De 1960 em música
Folk musicEdit
O Kingston Trio, os Tecelões, Pete Seeger, Woody Guthrie, Odetta, Peter, Paul and Mary, Joan Baez, Bob Dylan, The Byrds, Judy Collins, Leonard Cohen, Joni Mitchell, Carolyn Hester, Phil Ochs, Tom Paxton, Buffy Sainte-Marie, Dave Van Ronk, Tom Rush, Fred Neil, Gordon Lightfoot, Ian e Sylvia, Arlo Guthrie e vários outros artistas foram fundamentais para o lançamento da música folk revival dos anos 1950 e 1960.
RockEdit
Roy Orbison foi um dos artistas famosos do rock que escreveu baladas de amor perdido.no início da década, Elvis Presley continuou a marcar sucessos. Na maior parte dos anos 60, Presley principalmente lançou filmes. Presley decidiu se afastar dos filmes em 1969; sua última canção #1 nas paradas foi Suspicious Minds, que foi lançado em 1969.
na década de 1960, a cena que tinha se desenvolvido fora do Americano de música folk revival tinha crescido a um importante movimento, utilizando a música tradicional e as novas composições em estilo tradicional, normalmente em instrumentos acústicos. Na América, o gênero foi pioneiro por figuras como Woody Guthrie e Pete Seeger e muitas vezes identificado com a política progressista ou trabalhista. No início dos anos sessenta, figuras como Bob Dylan e Joan Baez vieram à tona neste movimento como cantores e compositores. Dylan tinha começado a alcançar uma audiência mainstream com hits incluindo “Blowin’ in the Wind “(1963) e” Masters of War “(1963), que trouxe” protest songs ” para um público mais amplo, mas, embora começando a influenciar uns aos outros, o rock e a música folk tinham permanecido em grande parte gêneros separados, muitas vezes com audiências mutuamente exclusivas.As primeiras tentativas de combinar elementos do folk e do rock incluíram a “House of The Rising Sun” (1964), que foi a primeira canção popular comercialmente bem sucedida a ser gravada com instrumentação de rock and roll. O movimento folk rock é geralmente pensado para ter decolado com a gravação de Byrds de “Mr.Tambourine Man” de Dylan, que liderou as paradas em 1965. Com membros que tinham feito parte da cena folk baseada em café em Los Angeles, os Byrds adotaram instrumentação de rock, incluindo bateria e guitarras Rickenbacker de 12 cordas, que se tornou um elemento importante no som do gênero. Em meados dos anos 60, Bob Dylan assumiu a liderança na fusão de folk e rock, e em julho de 65, lançado como uma Rolling Stone, com um som de rock revolucionário, mergulhado em imagens urbanas tawdry, seguido por uma performance elétrica mais tarde naquele mês no Newport Folk Festival. Dylan conectou uma geração inteira ao meio do cantor e compositor, muitas vezes escrevendo de um ponto de vista urbano, com poesia pontuada por ritmos de rock e energia elétrica. Em meados dos anos 60, bandas e compositores começaram a proliferar a cena underground de arte/música de Nova Iorque.
