AES+F grupo

Considerado um dos mais bem sucedidos e famosos grupos de arte hoje, AES+F tem exposições em todo o mundo. As instalações e projetos multimídia de Tatyana Arzamasova, Lev Yevzovich, Yevgeny Svyatsky e Vladimir Fridkes são dedicados, principalmente, à cultura global e uma análise dos valores modernos.

Seu filme de instalação “Inverso Mundus” (em latim para “mundo invertido”) foi exibido na Bienal de Veneza e ainda está em turnês museus ao redor do mundo.

Ivan Aivazovsky

Ninguém pinta o mar, como Ivan poderia! O pintor Aivazovsky foi reverenciado como um dos artistas mais prolíficos, criando mais de 6.000 paisagens marinhas. Historiadores de arte e críticos de arte consideram a obra de Arte Do Mar Negro como sua magnum opus, o resultado do repensar do artista sobre sua vida e carreira.

Yuri Albert

Albert’s famous artworks with text often become Internet memes, while his retrospective exhibition, “What did the artist mean by that?”no Museu de Arte Moderna de Moscou, permaneceu em um estado de mudança permanente ao longo de sua duração. É disto que o Yuri Albert se trata. Aos 15 anos, este artista conceitualista encontrou-se na oficina de Komar e Melamida, sob cuja influência ele começou a criar obras que repensavam a essência da arte moderna.

Albert favorito truque é levar uma obra conhecida, alterá-lo e transformá-lo em seu próprio, ao mesmo tempo, engajar-se em uma polêmica com o original. Tomemos, por exemplo, a sua série marcante de obras em que o artista se compara ironicamente com Estrelas de arte internacionais.

Leon Bakst

O sucesso Europeu, de Sergei Diaghilev, o famoso russo Temporadas em Paris, foi em grande parte devido à Bakst. Seus cenários e esboços de roupas para Ballets Russes productions se tornaram uma sensação em seu próprio direito: eles foram até exibidos no Louvre, enquanto o estilo orientalista de Bakst definir uma moda em Paris para turbantes, calças largas e perucas coloridas.

Andrey Bartenev

O excêntrico Bartenev fez um nome para si mesmo na década de 1990: seus figurinos feitos de materiais disponíveis, bem como performances e instalações, tornou-se um símbolo do tempo.

Desde então, ele tornou-se conhecido como “o mestre do escandaloso”, um homem de festa e um pé de desempenho: Bartenev se destaca no meio da multidão, graças à sua brilhante bizarro fantasias. Eles continuam a ser sua maneira de explorar o mundo ou repensar conspirações familiares.

Ely Bielutin

artista de vanguarda, Bielutin tinha uma reputação para a experimentação e a mistificação. Ele montou um estúdio em Moscou e uma espécie de escola chamada nova realidade, que reuniu mais de 3.000 artistas. Em 1962, obras de artistas abstratos de seu estúdio foram exibidas no Manezh exhibition hall, em Moscou.

A exposição foi visitada pelo Partido Comunista Secretário-Geral Nikita Khrushchev, que odiava o que ele viu, descrevendo-o de “uma bagunça”. Depois disso, a nova realidade foi virtualmente banida, com Bielutin tornando-se um recluso e não exibindo suas obras quase até a perestroika.

Victor Borisov-Musatov

Borisov-Musatov foi um simbolista, que se especializou na pintura de ruínas de antigas casas senhoriais, jardim de chá partes e membros da nobreza russa, na virada do século passado. Dizem que, como representante da Idade da Prata, ele tentou capturar “o mundo desaparecendo” e os últimos ecos de uma era extrovertida.

‘Piscina’ foi o ponto de partida do seu reconhecimento como um artista simbolista: a pintura retrata sua irmã e noiva sentado por uma casa de campo lagoa. O filme se tornou seu presente de casamento para sua esposa e seu primeiro sucesso significativo.

Karl Bryullov

Bryullov foi um dos melhores pintores de retratos de seu tempo. Ele pintou retratos oficiais e privados da aristocracia russa, participou de recepções imperiais e conheceu Alexander Pushkin.

Mas tudo o que veio depois de 12 anos vivendo na Itália, seis dos quais Bryullov tinha passado a trabalhar na sua obra monumental “Os Últimos Dias de Pompéia’. Por isso, o artista recebeu o Grande prêmio na exposição e reconhecimento de Paris na Europa e na Rússia.

Vladimir Borovikovsky

Ele pintou a aristocracia russa, incluindo o imperador, mas é melhor conhecido por seus retratos de jovens senhoras, que são apresentados não apenas na Galeria Tretyakov, em Moscou, mas também no museu do Louvre em Paris. A marca registrada de Borovikovsky foi sua capacidade de expressar a distinta sensualidade de seus modelos.

Grisha Bruskin

In the Soviet Union, his works were rejected, and he found recognition only with the start of perestroika. Em 1988, no primeiro e único leilão da Sotheby na URSS, seu “léxico Fundamental” foi vendido a um colecionador Ocidental por um recorde de 416 mil dólares (após um interrogatório pela KGB, o antecessor da FSB). Duas semanas depois, Bruskin estava na América, e seu trabalho tem sido exibido nos museus mais famosos do mundo.

“Fundamentais Léxico’ é uma série de telas em que inúmeras estatuetas de gesso – pioneiros, dos atletas, dos proletários, Komsomol membros estão levando os emblemas do oficial Soviética, a cultura, o visual código de massa Soviéticos agitação e propaganda.

David Burliuk

Burliuk ganhou reconhecimento como “o pai do futurismo russo” tanto na Rússia e no estrangeiro, em particular, em Nova York, onde ele estabeleceu-se em 1922 e foi ativo em pro-Soviético círculos. Burliuk promoveu o futurismo e o cubismo por todos os meios disponíveis para ele: ele publicou uma revista, folhetos impressos, escreveu poemas e comentários, e pintou.

verdadeiro sucesso veio a ele com o seu “Retrato de Meu Tio’, Burliuk só a pintura que ele conseguiu encontrar um comprador para, em quase todas as cidades. Tornou-se o seu manifesto do cubo-futurismo. “O artista criou rapidamente em um hotel, colando recortes de jornal em um rosto rasgado em ângulo, que tinha três olhos, dois narizes e assim por diante”, lembrou seu amigo e colega artista Yevgeny Spassky.

Erik Bulatov

Bulatov foi um dos fundadores da Sots de Arte, juntamente com Komar e Melamid. Suas exposições individuais são realizadas em museus e galerias líderes em todo o mundo.

“o Espaço é a liberdade,” Bulatov costumava dizer. Literalmente, “Glória ao PCUS” é uma palavra de ordem Soviética colocada sobre o fundo de um céu azul. Metaforicamente, é a liberdade que está a infiltrar-se mesmo através da grelha da ideologia comunista.

Marc Chagall

Um dos líderes da vanguarda russo Marc Chagall criou o seu único, inimitável estilo. Sua obra mais famosa retrata tudo o que o artista tinha naquele momento de sua vida: ele mesmo, sua esposa e eterna muse Bella e as casas de seu nativo Vitebsk.

Essa composição ficou com Chagall na emigração em França, exceto que ele substituiu a si mesmo e a sua esposa com um casal recém-casado, e Vitebsk, com Paris.

