AES+F group

betragtes som en af de mest succesrige og berømte kunstgrupper i dag, AES+F har udstillinger over hele verden. Multimedieinstallationerne og projekterne af Tatyana Arsamasova, Lev Yevsovich, Yevgeny Svyatsky og Vladimir Fridkes er primært afsat til global kultur og en analyse af moderne værdier.

deres installationsfilm “Inverso Mundus” (Latin for “omvendt verden”) blev vist på Venedigbiennalen og turnerer stadig museer rundt om i verden.

Ivan aivasovsky

ingen maler havet som Ivan kunne! Maleren Aivasovsky blev æret som en af de mest produktive kunstnere og skabte over 6.000 seascapes. Kunsthistorikere og kunstkritikere betragter’ Sortehavet ‘ kunst som hans magnum opus, resultatet af kunstnerens nytænkning af hans liv og karriere.

Yuri Albert

Albert’s famous artworks with text often become Internet memes, while his retrospective exhibition, “What did the artist mean by that?”på Moskva Museum of Modern Art, forblev i en tilstand af permanent forandring i hele sin varighed. Dette er, hvad Yuri Albert handler om. I en alder af 15 befandt denne konceptualistiske kunstner sig i værkstedet Komar og Melamid, under hvis indflydelse han begyndte at skabe værker, der genovervejer essensen af moderne kunst.

Alberts foretrukne trick er at tage et velkendt værk, ændre det og gøre det til sit eget, samtidig med at han engagerer sig i en polemik med originalen. Tag for eksempel hans milepælserie af værker, hvor kunstneren ironisk sammenligner sig med internationale kunststjerner.

Leon Bakst

Det Europæiske succesen med Sergei Diaghilevs berømte russiske sæsoner i Paris skyldtes stort set Bakst. Hans sæt og kostumeskitser til Ballets Russes-produktioner blev en sensation i sig selv: de blev endda udstillet i Louvre, mens Baksts orientalistiske stil satte en mode i Paris for turbaner, brede bukser og farvede parykker.

Andrey Bartenev

den ekscentriske Bartenev lavede et navn for sig selv i 1990 ‘ erne: hans kostumer lavet af ethvert tilgængeligt materiale samt forestillinger og installationer blev et symbol på tiden.

siden da er han blevet kendt som “en uhyrlig mester”, en enmands festlighed og en gående forestilling: Bartenev skiller sig ud i en skare takket være sine lyse freakish kostumer. De fortsætter med at være hans måde at udforske verden på eller genoverveje velkendte plot.

Ely Bielutin

avantgarde kunstner Bielutin havde et ry for eksperimentering og mystificering. Han oprettede et studie i Moskva og en slags skole kaldet ny virkelighed, som forenede mere end 3.000 kunstnere. I 1962 blev værker af hans studie abstrakte kunstnere udstillet på manesj udstillingshal i Moskva.

udstillingen blev besøgt af kommunistpartiets generalsekretær Nikita Khrushchev, der hadede det, han så, og beskrev det “et rod”. Derefter blev den nye virkelighed næsten forbudt, hvor Bielutin blev en eneboer og ikke viste sine værker næsten før perestroika.

Victor Borisov-Musatov

Borisov-Musatov var en Symbolist, der specialiserede sig i at male forfaldne gamle herregårde, have tefester og medlemmer af den russiske adel ved århundredeskiftet. De siger, at han som repræsentant for Sølvalderen forsøgte at fange “den forsvindende verden” og de sidste ekkoer af en udadvendt æra.

‘poolen’ var udgangspunktet for hans anerkendelse som symbolistisk kunstner: maleriet skildrer hans søster og brud, der sidder ved en landstedsdam. Billedet blev hans bryllupsgave til sin kone og hans første betydelige succes.

Karl Bryullov

Bryullov var en af de bedste portrætmalere i sin tid. Han malede officielle og private portrætter af det russiske aristokrati, deltog i kejserlige receptioner og kendte Aleksandr Pushkin.

men alt det, der kom efter 12 år, der boede i Italien, hvoraf seks Bryullov havde brugt på at arbejde på sit monumentale værk ‘Den sidste dag i Pompeji’. For det modtog kunstneren den store pris på Paris-udstillingen og anerkendelse i Europa og Rusland.

Vladimir Borovikovsky

han malede det russiske aristokrati, inklusive kejseren, men er bedre kendt for sine portrætter af unge damer, som ikke kun vises i Tretyakov-Galleriet i Moskva, men også på Louvre i Paris. Borovikovskys varemærkepræstation var hans evne til at udtrykke hans modellers særskilte sensualitet.

Grisha Bruskin

In the Soviet Union, his works were rejected, and he found recognition only with the start of perestroika. I 1988, på Sothebys første og eneste auktion i Sovjetunionen, blev hans “grundlæggende leksikon” solgt til en vestlig samler for en (dengang) rekordstor $416.000 (efter en forhør af KGB, forgængeren til FSB). Et par uger senere var Bruskin i Amerika, og hans arbejde er siden blevet udstillet på verdens mest berømte museer.

‘grundlæggende leksikon’ er et af de mest populære en række lærreder, hvor adskillige gipsfigurer – pionerer, atleter, proletarer, Komsomol – medlemmer-bærer emblemerne fra den officielle sovjetiske kultur, den visuelle kode for sovjetisk masseagitation og propaganda.

David Burliuk

Burliuk fik anerkendelse som “far til russisk futurisme” både i Rusland og i udlandet, især i ny york, hvor han bosatte sig i 1922 og var aktiv i pro-sovjetiske kredse. Burliuk fremmede futurisme og kubisme med alle midler til rådighed for ham: han udgav et magasin, trykte brochurer, skrev digte og anmeldelser og malede.

ægte succes kom til ham med hans’ portræt af min onkel’, burliuks eneste maleri, som han formåede at finde en køber til i næsten enhver by. Det blev hans manifest af cubo-futurisme. “Kunstneren skabte hurtigt på et hotel ved at lime avisudklip i et vinkelrevet ansigt, der havde tre øjne, to næser og så videre,” mindede hans ven og medkunstner Yevgeny Spassky.

Erik Bulatov

Bulatov var en af grundlæggerne af sots art sammen med Komar og melamid. Hans soloudstillinger afholdes i førende museer og gallerier rundt om i verden.

“rummet er frihed,” plejede Bulatov at sige. Bogstaveligt talt er ‘Glory to the CPSU’ et sovjetisk slogan på baggrund af en blå himmel. Metaforisk er det frihed, der siver selv gennem nettet af kommunistisk ideologi.

Marc Chagall

en af lederne af den russiske avantgarde, Marc Chagall skabte sin unikke, uforlignelige stil. Hans mest berømte værk skildrer alt, hvad kunstneren havde i det øjeblik i sit liv: sig selv, sin kone og evig muse Bella og Husene i hans oprindelige Vitebsk.

denne sammensætning opholdt sig med Chagall i udvandring i Frankrig også, bortset fra at han erstattet sig selv og sin kone med en nygift par, og Vitebsk med Paris.