O lançamento do Velvet Underground & Nico, em 1967, com o cantor e compositor Lou Reed e cantora alemã e colaborador Nico foi descrito como “o mais profético álbum de rock já feito” pela Rolling Stone em 2003. Outros cantores-compositores de Nova Iorque começaram a emergir, usando a paisagem urbana como suas telas para letras no estilo confessional de poetas como Anne Sexton e Sylvia Plath. Em julho de 1969, a revista Newsweek executou uma reportagem, “As Meninas-Deixar Ir”, descrevendo o inovador música de Joni Mitchell, Laura Nyro, Lotti de Ouro e Melanie, como uma nova raça de mulheres trovador: “o Que é comum a eles são personalizados músicas que a escrita, como as viagens de auto-descoberta, repleto de observação aguçada e surpreendente no impacto de sua poesia. O trabalho destes primeiros compositores-compositores de Nova Iorque, de Laura Nyro, Tendaberry de Nova Iorque (1969), aos Diários de Lotti Golden East Village em Motor-Cycle sua estreia em 1969 na Atlantic Records, serviu como inspiração para gerações de cantoras-compositoras nas tradições de rock, folk e jazz. A adoção de instrumentos elétricos por Dylan, para a indignação de muitos puristas folclóricos, com sua “Like A Rolling Stone” conseguiu criar um novo gênero. Folk rock, particularmente, teve início na Califórnia, onde ele levou age como the Mamas & os Papas e Crosby, Stills e Nash para mover elétrica instrumentação, e em Nova York, onde ele gerado cantores-compositores e artistas, incluindo o Lovin’ Spoonful e Simon e Garfunkel, com a acústica “Sons do Silêncio” sendo remixado com rock instrumentos para ser o primeiro de muitos hits.
Folk rock atingiu seu pico de popularidade comercial no período 1967-68, antes de muitos atos se moveram em uma variedade de direções, incluindo Dylan e The Byrds, que começou a desenvolver country rock. No entanto, a hibridação do folk e do rock tem sido vista como tendo uma grande influência no desenvolvimento da música rock, trazendo elementos da psicodelia, e em particular, ajudando a desenvolver as ideias do cantor-compositor, a canção de protesto e os conceitos de “autenticidade”.rockedélico principal: Rock psicodélico
música Psicodélica do LSD-inspirado vibe começou na cena folk, com a Nova-iorquina de Holy Modal Rounders usando o termo em seu 1964 gravação de “Hesitação Blues”. O primeiro grupo a se anunciar como rock psicodélico foram os 13th Floor Elevators do Texas, no final de 1965; produzindo um álbum que deixou sua direção clara, com os sons psicodélicos dos 13th Floor Elevators no ano seguinte.
O rock psicodélico particularmente decolou na cena musical emergente da Califórnia como grupos que seguiram os Byrds do folk ao folk rock a partir de 1965. O grupo de Los Angeles The Doors foi formado em 1965 após um encontro casual em Venice Beach. Embora o carismático vocalista Jim Morrison tenha morrido em 1971, a popularidade da banda tem sofrido até hoje. O estilo de vida psicodélico já havia se desenvolvido em São Francisco desde 1964, e produtos particularmente proeminentes da cena foram os Grateful Dead, Country Joe and The Fish, The Great Society e Jefferson Airplane. Os Byrds rapidamente progrediram do puramente folk rock em 1966 com seu single “Eight Miles High”, amplamente considerado como uma referência ao uso de drogas.
rock Psicodélico atingiu o seu apogeu nos últimos anos da década. Na América, O Verão do amor foi prefaciado pelo be-In event humano e atingiu o seu pico no Festival Pop De Monterey, o último ajudando a fazer grandes estrelas americanas de Jimi Hendrix e The Who, cujo single “I Can See for Miles” mergulhou em território psicodélico. As gravações principais incluíam o travesseiro Surrealista de Jefferson Airplane e os estranhos dias dos The Doors. Estas tendências culminaram no Festival de Woodstock de 1969, que viu performances da maioria dos principais atos psicodélicos, mas no final da década o rock psicodélico estava em retiro. A experiência de Jimi Hendrix terminou antes do final da década e muitos atos sobreviventes mudaram-se da psicodelia para “roots rock”, a experimentação mais ampla do rock progressivo, ou rock pesado Riff laden.artigo principal: Surf rock
No início da década de 1960, uma das formas mais populares de rock and roll foi de Surf Rock, que foi caracterizada por ser quase que totalmente instrumental e pelo grande uso de reverb na guitarra. O spring reverb apresentado em amplificadores Fender da época, com o seu volume máximo, produziu um tom de guitarra cintilando com sustain e evocando imagens de surf e oceano.”Movin’ and Groovin”, de Duane Eddy, é considerado por muitos como o principal candidato para lançar o trabalho de base como o primeiro álbum de surf rock, enquanto outros afirmam que o gênero foi inventado por Dick Dale em “Let’s Go Trippin’”, que se tornou um sucesso em toda a Califórnia. A maioria das primeiras bandas de surf foram formadas durante esta década na região sul da Califórnia. Em meados dos anos 1960, Os Beach Boys, que usaram harmonias Pop complexas sobre um ritmo básico de surf rock, emergiram como o grupo dominante de surf e ajudaram a popularizar o gênero. em sucessos como Surfin ‘ U. S. A.. Além disso, bandas como The Ventures, the Shadows, The Atlantics, The Surfaris e The Champs também estavam entre as bandas de Surf Rock mais populares da década.