Olga Chernysheva

Chernysheva é um dos mais internacionalmente procurado artistas russos de hoje. Suas pinturas, vídeos, gráficos e fotografias foram apresentadas em várias Bienais de Veneza e são exibidas em museus de Viena a Nova Iorque.

ela é uma estranha à monumentalidade, e é inspirada pelos pequenos artefatos da vida: ocorrências mundanas, como uma canção no metrô ou desabrigados dormindo em um banco. Ela usa essas cenas diárias para criar uma imagem (e uma muito íntima) da Rússia moderna.

Ivan Chuikov

Outro herói da união Soviética artístico underground, Chuikov é fascinado pela idéia de combinar a ilusão e a realidade, diferentes estilos e linguagens. Foi assim que surgiu a série ” Windows…”. Por exemplo, em seu perfil” Romano”, pode-se decifrar o famoso retrato de Piero della Francesca De Federico da Montefeltro. Mas para Chuikov, é apenas uma silhueta e um ponto vermelho. O que é realmente? O sol? Ou uma visão laser de ponto vermelho a apontar para o Templo de um clássico a ser ridicularizado pelo pós-modernismo?

Chuikov obras podem ser encontradas no Centro Pompidou, o Zimmerli Museu de Arte, o Museu russo, e a Galeria Tretyakov.

Aleksandr Deyneka

Esta importante figura no Soviética oficial de arte foi um dos pilares do realismo socialista, que celebram a boa saúde, esportes, trabalho, e nova, união Soviética, modo de vida. Ele poliu este estilo na perfeição: seus homens e mulheres fortes e cheios de energia incansavelmente, e com um sorriso no rosto, defendem as cidades, trabalham em fábricas e glorificam o partido.

Deyneka contemporâneos tanto idolatrava ou odiaram: onde ele descreveu o heroísmo em nome do comunismo, outros viram, privação e falta de escolha. Afinal de contas, os seus projectos utópicos foram criados contra o pano de fundo da pobreza em massa e das represálias.

Elena Elagina e Igor Makarevich

Este duo de Moscou Conceptualistas, já considerados lendas vivas da arte contemporânea, experiência com a criação de utopias sociais, com a ajuda de personagens de ficção.

Uma das mais complexas e o maior deles, o “Homo Lignum” de projeto, ainda está em curso. Conta a história de um humilde contador, Nikolai Ivanovich Borisov, que tem um desejo maníaco de se tornar uma árvore.

Aleksandra Ekster

Ekster foi uma das “Amazonas do avant-garde” e presente em todos os principais exposições de arte nova do início do século 20. Em 1907, ela partiu para Paris por um tempo, onde fez amizade com Pablo Picasso, Fernand Leger, Guillaume Apollinaire e muitos outros, após o que ela começou a promover suas obras de volta para casa, ajudando artistas russos de vanguarda a adaptar suas técnicas ao seu trabalho.

Ekster herself was a follower of futurism and, more specifically, of its peculiar Russian form, cubo-futurism. Ela ilustrou revistas Futuristas, desenhou cenários de teatro, figurinos, almofadas e até mesmo um uniforme para o Exército Vermelho. Mas em 1924, ela foi para a Bienal de Veneza e nunca mais voltou para a Rússia.

Sêmen Faibisovich

Um mestre de foto-realismo, Faibisovich tintas, principalmente, de Moscou. Além disso, como seu assunto, ele escolhe as características menos atraentes da cidade: pátios miseráveis, baldios, quiosques, cães vadios, trabalhadores convidados, pessoas sem-teto, transeuntes comuns. No entanto, é precisamente por esta razão que se acredita que as obras de Faibisovich estejam capturando a natureza evasiva do tempo. E são vendidos a mais de 400 mil dólares pelas principais leiloeiras do mundo.

20. Nicolai Fechin

Tendo rejeitado a Revolução, Fechin emigrou para os estados unidos em 1923, onde ele viveu feliz para 30 anos. É por isso que há tantos de seus trabalhos em museus americanos e coleções privadas no exterior.

no Entanto, antes de deixar a Rússia, ele conseguiu criar um dos seus mais significativos pinturas, o retrato de um jovem Varya Adoratskaya, que é frequentemente comparada à de Serov do ‘Menina com Pêssegos”.hoje em dia, Fechin está entre os artistas russos mais caros.: em 2010, sua tela foi vendida por US $ 11 milhões em um leilão de MacDougall.

Pavel Fedotov

No Império russo, o casamento era, muitas vezes, não por amor. A sociedade não olhou favoravelmente em casamentos desiguais, mas muitas pessoas em meados do século XIX ainda consideravam que era uma grande maneira de melhorar a situação financeira e o status social. É disso que se trata uma das pinturas mais famosas de um artista de gênero principal, Fedotov.

Em seu tempo, a imagem causou uma grande celeuma: um comerciante que se casa com uma filha de um oficial de falência; o noivo irá receber um dote, enquanto o comerciante vai se tornar relacionados à nobreza.

Konstantin Flavitsky

como muitos artistas do século XIX, Flavitsky passou algum tempo estudando na Itália e é lembrado por uma única obra-prima.

Suas primeiras pinturas foram demitidos pela crítica como “uma imitação de Bryullov”, mas o artista ainda conseguiu deixar um rastro na história. A morte real da princesa Tarakanova (seu verdadeiro nome permanece desconhecido), que alegou ser a filha da Imperatriz Isabel, não foi exatamente como retratada – ela morreu uma prisioneira Política, exceto não em um dilúvio, mas de tuberculose. Não que importasse particularmente: “Princesa Tarakanova” tornou-se o triunfo de Flavitsky. No entanto, pouco depois de criar a pintura, ele morreu de consumo, que havia contraído na Itália.

Pavel Filonov

artista de vanguarda, Filonov se considerado um Comunista através de e e acreditava que as pessoas precisavam de seu art. Ele usou o termo “arte analítica” para descrever suas imagens multidimensionais e se recusou a vender suas obras a qualquer um. Isto foi o que o matou no final: durante o cerco de Leningrado, ele se sentou em um sótão gelado guardando suas pinturas e desenvolveu pneumonia, que o matou.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. No entanto, ele estava convencido de que esta era a maneira de encontrar verdadeiras emoções e significados em enredos bem conhecidos.

Ge pintou seus famosos “Gólgota” um ano antes de sua morte. “Sim, esta pintura atormentou-me terrivelmente”, escreveu ao seu amigo Leo Tolstoy. “Ontem, encontrei a última coisa de que preciso, uma forma bastante viva. Encontrei uma maneira de retratar Cristo e os dois ladrões juntos no Gólgota, sem as cruzes… Numa palavra… três almas vivas na tela. Eu próprio choro quando olho para esta fotografia.”

Natalia Goncharova

Goncharova, juntamente com seu marido Mikhail Larionov, foi um dos pioneiros da vanguarda russo. A partir de 1914, trabalhou nas Temporadas russas de Diaghilev em Paris, onde permaneceu até sua morte em 1962.

Hoje, suas obras podem ser encontradas no líder mundial de coleções de arte, incluindo a Tate Modern, em Londres e o Centro Pompidou, em Paris. Em 2010, Christie’s vendeu uma pintura dela por US $9 milhões, tornando-a a artista mais cara (na época) da história.

Teófanes, o grego

Um dos principais Antiga Rus’ pintor, Teófanes, o grego, é o criador de um dos mais sagrados objetos em russo Cristianismo Ortodoxo. Seu ícone da Virgem com o bebê Cristo em seus braços é considerado milagroso: de acordo com a lenda, muitas vezes ajudou em batalhas.