Olga Chernysheva

Chernysheva er en af de mest internationalt efterspurgte russiske kunstnere i dag. Hendes malerier, videoer, grafik og fotografier blev præsenteret på flere Venedigbiennaler og udstilles på museer fra København til London.

hun er en fremmed for monumentalitet og er inspireret af livets små artefakter: verdslige begivenheder, som en sang i metroen eller hjemløse, der sover på en bænk. Hun bruger disse hverdagsscener til at skabe et billede (og et meget intimt) af det moderne Rusland.

Ivan Chuikov

Another helt fra den sovjetiske kunstneriske undergrund, Chuikov er fascineret af ideen om at kombinere illusion og virkelighed, forskellige stilarter og sprog. Sådan kom hans ‘vinduer …’ – serie til. For eksempel kan man i sin “romerske” profil dechiffrere Piero della Francescas berømte portræt af Federico da Montefeltro. Men for Chuikov er det kun en silhuet og en rød prik. Hvad er det egentlig? Solen? Eller en rød prik laser syn peger på templet af en klassiker bliver latterliggjort af postmodernisme?

chuikovs værker kan findes i Centre Pompidou, kunstmuseet, det russiske museum og Tretyakov-Galleriet.

Aleksandr Deyneka

denne store figur i sovjetisk Officiel kunst var en af søjlerne i socialistisk realisme, der fejrede godt helbred, sport, arbejde og den nye sovjetiske livsstil. Han polerede denne stil til perfektion: hans stærke, pumpede mænd og kvinder utrætteligt og med et smil på deres ansigter forsvarer byer, arbejder i fabrikker og forherliger festen.

deynekas samtidige idoliserede eller hadede ham: hvor han skildrede heltemod i kommunismens navn, så andre deprivation og manglende valg. Trods alt blev hans utopiske projekter skabt på baggrund af massefattigdom og repressalier.

Elena Elagina og Igor Makarevich

Denne duo af Moskva-Konceptualister, der allerede betragtes som levende legender om samtidskunst, eksperimenterer med oprettelsen af sociale utopier ved hjælp af fiktive karakterer.

et af de mest komplekse og længste af dem, ‘homo Lignum’ – projektet, er stadig i gang. Det fortæller historien om en ydmyg revisor, Nikolai Ivanovich Borisov, der har et manisk ønske om at blive et træ.

Aleksandra Ekster

Ekster var en af “avantgardens amasoner” og en fast inventar på alle større udstillinger af den nye kunst i det tidlige 20.århundrede. I 1907 rejste hun et stykke tid til Paris, hvor hun blev venner med Pablo Picasso, Fernand Leger, Guillaume Apollinaire og mange andre, hvorefter hun begyndte at promovere deres værker derhjemme og hjælpe russiske avantgarde-kunstnere med at tilpasse deres teknikker til deres arbejde.

Ekster selv var en tilhænger af futurisme og mere specifikt af sin ejendommelige russiske form, cubo-futurisme. Hun illustrerede futuristiske magasiner, designede teatersæt, kostumer, puder og endda en uniform til Den Røde Hær. Men i 1924 gik hun til Venedigbiennalen og vendte aldrig tilbage til Rusland.

Semen Faibisovich

en mester i fotorealisme, Faibisovich maler hovedsageligt Moskva. Desuden vælger han som sit emne Byens mindre attraktive træk: lurvede gårde, ødemarker, kiosker, omstrejfende hunde, gæstearbejdere, hjemløse, almindelige forbipasserende. Alligevel er det netop af denne grund, at Faibisovichs værker menes at fange tidens undvigende natur. Og de sælges til over $400.000 af verdens førende auktionshuse.

20. Nicolai Fechin

efter at have afvist revolutionen, Fechin emigrerede til USA i 1923, hvor han levede lykkeligt i 30 år. Derfor er der så mange af hans værker i amerikanske museer og private samlinger i udlandet.

men før han forlod Rusland, formåede han at skabe et af sine mest betydningsfulde malerier, portrættet af en ung Varya adoratskaya, som ofte sammenlignes med Serovs ‘pige med ferskner’.

i disse dage er Fechin blandt de dyreste russiske kunstnere: i 2010 blev hans lærred solgt for $11 millioner på en macdougalls auktion.

Pavel Fedotov

i det russiske imperium var ægteskabet ofte ikke for kærlighed. Samfundet så ikke positivt ud på ulige ægteskaber, men mange mennesker i midten af det 19.århundrede betragtede det stadig som en fantastisk måde at forbedre ens økonomiske situation og sociale status på. Dette handler om en af de mest berømte malerier af en førende genrekunstner, Fedotov.

i sin en købmand gifter sig med en datter til en konkursofficer; brudgommen vil modtage en medgift, mens købmanden bliver beslægtet med adel.

Konstantin Flavitsky

som mange kunstnere fra det 19.århundrede brugte Flavitsky tid på at studere i Italien og huskes for et enkelt mesterværk.

hans tidligere malerier blev afvist af kritikere som “en efterligning af Bryullov”, men kunstneren formåede stadig at efterlade et spor i historien. Prinsesse Tarakanovas faktiske død (hendes rigtige navn forbliver ukendt), der hævdede at være datter af kejserinde Elisabeth, var ikke nøjagtigt som afbildet – hun døde en politisk fange, undtagen ikke i en oversvømmelse, men af tuberkulose. Ikke at det betyder noget særligt:’ prinsesse Tarakanova ‘ blev Flavitskys triumf. Kort efter oprettelsen af maleriet døde han imidlertid af forbrug, som han havde indgået kontrakt med i Italien.

Pavel Filonov

avantgarde kunstner Filonov betragtede sig selv som en kommunist igennem og troede på, at folket havde brug for hans kunst. Han brugte udtrykket” analytisk kunst ” til at beskrive sine multidimensionelle billeder og nægtede at sælge sine værker til nogen. Det var det, der dræbte ham til sidst: under Belejringen af Leningrad sad han på et iskoldt loft, der bevogtede sine malerier og udviklede lungebetændelse, der dræbte ham.

Nikolai Ge

Ge offered an interpretation of religious storylines that ran counter to the established canon, for which he often fell foul of church censors. Han var imidlertid overbevist om, at dette var vejen til at finde sande følelser og betydninger i velkendte plot.

ge malede sin berømte ‘Golgotha’ et år før hans død. “Ja, dette maleri plagede mig forfærdeligt,” skrev han til sin ven Leo Tolstoy. “I går fandt jeg den sidste ting, jeg har brug for, en form, der er ret levende. Jeg fandt en måde at skildre Kristus og de to tyve sammen på Golgata uden kors… Sagt… tre sjæle i live på lærredet. Jeg græder selv, når jeg ser på dette billede.”

Natalia Goncharova

Goncharova var sammen med sin mand Mikhail Larionov blandt pionererne i den russiske avantgarde. Fra 1914 arbejdede hun på Diaghilevs russiske sæsoner i Paris, hvor hun forblev indtil sin død i 1962.

i dag kan hendes værker findes i verdens førende kunstsamlinger, herunder Tate Modern i London og Centre Pompidou i Paris. I 2010 solgte Christie et maleri af hende for $9 millioner, hvilket gjorde hende til den dyreste (på det tidspunkt) kvindelige kunstner i historien.