Garagem rockEdit
Garage rock era uma forma bruta de música rock, particularmente prevalente na América do Norte em meados da década de 1960 e é chamado assim por causa da percepção de que muitas das bandas ensaiada no exterior família garagem. Músicas de rock de garagem muitas vezes giravam em torno dos traumas da vida de colegial, com canções sobre “lying girls” sendo particularmente comuns. As letras e a entrega foram notavelmente mais agressivas do que era comum na época, muitas vezes com vocais rosnados ou gritados que se dissolveram em gritos incoerentes, como a influente banda de Washington, The Sonics. Eles variavam de música crua de um acorde (como as sementes) a qualidade de músico próximo de estúdio (incluindo os Knickerbockers, os restos, e a Quinta propriedade). Havia também variações regionais em muitas partes do país com cenas florescentes, particularmente na Califórnia e no Texas. Os estados do Noroeste do Pacífico de Washington e Oregon tinham talvez o som regional mais definido.
O estilo tinha evoluído a partir de cenas regionais já em 1958. “Louie Louie” de The Kingsmen (1963) é um dos principais exemplos do gênero em seus estágios de formação. Em 1963, os singles da garage band estavam entrando nas paradas nacionais em maior número, incluindo Paul Revere e The Raiders (Boise), The Trashmen (Minneapolis) e The Rivieras (South Bend, Indiana). Neste período inicial, muitas bandas foram fortemente influenciadas pelo surf rock e houve uma polinização cruzada entre garage rock e frat rock, às vezes visto como apenas um subgênero do garage rock.a Invasão Britânica de 1964-1966 influenciou muito as bandas de garagem, proporcionando-lhes um público nacional, levando muitos (muitas vezes grupos de surf ou hot rod) a adotar uma Invasão Britânica lilt, e encorajando muitos mais grupos a se formarem. Milhares de bandas de garagem existiam nos EUA e no Canadá durante a época e centenas produziram sucessos regionais. Apesar de dezenas de bandas serem assinadas para grandes ou grandes gravadoras regionais, a maioria eram fracassos comerciais. É geralmente acordado que garage rock atingiu um pico comercial e artisticamente por volta de 1966. Em 1968, o estilo desapareceu em grande parte das paradas nacionais e no nível local como músicos amadores enfrentaram a faculdade, o trabalho ou o draft. Novos estilos evoluíram para substituir o garage rock (incluindo o blues-rock, o rock progressivo e o country rock). Em Detroit garage rock permaneceu vivo até o início dos anos 70, com bandas como The MC5 e The Stooges, que empregavam um estilo muito mais agressivo. Essas bandas começaram a ser rotuladas de punk rock e agora são muitas vezes vistas como proto-punk ou proto-hard rock.