Esta imagem, como Andrei Rublev da ‘Trindade’, tornou-se parte da rússia código cultural.

Dmitri Gutov

Gutov pertence à geração de artistas que vieram em sua própria no início da década de 1990. Ele cria novas leituras de objetos canônicos na cultura, a língua russa, ícones russos e arte clássica na crença de que sua essência pode ser transmitida em questão de minutos. Seus objetos de arte mais conhecidos são painéis de metal com uma versão de Rembrandt e antigos ícones russos. Uma vez que o espectador se move um pouco para o lado, a imagem é distorcida. A idéia é que esta distorção passa por todas as etapas do desenvolvimento do século XX, do cubismo ao expressionismo à abstração.

A lista de locais de arte onde o artista já expôs, é praticamente infinitas, a partir de Veneza e da Bienal de Sydney e a Documenta de Kassel para o Museu Guggenheim.

Alexander Ivanov

Ivanov foi um artista de perto o imperador. Ele era particularmente conhecido por suas pinturas inspiradas em enredos bíblicos e mitológicos. A Sociedade dos artistas até financiou a sua viagem à Itália “para melhorar ainda mais”.

Ivanov retornado da Itália só depois que ele tinha completado a sua principal opus sobre o aparecimento do Messias. Levou 20 anos e 600 esboços. A enorme tela foi comprada e trazida para São Petersburgo pelo Imperador Alexandre II. para acomodar a pintura, um edifício dedicado teve que ser construído.

Francisco Infante

Nascido na Rússia, para a família de uma política espanhola dos emigrantes, Infante tornou-se o mais famoso representante do russo land art e da arte cinética. O artista chama suas instalações abstratas de “artefatos” – ele coloca espelhos e estruturas móveis em paisagens naturais, tornando a natureza parte integrante de uma obra de arte.

Infante é considerado um sucessor para as tradições do russo de vanguarda, especialmente Malevich e Tatlin. Suas obras podem ser encontradas em mais de 30 museus e coleções privadas em todo o mundo.

Alexej von Jawlensky

Um expressionista artista que nasceu e cresceu na Rússia, mas tornou-se famoso na Alemanha. Um fã de Van Gogh, Gauguin, Cezanne e Matisse, um amigo próximo e aliado de Wassily Kandinsky, Jawlensky estava perto da abstração, mas permaneceu em algum lugar na fronteira entre ela e a Arte figurativa. A maior coleção de suas obras pode ser encontrada em Wiesbaden.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Juntamente com seus colegas artistas – Malevich, Chagall, Goncharova, Larionov e outros – ele rompeu impiedosamente das tradições da pintura realista.

a Sua “Composição VII” é considerado o auge de seu trabalho no período de antes da Primeira Guerra Mundial. Você pode fazer a Ressurreição, o Dia do Juízo, O Dilúvio e o Jardim do Éden nele? Isto é o que Kandinsky retratou nele, de acordo com suas notas.

Ilya e Emilia Kabakov

O Kabakovs são as principais estrelas do oficial Soviética, a arte e a cena de arte moderna. Graças a Ilya e Emilia, O conceitualismo de Moscou tornou-se o mais famoso movimento de arte russa contemporânea do mundo. O casal tem vivido em Long Island em Nova Iorque desde o final dos anos 1980, e tem suas exposições no Museu de Arte Moderna em Nova York, o Centro Pompidou em Paris, Tate Gallery em Londres e o Museu Hermitage em São Petersburgo.

Em 2008, ‘Besouro’ quebrou um preço recorde: foi vendido por us $ 2,6 milhões (quase us $6 milhões)e Kabakovs’ trabalho tornou-se o mais caro da vida de artistas russos. Desde então, eles permaneceram no topo desta lista.

Orest Kiprensky

Quando Kiprensky terminar o retrato do grande poeta Alexander Pushkin, este último dedicou um poema dele, que disse: “Assim, a partir de agora, meu olhar vai ser conhecido em Roma, em Dresden, e Paris.”

O poeta profetizar acabou por ser direito. O retrato do pintor Kiprensky, que no Ocidente foi comparado, e às vezes até confundidos com, Rembrandt e Rubens, criou o que se tornou a mais famosa representação de Pushkin na cultura popular: isto é o que o grande poeta parece que as pessoas na Rússia e o resto do mundo.

Ivan Kramskoi

ainda não tenha sido estabelecido quem é essa moça, representado pelo ideólogo da “russo Peredvizniki” artistas”, é. Kramskoi escolheu manter o segredo e não revelou sua identidade, mesmo nos diários e notas encontrados após sua morte. Hoje em dia, um dos retratos mais emblemáticos da arte russa é apelidado de “Mona Lisa russa”.

Konstantin Korovin

Um proeminente representante do russo “impressionismo”, Korovin foi inspirado pela cidade de Paris e pintou muitos de seus melhores paisagens de lá. Não é, portanto, surpreendente que ele tenha sido um enorme sucesso em França.: lá foi presenteado com a Légion D’honneur e recebeu medalhas de ouro e prata por suas obras.

Após a Revolução russa, o artista decidiu fugir do país dos Sovietes: ele descobriu que as novas políticas do governo opressivo. Em 1922, ele recebeu permissão para sair – para tratamento médico e realização de uma exposição pessoal – mas nunca retornou. Não surpreendentemente, ele se estabeleceu em Paris.

Alexandre Kosolapov

a Coca-Cola prometeu destruir Kosolapov. Ele chamou a atenção do FBI, suas exposições na Rússia foram canceladas, e algumas de suas obras até foram a julgamento. Seu método consiste em combinar coisas que não podem ser combinadas, como, por exemplo, o perfil de Lenin com o logotipo da famosa empresa.

de Fato, Kosolapov arte é provocador e muitas vezes escandalosa, mas isso não impediu a permanência de um respeitado mestre de Sots Arte (a versão Soviética da pop art), cujas obras podem ser encontradas em coleções dos melhores museus do mundo.

Irina Korina

Para Korina, um participante do projeto principal no 2017 Bienal de Veneza, até mesmo o aparentemente mais insignificantes detalhes da vida cotidiana, a partir da rua de Moscou, iluminação para funeral de coroas de flores para o andaime de compensação, é uma questão para reflexão. Ela é descrita como uma mestre da instalação total. As últimas exposições solo de Korina foram realizadas na GRAD foundation em Londres, na Brooklyn Academy of Music em Nova York e no Steirischer Herbst festival em Graz, Áustria.

‘Sacode A Cauda do Cometa”, uma enorme torre de três andares, apareceu em Moscou Garagem museu e tornou-se uma coleção de citações de sua carreira.

Pyotr Konchalovsky

Ele é conhecido como “o principal russa Cézannist”, o principal russo “impressionista” e um dos mais “caro” artistas russos em leilões internacionais. Apesar de ter emprestado muito de artistas franceses, Konchalovsky, no entanto, conseguiu encontrar seu próprio estilo, que os críticos ocidentais muitas vezes descreveram como “Eslavo”.

Em casa, Konchalovsky contemporâneos rejeitado a sua arte, tanto que eles até mesmo recusou-se a expor seus trabalhos ao lado do seu. No entanto, quando, em 1924, a URSS pela primeira vez participou na Bienal de Veneza, essas eram as pinturas de Konchalovsky – 13 delas – que foram exibidas no Pavilhão soviético.