Theophanes den græske

en førende Old Rus’ maler, Theophanes den græske, er skaberen af et af de helligste objekter i russisk-ortodokse kristendom. Hans ikon af jomfruen med babyen Kristus i hendes arme anses for at være mirakuløs: ifølge legenden hjalp det ofte i kampe.

dette billede, som Andrei Rublevs ‘Trinity’, er blevet en del af den russiske kulturkode.

Dmitri Gutov

gutov tilhører generationen af kunstnere, der kom til deres ret i begyndelsen af 1990 ‘ erne. Han skaber nye aflæsninger af kanoniske objekter i kultur, det russiske sprog, russiske ikoner og klassisk kunst i troen på, at deres essens kan formidles i løbet af få minutter. Hans mest genkendelige kunstgenstande er metalpaneler med en version af Rembrandt og gamle russiske ikoner. Når seeren bevæger sig lidt til siden, forvrænges billedet. Ideen er, at denne forvrængning går gennem alle faser i udviklingen af det 20.århundrede, fra kubisme til ekspressionisme til abstraktion.

listen over kunststeder, hvor kunstneren nogensinde har udstillet, er praktisk talt uendelig, fra Venedig og Sydney-Biennalen og Documenta i Kassel til Guggenheim-museet.

Aleksandr Ivanov

Ivanov var en kunstner tæt på kejseren. Han var især kendt for sine malerier inspireret af bibelske og mytologiske plot. Society of Artists finansierede endda sin rejse til Italien “for yderligere forbedring”.

Ivanov vendte først tilbage fra Italien, efter at han havde afsluttet sin vigtigste opus om Messias udseende. Det tog ham 20 år og 600 skitser. Petersborg af kejser Aleksander II.for at imødekomme maleriet måtte der bygges en dedikeret bygning.

Francisco Infante

født i Rusland til familien af en spansk politisk prismigr, blev Infante den mest berømte repræsentant for russisk Landkunst og kinetisk kunst. Kunstneren kalder sine abstrakte installationer” artefakter ” – han placerer spejle og bevægelige strukturer i naturlige landskaber, hvilket gør naturen til en integreret del af et kunstværk.

Infante betragtes som en efterfølger til traditionerne i den russiske avantgarde, især Malevich og Tatlin. Hans værker findes i mere end 30 museer og private samlinger rundt om i verden.

en ekspressionistisk kunstner, der blev født og voksede op i Rusland, men blev berømt i Tyskland. En fan af Van Gogh, Gauguin, Cesanne og Matisse, en nær ven og allieret af Vasily Kandinsky, var tæt på abstraktion, men forblev et sted på grænsen mellem det og figurativ kunst. Den største samling af hans værker findes i Visbaden.

Wassily Kandinsky

The inventor of abstractionism, Kandinsky was among the pioneers of the Russian avant-garde. Sammen med sine medartister – Malevich, Chagall, Goncharova, Larionov og andre – brød han hensynsløst væk fra traditionerne med realistisk maleri.

hans ‘komposition VII’ betragtes som toppen af hans arbejde i perioden før første verdenskrig. Kan du finde opstandelsen, Dommens Dag, Vandfloden og Edens Have i den? Dette er, hvad Kandinsky skildrede i det, ifølge hans noter.

Ilya og Emilia Kabakov

Kabakovs er de vigtigste stjerner i uofficiel sovjetisk kunst og den moderne kunstscene. Takket være Ilya og Emilia er Moskva-konceptualisme blevet den mest berømte moderne russiske kunstbevægelse i verden. Parret har boet på Long Island siden slutningen af 1980 ‘ erne og har deres udstillinger på Museum of Modern Art, Centre Pompidou i Paris, Tate Gallery i London og Hermitage Museum i Skt.

In i 2008 brød ‘the Beetle’ en prisrekord: den blev solgt for 2,6 millioner dollars (næsten 6 millioner dollars), og kabakovs’ arbejde blev det dyreste af de levende russiske kunstnere. De har siden været øverst på denne liste.

Orest Kiprensky

da Kiprensky afsluttede portrættet af den store digter Aleksandr Pushkin, dedikerede sidstnævnte et digt til ham, der sagde: “Fra nu af vil mit udseende blive kendt i Rom, Dresden og Paris.”

digterens profeti viste sig at være rigtig. Portrætmaleren Kiprensky, der i Vesten blev sammenlignet med og undertiden endda forvekslet med Rembrandt og Rubens, skabte det, der er blevet den mest berømte skildring af Pushkin i populærkulturen: Sådan ser den store digter ud for mennesker i Rusland og resten af verden.

Ivan Kramskoi

det er stadig ikke blevet fastslået, hvem denne unge kvinde, afbildet af ideologen af “russiske peredvisniki” kunstnere, er. Kramskoi valgte at holde hemmeligheden og afslørede ikke sin identitet, selv i dagbøger og noter fundet efter hans død. I disse dage kaldes en af de mest emblematiske portrætter i russisk kunst “Den Russiske Mona Lisa”.

Konstantin Korovin

en fremtrædende repræsentant af “russisk impressionisme” blev Korovin inspireret af byen Paris og malede mange af sine bedste landskaber der. Det er derfor ikke overraskende, at han var en stor succes i Frankrig: der blev han præsenteret for L. L. L. D. Honneur og modtog guld-og sølvmedaljer for sine værker.

efter den russiske Revolution besluttede kunstneren at flygte fra Sovjetlandet: han fandt den nye regerings politik undertrykkende. I 1922 fik han tilladelse til at forlade – til medicinsk behandling og afholdelse af en personlig udstilling – men vendte aldrig tilbage. Ikke overraskende slog han sig ned i Paris.

Aleksandr Kosolapov

Coca-Cola lovede at ødelægge Kosolapov. Han fangede FBI ‘ s opmærksomhed, hans udstillinger i Rusland blev annulleret, og nogle af hans værker gik endda på prøve. Hans metode består i at kombinere ting, der ikke kan kombineres, som for eksempel Lenins profil med det berømte firmas logo.

faktisk er kosolapovs kunst provokerende og ofte skandaløs, men dette forhindrer ham ikke i at forblive en respekteret mester i sots-kunst (den sovjetiske version af popkunst), hvis værker findes i samlingerne på de bedste museer i verden.

Irina Korina

for Korina, en deltager i hovedprojektet på venedigbiennalen i 2017, selv de mest tilsyneladende ubetydelige detaljer i hverdagen, fra Moskva gadebelysning til begravelseskranser til stilladsnettet, er et spørgsmål til refleksion. Hun beskrives som en mester i total installation. Korinas seneste soloudstillinger blev afholdt på GRAD foundation i London, Brooklyn Academy of Music i Ny York og på Steirischer Herbst festival i Østrig.

‘halen venter kometen’, et kæmpe tre-etagers tårn, dukkede op på Moskva Garage Museum og er blevet en samling citater fra hendes karriere.

