Claude Monet – Acqua (1907), 72 X 101,5 cm, collezione del museo di Israele, Gerusalemme, di origine: Wikicommons, public domain

Stile, oggetto, contenuto e contesto sono tutti termini che possono sembrare confusi o intimidatori agli studenti di apprezzamento dell’arte o di storia dell’arte. Molti di questi termini possono avere molteplici significati o idee incorporate al loro interno. Se guardiamo l’Acqua di Claude Monet sopra, lo stile può riferirsi all’impressionismo, al movimento a cui Monet apparteneva personalmente e allo stile con cui la sua arte è più associata. Ma, possiamo anche fare riferimento al dipinto come naturalistico, in quanto si riferisce al lavoro naturale in qualche modo, e le ninfee e altri elementi sono chiaramente riconoscibili come provenienti dal mondo naturale. Quindi, quindi il termine stile, può significare almeno 2 cose diverse in questo caso particolare. Andiamo attraverso significati 1 alla volta.

Gli stili, quando il termine è usato in un senso più generico, spesso descrivono il modo in cui un artista ha creato la particolare opera d’arte. Questo può essere naturalistico (chiamato anche rappresentativo), idealizzato, classico, stilizzato, surreale, astratto o non-naturalistico (non rappresentativo). Che cosa significa ciascuna di queste cose in termini di arte? Abbiamo il nostro esempio di un lavoro naturalistico sopra con l’acqua.

Copia di Polykleitos, Doryphoros, originale 5 ° secolo AC, Di Gautier Poupeau da Parigi, Francia-Réplique du doryphore de Polyclète, CC DA 2.0,https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=35036726

Se guardi l’immagine qui sopra, basata su un originale greco del v secolo AC di Polykleitos, puoi vedere quanto idealizzata sia la forma per mostrare l’immagine della perfezione umana da un punto di vista greco. Quindi, possiamo dire, quindi, che le opere idealizzate sono quelle che mostrano la perfezione da un punto di vista culturale. Il pezzo può anche essere descritto come classico, poiché entrambi provengono dal periodo classico della storia occidentale, e rappresenta il punto più alto di quel periodo stilisticamente. Questo mostra anche come gli stili possono essere culturali, possono rappresentare culture specifiche, periodi di tempo o luoghi.

Di Egon Schiele, Nudo maschile seduto (Autoritratto), 1910, olio e gouache su tela, 152,5×150 cm (Leopold Museum, Vienna)-Il progetto Yorck: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuito da DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=158783

Il dipinto di Egon Schiele sopra è stilizzato in quanto rappresenta la forma umana nuda in modo irrealistico, ed è dipinto nel modo in cui Schiele di solito raffigurava le sue forme. Possiamo anche chiamare questo astratto in quanto raffigura una forma naturale in modo distorto o innaturale. Qui potremmo sottolineare che l’astratto è usato anche per riferirsi all’arte modernista che distorce le forme sia naturalistiche che non. La pittura di Schiele dimostra anche lo stile personale di questo artista.

Meret Oppenheim, Oggetto (Le Déjeuner en fourrure), 1936, (MOMA, New York) Da Antonio Campoy Ederra [CC BY 2.0 (http://creativecommons.org/licenses/by/2.0)%5D, via Wikimedia Commons

Un’opera d’arte come Meret Oppenheim Oggetto è surreale, nel senso che è imprevisto nella vita quotidiana. Questo può anche riferirsi a qualcosa dall’immaginazione dell’artista. (Pensate alla persistenza della memoria di Salvador DalÍ.)

Naum Gabo, Revolving Torsion, 1972-73, St. Thomas ‘ Hospital, Lambeth, London, U. K. Di Garry Knight-Flickr: St Thomas’s Fountain, CC BY-SA 2.0,https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=21477372

La fontana qui sopra è un esempio di arte non naturalistica, nota anche come non rappresentativa o non oggettiva. Le forme provengono esclusivamente dall’immaginazione dell’artista e non rappresentano cose del mondo naturale.