Vitaly Komar & Alexandre Melamid

O principal “trolls” de oficial Soviética arte criou seu próprio gênero único de Sots Arte, a união Soviética equivalente a pop art. Eles fizeram costeletas do porta-voz soviético, o jornal Pravda, retrataram-se como Lênin e Stalin, assinaram os principais slogans soviéticos com seus nomes e colocaram Lênin contra o logotipo McDonalds.

Mesmo tendo deixado a URSS, os artistas não impediu sua cáustica corrico. A lista de seus alvos incluía Andy Warhol (a quem eles chamam de “um idiota”) e Gerhard Richter (“isto é como um animal pintaria se fosse dado um pincel”).

Valery Koshlyakov

Koshlyakov pinturas têm um número de marcantes características distintivas: eles são quase sempre pintados na textura de papelão ondulado e quase sempre suas paisagens urbanas são “streaming” para baixo a superfície da tela. Imagens do passado, ruínas, mitologia grega, memória – estes são seus personagens tópicos intemporais.

Koshlyakov atualmente vive em Paris e está em grande demanda: ele tem exibido no Louvre, o Museu Guggenheim, a Bienal em San Paolo e Veneza. No entanto, mesmo nestes dias, ele gosta de lembrar com um senso de ironia que sua primeira exposição foi realizada em uma casa de Banho Pública provincial.

Geliy Korzhev

Korzhev, em tom de brincadeira, chamava a si mesmo de um “velho socialista realista”. Os críticos de arte o rotularam de”um representante do estilo austero”. No entanto, a arte de Korzhev foi além dessas fronteiras: apesar de manter cargos muito altos na União Soviética de artistas, ele conseguiu escapar de comissões políticas para uma esfera sensual, às vezes surrealista. Ele é sobretudo um artista de forte emoção humana, para a qual a guerra, a revolução e os “projetos de construção do século” soviéticos eram apenas um pano de fundo.

Arkhip Kuindzhi

Ele foi muitas vezes acusado de empregar vários estratagemas, como a utilização de dispositivos ocultos à luz de suas pinturas. Por outro lado, seus bem-desejados o chamavam de “o Monet Russo” por seu trabalho magistral com cores. A sua “noite de luar” com o luar reflectido no Rio Dnieper tornou-se uma sensação. Tanto mais que foi a primeira vez na história da arte russa que uma exposição consistiu numa única obra.

o Seu sucesso foi tal que Kuindzhi partiu para um exílio voluntário para 30 anos: os críticos não aceitar obras que se seguiram ‘Noite de Luar…”, e o artista passou um longo tempo lutando com ele.

Boris Kustodiev

O sabor nacional, a partir de samovars e feiras para engordar tradeswomen em vestidos coloridos, é o que atraiu Kustodiev e o distinguiu de outros artistas de seu tempo. Ele é o único artista russo que já ganhou uma medalha de ouro na Bienal de Veneza.

“A Beleza”, uma representação de um comerciante russo, mulher, tornou-se seu manifesto e o resultado de uma busca por um estilo único. “As mulheres magras não inspiram ninguém à criatividade”, dizia ele. O artista criou este e outros trabalhos famosos enquanto já estava paralisado-ele tinha tido várias operações em sua medula espinhal.

Oleg Kulik

‘Cachorro Louco’ foi Oleg Kulik sua primeira performance: nu, ele se arrastou em todos os fours e atacou os transeuntes. Seu personagem principal se tornou um dos símbolos da década de 1990, e Kulik-um dos fundadores da arte de ação de Moscou.

mais Tarde, o artista tentou-se em uma variedade de estilos e técnicas, desde a escultura à pintura, e continua a experiência até o presente dia. Suas obras podem ser encontradas no Centro Pompidou em Paris e Tate Modern em Londres.

Mikhail Larionov

A pessoa percebe que não um objeto, mas um cluster de raios provenientes de uma fonte de luz e refletida a partir deste objeto – isto é como Larionov explicou Rayonism, um avant-garde arte abstrata movimento, ele tinha inventado.

ao mesmo tempo, o próprio Larionov constantemente equilibrado entre a arte representativa e abstrata, e deixou um legado bastante diversificado. Ele foi casado com a” Amazônia da vanguarda”, Natalia Goncharova, mas, ao contrário de sua esposa, enquanto emigrou para a França nos últimos 30 anos de sua vida, ele não criou nada significativo.

Aristarkh Lentulov

Lentulov corajosamente fez estilos diferentes: suas obras foram influenciadas agora por simbolistas e impressionistas, agora por cubists e abstractionists. Mas ele foi um dos primeiros a construir sua arte em torno da cor, ao invés de um objeto.

O desregrada cores de suas várias obras, lhe valeu o apelido de “artista do sol”. Para dar apenas um exemplo elucidativo da vida de Lentulov: no aniversário da Revolução de outubro, pintou as árvores e o relvado na Praça Teatralnaya (ao lado do Kremlin) de uma cor violeta violenta.

El Lissitzky

Este é um cartaz de propaganda parece ser, se ele é criado por um feroz defensor da suprematism. O triângulo vermelho simboliza o exército Bolchevique vermelho, que esmaga as defesas do exército branco imperialista com uma cunha.

El Lissitzky was an associate of Malevich and contributed to the development of the ideas of avant-garde art. Por exemplo, foi graças a ele que o suprematismo entrou na arquitetura.

Isaac Levitan

Levitan estava no amor com a rússia rural e se tornou um mestre do humor “paisagem”. No final, foi isso que lhe garantiu a adesão à academia de Artes. O artista judeu teve que percorrer um longo caminho para alcançar esta aclamação: alguns dos professores de Levitan acreditavam que um judeu não deveria tocar a paisagem russa, uma vez que apenas artistas étnicos russos poderiam retratar a natureza russa. Além disso, Levitano foi expulso da capital, por decreto real, por ser judeu.

Mas, o tempo tem de definir tudo em linha reta: é amplamente a opinião de que “Acima de Paz Eterna” é “o mais russo” de todas as pinturas do russo tema.

Dmitry Levitzky

Aqui está outro século 18 mestre do retrato oficial. Seu talento é manifesto pelo ilustre círculo de seus assitters, da Imperatriz Catarina, a grande e filósofa Francesa Denis Diderot para Prokofiy Demidov, um magnata da mineração.

Demidov tinha a reputação de uma pessoa educada tycoon e um excêntrico. Por exemplo, uma vez que ele comprou toda a fibra de cânhamo em São Petersburgo, geralmente reservado para os britânicos para ensinar-lhes uma lição, que durante sua estadia na Inglaterra o forçou a pagar um preço exorbitante por uma mercadoria que ele precisava. E pelo seu retrato oficial, Demidov escolheu vestir-se não de uniforme com todos os seus prémios, mas com um roupão e um boné…

Kazimir Malevich

Malevich é o principal símbolo de vanguarda russo, enquanto o seu “Quadrado Preto” é um pictórica manifesto de Suprematism. Malevich acreditava que depois do suprematismo não havia arte, por isso sugeriu queimar todas as pinturas e exibir as suas cinzas em museus. Tragicamente, foi isso que aconteceu parcialmente nos primeiros meses após a Revolução Bolchevique de 1917.

