La scultura ellenistica continua la tendenza di crescente naturalismo visto nello sviluppo stilistico dell’arte greca. Durante questo periodo, le regole dell’arte classica furono spinte e abbandonate a favore di nuovi temi, generi, drammi e pathos che mai prima d’ora erano stati esplorati dagli artisti greci. Inoltre, gli artisti greci hanno aggiunto un nuovo livello di naturalismo alle loro figure aggiungendo un’elasticità alla loro forma ed espressioni, sia facciali che fisiche, alle loro figure. Queste figure interagiscono con il loro pubblico in un nuovo modo teatrale suscitando una reazione emotiva dal loro punto di vista, questo è noto come pathos.

Nike di Samotracia

Una delle statue più iconiche del periodo, la Nike di Samotracia, conosciuta anche come la Vittoria alata, (c. 190 AC) commemora una vittoria navale. Questa statua in marmo di Pario raffigura Nike, ora senza braccia e senza testa, che si abbassa sulla prua della nave. La prua è visibile sotto i suoi piedi e la scena è piena di teatralità e naturalismo mentre la statua reagisce a ciò che la circonda. I piedi, le gambe e il corpo di Nike si spingono in avanti in contraddizione con il suo drappeggio e le ali che scorrono all’indietro. I suoi vestiti le fruste intorno dal vento e le sue ali si sollevano verso l’alto. Questa rappresentazione dà l’impressione che sia appena atterrata e che questo sia il momento preciso in cui si sta sistemando sulla prua della nave. Oltre alla scultura, la figura era molto probabilmente ambientata all’interno di una fontana, creando un ambiente teatrale in cui sia l’immaginario che l’effetto uditivo della fontana avrebbero creato un’immagine sorprendente di azione e trionfo.

Nike di Samotracia

Marmo. 190 a.C. Samotracia, Grecia.

Venere di Milo

Conosciuta anche come Afrodite di Melos (c. 130-100 AC), questa scultura di Alexandros di Antiochia, questa scultura è un’altra icona ben nota del periodo ellenistico. Oggi mancano le braccia della dea. È stato suggerito che un braccio si aggrappasse al suo drappeggio scivolante mentre l’altro braccio teneva fuori una mela, un’allusione al giudizio di Parigi e al rapimento di Elena. Originariamente, come tutte le sculture greche, la statua sarebbe stata dipinta e adornata con gioielli in metallo, che è evidente dai fori di fissaggio. Questa immagine è in qualche modo simile alla scultura tardo classica di Praxitiles Afrodite di Knidos (IV secolo AC), ma è considerato più erotico rispetto alla sua controparte precedente. Per esempio, mentre lei è coperta sotto la vita, Afrodite fa poco tentativo di coprirsi. Lei sembra essere presa in giro e ignorando il suo spettatore, invece di avvicinarlo e fare il contatto visivo.

Alessandro di Antiochia. Venus de Milo

Marmo. 130-100 a.C. Melos, Grecia.

Stati alterati

Mentre la Nike di Samotracia emana un senso di dramma e la Venere di Milo un nuovo livello di sessualità femminile, altri scultori greci esplorarono nuovi stati dell’essere. Invece di, come è stato favorito durante il periodo classico, riproducendo immagini del maschio greco ideale o femmina, scultori cominciarono a raffigurare immagini del vecchio, stanco, dormire, e ubriaco—nessuno dei quali sono rappresentazioni ideali di un uomo o una donna.

Il Fauno Barberini, noto anche come Satiro Addormentato (c. 220 a.C.), raffigura una figura effeminata, molto probabilmente un satiro, ubriaco e svenuto su una roccia. Il suo corpo splende sulla parete rocciosa senza riguardo per la modestia. Sembra che si sia addormentato in mezzo a una baldoria ubriaca e dorme irrequieto, la fronte è annodata, il viso preoccupato e le sue membra sono tese e rigide. A differenza di precedenti raffigurazioni di uomini nudi, ma in modo simile alla Venere di Milo, il Fauno Barberini sembra trasudare sessualità.

Barberini Fauno

Copia romana in marmo di bronzo greco originale c. 220 AC. Roma, Italia.

Sono state create anche immagini di ubriachezza di donne, che possono essere viste in una statua attribuita all’artista ellenistico Myron di una donna mendicante ubriaca. Questa donna si siede sul pavimento con le braccia e le gambe avvolte intorno a una grande brocca e una mano che afferra il collo della brocca. Le viti d’uva che decorano la parte superiore della brocca rendono chiaro che contiene vino. Il volto della donna, invece di essere inespressivo, è rivolto verso l’alto e sembra che stia chiamando, forse ai passanti. Non solo è intossicata, ma è vecchia: le rughe profonde rivestono il viso, i suoi occhi sono infossati e le sue ossa sporgono attraverso la sua pelle.

Myron. Vecchia ubriaca

Copia romana in marmo dopo l’originale greco. 200-180 a.C.

