Claude Monet – Eau (1907), 72 X 101,5 cm, collection du musée d’Israël, Jérusalem, source: Wikicommons, domaine public

Style, sujet, contenu et contexte sont tous des termes qui peuvent sembler déroutants ou intimidants pour les étudiants en appréciation de l’art ou en histoire de l’art. Beaucoup de ces termes peuvent avoir plusieurs significations ou idées intégrées dans ceux-ci. Si l’on regarde l’Eau de Claude Monet ci-dessus, le style peut faire référence à l’impressionnisme, au mouvement auquel Monet appartenait personnellement et au style auquel son art est le plus associé. Mais, nous pouvons également nous référer à la peinture comme étant naturaliste, en ce sens qu’elle se réfère à l’œuvre naturelle d’une certaine manière, et les nénuphars et d’autres éléments sont clairement reconnaissables comme provenant du monde naturel. Donc, par conséquent, le terme style peut signifier au moins 2 choses différentes dans ce cas particulier. Passons en revue les significations 1 à la fois.

Les styles, lorsque le terme est utilisé dans un sens plus générique, décrivent souvent la manière dont un artiste a créé l’œuvre d’art particulière. Cela peut être naturaliste (également appelé représentatif), idéalisé, classique, stylisé, surréaliste, abstrait ou non naturaliste (non représentatif). Que signifie chacune de ces choses en termes d’art? Nous avons notre exemple d’un travail naturaliste ci-dessus avec de l’eau.

Copie de Polykleitos, Doryphoros, original du 5ème siècle avant notre ère, Par Gautier Poupeau de Paris, France – Réplique du doryphore de Polyclète, CC BY 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=35036726

Si vous regardez l’image ci-dessus, basée sur un original grec du 5ème siècle avant notre ère par Polykleitos, vous pouvez voir à quel point la forme est idéalisée pour montrer l’image de la perfection humaine d’un point de vue grec. On peut donc dire que les œuvres idéalisées sont celles qui montrent la perfection d’un point de vue culturel. La pièce peut également être qualifiée de Classique, car elle provient à la fois de la période classique de l’histoire occidentale et représente le point culminant de cette période stylistiquement. Cela montre également comment les styles peuvent être culturels, ils peuvent représenter des cultures, des périodes ou des lieux spécifiques.

Par Egon Schiele, Nu Masculin Assis (Autoportrait), 1910, huile et gouache sur toile, 152,5×150 cm (Musée Leopold, Vienne) – Le Projet Yorck: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. Numéro ISBN 3936122202. Distribué par DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Domaine public, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=158783

La peinture d’Egon Schiele ci-dessus est stylisée en ce qu’elle représente la forme humaine nue d’une manière irréaliste, et est peinte de la manière dont Schiele décrivait habituellement ses formes. Nous pouvons également appeler cela abstrait en ce sens qu’il représente une forme naturelle de manière déformée ou non naturelle. Ici, nous pourrions souligner que l’abstrait est également utilisé pour désigner l’art moderniste qui déforme les formes, qu’elles soient naturalistes ou non. La peinture de Schiele démontre également le style personnel de cet artiste.

Meret Oppenheim, Object (Le Déjeuner en fourrure), 1936, (MOMA, New York) Par Antonio Campoy Ederra [CC BY 2.0(http://creativecommons.org/licenses/by/2.0) %5D, via Wikimedia Commons

Une œuvre comme l’Objet de Meret Oppenheim est surréaliste, en ce sens qu’elle est inattendue dans la vie quotidienne. Cela peut aussi faire référence à quelque chose de l’imagination de l’artiste. (Pensez à la Persistance de la mémoire de Salvador DalÍ.)

Naum Gabo, Torsion tournante, 1972-73, St. Thomas’ Hospital, Lambeth, Londres, Royaume–Uni Par Garry Knight – Flickr: Fontaine St Thomas, CC BY-SA 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=21477372

La fontaine ci-dessus est un exemple d’art non naturaliste, également connu sous le nom d’art non représentatif ou non objectif. Les formes proviennent purement de l’imagination de l’artiste et ne représentent pas des choses du monde naturel.