Filipp Malyavin

“Oco!”É assim que a Academia de Artes de Petersburgo respondeu ao trabalho de graduação do expressionista Malyavin ‘Laughter’. O graduado não se desesperou, e dois anos mais tarde levou suas mulheres camponesas rindo com ele para Paris. Lá, a tela causou sensação na Feira Mundial: o artista foi presenteado com uma medalha de ouro, e a pintura foi comprada pelo governo italiano para uma galeria de arte moderna, em Veneza.

Escusado será dizer que, Malyavin regressou à Rússia uma celebridade. Todas as críticas ao “riso” foram prontamente esquecidas e, em 1906, tornou-se membro da Academia.

Vladislav Mamyshev-Monroe

Um mestre da reinvenção, ele transformou sua vida em uma vida de desempenho. Praticamente o único representante da arte travestida na Rússia, Mamyshev-Monroe explorou as personalidades de figuras famosas na história mundial e na cultura pop, experimentando suas imagens por si mesmo.

Durante a sua curta vida (morreu aos 44 anos de idade), os artistas tentaram em uma infinidade de personalidades famosas, de Marilyn Monroe e Hitler para Jesus Cristo e Lenin a Andy Warhol e Vladimir Putin.

Konstantin Makovsky

No final do século 19, Makovsky foi considerado um elegante e caro retrato do pintor e autor de pinturas históricas. Ele também tinha uma grande medalha de ouro da Feira Mundial de Paris para seu nome.

Mas, Makovsky, muitas vezes pintadas de tocar e sentimental imagens sobre a difícil vida rural também. Sua garota descalça correndo com seu irmão de uma tempestade é uma cena real da vida observada pelo artista durante uma de suas viagens para as províncias russas.

Vera Mukhina

Um dos principais símbolos da era Soviética e monumental propaganda, a 24 metros de altura “Trabalhador e Kolkhoz Mulher’ foi criado para a 1937 Feira Mundial em Paris. A autora, Vera Mukhina, queria retratar as duas figuras nuas, no entanto, o partido exigiu que elas fossem “vestidas”. Este pormenor, porém, não invalida o efeito que o monumento produziu: os franceses até queriam comprá-lo, mas a União Soviética recusou.

Vera Mukhina tinha sido cumprindo ordens estaduais de monumentos que, desde 1920, mas, apesar de inúmeros prêmios (ela tinha quatro Prêmios Stalin sozinho), ela nunca foi contratado para fazer esculturas de Lenin ou Stalin. A razão era que Mukhina não era considerada confiável o suficiente. No início da década de 1930, ela foi até expulsa de Moscou, e depois da exposição de Paris, uma ordem foi emitida para nunca permitir que ela fosse para o exterior.

Irina Nakhova

artista Conceitual Nakhova é considerado o autor do primeiro “total de instalações” em russo arte contemporânea. Em meados da década de 1980, ela mudou uma das salas em seu apartamento para além do reconhecimento, tornando-se simultaneamente a autora de sua obra e um personagem vivendo dentro dela. Assim, por vários anos seu apartamento serviu como um campo de testes para suas experiências. Em 2015, Nakhova se tornou a primeira artista feminina a ser exibida no Pavilhão russo na Bienal de Veneza.

Ernst Neizvestny

Neizvestny criado monumentais obras que podem ser vistas hoje na Rússia, Ucrânia, estados unidos, Egito, Suécia e o Vaticano. No entanto, na União Soviética, o escultor foi submetido a um ostracismo severo. Por causa de desentendimentos com o estilo cultural oficial – realismo socialista – ele foi atacado por jornais; espancado na rua, e convocado para conversas com funcionários do partido. O então chefe de Estado, Nikita Khrushchev, chamou suas obras de “arte degenerada”. Ironicamente, quando Khrushchev morreu, sua família encomendou a lápide a Ernst Neizvestny (e ele a fez a partir de dois blocos de mármore — branco e preto — simbolizando as contradições internas de Khrushchev).

Talvez sua obra mais famosa é “Máscara de Tristeza’, um de 15 metros monumento em Magadan, dedicado à memória das vítimas da repressão política. Está no local de um campo de trânsito da era Stalin, de onde os prisioneiros foram enviados para campos de trabalho de Kolyma.

Vladimir Nemukhin

Nemukhin é um dos mais importantes representantes do Soviético, de Arte não-conformista. Ele foi expulso do Instituto de arte por sua língua radical e foi oficialmente banido, embora gozasse de popularidade entre o público durante o período do degelo de Khrushchev.

em 1956, ele conheceu Oscar Rabin e juntou-se ao grupo Lianozovo. Por muitos anos, seu truque favorito, sua” assinatura ” e o tema de muitas de suas obras foram Jogar Cartas. Eles sempre estiveram presentes em suas obras – como um único cartão, em pares ou em solitário-tornando-se um símbolo da incerteza do futuro.

Mikhail Nesterov

Religiosos artista Nesterov criado a imagem do “russo Cristo” através da imagem de Sérgio de Radonezh, uma Igreja Ortodoxa russa de saint e ascética. Nesterov dedicou-lhe um enorme ciclo de pinturas, mas considerou “a visão para a juventude”… o seu melhor trabalho de sempre.

E, no entanto, Nesterov (que raramente é satisfeito com as suas obras e, muitas vezes, destruíram) danificado esta tela, demais: ele caiu sobre a imagem, quando ele estava a pintar a juventude do rosto pela centésima vez.

Timur Novikov

Novikov é o fundador e líder de uma das principais associações de arte na arte contemporânea russa da década de 1980 chamada de novos artistas. Uma vez que ele exibiu um escudo contraplacado com um buraco nele, chamando o trabalho de “objeto Zero”. Novikov é mais conhecido por seus apliques de tecido.

Ele foi creditado com a continuidade do trabalho do russo de vanguarda em novas realidades e novos materiais. No final da década de 1990, ele exibiu em Tate em Liverpool, em Stedelijk em Amsterdã, em museus e galerias em Berlim, Hamburgo, Paris, Nova York, Moscou e São Petersburgo.

Boris Orlov

Um clássico da Sots Arte, em suas obras Orlov explora o estilo imperial e o fenômeno de um império no sentido mais amplo. Suas obras podem retratar diferentes épocas históricas em diferentes culturas, mas todas giram em torno de um tema – o sistema patriarcal baseado na idéia de dominação.

Um dos seus favoritos métodos é o uso de militarista acessórios: “Porque um império normalmente tem um militar rosto. E até um não Militar veste um uniforme.”

Anatoly Osmolovsky

Osmolovsky é a Rússia é o principal ativista do artista, cujas ações, poesia, palestras e até mesmo brigas atinge uma emocionante declaração política na década de 1990. Ele carregava um frigorífico com um busto de Lênin dentro à Praça Vermelha; enunciados de uma palavra obscena na mesma praça, com os corpos de seus camaradas; fumado no ombro do Maiakóvski, estátua, e foi atrás de muitas outras ações e acontecimentos.

Em 1998, ele e outros 300 ativistas para barricado Bolshaya Nikitskaya Rua, o que leva ao Kremlin, por três horas, dedicando-se de ação para a de 1968, Revolução francesa. Sete líderes dessa procissão foram posteriormente condenados e condenados a multas.