Blues-rockEdit
o blues-rock americano tinha sido pioneiro no início dos anos 1960 pelo guitarrista Lonnie Mack, mas o gênero começou a decolar em meados dos anos 60 como os atos seguidos desenvolveram um som semelhante aos músicos de blues britânicos. Chave de atos incluído Paul Butterfield (cuja banda atuou como Mayall s Bluesbreakers na grã-Bretanha como um ponto de partida para muitos músicos de sucesso), Canned Heat, o início de Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, J. Geils Band e Jimi Hendrix, com o seu poder trios, a Jimi Hendrix Experience e Band of Gypsys, cuja guitarra virtuosismo e carisma seria entre os mais emulada da década. Bandas de Blues-rock como Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd e, eventualmente, ZZ Top dos estados do Sul, incorporaram elementos do país em seu estilo para produzir o distinto Southern rock.
Raízes rockEdit
Raízes do rock é o termo usado agora para descrever um afastamento dos excessos da cena psicodélica, a mais básica forma de rock and roll, que incorporou seu original influências, particularmente país e a música folk, levando à criação de country-rock e Southern rock. Em 1966, Bob Dylan liderou o movimento quando ele foi para Nashville para gravar o álbum Blonde on Blonde. Isso, e posteriormente mais claramente influenciados pelo país, têm sido vistos como criando o gênero de country folk, uma rota perseguida por uma série de músicos folclóricos, em grande parte acústicos. Outros atos que seguiram a tendência de back-to-basics foram o grupo The Band e o Creedence Clearwater Revival baseado na Califórnia, ambos os quais misturaram o rock and roll básico com folk, country e blues, para estar entre as bandas mais bem sucedidas e influentes do final dos anos 1960. O mesmo movimento viu o início das carreiras de gravação de artistas solo californianos como Ry Cooder, Bonnie Raitt e Lowell George, e influenciou o trabalho de artistas estabelecidos como The Rolling Stones’ Beggar’s Banquet (1968) e The Beatles’ Let It Be (1970).
Em 1968, Gram Parsons gravado Seguro em Casa com o Submarino Internacional de Banda, sem dúvida, o primeiro país de verdade álbum de rock. Mais tarde naquele ano, ele se juntou ao The Byrds for Sweetheart of the Rodeo (1968), geralmente considerado uma das gravações mais influentes do gênero. Byrds continuou na mesma veia, mas Parsons esquerda para ser acompanhado por outro ex-Byrds membro Chris Hillman na formação do Flying Burrito Brothers, que ajudaram a estabelecer a respeitabilidade e parâmetros do gênero, antes de Parsons partiu para seguir carreira solo. O Country rock foi particularmente popular na cena musical californiana, onde foi adotado por bandas como Hearts & Flowers, Poco and Riders of the Purple Sage, The Beau Brummels and the Nitty Gritty Dirt Band. Vários artistas também desfrutaram de um renascimento adotando sons country, incluindo: The Everly Brothers; um ídolo teen Ricky Nelson, que se tornou o vocalista da banda Stone Canyon; o ex-Monkee Mike Nesmith, que formou a primeira banda nacional; e Neil Young. Os Dillards eram, invulgarmente, um ato country, que se moveu para a música rock. O maior sucesso comercial do país, o rock surgiu na década de 1970, com o artista, incluindo os Doobie Brothers, Emmylou Harris, Linda Ronstadt e as “Águias” (composto de membros do Burritos, Poço e de Pedra Canyon Banda), que surgiu como uma das mais bem sucedidas bandas de rock de todos os tempos, produzindo álbuns que incluiu Hotel Califórnia (1976).os fundadores do Southern rock costumam ser a Allman Brothers Band, que desenvolveu um som distinto, em grande parte derivado do blues-rock, mas incorporando elementos do boogie, soul e country no início da década de 1970. O ato mais bem sucedido para segui-los foi Lynyrd Skynyrd, que ajudou a estabelecer a imagem do “bom rapaz” do subgênero e a forma geral do guitar rock dos anos 1970. Seus sucessores incluíam os instrumentalistas de fusão/progressista Dixie Dregs, Os Outlaws mais influenciados pelo país, Willie molhado inclinado pelo jazz e (incorporando elementos de R&B e gospel) os Daredevils de montanha Ozark. Após a perda dos membros originais dos Allmans e Lynyrd Skynyrd, o gênero começou a desaparecer em popularidade no final da década de 1970, mas foi sustentado na década de 1980 com atos como .38 Special, Molly Hatchet e a Marshall Tucker Band.
