Claude Monet – Agua (1907), 72 X 101.5 cm, colección del museo de Israel, Jerusalén, fuente: Wikicomnons, estilo de dominio público

, tema, contenido y contexto son términos que pueden parecer confusos o intimidantes para los estudiantes de apreciación del arte o historia del arte. Muchos de estos términos pueden tener múltiples significados o ideas incrustadas en ellos. Si nos fijamos en el agua de Claude Monet, el estilo puede referirse al impresionismo, el movimiento al que Monet pertenecía personalmente y el estilo con el que su arte está más asociado. Pero también podemos referirnos a la pintura como naturalista, ya que se refiere a la obra natural de alguna manera, y los nenúfares y otros elementos son claramente reconocibles como procedentes del mundo natural. Por lo tanto, el término estilo puede significar al menos 2 cosas diferentes en este caso particular. Repasemos los significados 1 a la vez.

Los estilos, cuando el término se usa en un sentido más genérico, a menudo describen la manera en que un artista creó la obra de arte en particular. Esto puede ser naturalista (también llamado representativo), idealizado, clásico, estilizado, surrealista, abstracto o no naturalista (no representativo). ¿Qué significa cada una de esas cosas en términos de arte? Tenemos nuestro ejemplo de un trabajo naturalista arriba con Agua.

Copia de Polykleitos, Doryphoros, original del siglo 5 AC, Gautier Poupeau de París, Francia – Réplique du doryphore de Polyclète, CC BY 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=35036726

Si miras la imagen de arriba, basada en un original griego del siglo V a. C. de Polykleitos, puedes ver lo idealizada que es la forma de mostrar la imagen de la perfección humana desde un punto de vista griego. Entonces, podemos decir que las obras idealizadas son aquellas que muestran perfección desde un punto de vista cultural. La pieza también se puede describir como clásica, ya que proviene del período clásico de la historia occidental y representa el punto culminante de ese período estilísticamente. Esto también muestra cómo los estilos pueden ser culturales, pueden representar culturas, períodos de tiempo o lugares específicos.

Por Egon Schiele, Desnudo Masculino sentado (Autorretrato), 1910, óleo y gouache sobre lienzo, 152,5×150 cm (Museo Leopold, Viena)-El Proyecto Yorck: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuido por DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=158783

La pintura de Egon Schiele de arriba está estilizada porque representa la forma humana desnuda de una manera poco realista, y está pintada de la manera en que Schiele generalmente representaba sus formas. También podemos llamar a esto abstracto porque representa una forma natural de una manera distorsionada o antinatural. Aquí podríamos señalar que lo abstracto también se usa para referirse al arte modernista que distorsiona formas, naturalistas o no. La pintura de Schiele también demuestra el estilo personal de este artista.

Meret Oppenheim, Object (Le Déjeuner en fourrure), 1936, (MOMA, Nueva York) De Antonio Campoy Ederra [CC BY 2.0 (http://creativecommons.org/licenses/by/2.0)%5D, a través de Wikimedia Commons

Una obra de arte como el objeto de Meret Oppenheim es surrealista, ya que es inesperada en la vida diaria. Esto también puede referirse a algo de la imaginación del artista. (Piense en la Persistencia de la Memoria de Salvador DalÍ.)

Naum Gabo, Torsión giratoria, 1972-73, St. Thomas ‘Hospital, Lambeth, Londres, Reino Unido Por Garry Knight-Flickr: Fuente de Santo Tomás, CC BY-SA 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=21477372

La fuente de arriba es un ejemplo de arte no naturalista, también conocido como arte no representativo o no objetivo. Las formas provienen puramente de la imaginación del artista, y no representan cosas del mundo natural.

Tema

el Tema es la idea básica contenida en la obra de arte. Tanto para la pintura de Schiele como para la escultura de Polykleitos, la idea básica es la forma desnuda masculina humana. ¿Y las otras obras de arte? La fuente de Gabo tiene que ver con el movimiento, ya que es cinética, y con la geometría. La pintura de Monet trata sobre la luz, el color y su jardín acuático. El objeto de Oppenheim es sobre extrañas yuxtaposiciones. El tema es una idea bastante simple contenida en la obra de arte. Se vuelve más complejo cuando agregamos contenido.

Contenido

La definición básica aquí es que el contenido es los temas y mensajes contenidos dentro de una obra de arte, y transmitidos a través del tema, así como las referencias simbólicas e iconográficas. Los símbolos y la iconografía, o el sistema de símbolos que se refiere a ideas complejas, siempre son culturalmente específicos. Veamos cómo el contenido puede contribuir a la discusión sobre el estilo y el tema de una obra de arte.

Usando el objeto de Meret Oppenheim como ejemplo, ya hemos dicho que el estilo es surrealista, y el tema son extrañas yuxtaposiciones. Veamos los símbolos e iconografía aquí, y los temas y mensajes que transmiten. En su corazón, el objeto es una taza de té, un platillo y una cuchara cubiertos de piel. Si nos preguntamos por qué Oppenheim, una artista femenina, haría esto, necesitamos pensar en la feminidad y los roles de género a principios del siglo XX. Las mujeres a menudo eran vistas solo como musas para los artistas, y Oppenheim rompió este molde. La historia de esta pieza también comienza con un almuerzo con Pablo Picasso y su amante, Dora Maar, donde Picasso afirmó que cualquier cosa podía estar cubierta de piel. La taza de té y el platillo ahora se convierten en algo sugerente, táctil y un poco inquietante. En lugar de ser símbolos de feminidad doméstica, se pueden leer como algo más, algo quizás amenazante.

Agregar contenido a una obra de arte cambia la forma en que pensamos e interactuamos con esa obra de arte. ¿Qué sucede si el contexto se pone encima de eso?

Contexto

El contexto se puede definir como el significado de una obra de arte, impactada por su historia, el modo de encuentro y el entorno, y los escritos sobre esa obra de arte. Definamos también «modo de encuentro».»Cuando se menciona esto con respecto a una obra de arte, nos referimos a dónde y cuándo ves esa obra de arte. ¿Está en un museo? Un jardín de esculturas? Un blog en línea? Cada uno de estos modos de encuentro cambiará tu percepción de la pieza ligeramente debido a la iluminación, las otras cosas a su alrededor o las cosas escritas sobre la obra. Piénsalo de esta manera, ¿cómo cambiaría tu experiencia de la Torsión Giratoria de Naum Gabo si se retirara del jardín del hospital y se colocara en un museo? ¿Te parecería interesante o espectacular?

¿Cómo encajan los escritos con esto? Bueno, todo lo que un crítico, historiador de arte, curador o estudiante escribe sobre una obra de arte se suma a las percepciones, significados e interpretaciones de esa obra de arte. Por lo tanto, cuando escribimos sobre el Desnudo Masculino sentado de Egon Schiele, podemos discutir la naturaleza expresiva de la pieza; sus distorsiones de la forma humana para el impacto emocional; o la representación franca del sufrimiento humano contenido en la pieza. También podemos usar artículos y videos de la obra para mejorar nuestra propia comprensión del contenido de la obra.