Objet

Le sujet est l’idée de base contenue dans l’œuvre d’art. Pour la peinture de Schiele et la sculpture de Polykleitos, l’idée de base est la forme humaine du nu masculin. Qu’en est-il des autres œuvres d’art? La fontaine de Gabo est à la fois une question de mouvement, car elle est cinétique, et de géométrie. La peinture de Monet parle de lumière, de couleur et de son jardin d’eau. L’objet d’Oppenheim est d’étranges juxtapositions. Le sujet est une idée assez simple contenue dans l’œuvre d’art. Cela devient plus complexe lorsque nous ajoutons du contenu.

Contenu

La définition de base ici est que le contenu est les thèmes et les messages contenus dans une œuvre d’art, et véhiculés à travers le sujet, ainsi que des références symboliques et iconographiques. Les symboles et l’iconographie, ou le système de symboles qui fait référence à des idées complexes, sont toujours culturellement spécifiques. Voyons comment le contenu peut ajouter à la discussion sur le style et le sujet d’une œuvre d’art.

En utilisant l’Objet de Meret Oppenheim comme exemple, nous avons déjà dit que le style est surréaliste et que le sujet est d’étranges juxtapositions. Regardons les symboles et l’iconographie ici, ainsi que les thèmes et les messages qu’ils véhiculent. En son cœur, l’objet est une tasse à thé, une soucoupe et une cuillère recouvertes de fourrure. Si nous demandons pourquoi Oppenheim, une artiste féminine, ferait cela, nous devons penser à la féminité et aux rôles de genre au début du 20ème siècle. Les femmes n’étaient souvent vues que comme des muses pour les artistes, et Oppenheim a brisé ce moule. L’histoire de cette pièce commence également par un déjeuner avec Pablo Picasso et son amante, Dora Maar, où Picasso a déclaré que tout pouvait être recouvert de fourrure. La tasse de thé et la soucoupe deviennent maintenant quelque chose de suggestif, tactile et un peu dérangeant. Plutôt que d’être des symboles de la féminité domestique, ils peuvent être lus comme quelque chose de plus, quelque chose de menaçant peut-être.

Ajouter du contenu à une œuvre d’art change la façon dont nous pensons et interagissons avec cette œuvre d’art. Que se passe-t-il si le contexte est mis en plus de cela?

Contexte

Le contexte peut être défini comme la signification d’une œuvre d’art, impactée par son histoire, le mode de rencontre et d’environnement, et les écrits sur cette œuvre d’art. Définissons également « mode de rencontre. »Lorsque cela est mentionné en ce qui concerne une œuvre d’art, nous voulons dire où et quand vous voyez cette œuvre d’art. Est-ce dans un musée? Un jardin de sculptures ? Un blog en ligne ? Chacun de ces modes de rencontre modifiera légèrement votre perception de la pièce en raison de l’éclairage, des autres choses qui l’entourent ou des choses écrites sur l’œuvre. Pensez-y de cette façon, comment votre expérience de la Torsion tournante de Naum Gabo changerait-elle si elle était retirée du jardin de l’hôpital et placée dans un musée? Cela semblerait-il aussi intéressant ou spectaculaire?

Comment les écrits s’intègrent-ils à cela ? Eh bien, tout ce qu’un critique, un historien de l’art, un conservateur ou un étudiant écrit sur une œuvre d’art ajoute aux perceptions, aux significations et aux interprétations de cette œuvre d’art. Ainsi, lorsque nous écrivons sur le Nu masculin assis d’Egon Schiele, nous pouvons discuter de la nature expressive de la pièce; ses distorsions de la forme humaine pour un impact émotionnel; ou la représentation franche de la souffrance humaine contenue dans la pièce. Nous pouvons également utiliser des articles et des vidéos de l’œuvre pour améliorer notre propre compréhension du contenu de l’œuvre.