niewielu muzyków uchwyciło emocjonalną złożoność bycia Amerykaninem w XX i XXI wieku z taką samą elegancją i niuansem jak Tom Waits . Łącząc blues, jazz, rock i muzykę eksperymentalną (między innymi), jego tableaus of modern life znajduje duchową wspólną płaszczyznę wszędzie-od Tin Pan Alley, Harry Partch i Bob Dylan po Raymonda Carvera, Jacka Kerouaca i Charlesa Bukowskiego.

brzmienie Waitsa jest na całej mapie—lubi ciasne instrumentacje jazzowe, ale aranżuje je tak, aby brzmiały bardziej jak Captain Beefheart niż Thelonious Monk. Uwielbia perkusję, ale wiele z jego największych piosenek zawiera tylko lekkie stukanie, misty snare tasuje lub, często, w ogóle nie ma perkusji. Jego muzyka brzmi tak, jakby zawsze była na skraju połączenia, ale ma spójność i konsekwencję, która sprawia, że jest natychmiast rozpoznawalna. Potem jest jego głos, o którym jest pół wieku żywych metafor i opisów.

to, co tak naprawdę łączy dziwną recepturę amerykańskiej muzyki Waitsa, to głęboko zakorzenione trzymanie się antynomii współczesnego doświadczenia: miłości i rozpaczy, zadumy i obecności, niepokoju i pocieszenia. Jego muzyka jest często dziwna, ale jej istotą nigdy nie jest-w niej jest w pełni relatywna paleta uczuć i emocji. Waits zawsze odzwierciedla rzeczy, które możemy rozpoznać z własnego życia, nawet jeśli nie jesteśmy zagubionymi włóczęgami, krnąbrnymi kowbojami, starożytnymi kochankami czy maniakami barów. Ostatecznie jego muzyka opowiada o relacji między tęsknotą za autentycznymi doświadczeniami, a pokojem, który odczuwamy, gdy w końcu pozwalamy jej odejść.

od 1973 roku Tom Waits wydał 16 albumów studyjnych, począwszy od Closing Time, a skończywszy na Bad As Me z 2011 roku. Prawie wszystkie te płyty są reprezentowane wśród następujących 30 utworów, co powinno dać solidny przegląd jego wielu stylów i osobowości, a także przekonujący argument o jego statusie jako jednej z największych—i najbardziej dziwacznych—postaci muzycznych Ameryki.

30. „Way Down in The Hole” (Franks Wild Years, 1987)

z pozoru jest to piosenka religijna o trzymaniu diabła na dystans—choć znając Waitsa, diabeł może być dowolną liczbą rzeczy. Muzyka jest doskonała, jej saksofony staccato i jazz-lounge bas odzwierciedlają poczucie moralnego niepokoju w utworze. Solo gitarowe jest melodyjnie niezrównoważone; geniusz tkwi w jego spastycznych gestach. Różne wersje tej piosenki (w tym Waitsa) zostały użyte jako piosenka przewodnia dla serialu HBO „The Wire”.

29. „Georgia Lee” (Mule Variations, 1999)

To jedna z najgłębiej melancholijnych piosenek Waitsa opowiadająca o morderczym morderstwie Georgii Lee Moses i zadanych przez nią pytaniach. Dla tych, którzy nadążają za wiadomościami: „jak to się może stać?”to prawie codzienne pytanie; to jest ten sentyment w formie piosenki. Na szczęście sympatyczna gra i śpiew Waitsa prowadzi nas przez to.

28. „Hoist That Rag”(Real Gone, 2004)

” Hoist That Rag”zawiera postacie z książki Herberta Asbury’ ego Gangi Nowego Jorku, możliwe odniesienia do antywojennej telewizji (M*A*S*H) i literatury (bogowie Alberto Vea idą żebrać) oraz pseudo-patriotyczne obrazy („hoist that rag”). Niektórzy mówią, że Real Gone jest najbardziej politycznym albumem Waitsa i trudno się temu sprzeciwić, z bliskością płyty do 11 września i wojny w Iraku. Waits-on-Waits-on-Waits warstwy wokalu w refrenie uderza prosto w brzuch.

27. „Co buduje?”(Mule Variations, 1999)

oto najciekawszy utwór Toma Waitsa, monolog dociekliwego sąsiada. Przerażająca inwazja piosenki jest oczywista. Oto, co Waits miał do powiedzenia na ten temat: „wszyscy staliśmy się zbyt ciekawi naszych sąsiadów i wszyscy wierzymy w końcu, że mamy prawo wiedzieć, co wszyscy robimy.”To jest zła droga, aby być pewnym, i jest wypełniona najemcami takimi jak ci.

