La musica e la danza hanno sempre costituito una parte importante della cultura e del folklore italiano. La musica italiana assume forme diverse che vanno dall’opera, alla musica popolare, alla musica popolare e alla musica religiosa.

I compositori italiani più famosi includono i compositori rinascimentali Palestrina e Monteverdi, i compositori barocchi Alessandro Scarlatti, Corelli e Vivaldi i compositori classici Paganini e Rossini e i compositori romantici Verdi e Puccini. Compositori italiani moderni come Berio e Nono si sono dimostrati significativi nello sviluppo della musica sperimentale ed elettronica.

L’Italia ha avuto un ruolo significativo nella storia della musica europea. Molti strumenti musicali, come il violino e il pianoforte, sono stati inventati in Italia. La scala musicale, l’arte dell’Opera e molti termini musicali, come sonetto, concerto, quartetto (vedi: Prestiti italiani in inglese), sono nati anche in Italia e molte delle forme di musica classica europea esistenti possono far risalire le loro radici alle innovazioni della musica italiana del XVI e XVII secolo (come la sinfonia, il concerto e la sonata). Queste innovazioni in termini di armonia e notazione hanno fortemente influenzato la musica classica europea e hanno permesso lo sviluppo dell’opera alla fine del 1500.

La musica popolare italiana trova la sua fonte sia negli stili musicali nativi che importati. La canzone napoletana, la canzone napoletana e i cantautori italiani, insieme a generi importati come il jazz, il pop, il rock e l’hip hop, hanno contribuito ad un corpo molto eclettico della musica italiana. Tuttavia, la musica popolare italiana costituisce anche una parte importante del patrimonio musicale del paese, offrendo una vasta gamma di stili regionali, strumenti e lingue colorate localmente. La musica popolare è sempre stata un modo per esprimere l’identità locale e affrontare questioni culturali, politiche e sociali.

Musica religiosa

La scala fu inventata già alla fine del X secolo, da un monaco benedettino, Guido di Arezzo. Chiamò le note usando le sillabe iniziali delle prime sei righe dell’inno di Giovanni Battista.

Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum Sancte Johannes

L ‘ “Ut” fu cambiato in “Do” nel 1600 e il “Si” fu formato dalle iniziali di Sancte Johannes.

Uno dei più prolifici compositori di musica religiosa fu Giovanni Pierluigi da Palestrina (c. 1525-1594), che segnò l’età d’oro della polifonia.

Trovatori e musica popolare

È con i trovatori che si è verificato il passaggio da una lunga tradizione di scrivere musica in latino a scrivere musica nella lingua locale. La forma musicale è nata in Francia, ma in seguito si è diffusa nell’Italia del 12 ° secolo, dove sono stati chiamati trovatori. Questo sviluppo si estese ai testi di canzoni popolari e forme come il madrigale, che significa “nella lingua madre”.

Approssimativamente in questo periodo, i flagellanti italiani svilupparono gli inni popolari italiani noti come laude spirituale. Intorno al 1335, il Codice Rossi, la prima raccolta esistente di polifonia secolare italiana, includeva esempi di generi italiani indigeni del Trecento tra cui madrigali, cacce e ballate. I primi madrigali erano più semplici dei più noti madrigali successivi, solitamente costituiti da terzine disposte polifonicamente per due voci, con un ritornello chiamato ritornello. Il Codice Rossi includeva musiche di Jacopo da Bologna, il primo famoso compositore Trecento.

La musica popolare italiana non presenta un carattere omogeneo, ma riflette la storia, la lingua e la composizione etnica di specifiche aree d’Italia. È un perfetto riflesso della posizione geografica dell’Italia e del dominio storico delle piccole città stato.

Gli stili popolari italiani sono diversi quanto le culture regionali dell’Italia stessa. Includono canzone monofonica, polifonica e responsoriale (una canzone in cui il leader del coro o del gruppo canta una linea o un verso dopo il quale il gruppo risponde), musica corale, strumentale e vocale, così come altri stili. Mentre, in alcuni paesi europei, gli stili di canto popolare sono diventati un simbolo nazionale, in Italia non è mai stato così. I musicisti popolari italiani usano il dialetto o la lingua della propria tradizione regionale. Questo non deve essere visto come un rifiuto della lingua italiana standard, è semplicemente ciò che riguarda la musica popolare: il colore e l’identità locali.