Oggetto

Oggetto è l’idea di base contenuta nell’opera d’arte. Sia per la pittura di Schiele che per la scultura di Polykleitos, l’idea di base è la forma umana del nudo maschile. E le altre opere d’arte? La fontana di Gabo riguarda sia il movimento, sia la cinetica, sia la geometria. La pittura di Monet riguarda la luce, il colore e il suo giardino acquatico. L’oggetto di Oppenheim riguarda strane giustapposizioni. L’oggetto è un’idea abbastanza semplice contenuta all’interno dell’opera d’arte. Diventa più complesso quando aggiungiamo contenuti.

Contenuto

La definizione di base qui è che il contenuto è i temi e i messaggi contenuti all’interno di un’opera d’arte, e veicolati attraverso il soggetto, così come i riferimenti simbolici e iconografici. Simboli e iconografia, o il sistema di simboli che si riferisce a idee complesse, sono sempre culturalmente specifici. Diamo un’occhiata a come il contenuto può aggiungere alla discussione di stile e materia in un’opera d’arte.

Usando l’oggetto di Meret Oppenheim come nostro esempio, abbiamo già detto che lo stile è surreale, e il soggetto è strano giustapposizioni. Diamo un’occhiata ai simboli e all’iconografia qui, ai temi e ai messaggi che trasmettono. Al suo cuore, Oggetto è una tazza di tè, piattino, e cucchiaio che è stato coperto di pelliccia. Se chiediamo perché Oppenheim, un’artista femminile, lo farebbe, dobbiamo pensare alla femminilità e ai ruoli di genere all’inizio del 20 ° secolo. Le donne erano spesso viste solo come muse per gli artisti, e Oppenheim ha rotto questo stampo. La storia di questo pezzo inizia anche con un pranzo con Pablo Picasso e la sua amante, Dora Maar, dove Picasso ha dichiarato che tutto potrebbe essere coperto di pelliccia. La tazza da tè e il piattino diventano ora qualcosa di suggestivo, tattile e un po ‘ inquietante. Piuttosto che essere simboli della femminilità domestica, possono essere letti come qualcosa di più, qualcosa di forse minaccioso.

L’aggiunta di contenuti a un’opera d’arte sposta il modo in cui pensiamo e interagiamo con quell’opera d’arte. Cosa succede se il contesto è posto in cima a quello?

Contesto

Il contesto può essere definito come il significato di un’opera d’arte, influenzato dalla sua storia, dalla modalità di incontro e dall’ambiente circostante e dagli scritti su quell’opera d’arte. Definiamo anche ” modalità di incontro.”Quando questo è menzionato per quanto riguarda un’opera d’arte, intendiamo dove e quando vedi quell’opera d’arte. E ‘ in un museo? Un giardino di sculture? Un blog online? Ognuna di queste modalità di incontro cambierà la vostra percezione del pezzo leggermente a causa di illuminazione, le altre cose intorno ad esso, o le cose scritte sul lavoro. Pensala così, come cambierebbe la tua esperienza della Torsione girevole di Naum Gabo se venisse rimossa dal giardino dell’ospedale e collocata in un museo? Sembrerebbe interessante o spettacolare?

In che modo gli scritti si adattano a questo? Bene, tutto ciò che un critico, uno storico dell’arte, un curatore o uno studente scrive su un’opera d’arte aggiunge percezioni, significati e interpretazioni di quell’opera d’arte. Quindi, quando scriviamo del nudo maschile seduto di Egon Schiele, possiamo discutere della natura espressiva del pezzo; delle sue distorsioni della forma umana per impatto emotivo; o della schietta rappresentazione della sofferenza umana contenuta nel pezzo. Possiamo anche utilizzare articoli e video del lavoro per aggiungere alla nostra comprensione del contenuto del lavoro.