Vasily Perov

Muitos dos Perov pinturas provocou debates acalorados entre os seus contemporâneos. O artista pintou cenas da vida dura das pessoas comuns. “Troika…”, retratando crianças que foram trazidas da aldeia para a cidade como trabalhadores contratados, é talvez o seu melhor trabalho sobre este assunto.

Yuri Pimenov

Pimenov era um fiel seguidor da arte política do Partido Comunista. Nos tempos mais sombrios das purgas de Stalin, ele pintou cenas idílicas da vida cotidiana do povo soviético e glorificados trabalhadores de fábricas e plantas.

o Seu ‘Novo Moscou’ é um dos melhores exemplos do realismo socialista: uma mulher, como um símbolo de uma nova era, é a condução através de florescimento de Moscou. Supõe-se que seu destino não é menos brilhante e belo futuro.

Pavel Pepperstein

Pepperstein nasceu e cresceu no círculo de Moscou conceptualistas (seu pai é o famoso artista Viktor Pivovarov). Talvez seja por isso que seu impulso criativo foi nutrido desde o início. Hoje, Pepperstein é um dos artistas russos mais prolíficos e um escritor famoso.

Em sua obra, ele cria toda a mundos ficcionais e sua própria mitologia. O que o torna particularmente popular entre os intelectuais.

Kuzma Petrov-Vodkin

Ele era filho de um sapateiro que queria pintar ícones. Embora não se tenha tornado um pintor de ícones, o artista ficou mundialmente famoso pela sua imagem do Messias retratado como um jovem num cavalo vermelho. Criada alguns anos antes da Revolução Russa, esta pintura é considerada profética e tem inúmeras interpretações. De acordo com uma teoria, o cavalo é a Rússia, que esperava um destino “vermelho” no século XX.

Dmitri Prigov

Por educação, Prigov foi um escultor e é assim que ele fez a vida durante a época Soviética, apesar de todos os seus ocupado atividade criativa foi destinado a se tornar um “monumento” de si mesmo. Na década de 1970, ele também ficou conhecido como um poeta que transformou seus recitais em performances reais. As suas chamadas “Latas”, supostamente contendo palavras e poemas inteiros, assemelham-se às latas de Piero Manzoni com “merda de Artista” escritas nelas. Assim, Prigov equiparou poemas a todas as outras secreções do corpo.

Com a chegada da perestroika, Prigov afastado do performances poéticas de arte conceitual: ele criou a arte gráfica, instalações, colagens, cruzando ideias, palavras e pensamentos, “decifrando o genoma da cultura” e novos símbolos.

Vasily Polenov

Um dos principais artistas religiosos, Polenov queria criar algo tão ambicioso como Ivanov ‘A Aparição de Cristo perante o Povo”. Para isso, ele partiu em uma viagem de um ano através de Constantinopla, Palestina, Síria e Egito, de onde ele trouxe os primeiros esboços para “Cristo e a mulher tomada em adultério”, seu principal trabalho. A viagem da idéia para a conclusão da tela baseada em uma cena do Evangelho de João levou-o até 15 anos.

Lyubov Popova

Apesar de ter morrido muito jovem (de escarlatina com 35 anos de idade, juntamente com seu filho), em sua vida, o artista conseguiu ser um futurista, um estudante de Malevitch, um adepto do cubismo e, finalmente, um construtivista. Foi nessa capacidade final que Popova projetou roupas de trabalho para profissões” revolucionárias”.

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the “secret life of the human soul”. Nas palavras do Filho do artista, Pavel Pepperstein,” toda a sua vida, Pivovarov tem pintado a sala da alma”, onde todos os atributos externos, como a vista da janela, se tornam parte dela.

Pivovarov principal “invenção” foi o gênero de um álbum conceitual. É neste gênero que ele criou um de seus mais famosos ciclos, Projetos para um Homem Solitário’, a pintura, a rotina diária, sonhos, interior e até mesmo o céu de um herói, que está experimentando extrema solidão. A propósito, muitos espectadores reconhecem-se na rotina diária do herói. “Em princípio, não mudou muito”, diz O artista.

Vasili Pukirev

“Entre seus colegas artistas e estudantes, ele deixou uma recepção calorosa e duradoura memória, e na história da arte russa – um brilhante, embora a uma curta rastreio,” o artista contemporâneos, disse em seu obituário. Na verdade, Pukirev, como alguns de seus colegas, tornou-se o autor de uma obra-prima.

“O Casamento Desigual’ o levou para as fileiras dos principais gênero pintores de meados do século 19, mas permaneceu Pukirev única obra-prima.

de Reciclagem de grupo

A arte de grupo de Andrey Blokhin e Georgy Kuznetsov de Krasnodar foi criado em 2008 e já foi exibido três vezes na Bienal de Veneza com um total de instalações e projetos multimídia sobre realidade aumentada. Todos os seus trabalhos, de uma forma ou de outra, São sobre a vida de uma pessoa moderna na era da Internet e vários gadgets.

“Conversão” é uma enorme construção, com esculturas e baixos-relevos representando “neo-apóstolos”, os portadores de uma nova religião chamada “rede global”.

Oscar Rabin

Rabin é o líder de nonconformism, o oficial Soviético arte dos anos 1960-1970. Suas pinturas estão cheios de tudo o que foi proibido pelo oficial Soviética arte — quartéis, depósitos de lixo, garrafas de vodka, e amassou jornais. Eles retratam o outro lado, e maior, da brilhante realidade soviética.

O artista disse que tudo o que o lixo da periferia foi ele próprio: “Eu tenho sido a pintura de uma imagem de toda a minha vida – o meu retrato contra o pano de fundo do país.”

Nicholas Roerich

Um filósofo, viajante e orientalista artista com um estilo absolutamente único, Roerich, deixou um legado que consiste de mais de 7.000 pinturas e desenhos, muitos dos quais agora são mantidos em o melhor do mundo de museus. Ele passou toda a sua vida viajando, a partir do qual ele atraiu seus súditos – de uma expedição nos Himalaias e na Índia para a Ásia Central.

“Convidados do Exterior” foi pintado em Paris e conta a história de viagens na antiga Rússia.

Ilya Repin

Repin foi muito bom, retratando o sofrimento do povo no século 19. A vida dura dos transportadores de barcaças e revolucionários, as cenas cotidianas da vida das classes baixas, as procissões do povo – todos esses assuntos fizeram dele uma figura chave no realismo russo e um artista da história social. No entanto, sua pintura mais controversa retrata um episódio de outra época.

A história de Ivan, o Terrível assassinato de seu próprio filho é tão controversa (os historiadores ainda estão discutindo se isso realmente aconteceu ou não) que Repin obra-prima foi repetidamente atacado, mesmo durante a vida do artista. O último ataque ocorreu em 2018, quando um vândalo bêbado salpicou a tela com tinta.

Fyodor Rokotov

Rokotov foi um dos mais procurados pintores de retratos, entre São Petersburgo nobreza do século 18, enquanto Alexandra Struyskaya representado por ele, foi considerada uma das mulheres mais bonitas do século.

O artista foi tão popular que ele poderia ter até 50 inacabado retratos em seu apartamento em qualquer momento. Em 1763, ele pintou o retrato da coroação de Catarina II.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the “father” of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

o Seu cartaz para Lengiz, o principal e único oficial Soviética editora, é um exemplo marcante de avant-garde de publicidade, com todas as suas técnicas favoritas em forma de desenhos geométricos e pontos de brilho. No seu centro está uma fotografia de Lilya Brik, “a musa da vanguarda russa”.