Pyotr Konchalovsky

han er kendt som “den største russiske C-krisannist”, den vigtigste “russiske impressionist” og en af de mest “dyre” russiske kunstnere på internationale auktioner. På trods af at han havde lånt meget fra franske kunstnere, formåede Konchalovsky ikke desto mindre at finde sin egen stil, som vestlige kritikere ofte beskrev som “slaviske”.

hjemme afviste Konchalovskys samtidige sin kunst så meget, at de endda nægtede at udstille deres værker ved siden af hans. Men da Sovjetunionen i 1924 for første gang deltog i Venedigbiennalen, var det Konchalovskys malerier – 13 af dem – der blev vist på den sovjetiske pavillon.

Vitaly Komar & Aleksandr Melamid

de vigtigste “trolde” af officiel sovjetisk kunst har skabt deres egen unikke genre af sots-kunst, den sovjetiske ækvivalent med popkunst. De lavede koteletter fra det sovjetiske mundstykke, Pravda-avisen, skildrede sig som Lenin og Stalin, underskrev de vigtigste sovjetiske sloganer med deres navne og placerede Lenin mod McDonalds-logoet.

selv efter at have forladt Sovjetunionen stoppede kunstnerne ikke deres kaustiske trolling. Listen over deres mål omfattede Andy Varhol (som de kalder “en idiot”) og Gerhard Richter (“sådan ville et dyr male, hvis det blev givet en pensel”).

Valery Koshlyakov

Koshlyakovs malerier har en række slående særpræg: de er næsten altid malet på tekstureret bølgepap og næsten altid hans bylandskaber” strømmer ” ned ad lærredets overflade. Billeder af fortiden, ruiner, græsk mytologi, hukommelse – disse er hans tidløse aktuelle tegn.

Koshlyakov bor i øjeblikket i Paris og er meget efterspurgt: han har udstillet på Louvre, Guggenheim-museet, Biennalen i San Paolo og Venedig. Endnu, selv i disse dage, han kan godt lide at huske med en følelse af ironi, at hans første udstilling blev afholdt på et provinsielt offentligt toilet.

Geliy Korsjev

korsjev kaldte sig sjovt en “gammel socialistisk realist”. Kunstkritikere har mærket ham”en repræsentant for den stramme stil”. Alligevel er Korsjevs kunst gået ud over disse grænser: på trods af at han havde ret højtstående stillinger i den sovjetiske Kunstnerforening, formåede han at flygte fra politiske kommissioner til en sensuel, undertiden surrealistisk sfære. Han er frem for alt en kunstner med stærk menneskelig følelse, for hvilken krigen, revolutionen og de sovjetiske “århundredets byggeprojekter” kun var en baggrund.

Arkhip kuindji

han blev ofte beskyldt for at anvende forskellige kneb, som at bruge skjulte enheder til at tænde sine malerier. Omvendt kaldte hans velbegyndere ham” den russiske Monet ” for sit mesterlige arbejde med farver. Hans ‘månelysede nat…’ med måneskin reflekteret i Dnepr-floden blev en sensation. Så meget desto mere, da det var første gang i russisk kunsthistorie, at en udstilling bestod af et enkelt værk.

dens succes var sådan, at kuindji gik i frivillig eksil i 30 år: kritikerne accepterede ikke værker, der fulgte ” Moonlit Night…”, og kunstneren brugte lang tid på at kæmpe med det.

Boris Kustodiev

den nationale smag, fra samovarer og messer til fyldige handelskvinder i farverige kjoler, er det, der tiltrak Kustodiev og adskiller ham fra andre kunstnere i hans tid. Han er den eneste russiske kunstner, der nogensinde har vundet en guldmedalje på Venedigbiennalen.

‘skønheden’, en skildring af en russisk købmands kone, blev hans manifest og resultatet af en søgning efter en unik stil. “Slanke kvinder inspirerer ikke en til kreativitet,” plejede han at sige. Kunstneren skabte dette og andre berømte værker, mens han allerede var lammet – han havde haft flere operationer på rygmarven.

Oleg Kulik

‘Mad Dog’ var Oleg Kuliks første forestilling: nøgen, han kravlede på alle fire og angreb forbipasserende. Dens hovedperson blev et af symbolerne på de skøre 1990 ‘ ere, og Kulik – en af grundlæggerne af Moskva action art.

senere forsøgte kunstneren forskellige stilarter og teknikker, fra skulptur til maleri, og fortsætter med at eksperimentere indtil i dag. Hans værker kan findes i Centre Pompidou i Paris og Tate Modern i London.

Mikhail Larionov

A person opfatter ikke et objekt, men en klynge af stråler, der kommer fra en lyskilde og reflekteres fra dette objekt – sådan forklarede Larionov rayonisme, en avantgarde abstrakt kunstbevægelse, han havde opfundet.

På samme tid, Larionov selv konstant afbalanceret mellem repræsentativ og abstrakt kunst, og efterlod en ganske forskelligartet arv. Han var gift med “Avantgardens amason”, Natalia Goncharova, men i modsætning til sin kone, mens han var i udvandring i Frankrig i de sidste 30 år af sit liv, skabte han ikke noget væsentligt.

Aristarkh Lentulov

Lentulov jonglerede dristigt forskellige stilarter: hans værker blev nu påvirket af symbolister og impressionister, nu af kubister og abstraktionister. Men han var en af de første til at bygge sin kunst omkring farve snarere end et objekt.

The oprørske farver i hans forskellige værker gav ham kaldenavnet “en kunstner af solen”. For kun at give et fortællende eksempel fra Lentulovs liv: på årsdagen for Oktoberrevolutionen malede han træerne og græsplænen på Teatralnaya-pladsen (ved siden af Kreml) i en voldsom lilla farve.

El Lisitsky

Sådan ser en propagandaplakat ud, hvis den er skabt af en hård tilhænger af Suprematisme. Den røde trekant symboliserer den røde bolsjevikiske Hær, som knuser forsvaret af den imperialistiske Hvide Hær med en kil.

El Lisitsky var tilknyttet Malevich og bidrog til udviklingen af ideerne om avantgarde kunst. For eksempel var det takket være ham, at suprematism kom ind i arkitekturen.

Isaac Levitan

Levitan var forelsket i det russiske landskab og blev en mester i “humørlandskabet”. I sidste ende var det det, der sikrede ham medlemskab af Kunstakademiet. Den jødiske kunstner måtte komme langt for at opnå denne anerkendelse: nogle af Levitans lærere mente, at en Jøde ikke skulle røre ved det russiske landskab, da kun etniske russiske kunstnere kunne skildre russisk natur. Desuden blev Levitan udvist fra hovedstaden ved et kongeligt dekret, fordi han var jøde.

endnu, tiden har sat alt lige: der er en udbredt opfattelse, at ‘over den evige fred’ er “den mest Russiske” af alle malerier på det russiske tema.

Her er en anden mester fra det 18.århundrede af det officielle portræt. Hans talent manifesteres af hans sidters berømte cirkel, fra kejserinde Katarina den store og den franske filosof Denis Diderot til Prokofiy Demidov, en minemagnat.