26. „Hell Broke Luce” (Bad As me, 2011)

gdyby Kapitan Beefheart napisał i nagrał piosenkę podczas palenia cracku, brzmiałoby to tak. Nieco niejednoznaczne jest to, kim jest „Luce” (a Waits podał wiele sprzecznych wyjaśnień), ale pozostaje to żałobna opowieść o militarystycznej rozpaczy.

25. „Dirt in the Ground” (Bone Machine, 1992)

Między „chcę wiedzieć, czy jestem niebem czy ptakiem” i „jesteśmy przykuty do świata i wszyscy musimy ciągnąć”, wydaje się, że przechodził trudny okres, kiedy to pisał. Bone Machine zdobył Nagrodę Grammy za najlepszy album muzyki alternatywnej i nie bez powodu.

24. „Johnsburg, Illinois” (Swordfishtrombones, 1983)

sentymentalna Ballada o żonie Waitsa, Kathleen Brennan, „Johnsburg, Illinois” jest jedną z jego najkrótszych piosenek. Działa dobrze jako 90-sekundowy utwór, chociaż, ponieważ naprawdę nie ma wiele do powiedzenia po rozpoczęciu piosenki z ” She 's My only true love/She’ s all that I think of/Look here in my wallet/That ’ s her.”Najlepsze rzeczy są w małych opakowaniach.

23. „Lie To Me”(Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards, 2006)

ogromny potrójny album Waitsa, Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards, był pełen wybuchowych piosenek, które wahały się od hard rockerów do cichutko palących łez. Pierwszy utwór na płycie był prawdopodobnie najsilniejszy: wzmocniony „Lie To Me” pojawia się jako Jerry Lee Lewis-meets-Howlin’ Wolf, śpiewany z cienistej strony baru.

22. „Ol” 55 „(Closing Time, 1973)

Closing Time został wyprodukowany, zaprojektowany i zaaranżowany przez Jerry 'ego Yestera (The Lovin’ Spoonful), co prawdopodobnie jest dużą częścią tego, dlaczego utwory takie jak” Ol ” 55 ” mają tak wietrzny, prosty folk-rockowy klimat. Kiedy czyta się ją samotnie, jej teksty wydają się być zmutowaną piosenką poskładaną z podłogi krojowni Bruce ’ a Springsteena. Najciekawsze i najbardziej wpływające są harmonie wokalne utworu, których Waits nie używa często.

21. „Cały świat jest zielony” (Blood Money, 2002)

ta ujmująca piosenka została napisana do III aktu produkcji Woyzecka, niekompletnej XIX-wiecznej sztuki o żołnierzu, który morduje swoją żonę za opuszczenie go. „Zielony” w tytule wydaje się reprezentować harmonię ze światem przyrody, ale zielony ma również potencjalną ciemną stronę: Kolor pieniędzy.

20. „Cold Cold Ground” (Franks Wild Years, 1987)

Po prostu spróbuj znaleźć bardziej beztrosko brzmiącą piosenkę o śmierci. Pomimo otrzeźwiających tekstów takich jak „The piano is firewood / Times Square is a dream / I find we 'll lay down together / In the cold cold ground”, ta piosenka sprawia, że chcesz tańczyć, czy to sam, czy z ukochaną osobą. Życie jest zbyt krótkie, by tego nie robić.

19. „Everything you Can Think of Is True” (Alice, 2002)

to arcydzieło surrealistycznej prozy. Większość albumu Alice została napisana do scenicznej adaptacji Alicji w Krainie Czarów Roberta Wilsona i nic dziwnego, że ta piosenka idealnie pasuje do projektu. Waits powiedział o projekcie: „Alice to piosenki dla dorosłych dla dzieci, czyli piosenki dla dzieci dla dorosłych. Maelstrom lub fever-dream, Tone-poem, with torch songs and waltzes … an odyssey in dream and nonsense.”

18. „Tom Traubert’ s Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)” (Small Change, 1976)

oparty na australijskiej balladzie Busha „Waltzing Matilda” i biorąc za treść zdradziecką relację Waitsa z alkoholem, „Tom Traubert’ s Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)” ma nadmiar melodyjnego piękna i mrocznego obrazu („i begged you to stab me/you tore my shirt open”). Legenda głosi, że Waits kupił kufel żyta i wypił go z papierowej torby na Skid Row W L. A., obszarze z jedną z największych populacji bezdomnych w kraju, aby zainspirować się do napisania tej piosenki.

17. „16 Shells from a Thirty-Ought Six” (Swordfishtrombones, 1983)

pod wieloma względami Swordfishtrombones był płytą, w której Tom Waits stał się Tomem Waitsem, przynajmniej pod względem brzmień, nad którymi pracował do końca swojej kariery. Główne odejście od romantycznego, jazzowego popu Heartattack and Vine, „16 Shells from a Thirty-Ought Six” brzmi zamiast tego jak pijany, awangardowy blues na fabrycznym parkiecie, wraz z głosem Waitsa przesiąkniętym whiskey i papierosem, kakofonią perkusji i twardą gitarą.