Olga Rozanova

Na história da rússia avant-garde, sua “Faixa Verde, não é menos significativa do que Malevich “Black Square’. No entanto, no início, a artista e seu melhor trabalho permaneceram na sombra do suprematista principal, e mais tarde eles foram quase totalmente esquecidos até sua redescoberta na década de 1970.

Rozanova alcançado com mais de Malevich fez: ela não só colocar a cor acima do formulário, ela também resolveu com êxito o dilema do fundo. Sua listra parece uma projeção ao invés de uma figura na tela, parece que continua além da moldura. Esta foi a primeira vez na história da pintura abstrata que este efeito foi alcançado.

Andrei Rublev

O mais religioso famoso artista na história da rússia, Andrei Rublev criou um padrão de Ortodoxos ícone de pintura. No século XVI, suas obras foram reconhecidas como um modelo a que todos os pintores de ícones deveriam aspirar, enquanto sua “Trindade” se tornou o símbolo espiritual de toda a arte russa.

Pouco é conhecido sobre Rublev si mesmo. Ele era um monge, e dedicou toda a sua vida a Deus e pintura. Em 1988, a Igreja Ortodoxa Russa o canonizou como um santo.

Aidan Salakhova

Muitos descrevem Salakhova de arte como “feministas” e “político” porque explora o Oriente e o Ocidente, o macho e a fêmea, em um impressionante combinação de sexo e o Islã. Minaretes de mármore fálico e vaginas de Kaaba Negra tornaram-na famosa e reconhecível em todo o mundo.

Em 2011, Bienal de Veneza, sua “Intercessão”, uma escultura de uma mulher em um niqab, tinha que ser coberto com uma folha branca depois de o presidente do Azerbaijão (‘Intercessão’ foi exibida no Azerbaijão pavilhão), tentou censurar-lo. Muitos viram nele uma enorme ironia: a escultura estava coberta com um véu porque o presidente não gostava que retratasse uma mulher num véu.

Zinaida Serebriakova

Dado o seu status de cultura popular, este retrato tem, talvez, tornar-Serebriakova do trabalho principal. Para muitos, a sua natureza espontânea e franca faz dela um epítome de feminilidade.

Quando o retrato foi apresentado pela primeira vez ao público, o artista Valentin Serov disse a ele: “Um muito agradável e fresco coisa.”A imagem foi imediatamente comprada pela Galeria Tretyakov.

Valentin Serov

Para a elite russa, sentando-se para um retrato Serov era considerado uma honra. Um mestre em retratos psicológicos, o impressionista Russo Valentin Serov, pintou compositores famosos, escritores, membros da família imperial e príncipes russos.

E, no entanto, um de seus mais importantes e famosas telas é o retrato de um 12-year-old girl, Vera Mamontova. Ela era filha de um grande empresário e filantropo, Savva Mamontov, mas Serov mais tarde removeu seu nome do título. De acordo com o artista, ele estava pintando não a filha de uma pessoa famosa, mas a própria juventude.

Henryk Siemiradzki

Por quase 30 anos, Siemiradzki viveu em Roma. Ele ganhou a reputação de um dos mais proeminentes representantes do academismo Europeu tardio, mas não imediatamente e não entre todos. O artista interessava-se apenas pelo mundo antigo com os seus mitos, festividades e orgias, para os quais ele teve uma série de ataques em casa, onde Peredvizhniki já estava na moda com a sua representação de camponeses, órfãos empobrecidos e outros elementos da “verdade da vida”.

Por exemplo, o mais influente crítico de arte da época, Vladimir Stasov, considerado Siemiradzki uma desesperada classicista, que “tinha caído presa a tudo o italiano”. Por sua vez, Ilya Repin o chamou de charlatão, enquanto o famoso colecionador Tretyakov se recusou a comprar suas obras. No entanto, os czares russos sempre foram fãs do academismo: por exemplo, a “Phryne” foi comprada por Alexandre III directamente da exposição.

Alexei Savrasov

Um artista de lírica paisagens, Savrasov rapidamente ganhou fama e reconhecimento: na tenra idade de 24, já tinha se tornado um membro da Academia de Artes. No entanto, ao longo das gerações, este artista realista é lembrado como uma “maravilha de um só êxito”: nenhuma das suas numerosas paisagens se pode comparar em popularidade com ” as torres…”. Todos os alunos da Rússia conhecem este texto, porque provavelmente tiveram de escrever um ensaio sobre ele.

Ivan Shishkin

Se você ver uma pintura de uma incrível russo florestas ou campos com pinheiros no lado da estrada, você pode ter certeza que é um Shishkin. De acordo com uma pesquisa realizada pelo Centro de pesquisa de Opinião Pública de toda a Rússia, ele é o artista mais reconhecido na Rússia.

o Que pode ser, em grande parte devido à Mishka Kosolapy (desajeitado urso) doces, cujo invólucro possui um fragmento da imagem. E, no entanto, ninguém pintou espessos remotos, prados e campos como ele, em termos de quantidade ou qualidade. A floresta era tudo aquilo em que o Shishkin estava interessado.

Sylvester Shchedrin

Muitos artistas russos do século 19, visitou o artístico Europeu meca, Itália, mas poucos fizeram dela a sua casa criativa. O pintor paisagista Shchedrin passou praticamente toda a sua vida retratando a beleza da Itália e, em particular, Nápoles. Foi aqui que ele morreu também, antes de chegar aos 40. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

Um representante de Sots de Arte e, como ele próprio denominado, “folk pop art”, por mais de 30 anos, Sokov trabalhou com os mitos, imagens e símbolos da cultura russa, contrastando-os com a civilização Ocidental.

O artista e escultor deixou a URSS para os EUA, para “não quebrar” sob a pressão do sistema totalitário do estado de ordem, que ditava tudo para o artista, até os menores detalhes: “No qual a mão de Lenin deve manter seu pac, quanto tempo o pioneiro da calça deve ser e o que foi Marx dinâmica do pé,” Sokov brincou.

Vasily Surikov

Surikov fez um nome para si mesmo, retratando vários momentos trágicos na história da rússia. Por exemplo, ‘Boyarina Morozova’ conta a história da luta feroz contra Velhos Crentes: Morozova está sendo transportados para um convento (que era equivalente à prisão) no momento do cisma da igreja.

Vladimir Tatlin

Apesar de o Monumento à Terceira Internacional, ou a Torre de Tatlin, nunca foi criado, ele se tornou o artista mais emblemáticos ideia e a marca do construtivismo em todo o mundo. Tatlin projetou sua torre como um símbolo da Revolução de 1917 para ser erguida em Leningrado (atual São Petersburgo).

no Entanto, no final da década de 1920, a união Soviética liderança perdeu o interesse por artistas de vanguarda e parou envolver com eles, assim, a torre nunca foi construída.

Oleg Tselkov

ao Longo de toda a sua vida, este não-conformista artista tem sido pintura praticamente o mesmo caractere – um deformada imagem humana, um mutante. “Este não é um retrato de uma babysitter específica, mas um retrato universal… e um muito familiar”, explicou Tselkov. “Acidentalmente consegui arrancar a máscara da humanidade.”

A liderança Soviética não foram gosta particularmente deste “outro lado da personalidade humana”. Em 1977, Tselkov foi convidado a deixar o país, e ele foi para a França. Foi apenas em 2015 que ele se tornou um cidadão russo novamente.