Demidov havde ry for en uddannet tycoon og en ekscentrisk. Petersborg normalt forbeholdt briterne til at lære dem en lektion, som under sit ophold i England havde tvunget ham til at betale en ublu pris for en vare, han havde brug for. Og for sit officielle portræt valgte Demidov ikke at klæde sig i sin uniform med alle sine priser, men i en morgenkåbe og en natkappe…

Casimir Malevich

Malevich er det vigtigste symbol på russisk avantgarde, mens hans ‘sorte firkant’ er et billedligt manifest for suprematisme. Malevich mente, at der efter Suprematisme ikke var nogen kunst, så han foreslog at brænde alle malerier og vise deres aske på museer. Tragisk er det, hvad der delvist skete i de første måneder efter den bolsjevikiske Revolution i 1917.

Filipp Malyavin

“hul!”Sådan reagerede Petersborgs Kunstakademi på ekspressionisten Malyavins gradueringsarbejde ‘latter’. Kandidaten fortvivlede ikke, og to år senere tog han sine grinende bondekvinder med sig til Paris. Der skabte lærredet en fornemmelse på verdensmessen: kunstneren blev præsenteret med en guldmedalje, og maleriet blev købt af den italienske regering til et moderne kunstgalleri i Venedig.

det er overflødigt at sige, Malyavin vendte tilbage til Rusland en berømthed. Al kritik af’ latter ‘ blev straks glemt, og i 1906 blev han medlem af Akademiet.

Vladislav Mamyshev-Monroe

en mester i genopfindelse, Han forvandlede sit liv til en livslang forestilling. Næsten den eneste repræsentant for travesty kunst i Rusland udforskede Mamyshev-Monroe personlighederne af berømte figurer i verdenshistorie og popkultur og prøvede deres billeder for sig selv.

i løbet af sit korte liv (han døde i en alder af 44 år) forsøgte kunstnerne på en lang række berømte personligheder, fra Marilyn Monroe og Hitler til Jesus Kristus og Lenin til Andy varhol og Vladimir Putin.

Konstantin Makovsky

i slutningen af det 19.århundrede blev Makovsky betragtet som en fashionabel og dyr portrætmaler og forfatter af historiske malerier. Han havde også en stor guldmedalje på Verdensudstillingen i Paris til sit navn.

endnu, Makovsky ofte malet rørende og sentimentale billeder om hårdt landligt liv også. Hans barfodede pige, der løber med sin bror fra tordenvejr, er en rigtig scene fra livet observeret af kunstneren under en af hans ture til de russiske provinser.

Vera Mukhina

en af de vigtigste symboler i den sovjetiske æra og Monumental propaganda blev den 24 meter høje ‘arbejder-og kolkhosekvinde’ skabt til verdensudstillingen i Paris i 1937. Forfatteren, Vera Mukhina, ønskede at skildre de to figurer nøgne, men partiet krævede, at de var “klædt”. Denne detalje forringer imidlertid ikke den virkning, som monumentet producerede: franskmændene ønskede endda at købe det, men Sovjetunionen nægtede.

Vera Mukhina havde opfyldt statsordrer for monumenter siden 1920, men på trods af adskillige priser (hun havde fire Stalin-priser alene) blev hun aldrig bestilt til at lave skulpturer af hverken Lenin eller Stalin. Årsagen var, at Mukhina ikke blev anset for at være pålidelig nok. I begyndelsen af 1930 ‘ erne blev hun endda udvist fra Moskva, og efter Paris-udstillingen blev der udstedt en ordre om aldrig at lade hende rejse til udlandet.

Irina Nakhova

konceptuel kunstner nakhova betragtes som forfatter til de første “samlede installationer” i russisk samtidskunst. I midten af 1980 ‘ erne ændrede hun et af værelserne i sin lejlighed uden anerkendelse og blev samtidig forfatter til sit arbejde og en karakter, der bor inde i det. Således fungerede hendes lejlighed i flere år som en testplads for hendes eksperimenter. I 2015 blev Nakhova den første kvindelige kunstner, der blev udstillet i den russiske pavillon på Venedigbiennalen.

Ernst neisvestny

neisvestny skabte monumentale værker det kan ses i dag i Rusland, Ukraine, USA, Egypten, Sverige og Vatikanet. Men i Sovjetunionen blev billedhuggeren udsat for hård udstødelse. På grund af uenigheder med den officielle kulturelle stil – socialistisk realisme – blev han vild af aviser; slået på gaden og indkaldt til chats med partiets embedsmænd. Den daværende statsoverhoved, Nikita Khrushchev, kaldte sine værker”degenereret kunst”. Ironisk nok, da Khrushchev døde, bestilte hans familie gravstenen fra Ernst Neisvestny (og han lavede den af to marmorblokke — hvid og sort — symboliserer Khrushchevs interne modsætninger).

måske hans mest berømte arbejdet er ‘maske af sorg’, et 15 meter monument i Magadan, dedikeret til mindet om ofre for politisk undertrykkelse. Det står på stedet for en Stalin-æra transitlejr, hvorfra fanger blev sendt til Kolyma arbejdslejre.

Vladimir Nemukhin

nemukhin er en af de vigtigste repræsentanter for sovjetisk ikke-konformistisk kunst. Han blev udvist fra kunstinstituttet for sit radikale sprog og blev officielt forbudt, selvom han nød popularitet blandt offentligheden i perioden med Khrusjtjov-optøningen.

i 1956 mødte han Oscar Rabin og sluttede sig til Lianosovo-gruppen. I mange år var hans yndlings trick, hans “underskrift” og emnet for mange af hans værker spillekort. De var altid til stede i hans værker – som et enkelt kort, parvis eller i kabale – bliver et symbol på fremtidens usikkerhed.

Mikhail Nesterov

religiøs kunstner Nesterov skabte billedet af “den russiske Kristus” gennem billedet af Sergius af radonesj, en russisk-ortodokse kirke helgen og asketisk. Nesterov dedikeret en enorm cyklus af malerier til ham, men betragtes ‘visionen til de unge… hans bedste arbejde nogensinde.

og alligevel beskadigede Nesterov (som sjældent var tilfreds med sine værker og ofte ødelagde dem) også dette lærred: han faldt på billedet, da han malede ungdommens ansigt for hundrede gang.

Timur Novikov

Novikov er grundlægger og leder af en af de vigtigste kunstforeninger i den russiske samtidskunst i 1980 ‘ erne kaldet nye kunstnere. En gang udstillede han et krydsfinerskærm med et hul i det og kaldte værket ‘Nulobjekt’. Novikov er bedst kendt for sin stofapplikationsklima.

han blev krediteret med fortsættende kunst i Moskva, 1989
Moskva Museum of Modern Art

arbejdet i den russiske avantgarde i nye virkeligheder og med nye materialer. I slutningen af 1990 ‘ erne udstillede han på Tate i Liverpool, på Stedelijk i Amsterdam, på museer og gallerier i Berlin, Hamborg, Paris, Moskva og Skt.

