Come funziona l’Op-Art

L’op art sfrutta la relazione funzionale tra la retina dell’occhio (l’organo che “vede” i pattern) e il cervello (l’organo che interpreta i pattern). Alcuni modelli causano confusione tra questi due organi, con conseguente percezione di effetti ottici irrazionali. Questi effetti rientrano in due categorie fondamentali: in primo luogo, il movimento causato da alcuni specifici motivi geometrici in bianco e nero, come quelli dei precedenti lavori di Bridget Riley, o le superfici in alluminio di Getulio Alviani, che possono confondere l’occhio fino al punto di indurre vertigini fisiche. (Nota: l’associazione dell’Op art con gli effetti del movimento è il motivo per cui è considerata una divisione dell’arte cinetica.) In secondo luogo, dopo-immagini che appaiono dopo la visualizzazione di immagini con determinati colori, o combinazioni di colori. L’interazione di diversi colori nel dipinto – contrasto simultaneo, contrasto successivo e contrasto inverso-può causare ulteriori effetti retinici. Ad esempio, nei dipinti “temple” di Richard Anuszkiewicz, la disposizione di due colori fortemente contrastanti fa apparire come se la forma architettonica invadesse lo spazio dello spettatore.

Nonostante i suoi strani, spesso nausea che inducono effetti, Op-Art è perfettamente in linea con i canoni tradizionali di belle arti. Tutta la pittura tradizionale si basa sull ‘”illusione” della profondità e della prospettiva: L’Op-Art si limita ad ampliare la sua natura intrinsecamente illusoria interferendo con le regole che governano la percezione ottica.

Storia

Le origini dell’Op Art risalgono alle teorie pittoriche prebelliche, comprese le idee costruttiviste della scuola di design Bauhaus degli anni venti in Germania, che sottolineavano l’importanza del design formale complessivo, nella creazione di uno specifico effetto visivo. Quando il Bauhaus chiuse nel 1933, molti dei suoi docenti (in particolare Josef Albers) si trasferirono in America e insegnarono a Chicago e al Black Mountain College nella Carolina del Nord. Josef Albers debitamente prodotto il suo famoso “Omaggio alla Piazza” serie di dipinti che avevano tendenze Op-Art. Nel frattempo, dai primi anni 1930, il pittore e grafico ungherese Victor Vasarely stava sperimentando vari trucchi visivi come trompe-l’oeil e altri, da alcuni tipi di poster art: vedi la sua foto Op-Art Zebre (1938). Più tardi, si rivolse alla pittura, creando le immagini astratte geometriche per le quali è famoso. Durante gli anni ‘ 50, lo stile Op-Art apparve anche nei pannelli in bianco e nero di John McHale alla mostra “This Is Tomorrow” nel 1956. Bridget Riley ha iniziato a sviluppare il suo stile distintivo di arte ottica in bianco e nero intorno al 1960.

L’interesse moderno per l’Op Art risale alla mostra “The Responsive Eye”, curata da William C. Seitz, che si è tenuta nel 1965 al Museum of Modern Art (MoMA) di New York. Una vasta gamma di opere sono state esposte tra cui quelle del noto Victor Vasarely e la contemporanea Bridget Riley. Immensamente popolare, lo spettacolo ha evidenziato l’illusione del movimento e l’interazione delle relazioni cromatiche, nessuna delle quali ha trovato grande favore da parte della critica.

Anche se lo stile Op Art è diventato molto di moda durante la seconda metà degli anni 1960, è declinato rapidamente in seguito come una forma d’arte seria, nonostante periodici risvegli minori. Mostre di rilievo negli ultimi tempi hanno incluso: “L’oeil Moteur, art optique et cinetique 1960-1975 (Musee D’Art Moderne et Contemporain, Strasburgo, Francia, 2005); “Op Art” (Schirn Kunsthalle, Francoforte, Germania, 2007); “The Optical Edge” (The Pratt Institute of Art, New York, 2007); “Optic Nerve: Perceptual Art of the 1960s” (Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio, 2007). Opere di famosi artisti Op possono essere viste in molti dei migliori musei d’arte in Europa e in America.

Famosi artisti Op
L’esponente più anziano, e pioniere degli effetti Op art già nel 1930, è Victor Vasarely, di origine ungherese, ma che lavora in Francia dal 1930. Ha assunto una visione radicalmente scettica delle idee tradizionali sull’arte e sugli artisti: alla luce dei moderni progressi scientifici e delle tecniche moderne, afferma che il valore dell’arte non dovrebbe risiedere nella rarità di un’opera individuale, ma nella rarità e nell’originalità del suo significato – che dovrebbe essere riproducibile. Ha iniziato come grafico; gran parte del suo lavoro è in bianco e nero (facilmente riproducibile), anche se è capace di colori brillanti. Il suo lavoro migliore è espresso in termini geometrici, anche meccanicistici, ma integrato in un equilibrio e contrappunto organico e intuitivo. Egli sostiene che il suo lavoro contiene “una forma architettonica, arte astratta, una sorta di folklore universale”. La sua missione è di “una città nuova-geometrica, solare e piena di colori”, risplendente di un’arte ” cinetica, multidimensionale e comunitaria. Astratto, ovviamente, e più vicino alle scienze”. Il lavoro di Vasarely a volte può abbagliare l’occhio, ma non mira a disturbare l’equilibrio dello spettatore.

L’effetto del lavoro dell’artista britannica Bridget Riley può essere quello di produrre tale vertigine che l’occhio deve distogliere lo sguardo. Anche se attentamente programmato, i suoi modelli sono intuitivi e non strettamente derivati da calcoli scientifici o matematici, e la loro struttura geometrica è spesso mascherata dagli effetti illusori (come la struttura di Vasarely non è mai). Riley rifiuta di distinguere tra le risposte fisiologiche e psicologiche dell’occhio.

Peter Sedgley (nato nel 1930), un britannico che vive principalmente in Germania, divenne noto intorno al 1965 per i suoi esperimenti con una delle immagini ricorrenti della pittura di fine Novecento, il “bersaglio” di anelli concentrici di colore. L’effetto è stato intensificato cambiando luci di rosso, giallo e blu, programmate elettricamente. In seguito ha sviluppato “videorotori”, punteggiati di brillanti colori fluorescenti, rotanti e ancora più animati dal gioco di luce ultravioletta e stroboscopica su di essi. Il suo ultimo lavoro ha esplorato le relazioni tra luce e suono, con schermi su cui il rumore e il movimento degli spettatori o dei passanti sono respinti dalla luce colorata.

Altri artisti, legati alla Op-Art sono: Yaacov Agam, Josef Albers, Richard Allen, Getulio Alviani, Richard Anuszkiewicz, Carlos Cruz-Diez, Tony DeLap, Gunter Fruhtrunk, Julio Le Parc, John McHale, Youri Messen-Jaschin, Reginald H. Neal, Bridget Riley, Jesus Rafael Soto, Julian Stanczak, Günther Uecker, Ludwig Wilding, e Marian Zazeela.