Pavel Tchelitchew

Este patriarca da mística surrealismo nasceu na Rússia, mas passou a maior parte de sua vida na Europa e na América, onde ele desenvolveu a técnica de seu famoso antropomórfico paisagens. Devido à semelhança de estilo, ele é muitas vezes descrito como “o Dali russo”, exceto que Tchelitchew foi o primeiro a exibir elementos de surrealismo místico em suas obras.: dizem que, nove anos antes, Salvador Dali fez o mesmo.

Esses dias, suas obras podem ser encontradas em grandes museus Europeus e coleções, enquanto que na Rússia, só a Galeria Tretyakov tem um único Tchelitchew. ‘Phenomena’ foi secretamente trazido para a Rússia por um amigo de Tchelitchew, coreógrafo Lincoln Kirstein. Ele entregou – o à Galeria Tretyakov, mas até meados da década de 1990, ele permaneceu nos armazéns do Museu.

Simon Ushakov

Os Romanov assumiu o trono, em 1613. A Dinastia governou o país durante séculos, mas no início, precisava de algo para confirmar a sua legitimidade. Um papel importante nisso foi desempenhado pela imagem da linhagem da família real criada pelo pintor de ícones Ushakov. Os críticos de arte chamam-lhe a primeira e melhor justificação da alegação de que os Romanov receberam o seu poder de cima.

Os Romanov deve ter concordado com essa avaliação: eles fizeram Ushakov o chefe ícone pintor do império e derramou-lhe com favores até a sua morte.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov fechar-se em diferentes estilos e tipos de trabalho, desde a pintura de afrescos da igreja (como na Igreja do Salvador sobre o Sangue Derramado em São Petersburgo) para a criação de curvas de art nouveau enfeites. No entanto, para a maioria dos russos, ele é associado exclusivamente com personagens de contos de fadas russos. Na imaginação popular, estes personagens são muito parecidos com Vasnetsov.

A pintura ‘Heróis’, que retrata popular Eslava super-heróis Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets e Alyosha Popovich, levou quase 20 anos para ser concluído.

Alexey Venetsianov

Venetsianov foi um dos primeiros artistas a retratar cenas da vida de pessoas comuns, fazendo um nome para si mesmo em “o camponês de gênero”. Ao mesmo tempo, ele não estava particularmente interessado nos aspectos práticos da vida cotidiana dos camponeses.

suas pinturas eram mais sobre espaçosidade, liberdade e imensidão. Muitos acreditam que a sua pintura “Ceifante” simboliza a verdadeira paisagem russa.

Vasily Vereshchagin

Um pintor de cenas de batalha, Vereshchagin pintados de que ele viu com seus próprios olhos. Ele tinha estado em muitas guerras e tinha viajado pelo mundo da Índia para a Síria. Ele organizou suas exposições em Nova York e Londres, muitas vezes exibindo não só suas pinturas, mas também troféus do campo de batalha.

no Entanto, a sua “Apoteose da Guerra’ é uma exceção, em que ele pintou não é de vida, mas a partir de uma idéia em sua cabeça. Em sua moldura o artista escreveu: “Dedicado a todos os grandes conquistadores-passado, presente e futuro.”

Mikhail Vrubel

Vrubel está principalmente associada com a imagem de um demônio, a quem ele pintou várias vezes e obsessivamente. A imagem de um anjo caído sofrendo de sua natureza demoníaca foi inspirada pelo poema de mesmo nome de Mikhail Lermontov. A Vrubel fez uns 30 esboços para este quadro.

Vrubel admitiu que ele tinha visto um demônio em seus pesadelos também. Uma psicose aguda, que o artista desenvolveu em sua vida posterior, combinada com sua obsessão com uma única imagem levou seus contemporâneos a concluir que Vrubel tinha sido enlouquecido por seu vício em demonismo.

Vladimir Weisberg

Weisberg se destaca no contexto da arte russa: ele não pertence à arte oficial, nem conformistas. Seu estilo de marca é chamado de “pintura branca”, imagens que parecem ter sido pintadas com tinta branca sobre um fundo branco. De acordo com Weisberg, ele tentou alcançar a “arte invisível”.

Na verdade, ele quase nunca usado pigmento branco. As suas pinturas são uma combinação complexa de pequenas partículas multicoloridas. “Uma imagem deveria ficar branca se todas, literalmente todas, as suas cores, se encaixassem”, ele costumava dizer.

Vladimir Yankilevsky

pioneira de Moscou “não-oficial de arte” e um eterno solitário, Yankilevsky não se encaixam em nenhuma associação artística e sempre esteve à margem, como se fosse. Muitos simplesmente não compreenderam as suas obras existenciais: durante toda a sua vida pintou um “homem metafísico oposto à eternidade”.

A idéia de pessoas em caixas veio a ele, sob a influência do existencialismo. Estas “caixas existenciais” tornaram-se uma metáfora para uma pessoa cujas aspirações e sonhos sempre vêm contra as paredes de um ambiente social. É preciso dizer que a vida na URSS era muito propícia a essa percepção da realidade.

Vadim Zakharov

Na década de 1970, Zakharov se juntou ao círculo de Moscou Conceptualistas, começando com absurdist ações e levando a pintura. “Entre 1985 e 1989, eu criei um monte de pinturas enormes, depois das quais eu não pintei um único, com exceção de apenas alguns feitos em carvão vegetal, e agora voltar para a tela e óleo é uma tortura para mim”, disse ele. Em 1989, mudou – se para Colônia, onde começou uma nova etapa em sua carreira artística-instalações.

o Seu projeto “Danae” tornou-se uma sensação na Bienal de Veneza. Na primeira hora após a sua abertura, uma fila alinhada para o pavilhão Russo para olhar para o processo único de um famoso mito grego antigo materializando-se através de uma chuva de moedas de ouro com as palavras confiança, liberdade, amor e unidade escritos sobre eles derramando-se de uma sala onde apenas os telespectadores masculinos foram autorizados, para “o útero”, onde apenas os telespectadores femininos foram permitidos.

Konstantin Zvezdochetov

Ele é o russo rei do brega, sem a qual nenhuma grande exposição de arte contemporânea pode fazer. Zvezdochetov pertence à geração de artistas soviéticos que foram os primeiros a entrar na cena internacional de arte e ficou conhecido como “arte contemporânea russa”.

houve um tempo em que ele ficou ofendido por ser chamado de “artista”. Ele disse: “Eu sou uma pessoa que oferece interpretações… Tudo o que faço são citações e compilações.”

Anatoly Zverev

Ele é muitas vezes referido como “o russo Van Gogh”. Robert Falk disse sobre ele:” cada toque de seu pincel é inestimável”, enquanto Picasso ele mesmo ecoou-o. Um decorador de comércio, Zverev entrou na cena da arte no final da década de 1950, e em 1965, sua primeira exposição internacional foi realizada em Motte, em Paris, embora ele mesmo nunca foi para o exterior.

O sistema Soviético não gosta de Zverev. A polícia estava atrás dele para prendê-lo por “parasitismo” (que foi um crime na URSS), enquanto ele vivia apenas por sua arte e por seu único amor e Musa, A viúva do poeta Nikolai Aseev, Ksenia Aseeva, que tinha 39 anos de idade.