Un’altra immagine del vecchio e stanco è una statua in bronzo di un pugile seduto. Mentre l’immagine di un atleta è un tema comune nell’arte greca, questo bronzo presenta un tocco ellenistico. È vecchio e stanco, proprio come l’immagine tardo classica di un Eracle stanco. Tuttavia, a differenza di Herakles, il pugile è raffigurato picchiato ed esausto dalla sua ricerca. Il suo viso è gonfio, labbro versato, e le orecchie cavolfiore. Questa non è l’immagine di un eroico, giovane atleta, ma piuttosto un vecchio, sconfitto uomo molti anni dopo il suo fiore all’occhiello.

Boxer seduto

Bronzo. 100-50 a.C. Roma, Italia.

Ritrattistica

Ritratti individuali, invece di idealizzazione, divenne popolare durante il periodo ellenistico. Un ritratto di Demostene di Polyeuktos (280 AC) non è un’idealizzazione dello statista e oratore ateniese. Invece, la statua prende appunti delle caratteristiche di Demostene, tra cui il suo overbite, la fronte solcata, le spalle curve e la pelle vecchia e sciolta. Anche i busti ritratti, spesso copiati dalla famosa statua di Polyeuktos, raffigurano la stanchezza e il dolore di un uomo disperato per la conquista di Filippo II e la fine della democrazia ateniese.

Polyeuktos. Demostene

Busto ritratto, copia romana dopo originale in bronzo greco. 280 a.C.

Patronato romano

La penisola greca cadde al potere romano nel 146 AC. La Grecia era una provincia chiave dell’Impero romano e l’interesse dei romani per la cultura greca contribuì a far circolare l’arte greca in tutto l’impero, specialmente in Italia, durante il periodo ellenistico e nel periodo imperiale dell’egemonia romana. Gli scultori greci erano molto richiesti in tutti i restanti territori dell’impero di Alessandro e poi in tutto l’impero romano. Famose statue greche furono copiate e replicate per ricchi patrizi romani e artisti greci furono commissionati per sculture su larga scala in stile ellenistico. Originariamente fuso in bronzo, molte sculture greche che abbiamo oggi sopravvivono solo come copie romane in marmo. Alcuni dei più famosi gruppi marmorei colossali furono scolpiti in stile ellenistico per ricchi mecenati romani e per la corte imperiale. Nonostante il loro pubblico romano, questi sono stati appositamente creati in stile greco e hanno continuato a mostrare il dramma, la tensione e il pathos dell’arte ellenistica.

Laocoön e i suoi figli

Laocoön era un sacerdote troiano di Poseidone che avvertì i Troiani, “Attenti ai Greci che portavano doni”, quando i greci lasciarono un grande cavallo di legno alle porte di Troia. Atena o Poseidone (a seconda della versione della storia), sconvolto dal suo vano avvertimento al suo popolo, mandò due serpenti marini a torturare e uccidere il sacerdote e i suoi due figli. Laocoön e i suoi figli, un gruppo di sculture in marmo ellenistico (attribuito dallo storico romano Plinio il Vecchio agli scultori Agesandro, Atenodoros e Polidoro dell’isola di Rodi) fu creato all’inizio del I secolo d.C. per rappresentare questa scena dell’epopea di Virgilio L’Eneide.

Agesandro, Atenodoros e Polidoro di Rodi. Laocoön e i suoi figli.

Marmo. Inizio del I secolo AC.

Simile ad altri esempi di scultura ellenistica, Laocoön e i Suoi figli raffigurano una scena chiastica piena di dramma, tensione e pathos. Le figure si contorcono mentre vengono catturate nelle spire dei serpenti. I volti dei tre uomini sono pieni di agonia e fatica, che si riflette nella tensione e nella tensione dei loro muscoli. Laocoön si allunga in una lunga diagonale dal braccio destro alla sinistra mentre cerca di liberarsi. Anche i suoi figli sono impigliati dai serpenti e i loro volti reagiscono al loro destino con confusione e disperazione. L’intaglio e il dettaglio, l’attenzione alla muscolatura del corpo e la profonda perforazione, vista nei capelli e nella barba di Laocoön, sono tutti elementi caratteristici dello stile ellenistico.

Laocoonte e i Suoi Figli (dettaglio del Laocoonte il viso)

Toro Farnese

Il Toro Farnese (c. 200-180 BCE), prende il nome dalla famiglia patrizia Romana che possedeva la statua del Rinascimento italiano, è creduto di essere stato creato per la raccolta di Asinius Pollio, un patrizio Romano. Plinio il Vecchio attribuisce la statua agli artisti e fratelli Apollonio e Taurisco di Trallles, Rodi. La colossale statua marmorea, ricavata da un unico blocco di marmo, raffigura il mito di Dirce, moglie del re di Tebe, che fu legata a un toro dai figli di Antiope per punirla di aver maltrattato la madre. La composizione è ampia e drammatica, e richiede allo spettatore di circondarla per vedere e apprezzare la narrazione e il pathos da tutte le angolazioni. Le varie angolazioni rivelano espressioni diverse, dal terrore di Dirce, alla determinazione dei figli di Antiope, alla ferocia del toro.

Apollonio e Taurisco di Tralles, Rodi. Toro Farnese.

Marmo. 200-180 a.C.