Progressivo rockEdit
rock Progressivo, por vezes, usados de forma intercambiável com o art rock, foi uma tentativa de ir além estabelecido musical fórmulas, por meio de experimentos com diferentes instrumentos, música tipos e formas. A partir de meados da década de 1960, a esquerda Banke, os Beatles, os Rolling Stones e os Beach Boys, foram pioneiros na inclusão de seções de cravos, vento e cordas em suas gravações para produzir uma forma de rock Barroco e pode ser ouvido em singles como “A Whiter Shade of Pale” de Procol Harum (1967), com sua introdução inspirada em Bach. O Moody Blues usou uma orquestra completa em seu álbum Days of Future Passed (1967) e posteriormente criou sons orquestrais com sintetizadores. Orquestração clássica, Teclados e sintetizadores foram uma edição frequente para o formato de rock estabelecido de guitarras, baixo e bateria em rock progressivo subsequente.instrumentais eram comuns, enquanto canções com letras eram algumas vezes conceituais, abstratas ou baseadas em fantasia e ficção científica. The Pretty Things ‘ SF Sorrow (1968) and the Who’s Tommy (1969) introduced the format of rock operas and opened the door to “concept albums, usually telling an epic story or tackling a grand overarching theme. O álbum de estreia do King Crimson, em 1969, na corte do Crimson King, que misturou riffs de guitarra poderosos e mellotron, com jazz e música sinfônica, é muitas vezes tomada como a gravação chave no rock progressivo, ajudando a adoção generalizada do gênero no início dos anos 1970 entre as bandas de blues-rock e psicodélico existentes, bem como bandas recém-formadas.
PopEdit
Chubby Checker durante o início da década de 1960 populariza duradouro dance craze a Torção com seu hit cover de Hank Ballard & o Midnighters ” R&B hit “Twist”.Gerry Goffin e Carole King se tornaram um duo muito influente na música pop, escrevendo numerosos hits número um, incluindo a primeira música a chegar ao número um por um grupo feminino, The Shirelles “Will You Love Me Tomorrow “e o hit número um de 1962,” The Loco-Motion”, que foi realizado por Little Eva.
“Sugar Sugar” torna-se um grande sucesso para os Archies, definindo o gênero pop bubblegum.os Monkees foram feitos para a banda de TV, inspirados nas palhaçadas dos Beatles em um dia duro de noite. Sob razões contratuais, o grupo não foi autorizado a tocar seus próprios instrumentos, o que levou a muitas disputas entre os colegas de banda e supervisor musical, Don Kirshner.
R&B, Motown e de soul musicEdit
- O rótulo baseado em Detroit Motown desenvolve-se como uma resposta pop-influenciada à música soul. A gravadora começa uma longa série de hit singles No. 1 dos Estados Unidos em 1961 com “Please Mr.Postman”, de The Marvelettes. A gravadora teria inúmeros sucessos no número 1 da Billboard ao longo da década e até a década de 1990. artistas notáveis da Motown incluem The Supremes, The Miracles, The Temptations, The Four Tops, Martha and The Vandellas, Marvin Gaye e The Jackson Five, que estreou em 1969.a música Soul desenvolve popularidade ao longo da década, liderada por Sam Cooke, James Brown e Otis Redding, entre muitos outros.meados dos anos 60 James Brown criou funk music e início dos anos 70 Sly& The Family Stone tinha Funk hit “Thank You”.em 1966, as Supremes ganharam o grande hit “You Can’t Hurry Love” com o inovador baixista James Jamerson. as gravações de 1967 de Aretha Franklin, como “I Never Loved a Man (The Way I Love You)”, “Respect” (originalmente cantada por Otis Redding) e “do Right Woman-Do Right Man”, são consideradas o apogeu do gênero soul, e estavam entre as suas produções mais bem sucedidas comercialmente.