Forme di canto polifonico e canto corale si trovano principalmente nel nord Italia, mentre a sud di Napoli, il canto solista è più comune, con l’eccezione della Sicilia e della Sardegna geograficamente più isolate, che sono molto polifoniche. Nel resto del sud Italia la polifonia è raramente corale e i gruppi di solito usano il canto all’unisono in due o tre parti portate da un unico esecutore. Northern ballad-canto è sillabico, con un tempo rigoroso e testi intelligibili, mentre gli stili del sud utilizzano un tempo rubato, timbro nasale e uno stile vocale teso e teso.

Musica classica

L’Italia è stata a lungo un punto focale per la musica classica europea, e all’inizio del 20 ° secolo, la musica classica italiana aveva forgiato un suono nazionale distinto che era decisamente romantico e melodico.

La musica classica italiana non fu influenzata dal “juggernaut armonico tedesco”, cioè dalle fitte armonie di Richard Wagner, Gustav Mahler e Richard Strauss. Anche la musica italiana aveva poco in comune con la reazione francese a quella tedesca, l’impressionismo di Claude Debussy, per esempio, in cui lo sviluppo melodico è in gran parte abbandonato per la creazione di umore e atmosfera attraverso i suoni dei singoli accordi.

Uno dei maggiori contributori italiani alla musica classica è Antonio Vivaldi, uno dei più grandi compositori barocchi ampiamente accreditati per aver creato musica da concerto. Il suo pezzo più famoso è Four Seasons è ancora giocato in tutto il mondo di oggi.

Nel XX secolo la musica classica cambiò molto, non solo in Italia, ma anche a livello europeo. La nuova musica abbandonò gran parte delle scuole storiche di armonia e melodia sviluppate a livello nazionale a favore della musica sperimentale, dell’atonalità, del minimalismo e della musica elettronica. Tra i più importanti compositori del periodo ricordiamo Ferruccio Busoni, Alfredo Casella, Bruno Maderna, Luciano Berio, Luigi Nono, Salvatore Sciarrino, Luigi Dallapiccola, Carlo Jachino, Gian Carlo Menotti, Jacopo Napoli e Goffredo Petrassi.

Opera

Come luogo di nascita dell’opera, l’Italia conta molti magnifici teatri d’opera storici, molti dei quali sono ancora in funzione oggi.

In linea di massima, l’opera italiana può essere divisa in due periodi, il barocco e il romantico. La prima composizione che può essere considerata opera come la concepiamo oggi, è Dafne scritta da Jacopo Peri nel 1597.

Vedi: Opera italiana

Musica napoletana

L’influenza di Napoli nella storia delle tradizioni musicali si è diffusa ben oltre i confini dell’Italia. I primi conservatori di musica sono stati creati a Napoli nel 16 ° secolo e il Teatro dell’Opera della città San Carlo è anche il più antico teatro d’opera al mondo in funzionamento continuo.

L’annuale concorso di scrittura della canzone napoletana, tenutosi durante l’annuale Festa di Piedigrotta a Napoli, ha portato la canzone popolare napoletana ad una forma d’arte formale. Il vincitore del primo festival è stato un brano dal titolo Te voglio bene assaje, composto dal compositore lirico Gaetano Donizetti. Tra la fine del 1800 e l’inizio del 1900, emigranti da Napoli e Napoli meridionale hanno portato le loro canzoni popolari napoletane con loro all’estero, dove questi hanno guadagnato ulteriore popolarità. ‘O sole mio risalente al 1898, è diventata una delle canzoni più famose al mondo ed è stata tradotta in molte lingue. Elvis Presley ha interpretato la sua versione della canzone intitolata It’s Now or Never.