Boris Orlov

en klassiker af sots kunst, i hans værker udforsker orlov den kejserlige stil og fænomenet et imperium i videste forstand. Hans værker kan skildre forskellige historiske epoker i forskellige kulturer, men de drejer sig alle om et emne – det patriarkalske system baseret på ideen om dominans.

en af hans yndlingsmetoder er brugen af militaristisk tilbehør: “fordi et imperium normalt har et militært ansigt. Og selv en ikke-militær sætter på en uniform.”

Anatoly Osmolovsky

Osmolovsky er Ruslands vigtigste aktivistiske kunstner, hvis handlinger, poesi, foredrag og endda kampe udgjorde en spændende politisk erklæring i 1990 ‘ erne. han bar et køleskab med en Lenin-buste inde til Røde Plads; lagde et uanstændigt ord på samme plads med ligene af sine kammerater; røget på skulderen af Mayakovsky-statuen og stod bag mange andre handlinger og begivenheder.

In 1998 barrikaderede han og 300 andre aktivister for Bolshaya Nikitskaya Street, der fører til Kreml, i tre timer og dedikerer deres handling til den franske revolution i 1968. Syv ledere af denne procession blev efterfølgende dømt og idømt bøder.

Vasily Perov

mange af Perovs malerier fremkaldte opvarmede debatter blandt hans samtidige. Kunstneren malede scener fra almindelige menneskers hårde liv. ‘Trojka…’, der skildrer børn, der blev bragt fra landsbyen til byen som lejet arbejdskraft, er måske hans bedste arbejde med dette emne.

Yuri Pimenov

Pimenov var en loyal tilhænger af det kommunistiske partis Kunstpolitik. I de mørkeste tider af Stalins udrensninger malede han idylliske scener af det sovjetiske folks hverdag og forherligede fabriks-og plantearbejdere.

hans ‘nye Moskva’, 1937
Tretyakov Galleri

hans ‘nye Moskva ” er et af de bedste eksempler på socialistisk realisme: en kvinde, som et symbol på en ny æra, kører gennem blomstrende Moskva. Man antager, at hendes destination ikke er mindre lys og smuk fremtid.

Pavel Pepperstein

pepperstein blev født og voksede op i kredsen af Moskva-konceptualister (hans far er den berømte kunstner Viktor Pivovarov). Måske var det derfor, hans kreative impuls blev næret fra begyndelsen. I dag er Pepperstein en af de mest produktive russiske kunstnere og en berømt forfatter.

i sine værker skaber han hele fiktive verdener og sin egen mytologi. Hvilket gør ham særlig populær blandt intellektuelle.

Petrov-Vodkin

han var søn af en skomager, der ønskede at male ikoner. Selvom han ikke blev ikonmaler, blev kunstneren verdensberømt af sit billede af Messias afbildet som en ung mand på en rød Hest. Oprettet et par år før den russiske Revolution, betragtes dette maleri som profetisk og har mange fortolkninger. Ifølge en teori er hesten Rusland, som ventede på en “rød” skæbne i det 20.århundrede.

Dmitri Prigov

ved uddannelse, Prigov var billedhugger, og sådan levede han i sovjetiske tider, selvom al hans travle kreative aktivitet var rettet mod at blive et “monument” selv. I 1970 ‘ erne blev han også kendt som en digter, der gjorde sine betragtninger til virkelige forestillinger. Hans såkaldte ‘dåser’, der angiveligt indeholder enkelte ord og hele digte, ligner Piero Mansonis dåser med “kunstnerens lort” skrevet på dem. Således ligestillede Prigov digte med alle de andre sekret i kroppen.

med ankomst af perestroika flyttede Prigov væk fra poetiske forestillinger til konceptuel kunst: han skabte grafisk kunst, installationer, collager, krydsning af ideer, ord og tanker, “dechiffrering af kulturgenomet” og nye symboler.

Vasily Polenov

en af de førende religiøse kunstnere, Polenov ønskede at skabe noget så ambitiøst som Ivanovs ‘Kristi udseende før folket’. Til dette formål tog han ud på en årelang rejse gennem Konstantinopel, Palæstina, Syrien og Egypten, hvorfra han bragte de første skitser til ‘Kristus og kvinden taget i utroskab’, hans hovedværk. Rejsen fra ideen til færdiggørelsen af lærredet baseret på en scene fra Johannesevangeliet tog ham så længe som 15 år.

Lyubov Popova

trods død meget ung (af skarlagensfeber) > i en alder af 35 sammen med sin søn) formåede kunstneren i sin levetid at være en futurist, en elev af Malevich, en dygtig kubisme og endelig en konstruktivist. Det var i den endelige kapacitet, at Popova designede arbejdstøj til” revolutionære ” erhverv.

Viktor Pivovarov

Unlike his colleagues, this classic of Moscow Conceptualism largely focused on the “secret life of the human soul”. Med ordene fra kunstnerens søn, Pavel Pepperstein,” hele sit liv har Pivovarov malet sjælens rum”, hvor alle eksterne egenskaber, som udsigten fra vinduet, bliver en del af det.

pivovarovs vigtigste “opfindelse” var genren af et konceptuelt album. Det er i denne genre, at han skabte en af sine mest berømte cykler, ‘Projects for a Lonely Man’, der maler den daglige rutine, drømme, interiør og endda himlen til en helt, der oplever ekstrem ensomhed. I øvrigt genkender mange seere sig i heltens daglige rutine. “I princippet har det ikke ændret sig meget,” siger kunstneren.

Vasili Pukirev

“blandt sine medartister og studerende efterlod han en varm og varig hukommelse og i russisk kunsthistorie – et strålende, omend et kort spor,” sagde kunstnerens samtidige i hans nekrolog. Faktisk blev Pukirev, som en række af hans kolleger, forfatter til et mesterværk.

‘The ulige ægteskab’ drev ham til rækken af de førende genremalere i midten af det 19.århundrede, men forblev pukirevs eneste mesterværk.

Recycle group

kunstgruppen Krasnodar blev oprettet i 2008 og har allerede udstillet tre gange på venedigbiennalen med samlede installationer og multimedieprojekter om augmented reality. Alle deres værker handler på en eller anden måde om livet for en moderne person i en tid med internettet og forskellige gadgets.

‘Conversion’ er en kæmpe konstruktion med skulpturer og basrelieffer, der skildrer “neo-apostle”, bærerne af en ny religion kaldet “globalt netværk”.

Oscar Rabin

Rabin er leder af nonconformism, den uofficielle sovjetiske kunst fra 1960-1970 ‘ erne. hans malerier er fulde af alt, hvad der blev forbudt af officiel sovjetisk kunst-kaserner, skraldespild, vodkaflasker og krøllede aviser. De skildrer den anden og større side af den blanke sovjetiske virkelighed.

The kunstner sagde, at alt det affald fra forstæderne var han selv: “jeg har malet et billede hele mit liv – mit portræt på baggrund af landet.”

Nicholas Roerich

en filosof, rejsende og orientalist kunstner med en helt unik stil, Roerich efterlod en arv bestående af mere end 7.000 malerier og skitser, hvoraf mange nu opbevares i verdens bedste museer. Han tilbragte hele sit liv på rejse, hvorfra han trak sine undersåtter – fra en ekspedition i Himalaya og Indien til Centralasien.

