovjetiska systemet tyckte inte om Zverev. Polisen var efter honom för att arrestera honom för” parasitism ” (som var ett brott i Sovjetunionen), medan han bodde enbart för sin konst och för sin enda kärlek och mus, änkan till poeten Nikolai Aseev, Ksenia Aseeva, som var 39 år äldre.