Un’altra canzone napoletana ha avuto un impatto altrettanto inaspettato sulle tradizioni musicali all’estero, diventando l’inno di una grande festa nei paesi scandinavi. La canzone del 19 ° secolo Santa Lucia, adattata con testi svedesi, divenne il canto tradizionalmente cantato in Svezia il 13 dicembre per celebrare l’omonimo Santo. Vedi: Santa Lucia.

Altre canzoni di questo periodo sono state spesso scambiate per canzoni popolari tradizionali da compositori stranieri, che hanno ulteriormente reso popolari canzoni che inizialmente avevano solo una portata locale. Funiculì Funiculà, ad esempio, è stata originariamente composta nel 1880 per commemorare l’apertura della prima funivia funicolare sul Vesuvio, ma è stata resa popolare dai compositori Richard Strauss e Rimsky-Korsakov, e più recentemente da Disney e Il Volo, il che dimostra come le canzoni napoletane durature, di genere e universali possano essere.

Musica strumentale

Alcuni compositori hanno iniziato a scrivere musica strumentale, piuttosto che opera. Uno di questi gruppi di compositori fu chiamato generazione dell’ottanta (generazione del 1880), tra cui Franco Alfano, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti e Ottorino Respighi. Anche compositori d’opera, come Giuseppe Verdi, lavorarono occasionalmente in queste forme. Il suo Quartetto d’archi in mi minore, ne è un esempio. Anche Donizetti, il cui nome è identificato con gli inizi dell’opera lirica italiana, ha scritto 18 quartetti per archi.

All’inizio del 20 ° secolo, la musica strumentale ha iniziato a crescere in importanza. Un percorso iniziato intorno al 1904 con la Seconda Sinfonia di Giuseppe Martucci, opera che Malipiero definì “il punto di partenza della rinascita della musica italiana non operistica.”Molti dei primi compositori di quest’epoca, come Leone Sinigaglia, usavano le tradizioni popolari native. I membri di questa generazione furono le figure dominanti della musica italiana dopo la morte di Puccini nel 1924. Nascono nuove organizzazioni per promuovere la musica italiana, come il Festival di Musica Contemporanea di Venezia e il Maggio Musicale Fiorentino. Gli italiani, tuttavia, tendevano a preferire pezzi più tradizionali e standard stabiliti, e solo un pubblico limitato cercava nuovi stili di musica classica sperimentale.

Pop

Tra gli italiani più conosciuti musicisti pop degli ultimi decenni, sono Domenico Modugno (con la sua famosa canzone Volare), Mina, Claudio Villa, Adriano Celentano, Lucio Battisti, De André e, più recentemente, Zucchero, Lucio Dalla, De Gregori, Vasco Rossi, Gianna Nannini e la superstar internazionale Laura Pausini, Eros Ramazzotti e Andrea Bocelli.

I musicisti che compongono e cantano le proprie canzoni sono chiamati cantautori. Le loro composizioni sono spesso canzoni di protesta, che in genere si concentrano su argomenti di rilevanza sociale, politica e intellettuale, o ballate sentimentali.

Il pop moderno può essere approssimativamente diviso in cinque periodi o stili:

1. Musica leggera nei primi anni ’50 e’ 60, con Domenico Modugno, Adriano Celentano, Mina, Gino Paoli.
2. Trovatori italiani moderni e musica del 1968: Fabrizio De André, Francesco Guccini, Francesco De Gregori, Giorgio Gaber, Umberto Bindi, Luigi Tenco, Paolo Conte.
3. I temi della protesta sono diventati ancora più predominanti negli anni ‘ 70 attraverso autori come Lucio Dalla, Pino Daniele, Francesco De Gregori, Iv Fossati, Francesco Guccini, Edoardo Bennato.
4. Rock progressivo e una nuova versione della musica italiana moderna alla fine degli anni 1970, Franco Battiato, Le Orme, Lucio Dalla e altri che hanno iniziato a fondere la musica italiana con il rock britannico, pop e altri generi musicali.
5. Rock leggero degli anni 1980 e 1990, ad esempio. Vasco Rossi, Piero Pelù, e più recentemente Ligabue e Negramaro.

Poi ci sono anche artisti come Angelo Branduardi che mescolano pop, folk e musica barocca in un nuovo, personale genere.