País musicEdit
Triumph and great tragedy marked the 1960s in country music. O gênero continuou a ganhar exposição nacional através da rede de televisão, com séries semanais e programas de prêmios ganhando popularidade. As vendas de discos continuaram a aumentar à medida que novos artistas e tendências vieram para a vanguarda. No entanto, várias Estrelas de topo morreram em circunstâncias trágicas, incluindo várias que foram mortas em acidentes de avião.o estilo musical predominante durante a década foi o Nashville Sound, um estilo que enfatizava seções de cordas, vocais de fundo, vocais de apoio e estilos de produção vistos na música country. O estilo tornou-se popular pela primeira vez no final da década de 1950, em resposta à crescente invasão do rock and roll no gênero country, mas viu seu maior sucesso na década de 1960. Artistas como Jim Reeves, Eddy Arnold, Ray Price, Patsy Cline, Floyd Cramer, Roger Miller e muitos outros alcançaram grande sucesso através de canções como “He’ll Have to Go,” “Danny Boy,” “Make the World Go Away”, “King of the Road” e “I Fall to Pieces. O estilo country-pop também foi evidente no álbum de 1962 Modern Sounds in Country e Western Music, gravado por Ray Charles e rhythm and blues. Charles gravou covers dos padrões tradicionais de música country, folk e clássica no pop, R&B e estilos de jazz. O álbum foi aclamado como um sucesso de crítica e comercial, e seria muito influente nos estilos musicais country posteriores. Canções do álbum que foram lançadas para airplay comercial e vendas de discos incluem “I Can’t Stop Loving You”, “Born to Lose” e “You Don’t Know Me”.”
no final da década, o som de Nashville tornou-se mais polido e racionalizado, e tornou-se conhecido como “countrypolitan”.”Tammy Wynette, Glen Campbell, Dottie West e Charley Pride estavam entre os melhores artistas adotando este estilo. Enquanto George Jones — no início dos anos 1960 um dos mais consistentes hitmakers da música country-também gravou música de estilo country, seu fundo permaneceu puro honky tonk, cantando de desgosto e solidão em muitas de suas canções. Além disso, Marty Robbins provou ser um dos cantores mais diversos do gênero, cantando de tudo, desde o país direto até o oeste até o pop até o blues … e até Havaiano.Johnny Cash—que ficou conhecido como “o homem de preto”—tornou-se um dos músicos mais influentes da década de 1960 (e, eventualmente, do século 20). Embora principalmente gravando country, suas canções e sons abrangeram muitos outros gêneros, incluindo rockabilly, blues, folk e gospel. Sua música mostrou grande compaixão pelas minorias e outros que foram excluídos pela sociedade, incluindo presos na prisão. Dois dos álbuns mais bem sucedidos de Cash foram gravados ao vivo na prisão: na prisão de Folsom e em San Quentin.durante a segunda metade da década de 1960, Pride — um nativo de Sledge, Mississippi — tornou-se o primeiro superstar Afro-Americano na música country, um gênero virtualmente dominado por artistas brancos. Alguns de seus primeiros sucessos, cantados com uma voz de barítono suave e em um estilo meshing honky-tonk e countrypolitan, incluindo “Just Between You and Me”, “The Easy Part’s Over”, “All I Have to Offer You (Is Me)” e uma versão cover de Hank Williams “Kaw-Liga”.”Pride continuou a ser bem sucedido por mais de 20 anos, acumulando um eventual 29 No. 1 hits na Billboard Hot Country Singles chart.