‘gæster fra udlandet’, 1902
Tretyakov gallery

‘gæster fra udlandet’, 1902 fra udlandet ‘ blev malet i Paris og fortæller om rejser i det gamle Rusland.

Ilya Repin

Repin var meget god til at skildre folks lidelser i det 19.århundrede. Pramtransportørernes og revolutionærernes hårde liv, hverdagsscener fra de lavere klassers liv, folks processioner – alle disse emner gjorde ham til en nøglefigur i russisk realisme og en kunstner af social historie. Alligevel skildrer hans mest kontroversielle maleri en episode fra en anden æra.

historien om Ivan The Terrible, der dræber sin egen søn, er så kontroversiel (historikere argumenterer stadig for, om det virkelig skete eller ej), at Repins mesterværk gentagne gange blev angrebet, selv i kunstnerens levetid. Det seneste angreb fandt sted i 2018, da en beruset vandal sprøjtede lærredet med maling.

Fyodor Rokotov

Petersborg adel i det 18.århundrede, mens Aleksandra struyskaya afbildet af ham blev betragtet som en af de smukkeste kvinder i århundredet.

kunstneren var så populær, at han til enhver tid kunne have op til 50 ufærdige portrætter i sin lejlighed. I 1763 malede han kroningsportrættet af Catherine II.

Alexander Rodchenko

Rodchenko, the “father” of Soviet advertising and design, a constructivist and an avant-garde artist, embraced the Bolshevik Revolution.

hans plakat til Lengis, det vigtigste og eneste officielle sovjetiske Forlag, er et slående eksempel på avantgarde-reklame med alle dens foretrukne teknikker i form af geometriske designs og lyse pletter. I midten er et fotografi af Lilya Brik, “den russiske avantgardes muse”.

Olga Rosanova

In the historien om den russiske avantgarde, hendes ‘grønne stribe’ er ikke mindre markant end Malevichs ‘sorte firkant’. Først forblev kunstneren og hendes bedste arbejde imidlertid i skyggen af den største suprematist, og senere blev de næsten helt glemt indtil deres genopdagelse i 1970 ‘ erne.

Rosanova opnået endnu mere end Malevich gjorde: hun satte ikke kun farven over formen, hun løste også med succes dilemmaet i baggrunden. Hendes stribe ligner en projektion snarere end en figur på lærredet, det ser ud til, at det fortsætter ud over rammen. Det var første gang i historien om abstrakt maleri, at denne effekt blev opnået.

Andrei Rublev

de mest populære > berømt religiøs kunstner i russisk historie skabte Andrei Rublev en standard for ortodoks ikonmaleri. I det 16.århundrede blev hans værker anerkendt som en model, som alle ikonmalere skulle stræbe efter, mens hans “treenighed” blev det åndelige symbol på al russisk kunst.

lidt er kendt om Rublev selv. Han var en munk og viet hele sit liv til Gud og maleri. I 1988 kanoniserede den russisk-ortodokse kirke ham som en helgen.

Aidan Salakhova

mange beskriver Salakhovas kunst som “feministisk” og “politisk”, fordi den udforsker øst og vest, det mandlige og det kvindelige, i en slående kombination af køn og islam. Marmor falliske minareter og sorte Kaaba vaginaer har gjort hende berømt og genkendelig over hele verden.

på venedigbiennalen i 2011 måtte hendes ‘forbøn’, en skulptur af en kvinde i en nikab, dækkes med et hvidt ark, efter at præsidenten for Aserbajdsjan (‘forbøn’ blev vist i Aserbajdsjans pavillon) forsøgte at censurere det. Mange så en enorm ironi i den: skulpturen var dækket af et slør, fordi præsidenten ikke kunne lide det, at det skildrede en kvinde i et slør.

Serebriakova

i betragtning af sin status i populærkulturen er dette portræt måske blevet serebriakovas hovedværk. For mange gør dens spontane og ærlige natur det til et symbol på kvindelighed.

da portrættet først blev præsenteret for offentligheden, sagde kunstneren Valentin Serov om det: “en meget flot og frisk ting.”Billedet blev straks købt af Tretyakov Gallery.

Valentin Serov

for den russiske elite blev siddende til et portræt af Serov betragtet som en ære. En mester i psykologiske portrætter, den russiske impressionist Valentin Serov, malede berømte komponister, forfattere, medlemmer af den kejserlige familie og russiske prinser.

og endnu mere, en af hans mest betydningsfulde og berømte lærred er portræt af en 12-årig pige, Vera Mamontova. Hun var datter af en stor iværksætter og filantrop, Savva Mamontov, men Serov fjernede senere sit navn fra billedtitlen. Ifølge kunstneren malede han ikke datteren til en berømt person, men ungdommen selv.

i næsten 30 år boede siemiradski i Rom. Han fik ry for en af de mest fremtrædende repræsentanter for sen europæisk akademisme, men ikke med det samme og ikke blandt alle. Kunstneren var kun interesseret i den antikke verden med sine myter, festligheder og orgier, for hvilke han fik en masse flak hjem, hvor Peredvishniki allerede var på mode med deres skildring af bønder, fattige forældreløse og andre elementer af “livets sandhed”.

for eksempel betragtede den mest indflydelsesrige kunstkritiker af tiden, Vladimir Stasov, siemiradski som en håbløs klassiker, der “var blevet bytte for alt italiensk”. På sin side kaldte Ilya Repin ham en charlatan, mens den berømte samler Tretyakov nægtede at købe sine værker. Russiske tsarer har dog altid været fans af akademisme: for eksempel blev’ Phryne ‘ købt af Aleksandr III direkte fra udstillingen.

Aleksej Savrasov

en kunstner af lyriske Landskaber, Savrasov fik hurtigt berømmelse og anerkendelse: i en alder af 24 var han allerede blevet medlem af Kunstakademiet. Imidlertid, ned generationer, denne realistiske kunstner huskes som en “one-hit vidunder”: ingen af hans mange landskaber kan sammenlignes i popularitet med ‘The Rooks…’. Hvert skolebarn i Rusland kender dette lærebogsbillede, fordi de sandsynligvis har været nødt til at skrive et essay om det.

Ivan Shishkin

Hvis du ser et maleri af en fantastisk russisk skov eller marker med fyrretræer på siden af vejen, kan du være sikker på, at det er en Shishkin. Ifølge en meningsmåling foretaget af All-Russia Public Opinion Research Center er han den mest genkendelige kunstner i Rusland.

hvilket kan i høj grad skyldes Mishka kosolapy (klodset bjørn) slik, hvis indpakning indeholder et fragment af dette billede. Og alligevel malede ingen fjerntliggende krat, enge og marker som ham, hverken med hensyn til mængde eller kvalitet. Skoven var alt, hvad Shishkin nogensinde var interesseret i.

Sylvester Shchedrin

mange russiske kunstnere fra det 19.århundrede besøgte Det Europæiske kunstneriske Mekka, Italien, men få gjorde det til deres kreative hjem. Landskabsmaler Shchedrin tilbragte næsten hele sit liv med at skildre Italiens skønhed, og især Napoli. Det var også her, han døde, før han nåede 40. He painted his charming ‘Sorrento’ four years before his death.