16. „Hold On” (Mule Variations, 1999)

this one is chock-full of good old American transience. Idąc na wschód od Kalifornii do St. Louis,” trzymaj się ” to historia, która tak naprawdę nie jest historią-to bardziej impresjonistyczny zespół obrazów z drogi, połączonych myślą, że niezależnie od tego, co robimy, wszyscy się czegoś trzymamy.

15. „Anywhere I Lay My Head” (Rain Dogs, 1985)

ostatni utwór Rain Dogs, „Anywhere I Lay My Head”, to muzyka pogrzebowa Nowego Orleanu w całej jej jazzy bombast i ponurej, polifonicznej chwale. Jakoś jej teksty („i don’ t need anybody / Because I learned to be alone/and I say anywhere, anywhere, anywhere I lay My head, boys / I will call my home”) w ogóle nie czują się defetystycznie. Są raczej wisienką na torcie, eksperymentalnego arcydzieła Waitsa.

14. „On the Nickel” (Heartattack and Vine, 1980)

To jest to: największy hołd Waitsa dla włóczęgów i uciskanych, tych, którzy naprawdę upadli przez pęknięcia społeczeństwa. „On the Nickel” ma ogromny Patos, który konkuruje z wszystkim, co napisał Waits. Weźmy na przykład: „Co się stanie z tymi małymi chłopcami, którzy uciekają z domu?/ Świat staje się coraz większy, / gdy wychodzisz na własną rękę, / więc wypijmy za wszystkich małych chłopców, / sandman zabierze cię tam, / gdzie śpisz z poduszką.”

13. „The Piano has Been Drinking (Not Me)” (mała zmiana, 1976)

w tym Waitsie gra zmarnowanego poetę barroom beat, wygłaszającego pasjonujący wykład o swoim zmienionym stanie. Pełna szalonych wyobrażeń („’Cause the bouncer is a Sumo wrestler / Cream-puff casper milquetoast”) i zabawnych obserwacji („And you can’ t find your waitress/With a Geiger counter”), ta piosenka sprawia, że Twój sąsiedzki bar wydaje się trochę bardziej normalny.

12. „I Hope That I Don 't Fall In Love With you”(Closing Time, 1973)

” I Hope That I Don 't Fall in Love With You” jest ulubionym ulubieńcem fanów, co jest zrozumiałe—poza ultra-smakowitym folk-popem z lat 60-tych, zawiera wiele emocjonalnej głębi. Wrażliwy facet rozważa siodłanie obok samotnej kobiety w barze, ale jego strach przed stratą uniemożliwia mu to. Już wcześniej był ranny. Im dłużej o tym myśli, tym bardziej zakochuje się w jej pomyśle, a gdy nabiera odwagi, by nawiązać rozmowę, odkrywa, że to ostatnie wezwanie na drinki i wraca do domu.

11. „Alice” (Alice, 2002)

łatwo jest uznać Alice za pewnik, a wielu klasyfikuje ją gdzieś w środku twórczości Waitsa, ale jest to prawdopodobnie jego najpiękniej skomponowany album XXI wieku. W utworze tytułowym oddechowe saksofony uderzają w zimowy, szczotkowany werbel; spokojne pianino wspiera to, co brzmi jak wyciszony wibrafon. To tajemniczy, mglisty klasyk.

10. „Jockey Full of Bourbon” (Rain Dogs, 1985)

nie można usłyszeć tej piosenki bez zastanowienia się, jak jest ona wykorzystana w Downie przez prawo, niesamowicie zabawnym filmie Jima Jarmuscha o trzech tragicznych kolesiach (granych przez Johna Lurie ’ ego, Roberto Benigni i samego Waitsa) odbywających niewiarygodnie wilgotną podróż z ulic Nowego Orleanu do bagien wiejskiej Luizjany. Ta brudna, brudna piosenka nawiedza każdy kadr tego filmu z szeptaną legendą o żałosnym, zmarnowanym bohaterze i jego zepsutej broni.

9. „Come on Up to the House” (Mule Variations, 1999)

jest to albo jeden z największych hymnów samopomocy Waitsa, albo jeden z jego najbardziej chwytliwych traktatów o umieraniu. Jak mógłby powiedzieć Nietzsche, chodzi tu o Katharsis tragedii. „Dom” jest koniecznie niejednoznaczny-piosenka jest po prostu o idei zaakceptowania rozpaczy i odpuszczenia jej. Jest to ostatnia piosenka dla wielu postaci Waitsa, od zakochanych samotników do opuszczonych skoczków kolejowych, tych ” śpiewających główny sopran w chórze junkmana.”Nie bez powodu jest to ostatni utwór „The goodbye-filled Mule Variations”, który jest równie dobrym argumentem, jak każdy inny, że może być o czymś … poza.