um novo estilo emergente, que teve suas raízes na década de 1950, mas explodiu no mainstream durante a década de 1960, foi o “Bakersfield sound”. Em vez de criar um som semelhante à música pop mainstream, o Bakersfield sound usou honky tonk como sua base e adicionou instrumentos elétricos e um backbeat, mais elementos estilísticos emprestados do rock and roll. Buck Owens, Merle Haggard e Wynn Stewart foram alguns dos melhores artistas adotando este som, e no final dos anos 1960 eles estavam entre os artistas mais vendidos da música country.entre os atos femininos, os mais bem sucedidos foram Loretta Lynn, Tammy Wynette e Dolly Parton. Lynn, um nativo de Butcher Hollow, Kentucky, e na verdade, a filha de um mineiro de carvão, seria—com a ajuda de seu marido, Oliver “Doolittle” Lynn—ganhar um contrato de gravação com Zero Registros em 1960, e enquanto apenas o seu primeiro single (“Honky Tonk “Menina”) de seu início da década de 1960 lançamentos traçado, suas primeiras gravações foram o trampolim para a quantidade de coisas maiores e melhores para vir. Pela segunda metade da década, e continuando até a década de 1970, ela foi a gravação de canções que desafiam o estereótipo da mulher que tinha a colocar-se com os homens, suas difícil de beber, promiscuidade e outros traços negativos—por exemplo, “não Vem para Casa Um-Drinkin’ (Com Amor’ na Sua Mente)”—bem como músicas, que empurrou o gênero conservadora de limites (“Querido Tio Sam”, uma música sobre a Guerra do Vietnã) e sua vontade de resistir a outras mulheres (“Você não é Mulher o Suficiente Para ter Meu Homem)”).Parton, uma nativa da Smoky Mountains town de Locust Ridge, Tennessee, ganhou exposição nacional no programa sindicado nacionalmente The Porter Wagoner Show, no qual ela começou a aparecer em 1967. Dois anos antes, ela havia assinado um contrato de gravação com Monumento Registos e foi empurrado como um chiclete cantora pop, mas só tinha menor sucesso, antes de uma de suas composições – “adiando para Amanhã” – tornou-se um grande sucesso de Bill Phillips (uma faixa que Parton desde vocal de apoio), em 1966. Eventualmente, a sua marca de país, influenciada pela montanha e pela sua personalidade em casa, ganhou muitos fãs, e o seu poder de estrela apenas começaria a subir. Seus primeiros grandes sucessos foram principalmente duetos com Wagoner, embora ela teve vários sucessos solo—incluindo sua descoberta, “Dumb Blonde”—também.Wynette ganhou aclamação com perspectivas únicas sobre os temas clássicos da solidão, divórcio e as dificuldades da vida e relacionamentos, ilustrados por canções como “I Don’T Wanna Play House” e ” D-I-V-O-R-C-E.”No entanto, foi ” Stand By Your Man”, uma canção prometendo fidelidade inflexível e estar ao lado dos homens, apesar de suas deficiências, que deu a Wynette seu sucesso de carreira. No final dos anos 1960, ela era casada com o cantor de música country George Jones.entre outras recém-chegadas do sexo feminino, Connie Smith estava entre as mais bem sucedidas, como seu hit de sucesso, “Once a Day” passou oito semanas no número um na Billboard Hot Country Singles chart no final de 1964 e início de 1965, a mais longa parada-Top por quase 50 anos. Durante uma carreira que durou mais de 50 anos, as canções de Smith muitas vezes exploraram temas de solidão e vulnerabilidade.