Leonid Sokov

en repræsentant for Sots-Kunst og, som han selv kaldte det, “folkepopkunst”, i mere end 30 år arbejdede Sokov med myter, billeder og symboler i den russiske kultur og sidestillede dem med den vestlige civilisation.

kunstneren og billedhuggeren forlod Sovjetunionen til USA for at “ikke bryde” under pres fra det totalitære system i statsordenen, der dikterede alt til kunstneren, ned til de mindste detaljer: “i hvilken hånd Lenin skulle holde sin hætte, hvor længe pionerens bukser skulle være, og som var marks drejefod,” sagde Sokov.

Vasily Surikov

Surikov lavede et navn for sig selv ved at skildre forskellige tragiske øjeblikke i russisk historie. For eksempel fortæller’ Boyarina Morosova ‘ historien om den hårde kamp mod gamle troende: Morosova bliver kørt ud til et nonnekloster (hvilket svarede til fængsel) på tidspunktet for kirkeskismen.

Vladimir Tatlin

selvom monumentet til tredje internationale, eller Tatlins tårn, blev aldrig bygget, blev det kunstnerens mest emblematiske hjernebarn og kendetegnende for konstruktivisme over hele verden. Tatlin designede sit tårn som et symbol på revolutionen i 1917, der skulle opføres i Leningrad (nu Skt.

dog af i slutningen af 1920 ‘ erne mistede den sovjetiske ledelse interessen for avantgarde-kunstnere og stoppede med at engagere sig med dem, så tårnet blev aldrig bygget.

Oleg Tselkov

hele vejen igennem hans liv, denne ikke – konformistiske kunstner har malet praktisk talt en og samme karakter-et deformeret menneskeligt billede, en mutant. “Dette er ikke et portræt af en bestemt sitter, men et universelt portræt… og en frygtelig velkendt ved det, ” forklarede Tselkov. “Det lykkedes mig ved et uheld at rive masken af menneskeheden.”

den sovjetiske ledelse var ikke særlig glad af denne”flip side af en menneskelig personlighed”. I 1977 blev Tselkov bedt om at forlade landet, og han gik til Frankrig. Det var først i 2015, at han blev russisk statsborger igen.

Pavel Tchelitchey

div denne patriark af mystisk surrealisme blev født i Rusland, men tilbragte det meste af sit liv i Europa og Amerika, hvor han udviklede teknikken til sine berømte antropomorfe landskaber. På grund af ligheden i stil beskrives han ofte som “den russiske Dali”, bortset fra at Tjelitchev var den første til at vise elementer af mystisk surrealisme i sine værker: de siger, ni år før, Salvador Dali gjorde det samme.

i disse dage kan hans værker findes i store europæiske museer og samlinger, mens i Rusland kun Tretyakov Galleriet har en enkelt tchelitchey. ‘Fænomener’ blev hemmeligt bragt til Rusland af en ven af Tchelitchey, koreograf Lincoln Kirstein. Han overleverede det til Tretyakov-Galleriet, men indtil midten af 1990 ‘ erne forblev det i museets opbevaringsrum.

Simon Ushakov

The Romanovs tog tronen i 1613. Dynastiet styrede landet i århundreder, men i begyndelsen havde det brug for noget for at bekræfte dets legitimitet. En stor rolle i dette blev spillet af billedet af den kongelige familie slægt skabt af ikonmaleren Ushakov. Kunstkritikere kalder det den første og bedste begrundelse for påstanden om, at Romanoverne fik deres magt ovenfra.

omanoverne må have været enige i denne vurdering: de gjorde Ushakov til Imperiets øverste ikonmaler og oversvømmede ham med favoriserer indtil hans død.

Viktor Vasnetsov

Vasnetsov prøvede sig i forskellige stilarter og typer arbejde, fra at male kirkefreskoer (som i Frelserens Kirke på det spildte blod i Skt. Men for de fleste russere er han udelukkende forbundet med tegn fra russiske eventyr. I populær fantasi ser disse tegn meget ud som Vasnetsov skildrede dem.

maleriet ‘bogatyrs’, der skildrer populære slaviske superhelte Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets og Alyosha Popovich, tog ham næsten 20 år at gennemføre.

Aleksey Venetsianov

Venetsianov var en af de første kunstnere, der skildrede scener fra almindelige menneskers liv og skabte sig et navn i “bondegenren”. Samtidig var han ikke særlig interesseret i det praktiske i bøndernes hverdag.

hans malerier handlede mere om rummelighed, frihed og uendelighed. Mange mener, at hans’ høster ‘ maleri indbegreber det sande russiske landskab.

Vasily Vereshchagin

en maler af kampscener, Vereshchagin malede normalt det, han så med sine egne øjne. Han havde været i mange krige og havde rejst verden fra Indien til Syrien. Han organiserede selv sine udstillinger i London og viste ofte ikke kun sine malerier, men også trofæer fra slagmarken.

men hans ‘apotheose af krig’ er en undtagelse, idet han malede det ikke fra livet, men fra en ide i hovedet. På sin ramme skrev kunstneren: “Dedikeret til alle store erobrere-fortid, nutid og fremtid.”

Mikhail Vrubel

Vrubel er primært forbundet med billedet af en dæmon, som han malede gentagne gange og obsessivt. Billedet af en faldet engel, der lider af hans dæmoniske natur, var inspireret af Mikhail Lermontovs digt med samme navn. Vrubel lavede omkring 30 skitser til dette maleri.

Vrubel indrømmede, at han også havde set en dæmon i sine mareridt. En akut psykose, som kunstneren udviklede i sit senere liv, kombineret med hans besættelse af et enkelt billede fik hans samtidige til at konkludere, at Vrubel var blevet gal af hans afhængighed af dæmonisme.

veisberg skiller sig ud i sammenhæng med russisk kunst: han tilhører hverken officiel kunst eller ikke-konformister. Hans varemærkestil er såkaldt” hvidt maleri”, billeder, der ser ud til at være malet med hvid maling på en hvid baggrund. Han forsøgte at opnå “usynlig kunst”.

han er den russiske konge af kitsch, uden hvem ingen større udstilling af samtidskunst kan gøre. Jesjetov tilhører generationen af sovjetiske kunstnere, der var de første til at komme ind i den internationale kunstscene og blev kendt som “moderne russisk kunst”.

Der var en tid, hvor han blev fornærmet for at blive kaldt en “kunstner”. Han sagde: “Jeg er en person, der tilbyder fortolkninger… Alt jeg gør er citater og samlinger.”

Anatoly Sverev

han omtales ofte som “den russiske Van Gogh”. Robert Falk sagde om ham:” hver berøring af hans børste er uvurderlig”, mens Picasso selv gentog ham. I slutningen af 1950 ‘ erne kom han ind på kunstscenen, og i 1965 blev hans første internationale udstilling afholdt i Motte i Paris, selvom han selv aldrig rejste til udlandet.