8. „Christmas Card from a Hooker in Minneapolis” (Blue Valentine, 1978)

nie ma naprawdę żadnej opowieści, której Tom Waits nie opowie. „Kartka swiateczna od Dziwki w Minneapolis” jest dokladnie tak, jak to brzmi, jej tytul prawie szesciosowa historia Hemingwaya sama w sobie. Czytając kartkę bożonarodzeniową, dowiadujemy się sporo o smutnej historii kobiety, a po ostatnim, otrzeźwiającym skręcie piosenki, jesteśmy w zasadzie gotowi sami wysłać jej trochę pieniędzy.

7. „Czas „(Rain Dogs, 1985)

delikatna Oda do aktu samo-przezwyciężania,” czas ” to jedna z najbardziej wzruszających ballad Waitsa. Jest to świetny przykład jego niesamowitej zdolności do zaaranżowania piosenki, aby idealnie dopasować się do nastroju tekstu; powoli kaskadowe gitary i akordeon—a także brak perkusji-nadają piosence zdecydowanie ponadczasowe Tempo.

6. „(Looking For) the Heart of Saturday Night ” (The Heart of Saturday Night, 1974)

to dezorientujące, jak mały konflikt istnieje tutaj. Prawdopodobnie najbardziej wyluzowana piosenka, jaką kiedykolwiek napisano, tylko o facecie wychodzącym-oczywiście w sobotni wieczór-z nadzieją, że będzie się dobrze bawił. Waits jest świetnym narratorem, ale jest też mistrzem nastroju: radosne samochody w tle, beztroskie gitary i (ledwo) przetasowana perkusja absolutnie tworzą ten utwór.

5. „Martha „(Closing Time, 1973)

cała powieść rozgrywa się w czterech i pół minuty” Marthy”, ale jej geniusz tkwi w tym, czego tam nie ma. Tom Frost nazywa Marthę po 40 latach milczenia; byli kiedyś w związku („a to były dni róż/poezji i prozy”), ale jakoś stracili kontakt. Dlaczego dokładnie zerwali? Mówi, że był impulsywny, ale nie ujawnia niczego na tyle, byśmy wiedzieli coś na pewno. Wrócą do siebie? To zależy od Ciebie.

4. „Kentucky Avenue”(Blue Valentine, 1978)

” Kentucky Avenue „to epopeja na poziomie”Desolation Row”, opowiedziana z perspektywy dziecka. Posłuchaj, jak Waits pamięta Dzikie i dziwne wydarzenia z ulicy, na której dorastał. Jest to wędrująca fantazja, która powinna być znana każdemu, kto spędził dużo czasu na zewnątrz jako dziecko.

3. „Jersey Girl „(Heartattack and Vine, 1980)

to najlepsza piosenka Bruce 'a Springsteena, której Springsteen nigdy nie napisał, a sam Springsteen o tym wie—wykonywał ją na niezliczonych koncertach w latach 80. i 90.porywająca Piosenka miłosna Waitsa przywołuje przewiewny, prostszy czas ze zdjęciami karnawałów i promenad, a także refrenem” sha la la”. Bez wątpienia czeka w swoim ciągłym zagrożeniu, aby przepełnić się pasją.

2. „Downtown Train” (Rain Dogs, 1985)

od lśniącego liryzmu gitary elektrycznej po doskonale wyczarowane późnym wieczorem obrazy Nowego Jorku, „Downtown Train” jest najbardziej spójnym wyrażeniem tęsknoty Waitsa. Jest to również prawdopodobnie jego najprostszy utwór rockowy, który nadaje eksperymentalnym, bluesowym Rain Dogom swoją kotwicę. Jest to pięknie wrażliwa próba kontaktu, która najbardziej wpływa na grawitacyjne ziewanie Waitsa.

1. „Take it With Me” (Mule Variations, 1999)

Ta piosenka wywraca wszystko do góry nogami, zamieniając typowe portrety tęsknoty i włóczęgi Waitsa na transcendentne obrazy miłości i dobroci. „Take it With Me” opowiada o człowieku po drugiej stronie miłości, spoglądającym na swoje życie bez smutku i żalu. Spokojna centralka albumu pełnego bombastu, przemocy i ciężkiego amerykańskiego smutku, ta obnażona zadumy na głos, fortepian i bas znajduje ukojenie dzięki swojej pogańskiej tezie. Rzeczywiście, dowodzi to, że Waits nigdy nie potrzebował więcej niż 88 kluczy i otwartego serca.