Além do Programa de Porter Wagoner, vários outros programas de televisão foram produzidos para permitir que a música country alcance um público mais amplo, como o Jimmy Dean Show em meados da década. No final da década, Hee Haw começou uma corrida de 23 anos, primeiro na CBS e mais tarde em sindicação.; Hee Haw, apresentado por Owens e Roy Clark foi vagamente baseado na série de comédia Rowan & Martin’s Laugh In, e incorporou comédia, juntamente com performances do elenco do show ou artistas convidados do campo de música country. Os programas da Academy of Country Music and Country Music Association foram transmitidos pela primeira vez no final da década de 1960. Johnny Horton, que cantou no estilo saga-song, foi morto em um acidente de carro em 1960. Em 5 de Março de 1963, um acidente de avião ceifou a vida de Patsy Cline, Cowboy Copas e Hawkshaw Hawkins. Dias depois, Jack Anglin foi morto em um acidente de carro, enquanto Texas Ruby morreu em um incêndio em um trailer no Texas. Em julho de 1964, Jim Reeves perdeu a vida enquanto pilotava um avião perto de Brentwood, Tennessee. Ira Louvin (metade dos irmãos Louvin) foi morto em um acidente de carro em 1965. O sucesso superou várias dessas mortes trágicas, como Cline e Reeves tiveram muitos sucessos póstumos (com canções previamente gravadas emitidas após suas mortes) e desfrutaram de fortes seguimentos por muitos anos, enquanto o irmão de Louvin, Charlie, continuou como um artista solo de sucesso por mais de 40 anos. Outras estrelas pioneiras que morreram durante a década de 1960 incluem A. P. Carter, GID Tanner, Moon Mullican, Ernest “Pop” Stoneman, Red Foley, Leon Payne e Spade Cooley.
a década de 1960 começou uma tendência para a proliferação de No. 1 hits no Billboard Hot Country Singles chart, graças à constante mudança de métodos de coleta de dados. Quando a década de 1960 foi aberta, havia apenas quatro canções No. 1 no topo da parada (Cinco, se um conta Marty Robbins ‘”El Paso””), mas em meados da década de 1960, havia sempre pelo menos uma dúzia de canções no topo da parada anualmente. Em 1967, havia mais de 20 canções alcançando o topo pela primeira vez em um único ano civil … e esse número só continuaria a aumentar nos próximos 20 anos.à medida que a década se aproximava do fim, as tendências da moda dos anos 60 começaram a entrar nos círculos de música country. Isso foi inspirado especificamente por uma canção escrita pelo cantor e compositor Tom T. Hall sobre uma mãe viúva de minissaia de uma adolescente que foi criticada por funcionários da escola local por supostamente dar um mau exemplo para sua filha. A canção foi gravada por uma jovem secretária chamada Jeannie C. Riley, que desenvolveu uma personalidade mod em conexão com a canção, apresentando-se no palco em saias curtas e botas go-go. Outras artistas country do sexo feminino começaram a seguir o exemplo nos anos que se seguiram, também aparecendo no palco em mini-saias e minidressas. A canção chegou às paradas country e pop em 1968; e até hoje, “Harper Valley PTA” continua a ser a canção mais solicitada nos concertos de Riley.
Outras tendências musicais e eventsEdit
- no Final da década, o Festival Pop de Monterey e Woodstock Festival de Música seria resumem a contracultura Americana.os eventos atuais se tornam uma grande influência na música popular. Muitas canções são escritas em protesto à guerra do Vietnã. A canção “Ohio” foi escrita sobre o massacre de Kent State, e se tornou um sucesso para Crosby, Stills, Nash e Young.a música mundial vê um enorme aumento na popularidade, pois muitos procuram interesse em outras culturas. Ravi Shankar se apresenta nos festivais de Monterey e Woodstock. O artista de Rock latino Carlos Santana vê popularidade ao longo da década. George Harrison desenvolve um interesse na cultura Hare Krishna, adicionando influência indiana à música dos Beatles, incluindo o uso de uma sitar. Reggae começa a popularizar-se neste momento.em 1969, os Rolling Stones organizaram o malfadado Concerto livre de Altamont.canções como” Summertime Blues “e” Eve of Destruction ” abordam a questão da idade de voto, que na época era de 21 anos. A questão era que os soldados eram recrutados aos 18, mas não podiam votar. A idade de votação foi eventualmente reduzida para dezoito.algumas canções como “Blowin’ in the Wind” de Bob Dylan abordam o movimento dos Direitos Civis.
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